Arte portoghese, motivi ed emozioni, Museo Nazionale di Arte Contemporanea, Portogallo

La collezione della mostra “Arte portoghese, motivi ed emozioni”, copre gran parte del suo arco temporale, dalla metà del XIX secolo agli anni ’80, occupando tutte le gallerie del Museo, dall’ala Serpa Pinto. Comincia con la ritrattistica, un tema settecentesco raramente affrontato nei dialoghi generazionali dai collettivi d’artista e con opere sconosciute di Miguel Lupi, Luciano Freire, Veloso Salgado, Duarte Faria e Maia e Constantino Fernandes.

Vengono presentate affinità e permanenze tra paesaggi romantici e naturalistici, sebbene distinti nell’esaltazione del sentimento e del trattamento della luce naturale, simbolismi nostalgici della fine del XIX secolo, da opere significative e da autori poco citati come António Patrício e José de Brito, e spicca una serie di dipinti inediti del Legacy Veloso Salgado recentemente incorporato.

Il senso di modernità dei primi decenni del XX secolo, espresso dai legami di Amadeo de Souza-Cardoso con l’avanguardia internazionale, in particolare le sue proposte astrattiste, è articolato con i movimenti di contestazione della metà del XX secolo e i nuovi parametri figurativi di Paula Rego, nelle principali gallerie del Museo. Vengono rivelate le opere raramente mostrate di Emmérico Nunes, António Soares, Abel Manta, Bernardo Marques, Mily Podez, Jorge Barradas, Hein Semke, Jorge Oliveira e i magnifici collage di Jorge Vieira.

Questo viaggio nell’arte portoghese di centocinquanta anni consente approcci agli autori e opere raramente mostrate, contestualizzando le ragioni tra emozioni e sensibilità artistica. La proposta curatoriale punta a una riflessione sulle implicazioni sociali e politiche e sulle nozioni del modo moderno di essere, dal diciannovesimo secolo, distinguendo nel percorso cronologico, le continuità e i cambiamenti, i gusti e i concetti, nell’arte più completa collezione. contemporaneo, il prossimo e l’originale, giustificando così il nome di questo museo, fondato nel 1911.

Tema
La mostra d’arte portoghese. Motivi ed emozioni, costituiti da pittura, disegno, incisione, scultura, fotografia e video, è diviso in sette nuclei e parte della metà del XIX secolo, con ritratti e paesaggi romantici e naturalistici, e viaggia fino agli anni 2010.

“Mirrors of Souls”, “The Power of Image”, “A Modern Culture”, “Beware of Painting!”, “Forms of Communication and Contestation”, “Languages ​​and Experimentation”, “Postmodernism” sono i titoli di sette core.

Specchio di anime
Concentrandosi sul ritratto del tema del diciannovesimo secolo, con opere di artisti come Columbano Bordalo Pinheiro, António Ramalho, Constantino Fernandes o Veloso Salgado, entrambi con opere inedite, ovvero un ritratto del padre dell’artista dal primo e il ritratto di un giapponese dal secondo.

Il potere dell’immagine
Dal ritratto si passa alla natura e al teatro, come messa in scena del mondo, in un nucleo che inizia con la scultura e con un’opera mai esposta di António Manuel da Fonseca. Anche il collegamento con il teatro è molto presente nell’arte, un riflesso della seduzione della modernità del XIX secolo.

Una cultura moderna
Entra nel modernismo con alcuni artisti come Sousa Lopes, Bernardo Marques, Antonio Soares, Abel Manta, Eduardo Viana o Mario Eloy, che introducono un’estetica futuristica.

Attenzione alla pittura!
Almada Negreiros è il pittore protagonista che, al fine di liberare la patria portoghese dallo spirito di nostalgia, si oppone all’irriverenza, servita da un disegno di osservazione rigoroso e fluido, in dipinti come A Reading, A Nap, Acrobats and Harlequins. , Balletto o Interno, tutti della metà del XX secolo.

Forme di comunicazione e contestazione
Con la fine della seconda guerra mondiale i nuovi movimenti artistici, come l’astrattismo, il neorealismo e il surrealismo, appaiono qui nei dipinti di Fernando Lanhas, Tereza de Arriaga, Antonio Dacosta, Vespeira, Mario Cesariny, Jorge Vieira – con collage. quelli surreali molto poco conosciuti – o Alexandre O’Neill.

Lingue e sperimentazione
Un tema per i movimenti artistici degli anni ’60 -’80, nato dall’urgenza del cambiamento dettato dalla guerra coloniale e rinnovato con la rivoluzione del 1974, in cui gli artisti stavano già attraversando le belle arti con la scenografia, il film o il testo, anche un risultato della sua esperienza nelle stagioni a Parigi, Londra e Berlino, con il sostegno di borse di studio Gulbenkian.

Artisti come Paula Rego, Lourdes Castro, João Vieira, Ana Hatherly, Eduardo Nery Jose Escada, Antonio Sena, Jorge Pinheiro e Jorge Martins sono alcuni degli artisti rappresentativi di questi movimenti.

postmodernismo
i postmodernisti aprono la strada a vari concetti, tra cui l’autoriflessione e l’identità, la distopia dell’architettura modernista o la critica del paesaggio, dove la fotografia è stata utilizzata sperimentalmente, il paesaggio non è immaginario, ma l’aspetto documentario e le opere architettoniche moderne sono criticate.

Julião Sarmento, Fernando Calhau, Victor Pomar, Nuno Cera, Paulo Catrica e Francisco Tropa sono alcuni degli artisti rappresentati in quest’ultimo nucleo della mostra.

Caratteristica dell’arte portoghese
La contemporaneità dell’arte portoghese presenta significativi momenti di rottura, dagli anni ’60 in poi, attraverso il lavoro di autori fondamentali della neo-avanguardia, rompendo con i valori modernisti ereditati dalla politica culturale dell’Estado Novo. La rivoluzione democratica del 1974 segna l’inizio di un nuovo contesto politico, sociale e culturale che determinerà il carattere sperimentale ed eterogeneo dell’arte portoghese nei decenni successivi. Il panorama artistico dei decenni successivi, fino alla fine del XX secolo, sarà caratterizzato dall’autonomia delle pratiche artistiche e dalla consacrazione di nuove lingue da parte di alcuni degli artisti nazionali più affermati, integrando l’arte portoghese nella scena internazionale.

La collezione del Museo Nazionale di Arte Contemporanea ha presentato alcune delle trasformazioni che hanno avuto luogo nell’arte portoghese dagli anni ’60 in particolare.

Eventi e viaggi

Kultur (1962)
Kultur è il primo approccio a quella che sarebbe la produzione più ampia e forse caratteristica di Joaquim Rodrigo. Rodrigo mescolò i quattro colori principali della sua teoria già definita (rosso, giallo, bianco e nero) su uno sfondo ocra, iscrivendo alcuni segni con gli stessi colori, riempiendo le aree o disegnandone i contorni.

Quest’opera allude a un episodio tratto dalla vita politica nazionale, che è stato riconosciuto solo ora, è stato registrato da un dipinto che ha ampliato il suo dominio del mondo e la naturale diversità degli eventi che compongono un tempo.

La figurazione è schematica e sintetica e si avvale di contorni topografici, aderendo rigorosamente agli elementi bidimensionali già familiari dai precedenti lavori di Rodrigo. Anche la narrativa è presente e genera un’articolazione dei segni visivi disposti in modo isolato sul piano. Le affinità con la cartografia sono chiare e costituiscono la nostra comprensione della pittura di Joaquim Rodrigo da questa fase, che rivela una disposizione di piccole percezioni accoppiata a un movimento, un viaggio o più in generale una parte di un viaggio.

Il paesaggio, che inevitabilmente si riferisce a un tutto, scompare in un campo di forze multiple che costituiscono le percezioni che il pittore cartografa come incidenti, isolati nella loro singolarità, ma apparentemente portati avanti dal movimento costantemente inferito. I segni suggeriscono colori diversi, organizzati in stretta connessione con la loro distribuzione all’interno della disposizione perpendicolare, che definiscono un assoluto qui e ora da cui si aprono le dimensioni dello spazio e del tempo create dal dipinto.

Santa Maria (1961)
Le iniziali nel titolo di questo pezzo codificano il nome di Santa Maria, un liner che è stato highjacked da Henrique Galvão per attirare l’attenzione della comunità internazionale sulla situazione politica in Portogallo. Questo dipinto inizia un nuovo momento nell’arte portoghese.

Questo episodio è narrato da segni disposti all’interno di una rigida griglia ortogonale e sono stati orchestrati su uno sfondo verde acqua agitato in cui il centro ottico corrisponde al centro del dipinto. Rodrigo utilizza tre colori primari sullo sfondo in forme che sono state disegnate in elevazione, pianta o sezione trasversale, rendendo una sintesi efficiente di informazioni.

L’immagine assume un valore significativo che consente al dipinto di funzionare come la scrittura o la narrazione di episodi, contrassegnando il dipinto come un registro aperto al mondo e alle sue contingenze. I segni grafici si confondono con altri segni visivi in ​​articolazione con la dimensione pittografica scritta dell’opera di Joaquim Rodrigo.

Ironia e illusione

Gli amanti (1965)
Os amorosos di Rolando Sá Nogueira è un’evocazione ironica e dispersa. Questo dipinto rivela le contraddizioni suscitate nella cultura e nella società portoghese tra i nuovi modi dettati dallo sviluppo e dal consumo – adottati dall’arte – e dalla persistenza dei valori morali e ideologici tradizionali. Accessori, avanzi di vita contemporanea e cartoline, con un tocco di fine secolo, denunciano l’approccio ipocrita della sessualità dell’epoca.

Le relazioni d’amore idilliache sono ridicolizzate dal disprezzo, dall’associazione e dal trasferimento dell’immagine fotografica e dalle relazioni del disordine contrapposto e cumulativo di frammenti diversi provenienti da fonti ed elementi pittorici diversi. Gestuale ed espressivo nel carattere, questo ordine è vicino a quello degli artisti Rauschenberg e Kitaj.

Marquee (1993-2006)
Questo pezzo è il risultato di una ricerca fotografica condotta nei seguenti quartieri di Oporto: Contumil, Pasteleira, ilhas da Boavista e Lapa, dove la costruzione illegittima è comune. L’uso diffuso di tendoni illegittimi come annessa fisica alle abitazioni urbane e suburbane sta raccontando una mentalità sociologica.

In questo pezzo l’artista, Ângela Ferreira, si avvale di questi materiali da costruzione industriale scadente e dà loro un significato concettuale e scultoreo. In tal modo, l’artista evidenzia l’ironia di una caratteristica architettonica nazionale comune creata dai cittadini di tutti i giorni.

Il riflesso degli aspetti relativi alla natura del tempo e la sua assimilazione nell’immagine del reale, così come l’incanto divertente o illusorio, sono alla base di altri meccanismi sviluppati dall’artista René Bertholo. Oltre all’influenza cinematografica immediata di Tinguely, la produzione di Bertholo è più tecnologica e scenografica e forse più vicina ai meccanismi divertenti della realtà di Calder.

Questo lavoro sviluppa i meccanismi che attivano la nostra percezione dell’azione condizionando la nostra accettazione del virtuale come realtà. Questo aggeggio mette in atto lievi referenti creando l’illusione di un paesaggio animato. Dislocando il movimento di un soggetto concreto e immediato – la barca – verso la dimensione impercettibile delle nuvole, viene installata una poetica meccanica e idilliaca. Il tempo rappresenta se stesso, senza evolversi, in quanto è costantemente riflesso.

Segni e gesti

Untitled (1972)
La lettera, invece di scrivere, si afferma come un segno sulla pagina bianca. Ma il gesto è ciò che ci è stato dato da leggere. L’azione del corpo durante il processo di produzione aggiunge una dimensione performativa alla pittura di João Vieira. Il gesto si concentra sulla macchia, non più una traccia nell’ampia e ferma scia della spatola. Una consistenza materiale accentuata conferisce al gesto un aspetto monumentale e lo erige come una presenza formale.

Le lettere sono cromaticamente isolate, come segni autonomi che hanno raggiunto il loro limite. Sono gli elementi plastici che organizzano e rimano la composizione, strutturandola su una griglia ortogonale in cui adottano rotazioni e inversioni, rendendo possibile un’ampia scelta di combinazioni.

Cast shadow of René Bertholo (1964)
L’anno del 1964, e gli anni successivi, segna l’inizio dell’esplorazione di Lourdes Castro nella silhouette e nel contorno di figure isolate e accompagnate in pose istantanee e tipicamente fotografiche, dipinte su tela. Lourdes Castro ha detto che, oltre all’ombra della silhouette, deve esserci un contorno circoscritto al contorno di un’assenza. Definiti dai loro limiti e identificati dai loro titoli, queste figure formano una galleria di personaggi con cui ha condiviso la sua vita quotidiana. La vicinanza tra arte e vita trova una possibile relazione attraverso questo vestigio, come nella cartografia degli istanti.

Deep (1975)
I segni della scrittura rimangono leggibili ma non interpretabili, come il resto di un movimento che ci porta a leggere non il prodotto ma il processo di produzione di António Sena. La deviazione della scrittura è un segno inimitabile di un gesto, del corpo dell’artista disperso su una superficie strutturale espressamente realizzata.

Segni sparsi nel vuoto accanto a tracce geometriche lineari danno origine a una serie di densità spaziali. Tra l’opacità, la sorpresa arriva all’incontro di una parola mare che, insieme al titolo Deep, funge da esca per significare: il potere nominalista del nome attiva la capacità di evocazione, portando tutti i riferimenti di cui è depositario, un insieme di sensazioni senza relazioni analogiche che convergono nel blu profondo e profondo.

Museo Nazionale di Arte Contemporanea, Portogallo
Il Museo Nazionale di Arte Contemporanea – Museu do Chiado, è stato uno dei primi musei di arte contemporanea creati in tutto il mondo. Situato nel centro storico di Lisbona, che ospita la principale collezione di arte portoghese dalla seconda metà del XIX secolo fino ai giorni nostri, il museo è una visita obbligatoria per la comprensione e il godimento dell’arte portoghese moderna e contemporanea. Il programma delle mostre temporanee è di grande importanza nell’ambito generale delle attività del museo. La presentazione della collezione viene periodicamente rinnovata sui segmenti temporali o tematici, secondo un’opera sostenuta di ricerca storica e critica, ma il programma non si limita all’arte portoghese,

Il Museo Nazionale di Arte Contemporanea – Museu do Chiado è stato istituito con decreto del governo il 26 maggio 1911. Nasce dalla divisione del vecchio Museo Nazionale di Belas-Artes nel Museu Nacional de Arte Antiga, che ha ereditato dal primo le opere prodotte prima del 1850 rimasero nel Palácio das Janelas Verdes e nel Museo Nazionale di Arte Contemporanea, che comprendeva tutte le opere completate dopo quella data e fu ospitato nel Convento de S. Francisco, in una zona vicina all’Accademia de Belas Artes. La creazione di una rete di musei, che ha esteso la lunghezza del paese, è stata la realizzazione di un progetto basato sul concetto di illuminazione umana del 18 ° secolo, dotando il paese degli strumenti necessari per salvaguardare e mostrare l’arte della nazione. La creazione di un museo di arte contemporanea fu,

La sede, anche se solo temporanea, del Museo Nazionale di Arte Contemporanea nel Convento di S. Francisco, lo collocò simbolicamente e opportunamente nell’area frequentata dagli artisti dei periodi rappresentati nel museo. Occupava le grandi sale antiche, gli annessi del convento, dove erano state organizzate le mostre dei romantici e dei naturalisti.