Un ritratto è un dipinto, una fotografia, una scultura o altra rappresentazione artistica di una persona, in cui il volto e la sua espressione sono predominanti. L’intento è quello di mostrare la somiglianza, la personalità e persino l’umore della persona. Per questo motivo, in fotografia un ritratto non è generalmente un’istantanea, ma un’immagine composta di una persona in una posizione immobile. Un ritratto mostra spesso una persona che guarda direttamente il pittore o il fotografo, al fine di coinvolgere con maggior successo il soggetto con lo spettatore.

Vista profilo, vista a pieno facciale e vista a tre quarti, sono tre denominazioni comuni per i ritratti, ciascuna riferita a un particolare orientamento della testa dell’individuo raffigurato. Tali termini tendono ad avere una maggiore applicabilità alle opere d’arte bidimensionale come la fotografia e la pittura piuttosto che alle opere tridimensionali come la scultura. Nel caso di opere d’arte tridimensionali, lo spettatore può solitamente alterare il proprio orientamento all’opera d’arte muovendosi attorno ad esso.

Un ritratto è un’opera pittorica, grafica, fotografica, ecc. Il cui scopo è quello di rappresentare, in modo simile, una persona con il suo vestito e le sue espressioni caratteristiche. Il termine ritratto applicato alla scultura in Francia nel periodo classico.

Il termine è più raramente applicato alla rappresentazione di un animale, sebbene gli animali compaiano spesso nei ritratti, come appendici caratteristiche della persona rappresentata, come nel ritratto equestre.

Storia
La maggior parte delle prime rappresentazioni che sono chiaramente destinate a mostrare un individuo sono di dominatori e tendono a seguire idealizzate convenzioni artistiche, piuttosto che le caratteristiche individuali del corpo del soggetto, sebbene quando non ci siano altre prove riguardo all’apparenza del sovrano il grado di idealizzazione può essere difficile da valutare Tuttavia, molti soggetti, come Akhenaton e alcuni altri faraoni egiziani, possono essere riconosciuti dalle loro caratteristiche distintive. I 28 sopravvissuti piuttosto piccole statue di Gudea, sovrano di Lagash in Sumeria tra c. 2144 – 2124 aC, mostrano un aspetto coerente con una certa individualità.

Alcuni dei primi ritratti dipinti di persone che non erano regnanti superstiti sono i ritratti funerari greco-romani sopravvissuti nel clima arido del distretto egiziano del Fayum. Questi sono quasi gli unici dipinti del mondo classico sopravvissuti, oltre agli affreschi, anche se molte sculture e ritratti su monete sono andati meglio. Sebbene l’aspetto delle figure differisca considerevolmente, esse sono considerevolmente idealizzate e mostrano tutti relativamente giovani, rendendo incerto se siano state dipinte dalla vita.

L’arte del ritratto fiorì nell’antica Grecia e in particolare nella scultura romana, dove i soggetti richiedevano ritratti individualizzati e realistici, anche poco lusinghieri. Durante il quarto secolo, il ritratto iniziò a ritirarsi a favore di un simbolo idealizzato di come fosse quella persona. (Confronta i ritratti degli imperatori romani Costantino I e Teodosio I alle loro voci). Nell’Europa del primo medioevo le rappresentazioni di individui sono per lo più generalizzate. I veri ritratti dell’aspetto esteriore degli individui sono riemersi nel tardo Medioevo, nei monumenti funebri, nei ritratti dei donatori, nelle miniature dei manoscritti miniati e poi nei dipinti a pannelli.

La cultura Moche del Perù era una delle poche antiche civiltà che producevano ritratti. Queste opere rappresentano con precisione le caratteristiche anatomiche in grande dettaglio. Le persone ritratte sarebbero state riconoscibili senza la necessità di altri simboli o un riferimento scritto ai loro nomi. I personaggi ritratti erano membri dell’élite al potere, sacerdoti, guerrieri e persino illustri artigiani. Sono stati rappresentati durante diverse fasi della loro vita. Furono anche raffigurati i volti degli dei. Ad oggi non sono stati trovati ritratti di donne. C’è un’enfasi particolare sulla rappresentazione dei dettagli di acconciature, acconciature, ornamenti per il corpo e truccabimbi.

Uno dei ritratti più noti nel mondo occidentale è il dipinto di Leonardo da Vinci intitolato Mona Lisa, che è un dipinto di Lisa del Giocondo. Quello che è stato affermato come il ritratto più antico del mondo è stato trovato nel 2006 nella grotta di Vilhonneur vicino ad Angoulême e si pensa che abbia 27.000 anni.

Generi di ritratto
Self-ritrattistica
Quando l’artista crea un ritratto di se stesso, viene chiamato un autoritratto. Gli esempi identificabili diventano numerosi nel tardo Medioevo. Ma se la definizione è estesa, la prima fu opera dello scultore del faraone Akhenaton di Bak, che scolpì una rappresentazione di se stesso e di sua moglie Taheri c. 1365 aC Tuttavia, sembra probabile che gli autoritratti risalgano alle pitture rupestri, la prima arte rappresentativa, e la letteratura registra diversi esempi classici che sono ora persi.

Ritratto ufficiale
Il ritratto ufficiale è una produzione fotografica di registrazione e diffusione di personalità importanti, in particolare re, presidenti e governatori. Di solito è decorato con colori e simboli ufficiali come bandiera, strisce presidenziali e stemma di paesi, stati o comuni. C’è anche connotazione come immagine di eventi, prodotti e incontri.

Fotografia di ritratto
La fotografia di ritratto è un’industria commerciale popolare in tutto il mondo. Molte persone amano avere ritratti di famiglia fatti professionalmente da appendere nelle loro case o ritratti speciali per commemorare determinati eventi, come lauree o matrimoni. Sin dagli albori della fotografia, le persone hanno realizzato ritratti. La popolarità del dagherrotipo a metà del 19 ° secolo era dovuta in gran parte alla richiesta di ritratti economici. Gli studi sorsero nelle città di tutto il mondo, alcuni sfornando più di 500 piatti al giorno. Lo stile di questi primi lavori rifletteva le sfide tecniche associate ai tempi di esposizione di 30 secondi e all’estetica pittorica del tempo. I soggetti erano generalmente seduti su sfondi semplici e illuminati dalla luce soffusa di una finestra in alto e qualsiasi altra cosa potesse essere riflessa con gli specchi.

Con l’evolversi delle tecniche fotografiche, un intrepido gruppo di fotografi portò i loro talenti fuori dallo studio e sui campi di battaglia, attraverso gli oceani e in remote terre selvagge. William Dw’s Dagherreotype Saloon, Van Fenton di Roger Fenton e What-is-it di Mathew Brady? il carro ha fissato gli standard per fare ritratti e altre fotografie sul campo.

Politica
In politica, i ritratti del leader sono spesso usati come simbolo dello stato. Nella maggior parte dei paesi è comune il protocollo per un ritratto del capo dello stato di apparire in importanti edifici governativi. L’uso eccessivo del ritratto di un leader, come quello fatto da Joseph Stalin, Adolf Hitler o Mao Zedong, può essere indicativo di un culto della personalità.

Letteratura
In letteratura il termine ritratto si riferisce a una descrizione scritta o all’analisi di una persona o di una cosa. Un ritratto scritto spesso dà una visione profonda e offre un’analisi che va ben oltre il superficiale. Ad esempio, la scrittrice americana Patricia Cornwell ha scritto un libro best-seller intitolato Portrait of a Killer sulla personalità, lo sfondo e le possibili motivazioni di Jack lo Squartatore, nonché la copertura mediatica dei suoi omicidi e le successive indagini della polizia sui suoi crimini .

Tecnica e pratica:
Ci si aspetta che un ritratto ben eseguito mostri l’essenza interiore del soggetto (dal punto di vista dell’artista) o una rappresentazione lusinghiera, non solo una somiglianza letterale. Come affermava Aristotele, “Lo scopo dell’Arte è di presentare non l’apparenza esteriore delle cose, ma il loro significato interiore, perché ciò, non il modo esterno e il dettaglio, costituisce la vera realtà”. Gli artisti possono sforzarsi per il realismo fotografico o una somiglianza impressionistica nel dipingere il loro soggetto, ma questo differisce da una caricatura che tenta di rivelare il carattere attraverso l’esagerazione delle caratteristiche fisiche. L’artista in genere tenta una rappresentazione rappresentativa, come ha affermato Edward Burne-Jones: “L’unica espressione ammissibile in un grande ritratto è l’espressione del carattere e della qualità morale, non qualcosa di temporaneo, fugace o accidentale.”

Nella maggior parte dei casi, questo si traduce in un serio, chiuso sguardo labiale, con qualcosa oltre un leggero sorriso che è piuttosto raro storicamente. O come dice Charles Dickens, “ci sono solo due stili di ritrattistica: il serio e il ghigno”. Anche in presenza di questi limiti, è possibile una gamma completa di emozioni sottili, dalla minaccia silenziosa alla delicata soddisfazione. Tuttavia, con la bocca relativamente neutra, gran parte dell’espressione facciale deve essere creata attraverso gli occhi e le sopracciglia. Come afferma l’autore e artista Gordon C. Aymar, “gli occhi sono il luogo in cui si cerca l’informazione più completa, affidabile e pertinente” sull’argomento. E le sopracciglia si possono registrare “quasi da solo, meraviglia, pietà, paura, dolore, cinismo, concentrazione, malinconia, dispiacere e aspettativa, in infinite varianti e combinazioni”.

Il ritratto può rappresentare il soggetto “a figura intera”, “mezza lunghezza”, “testa e spalle” (chiamato anche “busto”) o “testa”, nonché nel profilo, “vista di tre quarti” o ” faccia piena “, con diverse direzioni di luce e ombra. Occasionalmente, gli artisti hanno creato ritratti con più viste, come nel “Triple Portrait of Charles I” di Anthony van Dyck. Ci sono anche alcuni ritratti in cui la parte frontale del soggetto non è affatto visibile. Il Christina’s World (1948) di Andrew Wyeth è un famoso esempio, in cui la posa della ragazza disabile con le spalle rivolte allo spettatore si integra con l’ambientazione in cui è collocata per trasmettere l’interpretazione dell’artista.

Un altro esempio della “vista a tre quarti” nella ritrattistica, in questo caso la fotografia, si trova qui, nell’articolo Portrait.

Tra le altre possibili variabili, il soggetto può essere vestito o nudo; al chiuso o fuori; in piedi, seduto, sdraiato; persino a cavallo. I dipinti di ritratto possono essere di individui, coppie, genitori e figli, famiglie o gruppi collegiali. Possono essere creati in vari media tra cui oli, acquerello, penna e inchiostro, matita, carboncino, pastello e supporti misti. Gli artisti possono utilizzare una vasta gamma di colori, come con la signora di Pierre-Auguste Renoir. Charpentier e i suoi figli, 1878 o si limitano per lo più al bianco o al nero, come nel Ritratto di George Washington di Gilbert Stuart (1796).

A volte, la dimensione complessiva del ritratto è una considerazione importante. Gli enormi ritratti creati da Chuck Close per il museo sono molto diversi dalla maggior parte dei ritratti progettati per adattarsi alla casa o per viaggiare facilmente con il cliente. Spesso, un artista prende in considerazione la posizione del ritratto finale e i colori e lo stile della decorazione circostante.

La creazione di un ritratto può richiedere molto tempo, di solito richiede diverse sedute. Cézanne, ad un estremo, ha insistito per oltre 100 sedute dalla sua materia. D’altro canto, Goya preferiva una lunga giornata di sedute. La media è di circa quattro. I ritrattisti a volte presentano i loro sitter con un portfolio di disegni o foto da cui una modella sceglie una posa preferita, come fece Sir Joshua Reynolds. Alcuni, come Hans Holbein il Giovane, fanno un disegno del viso, quindi completano il resto del dipinto senza la figura. Nel diciottesimo secolo, in genere sarebbe necessario circa un anno per consegnare un ritratto completato a un cliente.

Gestire le aspettative e l’umore del soggetto è una seria preoccupazione per il ritrattista. Per quanto riguarda la fedeltà del ritratto all’aspetto del modello, i ritrattisti sono generalmente coerenti nel loro approccio. I clienti che cercavano Sir Joshua Reynolds sapevano che avrebbero ricevuto un risultato lusinghiero, mentre i sitter di Thomas Eakins sapevano aspettarsi un ritratto realistico e spietato. Alcuni soggetti esprimono forti preferenze, altri lasciano decidere l’artista interamente. Oliver Cromwell notoriamente ha chiesto che il suo ritratto mostri “tutte queste ruvidità, brufoli, verruche e tutto ciò che mi vedi, altrimenti non pagherò mai un centesimo per questo”.

Dopo aver messo a proprio agio il soggetto e aver incoraggiato una posa naturale, l’artista studia il suo soggetto, cercando l’espressione facciale, fuori dalle molte possibilità, che soddisfa il suo concetto dell’essenza del soggetto. Anche la postura del soggetto è attentamente considerata per rivelare lo stato emotivo e fisico del soggetto, così come il costume. Per mantenere il soggetto impegnato e motivato, l’abile artista manterrà spesso un contegno e una conversazione piacevoli. Élisabeth Vigée-Lebrun consigliò ad altri artisti di adulare le donne e si complimenta con il loro aspetto per ottenere la loro collaborazione in seduta.

L’aspetto centrale dell’esecuzione riuscita del ritratto è la padronanza dell’anatomia umana. I volti umani sono ritratti asimmetrici e abili che riproducono questo con sottili differenze sinistra-destra. Gli artisti devono essere ben informati sull’osso sottostante e sulla struttura del tessuto per fare un ritratto convincente.

Per composizioni complesse, l’artista può prima fare un disegno completo a matita, inchiostro, carboncino o olio, che è particolarmente utile se il tempo a disposizione del sitter è limitato. Altrimenti, la forma generale e poi una ruvida somiglianza viene tracciata sulla tela a matita, a carboncino o olio sottile. In molti casi, il volto viene completato per primo e il resto in seguito. Negli studi di molti dei grandi ritrattisti, il maestro avrebbe fatto solo la testa e le mani, mentre l’abbigliamento e lo sfondo sarebbero stati completati dai principali apprendisti. C’erano anche specialisti esterni che gestivano oggetti specifici come drappeggi e vestiti, come Joseph van Aken. Alcuni artisti in passato usavano figurine o bambole per aiutare a stabilire ed eseguire la posa e l’abbigliamento. L’uso di elementi simbolici posizionati attorno al soggetto (inclusi segni, oggetti domestici, animali e piante) è stato spesso usato per codificare il dipinto con il carattere morale o religioso del soggetto, o con simboli che rappresentano l’occupazione, gli interessi o il sociale del soggetto. stato. Lo sfondo può essere totalmente nero e senza contenuto o una scena completa che colloca il soggetto nel suo ambiente sociale o ricreativo.

Gli autoritratti vengono solitamente prodotti con l’aiuto di uno specchio, e il risultato finale è un ritratto speculare, un’inversione di ciò che avviene in un ritratto normale quando sitter e artista sono l’uno di fronte all’altro. In un autoritratto, un artista di destra sembra tenere un pennello nella mano sinistra, a meno che l’artista non corregga deliberatamente l’immagine o utilizzi un secondo specchio di retromarcia mentre dipinge.

Occasionalmente, la famiglia del cliente o del cliente non è soddisfatta del ritratto risultante e l’artista è obbligato a ri-toccarlo o farlo o ritirarsi dalla commissione senza essere pagato, subendo l’umiliazione del fallimento. Jacques-Louis David ha celebrato il ritratto di Madame Récamier, molto popolare nelle mostre, è stato rifiutato dalla modella, così come il famigerato Ritratto di Madame X di John Singer Sargent. Il ritratto di John Trumbull, il generale George Washington a Trenton, è stato respinto dal comitato che lo ha commissionato. Il famoso pungente Gilbert Stuart una volta rispose all’insoddisfazione di un cliente con il ritratto di sua moglie ribattendo: “Mi hai portato una patata e ti aspetti una pesca!”

Un ritratto di successo, tuttavia, può ottenere la gratitudine permanente di un cliente. Il conte Balthazar fu così compiaciuto del ritratto che Raffaello aveva creato di sua moglie che disse all’artista: “La tua immagine … da sola può alleggerire le mie preoccupazioni … Quell’immagine è la mia gioia, rivolgo i miei sorrisi ad essa, è la mia gioia”.