L’arte della protesta è un termine ampio che si riferisce a opere creative che riguardano o sono prodotte da attivisti e movimenti sociali. Ci sono anche opere e correnti di pensiero contemporanee e storiche che possono essere caratterizzate in questo modo.
I movimenti sociali producono opere come segni, striscioni, manifesti e altri materiali stampati usati per trasmettere una particolare causa o messaggio. Spesso, tale arte è usata come parte di dimostrazioni o atti di disobbedienza civile. Queste opere tendono ad essere effimere, caratterizzate da portabilità e disponibilità, e spesso non sono di proprietà o di proprietà di una sola persona. I vari simboli di pace e il pugno alzato sono due esempi che evidenziano la proprietà democratica di questi segni.
L’arte della protesta include anche (ma non è limitata a) prestazioni, installazioni site specific, graffiti e arte di strada, e oltrepassa i confini di generi artistici, media e discipline. Mentre alcune opere d’arte di protesta sono associate ad artisti professionisti e formati, non è richiesta una vasta conoscenza dell’arte per prendere parte all’arte della protesta. Gli artisti di protesta ignorano frequentemente le istituzioni del mondo dell’arte e il sistema di gallerie commerciali nel tentativo di raggiungere un pubblico più ampio. Inoltre, l’arte della protesta non è limitata a una regione o paese, ma è piuttosto un metodo utilizzato in tutto il mondo.
Ci sono molte opere d’arte di valore politico come la Guernica di Picasso, alcune opere di Norman Carlberg del periodo della guerra del Vietnam, o le immagini di torture di Susan Crile ad Abu Ghraib.
Storia
È difficile stabilire una storia per l’arte della protesta perché molte varianti di essa possono essere trovate nel corso della storia. Mentre molti casi di arte di protesta si possono trovare durante i primi anni del 1900, come la Guernica di Picasso nel 1937, gli ultimi trent’anni [quando?] Hanno registrato un forte aumento del numero di artisti che adottano l’arte della protesta come uno stile per trasmettere un messaggio al pubblico.
Poiché la consapevolezza dei giudici sociali in tutto il mondo è diventata più comune tra il pubblico, si può vedere un aumento nell’arte della protesta. Alcune delle opere più criticamente efficaci del recente periodo [quando?] Sono state allestite all’esterno della galleria, lontano dal museo e in tal senso, l’arte della protesta ha trovato un rapporto diverso con il pubblico.
Arte attivista
L’arte attivista rappresenta e include gli sviluppi estetici, sociopolitici e tecnologici che hanno tentato di sfidare e complicare i tradizionali confini e le gerarchie della cultura rappresentate da coloro che detengono il potere. Come l’arte della protesta, la pratica artistica attivista è emersa in parte da un richiamo all’arte per essere collegato a un pubblico più ampio e per aprire spazi in cui gli emarginati e i diseredati possono essere visti e ascoltati.
L’arte attivista incorpora l’uso dello spazio pubblico per affrontare questioni socio-politiche e incoraggiare la partecipazione della comunità e del pubblico come mezzo per realizzare cambiamenti sociali. Mira a influenzare il cambiamento sociale impegnandosi in processi attivi di rappresentazione che lavorano per favorire la partecipazione al dialogo, aumentare la consapevolezza e responsabilizzare individui e comunità. La necessità di garantire il continuo impatto di un lavoro sostenendo il processo di partecipazione pubblica avviato è anche una sfida per molti artisti attivisti. Spesso richiede all’artista di stabilire relazioni all’interno delle comunità in cui i progetti hanno luogo.
Se i movimenti sociali sono intesi come “manifestazioni pubbliche ripetute” di valori politici e culturali alternativi, allora l’arte attivista è significativa nell’articolare tali punti di vista alternativi. L’arte attivista è anche importante per la dimensione della cultura e una comprensione della sua importanza accanto alle forze politiche, economiche e sociali nei movimenti e negli atti di cambiamento sociale. Si dovrebbe essere cauti nel confondere l’arte attivista con l’arte politica, poiché ciò oscura le differenze critiche nella metodologia, nella strategia e negli obiettivi degli attivisti.
Base storica nell’arte e nella politica
L’arte attivista cita le sue origini da un particolare clima artistico e politico. Nel mondo dell’arte, l’arte performativa tra la fine degli anni ’60 e gli anni ’70 ha funzionato per ampliare i confini estetici all’interno delle arti visive e del teatro tradizionale, attenuando la distinzione rigidamente interpretata tra i due. La natura transitoria, interdisciplinare e ibrida della performance art ha consentito il coinvolgimento del pubblico. L’apertura e l’immediatezza del mezzo hanno invitato la partecipazione pubblica, e la natura del mezzo artistico è stato un centro per l’attenzione dei media.
Le forme emergenti del femminismo e dell’arte femminista dell’epoca erano particolarmente influenti per l’arte attivista. L’idea che “il personale è politico”, cioè la nozione secondo cui la rivelazione personale attraverso l’arte può essere uno strumento politico, ha guidato molta arte attivista nel suo studio delle dimensioni pubbliche all’esperienza privata. Le strategie schierate da artisti femministi sono parallele a quelle degli artisti che lavorano nell’arte attivista. Tali strategie spesso implicavano “collaborazione, dialogo, una costante messa in discussione di ipotesi estetiche e sociali e un nuovo rispetto per il pubblico” e sono utilizzate per articolare e negoziare questioni di autorappresentazione, empowerment e identità della comunità.
L’arte concettuale cercò di espandere i confini estetici nella sua critica delle nozioni dell’oggetto d’arte e del sistema di merci entro cui è circolata come valuta. Artisti concettuali hanno sperimentato materiali non convenzionali e processi di produzione artistica. Basati su strategie radicate nel mondo reale, i progetti di arte concettuale richiedevano la partecipazione degli spettatori e venivano esposti al di fuori dello spazio tradizionale ed esclusivo della galleria d’arte, rendendo così l’opera accessibile al pubblico. Allo stesso modo, i metodi collaborativi di esecuzione e le competenze estratte dall’esterno del mondo dell’arte sono spesso impiegati nell’arte attivista in modo da raggiungere i suoi obiettivi per la partecipazione della comunità e del pubblico. Parallelamente all’enfasi sulle idee che l’arte concettuale ha sostenuto, l’arte attivista è orientata al processo, cercando di esporre relazioni di potere incorporate attraverso il suo processo di creazione.
Nella sfera politica, la militanza e la politica dell’identità del periodo hanno favorito le condizioni dalle quali è scaturita l’arte attivista.
Strategia e pratica
In pratica, l’arte attivista può spesso assumere la forma di interventi temporali, come spettacoli, eventi mediatici, mostre e installazioni. È anche comune impiegare tecniche di media mainstream (attraverso l’uso di cartelloni pubblicitari, manifesti, pubblicità, inserti di giornali … ecc.). Facendo uso di questi canali commerciali commerciali, questa tecnica è particolarmente efficace nel trasmettere messaggi che rivelano e sovvertono le sue solite intenzioni.
L’uso della partecipazione pubblica come strategia di attivazione di individui e comunità per diventare un “catalizzatore per il cambiamento” è importante per l’arte attivista. In questo contesto, la partecipazione diventa un atto di auto-espressione o auto-rappresentazione da parte dell’intera comunità. L’espressione creativa dà potere agli individui creando uno spazio in cui le loro voci possono essere ascoltate e in cui possono dialogare tra loro e con le questioni in cui hanno un interesse personale.
The Artist and Homeless Collaborative è un esempio di un progetto che lavora con strategie di partecipazione pubblica come mezzo di empowerment individuale e comunitario. Si tratta di un’affiliazione di artisti, professionisti delle arti e donne, bambini e adolescenti che vivono nei rifugi di New York, gli A & HC credono che il loro lavoro in un progetto collaborativo di art-making offra agli ospiti un’esperienza positiva di auto-motivazione e li aiuti riconquistare ciò che il sistema di protezione e le circostanze della vita distruggono: un senso di identità individuale e la fiducia nell’interazione umana. “Il processo di coinvolgere la comunità in un dialogo con discorsi dominanti e pubblici sul problema dei senzatetto è descritto in una dichiarazione del suo fondatore , Hope Sandrow: “La rilevanza dell’arte per una comunità è esposta in opere d’arte in cui i senzatetto parlano direttamente al pubblico e in una discussione che considerano la relazione che l’arte ha con le loro vite. La pratica della creazione artistica stimola coloro che vivono nei rifugi da uno stato di malessere ad una partecipazione attiva al processo artistico ”
L’A & HC è nata in un momento in cui la critica dei produttori, dei venditori e dei consumatori di arte che si occupavano di problemi sociali si faceva sempre più pronunciata. I critici sostenevano che le stesse opere d’arte il cui scopo era quello di provocare una conversazione politica, sociale e culturale erano confinate all’interno dello spazio esclusivo e privilegiato delle gallerie, dei musei e delle collezioni private. Al contrario, l’A & HC è stato un tentativo di colmare il divario tra la produzione artistica e l’azione sociale, consentendo così ai soggetti di lavoro che erano stati precedentemente esclusi e messi a tacere per essere ascoltati.
Arte della resistenza
L’arte della resistenza è l’arte usata come mezzo per mostrare la loro opposizione ai sostenitori. Ciò include l’arte che si opponeva a poteri come il partito nazista tedesco, così come quello contrario all’apartheid in Sudafrica. Willie Bester è uno degli artisti più famosi del Sud Africa che originariamente aveva iniziato come artista della resistenza. Usando i materiali raccolti dalla spazzatura, Bester costruisce le superfici in rilievo e poi dipinge la superficie con colori ad olio. Le sue opere hanno commentato importanti figure nere sudafricane e aspetti importanti per la sua comunità. Gli artisti della resistenza sudafricana non si occupano esclusivamente di razza, né devono provenire dalle township. Un’altra artista, Jane Alexander, ha affrontato le atrocità dell’apartheid da una prospettiva bianca. La sua arte di resistenza si occupa della società malsana che continua nel Sudafrica post-apartheid.
collezioni
L’archivio del Centro per lo studio della grafica politica contiene attualmente oltre 85.000 manifesti e ha la più grande collezione di manifesti di giustizia sociale post-Seconda Guerra Mondiale negli Stati Uniti e la seconda più grande al mondo. Molte biblioteche universitarie hanno una vasta collezione, tra cui la Joseph A. Labadie Collection presso l’Università del Michigan, che documenta la storia dei movimenti di protesta sociale e delle comunità politiche emarginate dal XIX secolo ad oggi.