Scopri in 360 VR come i principi chiave della cultura giapponese e in particolare come Rei Kawakubo, sotto la sua etichetta Comme Des Garçons, abbia cambiato le nozioni di bellezza, eleganza e genere di un’intera cultura.

All’inizio degli anni ’80, Rei Kawakubo ricevette una risposta contrastante a Parigi a progetti che sfidavano i valori estetici esistenti nei paesi occidentali a causa della loro acromaticità, vestibilità ampia, asimmetria e buchi e lacrime creati deliberatamente. Tuttavia, da allora ha mantenuto un atteggiamento coerente nel sfidare gli stereotipi nella progettazione di abiti.

Un pezzo di Rei Kawakubo che ha attirato l’attenzione dell’occidente sulla moda giapponese. La forma apparentemente complessa del maglione è stata creata essenzialmente da un pannello dritto e ha un aspetto voluminoso e dinamico. Le maniche larghe che si estendono a sinistra e a destra assomigliano a maniche a kimono. La gonna si abbassa asimmetricamente in risposta alle forme irregolari create dal maglione leggermente appeso.

Rei Kawakubo
Rei Kawakubo è una stilista giapponese con base a Tokyo e Parigi. È la fondatrice di Comme des Garçons e Dover Street Market. In riconoscimento dei notevoli contributi alla progettazione di Kawakubo, una mostra dei suoi disegni intitolata Rei Kawakubo / Commes des Garçons, Art of the In-Between, inaugurata il 5 maggio 2017 al Metropolitan Museum of Art di New York City.

“Se faccio qualcosa che penso sia nuovo, verrà frainteso, ma se alla gente piacerà, rimarrò deluso perché non li ho spinti abbastanza. Più persone lo odiano, forse più è nuovo. Perché il problema umano fondamentale è che le persone hanno paura del cambiamento. Il posto che cerco sempre, perché per mantenere il business, devo fare un piccolo compromesso tra i miei valori e quelli dei clienti, è il luogo in cui faccio qualcosa che potrebbe quasi, ma non del tutto, essere compreso da tutti. ”

Comme des Garçons: Arte degli In-Between
Dalla fondazione di Comme des Garçons (“come alcuni ragazzi”) nel 1969, il designer con sede a Tokyo Rei Kawakubo (nato nel 1942) ha costantemente definito e ridefinito l’estetica del nostro tempo. Stagione dopo stagione, collezione dopo collezione, ribalta le nozioni convenzionali di bellezza e sconvolge le caratteristiche accettate del corpo alla moda. Le sue mode non solo si distinguono dalla genealogia dell’abbigliamento, ma resistono anche alla definizione e all’interpretazione confusa. Possono essere letti come koan Zen o indovinelli ideati per confondere, stupire e confondere. Al centro del suo lavoro ci sono il koan mu (vuoto) e la relativa nozione di ma (spazio), che coesistono nel concetto di “in mezzo”. Questo si rivela come una sensibilità estetica che stabilisce una zona inquietante di ambiguità visiva ed elusività.

Rei Kawakubo / Comme des Garçons: Art of the In-Between esamina nove espressioni di “in-Betweenness” nelle collezioni di Kawakubo: Absence / Presence; Design / Not Design; Moda / Antifashion; Modello / multipla; High / Low; Quindi ora; Sé / Altro; Oggetto soggetto; e vestiti / non vestiti. Rivela come i suoi progetti occupano gli spazi tra queste dualità – che sono diventati naturali piuttosto che sociali o culturali – e come risolvono e dissolvono la logica binaria. Sfidando loro stessi una facile classificazione, i suoi abiti espongono l’artificialità, l’arbitrio e la “vacuità” delle dicotomie convenzionali. L’arte di “intermedio” di Kawakubo genera mediazioni e connessioni significative, nonché innovazioni e trasformazioni rivoluzionarie, offrendo infinite possibilità di creazione e ricostruzione.

1. Assenza e presenza
Il concetto di “in-Betweenness” si riflette nel design, una collaborazione tra Kawakubo e The Met. Mu (vuoto) è suggerito attraverso il leitmotiv architettonico del cerchio, che nel buddismo Zen simboleggia il vuoto, e ma (spazio) è evocato attraverso l’interazione di forme strutturali. Ma esprime sia il vuoto che il volume, una cosa con e senza forma, non definita da confini concreti. Amplificato dal bianco candido delle superfici della galleria, l’effetto visivo è sia di assenza che di presenza. Kawakubo considera le sue mode e i loro ambienti come una Gesamtkunstwerk, o “opera d’arte totale”. Questa sintesi si riflette nella mostra, concepita come espressione completa dell ‘”universo” di Comme des Garçons. È destinato ad essere un’esperienza olistica e coinvolgente,

2. Progettare / non progettare
Design / Not Design esplora l’approccio intuitivo di Kawakubo alla creazione di capi. Non avendo ricevuto alcuna formazione formale sulla moda, Kawakubo persegue tecniche e metodi di costruzione spontanei e sperimentali. Di solito, il suo processo creativo inizia con una sola parola o un’immagine astratta trasmessa ai suoi modellisti. Una volta ha presentato alla sua squadra un pezzo di carta stropicciata e ha richiesto uno schema che esprimesse qualità simili, come si vede in un abito di carta marrone modellato e attorcigliato attorno al corpo dalla sua collezione The Future of Silhouette. ricorrono nelle collezioni Kawakubo: fusione, squilibrio, incompiuto, eliminazione e design senza design. Queste modalità espressive, tutte radicate in un principio estetico buddista Zen noto come wabi-sabi, convergono in un abito di jersey di cotone bianco strappato e patchwork della sua collezione Patchworks e X; un abito con 15 strati di cotone grezzo e non sbiancato di Clustering Beauty; insiemi di toiles di tela di cotone appiattiti, stratificati e cuciti di Crush; e capi che presentano pezzi con motivi a vista e riconfigurati di Adult Punk, Fusion e Adult Delinquent.

3. Moda / Antifashion
Nel 1979 Kawakubo divenne “insoddisfatto” delle sue collezioni, che fino a quel momento erano state infuse da influenze folcloristiche giapponesi. Come ha spiegato: “Ho sentito che avrei dovuto fare qualcosa di più direzionale, più potente … Ho deciso di iniziare da zero, dal nulla, per fare cose che non erano state fatte prima, cose con un’immagine forte”. Questa rottura, la prima delle due nella sua carriera, stabilì Kawakubo come l’archetipo del designer modernista, la cui ricerca dell’originalità (o ciò che lei chiama “novità”) divenne la caratteristica distintiva di ogni collezione successiva. , che suscitò reazioni estreme da parte della critica quando furono mostrate a Parigi, a causa del loro ripudio a molti canoni prevalenti della moda occidentale. In termini di Kawakubo ‘

4. Modello / multiplo
Oltre alla sua ricerca della “novità”, Kawakubo mostra molte altre preoccupazioni per il modernismo d’avanguardia. Forse il più notevole è la tensione tra originalità e riproduzione, che viene esplorata in Model / Multiple attraverso la collezione Abstract Excellence. Commentando allora, Kawakubo ha spiegato: “[Il mio obiettivo era] progettare da forme informe, astratte, intangibili, senza tener conto del corpo. L’elemento migliore per esprimere la collezione è la gonna.” In totale, la collezione presenta 34 gonne, molte delle quali sono visualizzate qui. Attraverso i concetti di serialità e ripetizione, il designer ha creato l’illusione di uniformità e standardizzazione. Tuttavia, sottili cambiamenti di colore, tessuto, e la forma (l’ultima ottenuta attraverso lievi spostamenti nella posizione e nella direzione delle cuciture) segna ogni gonna come individuale e distintiva. Meditazione sulle variazioni di una singola forma, la collezione rappresenta una potente dichiarazione sull’instabile connessione tra opere d’arte uniche e merci prodotte in serie.

5. Alto / Basso
Cultura d’elite / Cultura popolare | Buon gusto / cattivo gusto | L’alto / basso esamina l’ambigua relazione tra élite e cultura popolare – un’altra preoccupazione modernista – attraverso la collezione Kawakubo Motorbike Ballerina. Gli ensemble combinano tutù e giacche di pelle nel tentativo di conciliare la cultura “alta” del balletto con la sottocultura “bassa” di motociclisti o “ingrassatori”. Kawakubo ha descritto la collezione come “Harley-Davidson ama Margot Fonteyn”, un riferimento al produttore di motociclette americano e alla prima ballerina britannica. Il linguaggio estetico dello street style ha affascinato da tempo Kawakubo. Lo implementa spesso in esplorazioni parodiche del gusto, come nella collezione Bad Taste, che incorpora stili punk e fetish. Utilizzando tessuti ritenuti economici, kitsch e volgari,

6. Allora / Ora
Passato / Presente / Futuro | Nascita / Matrimonio / Morte Gli esperimenti di Kawakubo con “in-Betweenness” si riferiscono allo sviluppo del modernismo come progetto in corso. Questa idea viene esplorata in Then / Now, che si concentra sul rapporto del designer con il tempo attraverso le collezioni Modern Sweetness, Sweeter Than Sweet, Body Meets Dress — Dress Meets Body, Inside Decoration e White Drama. Nel corso della sua carriera, Kawakubo ha ispirato la storia della moda per ispirazione. Ha un’affinità per le sagome esagerate del 19 ° secolo, ottenute attraverso trambusto e crinoline. Nelle sue mani, tuttavia, le sagome sono così radicalmente e profondamente riconfigurate da sradicare la storia. Le mode di Kakakubo impongono un’immediata intensità, enfatizzando strenuamente il qui e ora. Mette in dubbio sia la logica della continuità temporale sia il ritmo presuntivo della vita – nascita, matrimonio, morte – come si vede nelle collezioni Broken Bride, White Drama e Ceremony of Separation. Queste mode sostengono un livello di libertà personale che può essere raggiunto solo negli intervalli tra le tradizioni dello stadio di vita di una società, sovvertendo così le ideologie codificate nel continuum nascita-matrimonio-morte.

7. Auto / Altro
Est / Ovest | Maschio / femmina | Bambino / Adulto | Self / Other evidenzia l’esplorazione di Kawakubo delle identità ibride che confondono i confini delle definizioni convenzionali di cultura, genere ed età. Le opere presenti nelle sottosezioni Est / Ovest e Maschile / Femminile combinano tradizioni di abbigliamento orientali e occidentali e maschili e femminili. Storicamente, questi sono vagamente definiti avvolgendo e drappeggiando in relazione a capi orientali e femminili e sartoriali rispetto a capi occidentali e maschili. La moda maschile / femminile fonde anche tipi di abbigliamento tipicamente associati a uomini e donne, come pantaloni e gonne — in un completo. La creazione di identità ibride attraverso la fusione è ulteriormente esaminata in Child / Adult, che si concentra su ensemble che non solo sfidano le regole della vestizione adatta all’età ma coinvolgono anche il concetto di kawaii (carineria), un aspetto chiave della cultura popolare giapponese definita da giocosità e performatività. La nozione di kawaii è portata all’estremo in un abito floreale rosa con un orsacchiotto imbottito oversize mimetizzato nelle sue pieghe e pieghe.

8. Oggetto / Soggetto
Oggetto / Soggetto considera corpi ibridi. Il focus è sulla collezione di Kawakubo Body Meets Dress — Dress Meets Body, che propone un ripensamento radicale della forma umana attraverso indumenti imbottiti di nylon elasticizzato e poliuretano in una gamma di colori e fantasie, tra cui rosa da ragazza bubblegum e percalle blu polvere. La maggior parte delle imbottiture sono disposte in modo asimmetrico, creando rigonfiamenti bulbosi che presentano un’illusione di dismorfia e sovvertono il linguaggio tradizionale del corpo alla moda (vita piccola, fianchi sottili, fondo inferiore, pancia piatta e seno piccolo e alto). I riferimenti a tumori e gobbi abbondano nelle recensioni della raccolta, che i critici hanno battezzato “grumi e protuberanze”, un moniker che suggerisce un corpo malato, deformato o mostruoso. Morfologicamente, la collezione offusca i confini tra abito e corpo, oggetto e soggetto. Questo effetto è accentuato nel movimento, un fatto sfruttato dalla coreografa Merce Cunningham nello scenario di danza di 40 minuti, una collaborazione con Kawakubo presentata per la prima volta alla Brooklyn Academy of Music il 14 ottobre 1997. Kawakubo ha spiegato: “Quando i movimenti naturali della danza vengono respinti e confutati, ottieni nuove forme “.

9. Vestiti / Non vestiti
I rivoluzionari esperimenti di Kawakubo con la “via di mezzo” sono portati alla loro logica conclusione in Vestiti / Non vestiti. Le sue otto sottosezioni presentano esempi delle collezioni più recenti della designer, tutte prodotte in seguito alla seconda rottura della sua carriera. Nel 2014 Kawakubo si sentì frustrata per il suo processo di progettazione, che sentì ostacolare la sua ricerca della “novità”. Adottando un metodo radicale di creazione con l’intenzione di “non fare vestiti”, aspirava a tradurre le sue idee direttamente in forme o “oggetti per il corpo”.

9.1 Forma / Funzione

Caratteristiche forma / funzione Not Making Clothing, la prima collezione prodotta da Kawakubo in risposta alla sua aspirazione a progettare “oggetti per il corpo”. Il titolo è una dichiarazione di intenti, una dichiarazione della sua determinazione a favorire la forma pura. In termini di processo, ha cercato di abbandonare la sua precedente esperienza di design e creare dal punto di vista di un bambino ingenuo o di un artista inesperto. Spiegò: “Avrei voluto che ci fosse una nuova droga psichedelica che mi permettesse di vedere il mondo in modo diverso, attraverso gli occhi di un estraneo”.

Questi disegni rompono con le mode tradizionali nel loro rapporto con la figura umana. Forme astratte e strutture tridimensionali si distinguono dal corpo e sagome eccentriche e proporzioni esagerate – che ricordano l’abbigliamento delle bambole – minacciano di oscurare e sopraffare la figura. Mentre esiste una spaccatura definita tra Not Making Clothing e il suo lavoro precedente, ci sono notevoli somiglianze estetiche, tecniche e tematiche, come risulta dall’ensemble della sua collezione del 2009 Tomorrow’s Black. Oltre al colore nero, ha una simile sagoma oscurante per il corpo, ottenuta attraverso il raggruppamento di pezzi di motivi irregolari e fuori misura.

9.2 Astrazione / Rappresentazione

L’astrazione / rappresentazione presenta abiti invisibili, che Kawakubo considera “la versione più chiara ed estrema di Comme des Garçons”. Le qualità astratte e scultoree degli ensemble sono emblematiche della sua indifferenza per le caratteristiche “rappresentative” dell’abbigliamento. Molti dei capi comprendono più versioni fuse insieme, un’idea evidente anche nella collezione 2011 No Theme (Multiple Personities, Psychological Fear). A differenza dei pezzi precedenti, tuttavia, i più recenti interrompono e dissolvono qualsiasi gerarchia tra corpo e vestito.

Gli indumenti inclusi in Invisible Clothes sfidano il dominio del corpo oscurando, spostando e in alcuni casi eliminando elementi figurali come la manica, il corpetto, la scollatura e la vita. Mentre la figura si allontana in volume e planarità o si smaterializza attraverso la frammentazione, il corpo e il vestito diventano interdipendenti e indistinguibili. Di questi disegni, Kawakubo ha osservato: “Se dici che i vestiti devono essere indossati, allora forse non sono davvero vestiti … Non sono arte, ma non devono nemmeno essere vestiti”.

9.3 Bello / grottesco

Le nozioni di bellezza di Kawakubo si sono raramente conformate agli standard accettati. Le espressioni di mu, ma e wabi-sabi nelle sue raccolte dei primi anni ’80, sconosciute alla maggior parte del pubblico occidentale, furono interpretate da alcuni osservatori come grottesche o offensive. Un iconico maglione nero trafitto da fori del 1982 esemplifica ciò che molti critici chiamano “brutta estetica” di Kawakubo. Lo ha soprannominato il suo maglione “pizzo”, chiarendo: “Per me non sono lacrime. Quelle sono aperture che danno al tessuto un’altra dimensione. Il ritaglio potrebbe essere considerato un’altra forma di pizzo”.

Una simile “brutta estetica” è evidente nella più recente collezione MONSTER, il cui titolo si riferisce a “la follia dell’umanità, la paura che tutti noi abbiamo, la sensazione di andare oltre il buon senso, l’assenza di ordinarietà, espressa da qualcosa di estremamente grande, da qualcosa che potrebbe essere brutto o bello “. Gli indumenti racchiudono e restringono la figura in tubi intrecciati e annodati di lana a maglia scura. Come il maglione “pizzo”, queste forme inquietanti e inquietanti contestano ed espandono i limiti accettati della bellezza.

9.4 Guerra / Pace

Per Kawakubo, la creazione è legata alla sfida e alla frustrazione per lo status quo: “Molte volte un tema per una collezione nasce da un sentimento di rabbia o indignazione per le condizioni della società. L’origine di un’idea si trova nel non essere soddisfatto di ciò che esiste già. ” Allo stesso tempo, ha detto: “Non ho alcun desiderio di trasformare i miei progetti in messaggi che affrontano i problemi del nostro mondo”. Quando si tratta dello zeitgeist, tende a impegnarsi simbolicamente e concettualmente.

Un primo esempio è il ruolo dei fiori – un motivo ricorrente per il designer – che viene esplorato in Guerra / Pace attraverso due collezioni: Flowering Clothes e la sua controparte “non abiti”, Blood and Roses. Mentre il primo si concentra sui fiori come simboli positivi di energia, forza e felicità, il secondo estrae le loro connotazioni più scure, più cupe e inquietanti. Affronta il significato storico delle rose come “legate al sangue e alle guerre … conflitto politico, conflitti religiosi e lotte di potere”. Le rose e il sangue appaiono sia in forma letterale che astratta, ed entrambi sono rappresentati attraverso la tavolozza dei colori: un rosso papavero invariato e senza compromessi.

9.5 Vita / Perdita

Mentre Kawakubo è stata descritta come una designer “intellettuale”, insiste sul fatto che il suo lavoro affronta i suoi “sentimenti, istinti, dubbi e paure”. Le sue collezioni contengono narrazioni profondamente personali e auto-riflettenti intrise di intense emozioni e profonda spiritualità. Queste dimensioni espressive sono esplorate in Life / Loss, che elabora i temi della transizione e della temporalità esaminati in Then / Now, estendendoli attraverso i concetti di memoria e memorializzazione.

Si concentra sulla collezione Ceremony of Separation, il cui titolo si riferisce ai modi in cui “la bellezza e il potere della cerimonia possono alleviare il dolore della separazione, per chi parte e per chi dice addio”. Tinti di tristezza e disperazione, gli abiti – con le loro sagome maestose e monumentali – possono essere interpretati come espressioni ponderose di abiti da lutto. Resi in delicato pizzo nero, bianco e oro, rappresentano una meditazione toccante sulla fragilità della vita e sulla finalità della morte. Diversi insiemi sono composti da fasci avvolti, che ricordano la precedente collezione Square, in cui ogni capo è costruito da un unico pezzo di tessuto quadrato. Come i loro discendenti “non vestiti”, questi precursori rappresentano meditazioni sulla pratica rituale, in questo caso la tradizione del pellegrinaggio.

9.6 Fatto / finzione

Fact / Fiction affronta le tendenze narrative di Kawakubo attraverso selezioni da tre raccolte tematicamente collegate: Blue Witch e i suoi predecessori Lilith (dal nome di una demonessa omicida della mitologia babilonese) e Dark Romance, Witch. Mentre la stilista considera le streghe forti, potenti e spesso fraintese, resiste alle interpretazioni dei capi come dichiarazioni femministe. “Non sono una femminista”, ha detto. Né è una fantasista: “Non ho molto in termini di sogni ad occhi aperti o immaginazione fantasiosa. In realtà sono un realista.”

Gli ensemble, tuttavia, sono inequivocabilmente potenzianti e ultraterreni nelle loro forme e sagome. I primi pezzi prendono la rigidità e la severità dell’abbigliamento formale degli uomini e li smantellano attraverso la strategia surrealista di spostamenti inaspettati. In Lilith una giacca viene spostata nella metà inferiore del corpo, mentre in Dark Romance i capi sono attorcigliati per disallineamento e le gonne rivelano le maniche vestigiali. Blue Witch intensifica questo surrealismo attraverso distorsioni di scala che creano un senso di disorientamento e destabilizzazione simile a un libro di fiabe.

9.7 Ordine / Caos

Quando Kawakubo fondò la Comme des Garçons nel 1973, il suo unico scopo era l’autonomia personale. “L’indipendenza ha sempre avuto la massima importanza per me”, ha affermato. Come la ricerca della “novità”, la ricerca della libertà – libertà dalle convenzioni e libertà di espressione – è un attributo che definisce le sue mode. Questa ricerca ha alimentato il suo costante interesse per lo street style, in particolare il punk: “Mi è sempre piaciuto lo spirito [punk], nel senso che è contro la corsa del mulino, il modo normale di fare le cose … Il Punk è contro adulazione.”

Kawakubo ha anche un profondo rispetto per la storia, e la dinamica tra tradizione e trasgressione viene esaminata in Order / Chaos attraverso la sua collezione Punk del XVIII secolo. Gli abiti confondono le strutture pneumatiche e le sagome iperboliche del 1700 con i leitmotiv del punk degli anni ’70, tra cui hardware fetish, imbracature, chiusure e materiali come la plastica in rosa Pepto-Bismol. Il loro anacronistico impiego di jacquard floreali multicolori (non disponibili fino al 1800), spesso messi insieme e collezionati insieme, ricorda una precedente collezione ispirata al punk, Adult Delinquent. Al momento della sua realizzazione, Kawakubo dichiarò: “Sono un delinquente adulto fino alla fine”.

9.8 Vincolato / nessun impegno

“Oggetti per il corpo” della collezione più recente di Kawakubo, The Future of Silhouette, realizzata con ciò che il designer descrive come “non tessuti” o non tessuti, materiali non di moda. Qui, l’ovatta sintetica bianca richiama i suoi primi gruppi simili alla crinolina presenti in Then / Now. Mentre le forme di questi indumenti hanno le loro origini a metà del XIX secolo, tuttavia, le forme di questi pezzi – clessidre distorte e deformate – non hanno riferimenti storici o, per quella materia, sociali o culturali. Questo li collega alle creazioni eccentriche e piene di Body Meets Dress — Dress Meets Body, tranne per il fatto che queste opere mancano notevolmente di aperture per le braccia.

Nonostante il fatto che questi pezzi legano fisicamente il corpo, si sciolgono e lo liberano culturalmente. La moda, per sua stessa natura, è definita dalla rappresentazione idealizzata della società della forma femminile. Questi due “oggetti per il corpo”, tuttavia, non solo respingono ma contestano e sovvertono i canoni accettati. All’inizio della sua carriera, Kawakubo ha spiegato: “Lavoro intorno alla figura, ma non sono mai limitato da ciò che la figura deve essere”. Nelle sue mani, il corpo vestito viene liberato dalle nozioni limitate di luogo, periodo e scopo, occupando ed esprimendo pienamente “un’arte di mezzo”.

Kyoto Costume Institute
L’abbigliamento è parte integrante del nostro modo di vivere, cambiando ad ogni spostamento nella storia e nella società. L’abbigliamento occidentale è l’origine di ciò che molti di noi indossano oggi e il Kyoto Costume Institute (KCI) raccoglie e conserva sistematicamente esempi eccezionali di abbigliamento occidentale nel corso dei secoli, così come i documenti e altri oggetti relativi a quest’area di studio. L’istituto svolge anche attività di ricerca, esponendo o pubblicando successivamente i suoi risultati.