La pittura di ritratto è un genere in pittura, dove l’intento è di rappresentare un soggetto umano. Il termine “ritrattista” può anche descrivere l’attuale ritratto dipinto. I ritrattisti possono creare le loro opere su commissione, per persone pubbliche e private, oppure possono essere ispirati dall’ammirazione o dall’affetto per l’argomento. I ritratti sono spesso importanti documenti di stato e famiglia, così come ricordi.
Storicamente, i ritratti hanno principalmente memorizzato i ricchi e i potenti. Nel corso del tempo, tuttavia, è diventato più comune per i mecenati della classe media commissionare ritratti delle loro famiglie e colleghi. Oggi i ritratti sono ancora commissionati da governi, società, gruppi, club e singoli individui. Oltre alla pittura, i ritratti possono essere fatti anche su altri media come incisione, litografia, fotografia, video e media digitali.
Storia:
Mondo antico
Le radici del ritratto sono probabilmente presenti in epoca preistorica, anche se poche di queste opere sopravvivono oggi. Nell’arte delle antiche civiltà della Mezzaluna Fertile, specialmente in Egitto, abbondano le raffigurazioni di sovrani e sovrani. Tuttavia, la maggior parte di questi è stata eseguita in un modo molto stilizzato, e la maggior parte di profilo, di solito su pietra, metallo, argilla, gesso o cristallo. La ritrattistica egiziana poneva relativamente poca enfasi sulla somiglianza, almeno fino al periodo di Akhenaton nel XIV secolo aC. La pittura di ritratto di notabili in Cina risale probabilmente al 1000 aC, anche se nessuno sopravvive a quell’età. I ritratti cinesi esistenti risalgono al 1000 d.C.
Dalle prove letterarie sappiamo che la pittura greca antica includeva la ritrattistica, spesso molto accurata se si devono credere alle lodi degli scrittori, ma non rimangono esempi dipinti. Capi scolpiti di governanti e personaggi famosi come Socrate sopravvivono in una certa quantità e, come i busti individualizzati dei governanti ellenistici sulle monete, mostrano che la ritrattistica greca poteva ottenere una buona somiglianza, ei soggetti erano rappresentati con relativamente poche adulazioni – I ritratti di Socrate mostrano perché lui aveva la reputazione di essere brutto. I successori di Alessandro Magno iniziarono la pratica di aggiungere la sua testa (come una figura deificata) alle loro monete e presto ne usarono la propria.
La ritrattistica romana adottò tradizioni di ritrattistica sia dagli Etruschi che dai Greci, e sviluppò una tradizione molto forte, legata al loro uso religioso dei ritratti degli antenati, così come alla politica romana. Ancora una volta, le poche sopravvivenze dipinte, nei ritratti Fayum, Tomb of Aline e Severan Tondo, tutte di Egitto sotto il dominio romano, sono chiaramente produzioni provinciali che riflettono stili greci piuttosto che romani, ma abbiamo una ricchezza di teste scolpite, tra cui molte ritratti individualizzati da tombe borghesi e migliaia di tipi di ritratti di monete.
Medioevo
La maggior parte dei ritratti medioevali erano ritratti di donatori, inizialmente per lo più di papi in mosaici romani, e manoscritti miniati, un esempio come autoritratto dell’autore, mistico, scienziato, illuminatore e musicista Ildegarda di Bingen (1152). Come con le monete contemporanee, ci fu un piccolo tentativo di somiglianza. Monumenti sepolcrali in pietra sparsi nel periodo romanico. Tra il 1350 e il 1400, le figure secolari cominciarono a riapparire in affreschi e dipinti di quadri, come nel caso di Charles IV del Maestro Teodorico che riceveva fedeltà, ei ritratti ancora una volta divennero chiare somiglianze. Verso la fine del secolo, i primi ritratti ad olio di individui contemporanei, dipinti su piccoli pannelli di legno, emersero in Borgogna e in Francia, prima come profili, poi in altre viste. Il dittico di Wilton di ca. Il 1400 è uno dei due ritratti di pannelli sopravvissuti di Riccardo II d’Inghilterra, il primo re inglese per il quale abbiamo esempi contemporanei. Tra i principali maestri olandesi del ritratto c’erano Jan van Eyck, Robert Campin e Rogier van der Weyden. I ritratti di donatori cominciarono ad essere mostrati come presenti, o parteciparono alle principali scene sacre mostrate, e in altre immagini di corte private apparvero persino figure significative come la Vergine Maria.
Rinascimento
Il Rinascimento ha segnato un punto di svolta nella storia del ritratto. In parte per interesse per il mondo naturale e in parte per interesse nelle culture classiche dell’antica Grecia e di Roma, i ritratti – dipinti e scolpiti – hanno avuto un ruolo importante nella società rinascimentale e sono stati considerati oggetti e rappresentazioni del successo terreno e stato. La pittura in generale ha raggiunto un nuovo livello di equilibrio, armonia e intuizione, e i più grandi artisti (Leonardo, Michelangelo e Raffaello) sono stati considerati “geni”, elevandosi molto al di sopra dello status di commercianti a servitori di valore della corte e della chiesa.
Molte innovazioni nelle varie forme di ritrattistica si sono evolute durante questo periodo fertile. La tradizione della miniatura del ritratto iniziò, che rimase popolare fino all’età della fotografia, sviluppando le abilità dei pittori delle miniature nei manoscritti miniati. I ritratti di profilo, ispirati agli antichi medaglioni, furono particolarmente apprezzati in Italia tra il 1450 e il 1500. Le medaglie, con le loro immagini a due facce, ispirarono anche una moda di breve durata per i dipinti a due facce all’inizio del Rinascimento. Anche la scultura classica, come l’Apollo Belvedere, ha influenzato la scelta delle pose utilizzate dai ritrattisti del Rinascimento, pose che hanno continuato ad essere utilizzate nei secoli.
Artisti del nord Europa hanno aperto la strada a ritratti realistici di soggetti secolari. Il maggior realismo e dettaglio degli artisti del Nord nel XV secolo fu dovuto in parte alle pennellate più sottili e agli effetti possibili con i colori ad olio, mentre i pittori italiani e spagnoli usavano ancora la tempera. Tra i primi pittori a sviluppare la tecnica del petrolio c’era Jan van Eyck. I colori ad olio possono produrre più consistenza e gradi di spessore e possono essere stratificati in modo più efficace, con l’aggiunta di strati sempre più spessi uno sopra l’altro (noto dai pittori come “grasso su magro”). Inoltre, i colori ad olio si asciugano più lentamente, consentendo all’artista di apportare facilmente modifiche, ad esempio alterando i dettagli del viso. Antonello da Messina è stato uno dei primi italiani a sfruttare il petrolio. Formatosi in Belgio, si stabilì a Venezia intorno al 1475, e fu una grande influenza su Giovanni Bellini e la scuola del Nord Italia. Nel corso del XVI secolo, il petrolio si diffuse in tutta la popolarità in tutta Europa, consentendo una rappresentazione più sontuosa dell’abbigliamento e dei gioielli. Anche il miglioramento della qualità delle immagini è stato il passaggio dal legno alla tela, iniziando in Italia all’inizio del XVI secolo e diffondendosi nell’Europa settentrionale nel prossimo secolo. La tela resiste meglio alla rottura del legno, trattiene meglio i pigmenti e ha bisogno di meno preparazioni, ma inizialmente era molto più scarsa del legno.
All’inizio, i nordeuropei abbandonarono il profilo e iniziarono a produrre ritratti di volume e prospettiva realistici. Nei Paesi Bassi, Jan van Eyck era un ritrattista di primo piano. The Arnolfini Marriage (1434, National Gallery, London) è un punto di riferimento dell’arte occidentale, un primo esempio di un ritratto di coppia a figura intera, splendidamente dipinto con colori ricchi e dettagli squisiti. Altrettanto importante, mette in mostra la tecnica di nuova concezione della pittura ad olio introdotta da van Eyck, che ha rivoluzionato l’arte e si è diffusa in tutta Europa.
Artisti ritrattisti tedeschi di spicco, tra cui Lucas Cranach, Albrecht Dürer e Hans Holbein the Younger, tutti esperti nella tecnica della pittura a olio. Cranach fu uno dei primi artisti a dipingere commissioni a grandezza naturale a grandezza naturale, una tradizione popolare da quel momento in poi. A quel tempo, l’Inghilterra non aveva pittori ritrattisti di primo rango, e artisti come Holbein erano richiesti dai mecenati inglesi. La sua pittura di Sir Thomas More (1527), il suo primo importante mecenate in Inghilterra, ha quasi il realismo di una fotografia. Holbein fece il suo grande successo dipingendo la famiglia reale, incluso Enrico VIII. Dürer è stato un disegnatore eccezionale e uno dei primi artisti principali a realizzare una sequenza di autoritratti, tra cui un dipinto a figura intera. Ha anche inserito la sua figura autoritratto (come spettatore) in molti dei suoi dipinti religiosi. Dürer ha iniziato a fare autoritratti all’età di tredici anni. Più tardi, Rembrandt amplificherebbe quella tradizione.
In Italia, Masaccio ha aperto la strada nella modernizzazione dell’affresco adottando una prospettiva più realistica. Filippo Lippi ha aperto la strada sviluppando contorni e linee sinuose e il suo allievo Raffaello ha esteso il realismo in Italia a un livello molto più elevato nei decenni successivi con i suoi monumentali dipinti murali. Durante questo periodo, il ritratto del fidanzamento divenne popolare, una particolare specialità di Lorenzo Lotto. Durante il primo Rinascimento, i ritratti erano generalmente piccoli e talvolta coperti da coperchi protettivi, a cerniera o scorrevoli.
Durante il Rinascimento, la nobiltà fiorentina e milanese, in particolare, desiderava una rappresentazione più realistica di se stessi. La sfida di creare convincenti visualizzazioni complete e trimestrali ha stimolato la sperimentazione e l’innovazione. Sandro Botticelli, Piero della Francesca, Domenico Ghirlandaio, Lorenzo di Credi e Leonardo da Vinci e altri artisti ampliarono la loro tecnica di conseguenza, aggiungendo ritratti a temi religiosi e classici tradizionali. Leonardo e Pisanello furono tra i primi artisti italiani ad aggiungere simboli allegorici ai loro ritratti secolari.
Uno dei ritratti più noti nel mondo occidentale è il dipinto di Leonardo da Vinci intitolato Mona Lisa, intitolato a Lisa del Giocondo, membro della famiglia Gherardini di Firenze e della Toscana e moglie del ricco mercante di seta fiorentino Francesco del Giocondo. Il famoso “sorriso della Monna Lisa” è un eccellente esempio di applicazione di un’asimmetria sottile a un viso. Nei suoi taccuini, Leonardo consiglia le qualità della luce nella ritrattistica:
Un alto grado di grazia nella luce e nell’ombra si aggiunge ai volti di coloro che siedono sulle porte di stanze buie, dove gli occhi dell’osservatore vedono la parte ombreggiata del volto oscurata dalle ombre della stanza, e vedi la parte illuminata del viso con il più grande splendore che l’aria gli dà. Attraverso questo aumento delle ombre e delle luci, il viso riceve maggiore sollievo.
Leonardo era uno studente di Verrocchio. Dopo essere diventato membro della Gilda dei Pittori, iniziò ad accettare commissioni indipendenti. A causa dei suoi vasti interessi e in accordo con la sua mente scientifica, la sua produzione di disegni e studi preliminari è immensa sebbene la sua produzione artistica finita sia relativamente piccola. Altri suoi memorabili ritratti erano quelli delle nobildonne Ginevra de ‘Benci e Cecilia Gallerani.
I ritratti di commissione sopravvissuti di Raffaello sono molto più numerosi di quelli di Leonardo e mostrano una maggiore varietà di pose, illuminazione e tecnica. Piuttosto che produrre innovazioni rivoluzionarie, il grande risultato di Raffaello era il rafforzamento e il perfezionamento delle correnti in evoluzione dell’arte rinascimentale. Era particolarmente esperto nel ritratto di gruppo. Il suo capolavoro, la Scuola di Atene, è uno dei più importanti affreschi di gruppo, contenente le sembianze di Leonardo, Michelangelo, Bramante e lo stesso Raffaello, nelle vesti di antichi filosofi. Non era il primo ritratto di gruppo di artisti. Decenni prima, Paolo Uccello aveva dipinto un ritratto di gruppo tra cui Giotto, Donatello, Antonio Manetti e Brunelleschi. Mentre si alzava in risalto, Raffaello divenne il ritrattista preferito dei papi. Mentre molti artisti del Rinascimento accettavano con entusiasmo le commissioni di ritratto, alcuni artisti li rifiutarono, in particolare Michelangelo rivale di Raffaello, che invece intraprese le enormi commissioni della Cappella Sistina.
A Venezia intorno al 1500, Gentile Bellini e Giovanni Bellini hanno dominato la ritrattistica. Hanno ricevuto le commissioni più alte dai principali funzionari dello stato. Il ritratto di Bellini di Doge Loredan è considerato uno dei più raffinati ritratti del Rinascimento e dimostra abilmente la padronanza dell’artista delle nuove tecniche di pittura ad olio. Bellini è anche uno dei primi artisti in Europa a firmare il loro lavoro, anche se raramente li ha frequentati. Più tardi nel XVI secolo, Tiziano assunse lo stesso ruolo, in particolare espandendo la varietà di pose e sedute dei suoi sudditi reali. Tiziano fu forse il primo ritrattista grande bambino. Dopo che Titian cedette alla peste, Tintoretto e Veronese divennero i principali artisti veneziani, aiutando la transizione al manierismo italiano. I manieristi contribuirono con molti ritratti eccezionali che enfatizzavano la ricchezza materiale e le pose elegantemente complesse, come nelle opere di Agnolo Bronzino e Jacopo da Pontormo. Bronzino fece la sua fama ritrarre la famiglia Medici. Il suo audace ritratto di Cosimo I de ‘Medici, mostra l’austero sovrano in armatura con un occhio cauto fisso alla sua estrema destra, in netto contrasto con la maggior parte dei dipinti reali che mostrano i loro sitter come sovrani benigni. El Greco, che ha studiato a Venezia per dodici anni, è andato in una direzione più estrema dopo il suo arrivo in Spagna, sottolineando la sua “visione interiore” del soggetto al punto di diminuire la realtà dell’aspetto fisico. Uno dei migliori ritrattisti dell’Italia del XVI secolo fu Sofonisba Anguissola di Cremona, che infuse i suoi ritratti individuali e di gruppo con nuovi livelli di complessità.
La ritrattistica di corte in Francia iniziò quando l’artista fiammingo Jean Clouet dipinse la sua opulenta somiglianza di Francesco I di Francia intorno al 1525. Re Francesco fu un grande mecenate di artisti e un avaro collezionista d’arte che invitò Leonardo da Vinci a vivere in Francia durante i suoi ultimi anni. La Gioconda rimase in Francia dopo la morte di Leonardo.
Barocco e Rococò
Durante i periodi barocco e rococò (rispettivamente secoli XVII e XVIII), i ritratti sono diventati ancora più importanti record di stato e posizione. In una società dominata sempre più da leader secolari in potenti corti, le immagini di personaggi opulentemente vestiti erano un mezzo per affermare l’autorità di individui importanti. I pittori fiamminghi Sir Anthony van Dyck e Peter Paul Rubens eccellevano in questo tipo di ritrattistica, mentre Jan Vermeer produceva ritratti per lo più della classe media, al lavoro e al chiuso. Il ritratto di Rubens di se stesso e della sua prima moglie (1609) nel loro abito da sposa è un esempio virtuoso del ritratto di coppia. La fama di Rubens andava oltre la sua arte: era un cortigiano, un diplomatico, un collezionista d’arte e un uomo d’affari di successo. Il suo studio era uno dei più estesi di quel periodo, con specialisti in scene di natura morta, paesaggi, animali e di genere, oltre a ritratti. Van Dyck si è formato lì per due anni. Carlo I d’Inghilterra dapprima impiegò Rubens, poi importò van Dyck come pittore di corte, lo nominò cavaliere e gli conferì lo status di cortigiano. Van Dyck non solo ha adattato i metodi di produzione e le capacità imprenditoriali di Rubens, ma anche i suoi modi eleganti e il suo aspetto. Come è stato registrato, “Andava sempre vestito magnificamente, aveva un equipaggiamento numeroso e galante, e teneva un tavolo così nobile nel suo appartamento, che pochi principi non erano più visitati, o meglio serviti”. In Francia, Hyacinthe Rigaud ha dominato più o meno allo stesso modo, come un notevole cronista di regalità, dipingendo i ritratti di cinque re francesi.
Una delle innovazioni dell’arte rinascimentale è stata la migliore resa delle espressioni facciali per accompagnare emozioni diverse. In particolare, il pittore olandese Rembrandt ha esplorato le molte espressioni del volto umano, in particolare come uno dei principali autoritratti (di cui ha dipinto più di 60 durante la sua vita). Questo interesse per il volto umano favorì anche la creazione delle prime caricature, accreditate all’Accademia Carracci, gestita dai pittori della famiglia Carracci alla fine del XVI secolo a Bologna, Italia (vedi Annibale Carracci).
I ritratti di gruppo sono stati prodotti in gran numero durante il periodo barocco, in particolare nei Paesi Bassi. A differenza del resto d’Europa, gli artisti olandesi non ricevevano alcuna commissione dalla chiesa calvinista che aveva vietato tali immagini o dall’aristocrazia che era praticamente inesistente. Invece, le commissioni provenivano da associazioni civiche e commerciali. Il pittore olandese Frans Hals usava pennellate fluide di colori vividi per ravvivare i suoi ritratti di gruppo, compresi quelli delle guardie civili a cui apparteneva. Rembrandt ha tratto grande beneficio da tali commissioni e dall’apprezzamento generale dell’arte da parte dei clienti borghesi, che hanno supportato la ritrattistica e la pittura di nature morte e paesaggi. Inoltre, i primi mercati significativi di arte e mercanti fiorirono in Olanda in quel periodo.
Con molta richiesta, Rembrandt è stato in grado di sperimentare composizione e tecnica non convenzionali, come il chiaroscuro. Dimostrò queste innovazioni, pioniere di maestri italiani come Caravaggio, in particolare nel suo famoso Night Watch (1642). La Lezione di anatomia del Dr. Tulp (1632) è un altro esempio della maestria di Rembrandt nella pittura di gruppo, in cui si bagna il cadavere in piena luce per attirare l’attenzione sul centro del dipinto mentre i vestiti e lo sfondo si fondono in nero, rendendo i volti del chirurgo e degli studenti sono eccezionali. È anche il primo dipinto che Rembrandt ha firmato con il suo nome completo.
In Spagna, Diego Velázquez dipinse Las Meninas (1656), uno dei ritratti di gruppo più famosi ed enigmatici di tutti i tempi. Memorizza l’artista e i figli della famiglia reale spagnola, e apparentemente i soggetti sono la coppia reale che sono visti solo come riflessi in uno specchio. Partendo principalmente come un pittore di genere, Velázquez divenne subito famoso come il pittore di corte di Filippo IV, eccellendo nell’arte della ritrattistica, in particolare nell’estendere la complessità dei ritratti di gruppo.
Gli artisti rococò, che erano particolarmente interessati a ornamenti ricchi e intricati, erano maestri del ritratto raffinato. La loro attenzione ai dettagli dell’abito e della consistenza aumentò l’efficacia dei ritratti come testimonianze della ricchezza mondana, come dimostrano i famosi ritratti di Madame de Pompadour di François Boucher vestiti in abiti di seta fluttuanti.
I primi pittori di ritratti nativi della scuola britannica furono i pittori inglesi Thomas Gainsborough e Sir Joshua Reynolds, che si specializzarono anche nell’abbigliamento dei loro soggetti in modo accattivante. Il Blue Boy di Gainsborough è uno dei ritratti più famosi e riconosciuti di tutti i tempi, dipinto con pennelli molto lunghi e un sottile colore ad olio per ottenere l’effetto scintillante del costume blu. Gainsborough è stato anche notato per le sue elaborate impostazioni di background per i suoi soggetti.
I due artisti britannici hanno avuto opinioni opposte sull’utilizzo di assistenti. Reynolds li impiegava regolarmente (a volte faceva solo il 20% del dipinto stesso) mentre Gainsborough raramente lo faceva. A volte un cliente estraeva un pegno dall’artista, come fece Sir Richard Newdegate del ritrattista Peter Lely (il successore di van Dyck in Inghilterra), il quale promise che il ritratto sarebbe stato “dal principio alla fine con le mie mani”. Diversamente dall’esattezza impiegata dai maestri fiamminghi, Reynolds riassunse il suo approccio alla ritrattistica affermando che “la grazia, e, possiamo aggiungere, la somiglianza, consiste più nel prendere l’aria generale, che nell’osservare l’esatta similitudine di ogni caratteristica “. Di rilievo anche in Inghilterra William Hogarth, che osò sfidare i metodi convenzionali introducendo tocchi di umorismo nei suoi ritratti. Il suo “Autoritratto con Pug” è chiaramente più una presa divertente sul suo animale domestico che un dipinto auto-indulgente.
Nel XVIII secolo, i pittori donne acquisirono nuova importanza, in particolare nel campo della ritrattistica. Tra gli artisti femminili di rilievo figurano la pittrice francese Élisabeth Vigée-Lebrun, l’artista pastello italiana Rosalba Carriera e l’artista svizzera Angelica Kauffman. Anche durante quel secolo, prima dell’invenzione della fotografia, i ritratti in miniatura – dipinti con incredibile precisione e spesso racchiusi in medaglioni d’oro o smaltati – erano molto apprezzati.
Negli Stati Uniti, John Singleton Copley, educato alla raffinata maniera britannica, divenne il principale pittore di ritratti a grandezza naturale e in miniatura, con le sue immagini iperrealistiche di Samuel Adams e Paul Revere particolarmente ben considerate. Copley è anche degno di nota per i suoi sforzi di fondere la ritrattistica con l’arte accademicamente più riverita della pittura storica, che ha tentato con i suoi ritratti di gruppo di famosi militari. Altrettanto famoso è stato Gilbert Stuart che ha dipinto oltre 1.000 ritratti ed è stato particolarmente noto per la sua ritrattistica presidenziale. Stuart dipinse oltre 100 repliche di George Washington da solo. Stuart ha lavorato rapidamente e ha impiegato pennellate più morbide e meno dettagliate di Copley per catturare l’essenza dei suoi soggetti. A volte realizzava diverse versioni per un cliente, consentendo al sitter di scegliere il proprio preferito. Notato per i suoi toni rosati, Stuart scrisse: “la carne non è come nessun’altra sostanza sotto il cielo, ha tutta l’allegria della bottega del mercante di seta senza la sua vistosità della lucentezza, e tutta la morbidezza del vecchio mogano, senza la sua tristezza”. Altri illustri ritrattisti americani dell’era coloniale furono John Smibert, Thomas Sully, Ralph Earl, John Trumbull, Benjamin West, Robert Feke, James Peale, Charles Willson Peale e Rembrandt Peale.
19esimo secolo
Nel tardo XVIII secolo e all’inizio del XIX secolo, gli artisti neoclassici continuarono la tradizione di ritrarre i soggetti nelle ultime mode, che per le donne fino ad allora significava abiti diafani derivati dagli stili di abbigliamento antichi greci e romani. Gli artisti usavano la luce diretta per definire la trama e la semplice rotondità di volti e arti. I pittori francesi Jacques-Louis David e Jean-Auguste-Dominique Ingres hanno dimostrato virtuosismo in questa tecnica da disegnatore e un occhio attento al carattere. Ingres, uno studente di David, è degno di nota per i suoi ritratti in cui uno specchio è dipinto dietro il soggetto per simulare una vista posteriore del soggetto. Il suo ritratto di Napoleone sul suo trono imperiale è un tour de force di ritratti regali. (vedi galleria sotto)
Artisti romantici che hanno lavorato durante la prima metà del 19 ° secolo hanno dipinto ritratti di leader ispiratori, donne bellissime e soggetti agitati, usando vivaci pennellate e luci drammatiche, a volte lunatiche. Gli artisti francesi Eugène Delacroix e Théodore Géricault hanno dipinto ritratti particolarmente belli di questo tipo, soprattutto i cavalieri che si muovono. Un notevole esempio di artista del periodo romantico in Polonia, che praticava un ritratto a cavallo fu Piotr Michałowski (1800-1855). Degna di nota è anche la serie di ritratti di pazienti mentali di Géricault (1822-1824). Il pittore spagnolo Francisco de Goya dipinse alcune delle immagini più inquietanti e provocatorie del periodo, tra cui La maja desnuda (1797-1800 circa), nonché i famosi ritratti di corte di Carlo IV.
Gli artisti realisti del 19 ° secolo, come Gustave Courbet, hanno creato ritratti oggettivi raffiguranti persone della classe media e inferiore. Dimostrando il suo romanticismo, Courbet dipinse diversi autoritratti che si mostravano in vari stati d’animo ed espressioni. Altri realisti francesi includono Honoré Daumier che ha prodotto molte caricature dei suoi contemporanei. Henri de Toulouse-Lautrec ha raccontato alcuni dei famosi artisti del teatro, tra cui Jane Avril, catturandoli in movimento. Il pittore francese Édouard Manet è stato un importante artista di transizione il cui lavoro si aggira tra realismo e impressionismo. Era un ritrattista di eccezionale intuizione e tecnica, con la sua pittura di Stéphane Mallarmé che è un buon esempio del suo stile di transizione. Il suo contemporaneo Edgar Degas è stato soprattutto un realista e il suo dipinto Ritratto della famiglia Bellelli è un’intelligente interpretazione di una famiglia infelice e uno dei suoi ritratti più belli.
In America, Thomas Eakins ha regnato come il principale ritrattista, portando il realismo a un nuovo livello di franchezza, specialmente con i suoi due ritratti di chirurghi al lavoro, così come quelli di atleti e musicisti in azione. In molti ritratti, come “Ritratto della signora Edith Mahon”, Eakins trasmette coraggiosamente le emozioni poco lusinghiere del dolore e della malinconia.
I realisti per la maggior parte cedettero agli impressionisti negli anni ’70 dell’Ottocento. In parte a causa delle loro magre entrate, molti degli impressionisti facevano affidamento su familiari e amici per modellarli, e dipingevano gruppi intimi e singole figure all’aperto o in interni pieni di luce. Noti per le loro superfici luccicanti e le ricche tinte di vernice, i ritratti impressionisti sono spesso disarmanti, intimi e accattivanti. I pittori francesi Claude Monet e Pierre-Auguste Renoir hanno creato alcune delle immagini più popolari di singoli sitter e gruppi. L’artista americana Mary Cassatt, che ha studiato e lavorato in Francia, è popolare ancora oggi per i suoi dipinti accattivanti di madri e bambini, così come Renoir. Paul Gauguin e Vincent van Gogh, entrambi post-impressionisti, dipingevano ritratti di persone che conoscevano, vorticosamente colorate ma non necessariamente lusinghiere. Sono ugualmente, se non di più, celebrati per i loro potenti autoritratti.
John Singer Sargent ha anche interpretato il cambiamento del secolo, ma ha respinto l’impressionismo e il post impressionismo. Fu il ritrattista di maggior successo della sua epoca, utilizzando una tecnica per lo più realistica, spesso utilizzata con il brillante uso del colore. Era ugualmente adatto ai ritratti individuali e di gruppo, in particolare delle famiglie delle classi superiori. Sargent è nato a Firenze, in Italia, da genitori americani. Ha studiato in Italia, in Germania e a Parigi. Sargent è considerato l’ultimo grande esponente della tradizione del ritratto britannico a cominciare da van Dyck. Un altro famoso ritrattista americano che si è formato all’estero è stato William Merritt Chase. La pittrice americana Cecilia Beaux, chiamata “Sargent femminile”, nacque da un padre francese, studiò all’estero e ottenne il successo a casa, attenendosi ai metodi tradizionali. Un altro ritrattista paragonato a Sargent per la sua tecnica rigogliosa era l’artista parigino nato in Italia Giovanni Boldini, amico di Degas e Whistler.
L’internazionalista di origine americana James Abbott McNeill Whistler era ben collegato con artisti europei e dipinse anche alcuni ritratti eccezionali, in particolare il suo “Arrangiamento in grigio e nero, La madre dell’artista” (1871), noto anche come “la madre di Whistler”. Anche con i suoi ritratti, come con i suoi paesaggi tonali, Whistler desiderava che i suoi spettatori si concentrassero sulla disposizione armonica della forma e del colore nei suoi dipinti. Whistler ha usato una tavolozza sommessa per creare gli effetti desiderati, sottolineando il bilanciamento del colore e i toni morbidi. Come ha affermato, “poiché la musica è la poesia del suono, così è la pittura della poesia della vista, e l’argomento non ha nulla a che fare con l’armonia del suono o del colore”. Anche la forma e il colore erano al centro dei ritratti di Cézanne, mentre la tecnica dei colori e delle pennellate ancora più estreme domina i ritratti di André Derain e Henri Matisse.
Lo sviluppo della fotografia nell’Ottocento ha avuto un effetto significativo sulla ritrattistica, sostituendo la precedente camera oscura che era stata utilizzata anche in precedenza come aiuto nella pittura. Molti modernisti accorsero negli studi di fotografia per far realizzare i loro ritratti, tra cui Baudelaire che, pur proclamando la fotografia come un “nemico dell’arte”, si trovò attratto dalla franchezza e dal potere della fotografia. Offrendo un’alternativa economica, la fotografia ha soppiantato gran parte del più basso livello di ritrattistica. Alcuni artisti realisti, come Thomas Eakins ed Edgar Degas, erano entusiasti della fotografia della macchina fotografica e trovarono che fosse un utile aiuto per la composizione. A partire dagli impressionisti, i ritrattisti hanno trovato una miriade di modi per reinterpretare il ritratto per competere efficacemente con la fotografia. Sargent e Whistler furono tra quelli stimolati ad espandere la loro tecnica per creare effetti che la fotocamera non riusciva a catturare.
20 ° secolo
Altri artisti del primo Novecento hanno anche ampliato il repertorio del ritratto in nuove direzioni. L’artista fauvista Henri Matisse ha prodotto potenti ritratti utilizzando colori non naturalistici, anche sgargianti per le tonalità della pelle. Cézanne si è affidato a forme altamente semplificate nei suoi ritratti, evitando i dettagli enfatizzando le giustapposizioni cromatiche. Lo stile unico di Gustav Klimt in stile austriaco applica motivi bizantini e pittura dorata ai suoi memorabili ritratti. Il suo allievo Oskar Kokoschka fu un importante ritrattista dell’alta borghesia viennese. Il prolifico artista spagnolo Pablo Picasso dipinse molti ritratti, tra cui diversi rendering cubisti delle sue amanti, in cui la somiglianza del soggetto è grossolanamente distorta per ottenere una dichiarazione emotiva ben oltre i limiti della normale caricatura. Un’eccezionale ritrattista femminile dell’inizio del XX secolo, associata all’impressionismo francese, fu Olga Boznańska (1865-1940). I pittori espressionisti hanno fornito alcuni degli studi psicologici più inquietanti e avvincenti mai prodotti. Artisti tedeschi come Otto Dix e Max Beckmann hanno prodotto notevoli esempi di ritratto espressionista. Beckmann era un prolifico autoritratto, producendo almeno ventisette. Amedeo Modigliani dipinse molti ritratti nel suo stile allungato che deprecò la “persona interiore” in favore di rigorosi studi di forma e colore. Per contribuire a raggiungere questo obiettivo, ha de-enfatizzato gli occhi e le sopracciglia normalmente espressive fino al punto di fessure annerite e archi semplici.
L’arte britannica era rappresentata dai vorticisti, che dipinsero alcuni ritratti degni di nota nella prima parte del 20 ° secolo. Il pittore Dada Francis Picabia ha eseguito numerosi ritratti nella sua maniera unica. Inoltre, i ritratti di Tamara de Lempicka hanno catturato con successo l’era Art Deco con le sue curve snelle, colori ricchi e angoli acuti. In America, Robert Henri e George Bellows erano ottimi ritrattisti degli anni ’20 e ’30 della scuola realista americana. Max Ernst ha prodotto un esempio di un ritratto collegiale moderno con il suo dipinto “All Friends Together” del 1922.
Un contributo significativo allo sviluppo della ritrattistica del 1930-2000 è stato fatto da artisti russi, principalmente lavorando nelle tradizioni della pittura realista e figurativa. Tra di loro dovrebbero essere chiamati Isaak Brodsky, Nikolai Fechin, Abram Arkhipov e altri.
La produzione di ritratti in Europa (esclusa la Russia) e le Americhe in genere diminuirono negli anni ’40 e ’50, a causa del crescente interesse per l’astrazione e l’arte non figurativa. Un’eccezione, tuttavia, fu Andrew Wyeth, che divenne il principale pittore di ritratti realista americano. Con Wyeth, il realismo, benché palese, è secondario rispetto alle qualità tonali e all’umore dei suoi dipinti. Ciò è giustamente dimostrato con la sua serie storica di dipinti conosciuti come le immagini di “Helga”, il più grande gruppo di ritratti di una singola persona da qualsiasi artista principale (247 studi della vicina Helga Testorf, vestiti e nudi, in vari ambienti, dipinti durante il periodo 1971-1985).
Negli anni ’60 e ’70, ci fu un revival di ritratti. Artisti inglesi come Lucian Freud (nipote di Sigmund Freud) e Francis Bacon hanno prodotto dipinti potenti. I ritratti di Bacon sono notevoli per la loro qualità da incubo. In May 2008, Freud’s 1995 portrait Benefits Supervisor Sleeping was sold by auction by Christie’s in New York City for $33.6 million, setting a world record for sale value of a painting by a living artist. Many contemporary American artists, such as Andy Warhol, Alex Katz and Chuck Close, have made the human face a focal point of their work. Warhol’s painting of Marilyn Monroe is an iconic example. Close’s specialty was huge, hyper-realistic wall-sized “head” portraits based on photographic images. Jamie Wyeth continues in the realist tradition of his father Andrew, producing famous portraits whose subjects range from Presidents to pigs.