Neo-Impressionismo è un termine coniato dal critico d’arte francese Félix Fénéon nel 1886 per descrivere un movimento artistico fondato da Georges Seurat. Il più grande capolavoro di Seurat, Una domenica pomeriggio sull’isola di La Grande Jatte, segnò l’inizio di questo movimento quando apparve per la prima volta in una mostra della Société des Artistes Indépendants (Salon des Indépendants) a Parigi. Intorno a questo periodo, il picco dell’era moderna francese è emerso e molti pittori erano alla ricerca di nuovi metodi. I seguaci del neoimpressionismo, in particolare, sono stati attratti da scene urbane moderne, nonché paesaggi e spiagge. L’interpretazione basata sulla scienza di linee e colori ha influenzato la caratterizzazione dei neoimpressionisti della propria arte contemporanea. Le tecniche divisioniste e divisioniste sono spesso menzionate in questo contesto, perché era la tecnica dominante all’inizio del movimento neoimpressionista.
Il termine Neo-Impressionismo si applicava a un movimento artistico europeo d’avanguardia che fiorì dal 1886 al 1906. Il termine Neoimpressionismo fu coniato dal critico d’arte Félix Fénéon in una recensione, “Les Impressionistes” (in La Vogue, Parigi, 1886), dell’ottava e ultima mostra impressionista, Camille Pissarro aveva convinto i suoi colleghi impressionisti a concedere a se stessi dipinti, suo figlio Lucien Pissaro, Paul Signac e Georges Seurat per essere mostrati insieme in una sola stanza, affermando una visione condivisa e invitando il confronto Fénéon considerava Albert Dubois-Pillet uno dei “nuovi impressionisti”; il gruppo presto includeva Charles Angrand, Louis Hayet, Henri Edmond Cross, Léo Gausson, Hippolyte Petitjean e Maximilien Luce.
Alcuni sostengono che il neoimpressionismo divenne il primo vero movimento d’avanguardia nella pittura. I neoimpressionisti furono in grado di creare un movimento molto rapidamente nel 19 ° secolo, in parte a causa del suo forte legame con l’anarchismo, che stabilì un ritmo per le successive manifestazioni artistiche. Il movimento e lo stile erano un tentativo di guidare una visione “armoniosa” dalla scienza moderna, dalla teoria anarchica e dal dibattito della fine dell’Ottocento sul valore dell’arte accademica. Gli artisti del movimento “hanno promesso di impiegare teorie ottiche e psico-biologiche alla ricerca di una grande sintesi dell’ideale e del reale, del fuggitivo e dell’essenziale, della scienza e del temperamento”.
Panoramica
Principi di estetica: luce e colore
Durante l’emergere del neoimpressionismo, Seurat ei suoi seguaci si sforzavano di affinare i manierismi artistici impulsivi e intuitivi dell’Impressionismo. I neoimpressionisti usavano reti disciplinate di punti e blocchi di colore nel loro desiderio di infondere un senso di organizzazione e permanenza. Nel definire ulteriormente il movimento, Seurat ha incorporato la recente spiegazione delle percezioni ottiche e cromatiche.
Lo sviluppo della teoria dei colori di Michel Eugène Chevreul e altri della fine del XIX secolo ha avuto un ruolo fondamentale nel plasmare lo stile neoimpressionista. Il libro di Ogden Rood, Modern Chromatics, con Applications to Art and Industry, ha riconosciuto i diversi comportamenti esibiti dalla luce colorata e dal pigmento colorato. Mentre la miscela del primo creava un colore bianco o grigio, quella di quest’ultimo produceva un colore scuro e torbido. Come pittori, i neoimpressionisti dovevano trattare con i pigmenti colorati, così per evitare l’ottusità, escogitarono un sistema di giustapposizione di colori puri. Non era necessario mescolare i colori. L’utilizzo efficace del pointillism ha facilitato l’ottenimento di un distinto effetto luminoso e, da una certa distanza, i punti si sono uniti nel loro complesso mostrando la massima brillantezza e conformità alle effettive condizioni di luce.
Origini del termine
Esistono diverse alternative al termine “neoimpressionismo” e ciascuna ha una sua sfumatura: il cromoluminismo era un termine preferito da Georges Seurat. Ha sottolineato gli studi di colore e luce che sono stati al centro del suo stile artistico. Questo termine è usato raramente oggi. Il divisionismo, che è più comunemente usato, è usato per descrivere una modalità di pittura neoimpressionista. Si riferisce al metodo di applicare singoli tratti di colori complementari e contrastanti. A differenza di altre designazioni di questa era, il termine “neoimpressionismo” non veniva considerato come una critica. Invece, abbraccia gli ideali di Seurat e dei suoi seguaci nel loro approccio all’arte. Nota: il puntinismo descrive semplicemente una tecnica successiva basata sul divisionismo in cui vengono applicati punti di colore invece di blocchi di colore.
Il gruppo di pittori neoimpressionisti
Il neoimpressionismo fu presentato per la prima volta al pubblico nel 1886 al Salon des Indépendants. Gli Indépendants sono rimasti per decenni il loro principale spazio espositivo con Signac che funge da presidente dell’associazione. Ma con il successo del neoimpressionismo, la sua fama si diffuse rapidamente. Nel 1886, Seurat e Signac furono invitati a esporre nell’8a e ultima mostra impressionista, in seguito con Les XX e La Libre Esthétique a Bruxelles.
Nel 1892 un gruppo di pittori neoimpressionisti si unì per mostrare le loro opere a Parigi, nei saloni dell’Hôtel Brébant, 32, boulevard Poissonnière. L’anno successivo espongono a rue Laffitte, 20. Le mostre erano accompagnate da cataloghi, il primo con riferimento alla tipografia: Imp. Vve Monnom, Bruxelles; il secondo si riferisce a M. Moline, segretario. Pissarro e Seurat si incontrarono a Durand-Ruel nell’autunno del 1885 e iniziarono a sperimentare una tecnica usando minuscoli punti di giustapposizione di colori. Questa tecnica è stata sviluppata dalle letture della storia dell’arte e dell’estetica popolare (l’amministratore francese Charles Blanc e l’estetista svizzero David Sutter) e i manuali per le arti industriali e decorative, la scienza dell’ottica e la percezione. A quel tempo Pissarro cominciò a essere coinvolto con la confraternita che ha contribuito alla fondazione della Société des Artistes Independants nel 1884. Alcuni membri del gruppo hanno partecipato a raduni per autori naturalisti e simbolisti nella casa di Robert Caze, ex giornalista e giornalista radicale repubblicano . È stato qui che i pittori si sono conosciuti e molti hanno mostrato il loro lavoro agli spettacoli degli indipendenti per tutta la vita. Pissarro chiese a Seurat e Signac di partecipare all’ottava mostra impressionista nel maggio 1886. Fu qui che fu mostrata una domenica pomeriggio sull’isola di La Grande Jatte. Avevano una stanza separata allo spettacolo. La liberalizzazione delle leggi della stampa da parte dei repubblicani nel 1881 favorì anche questo movimento d’avanguardia. Ha reso più facile per le persone iniziare i propri giornali, consentendo così a più critici d’arte di essere pubblicati.
L’idea del “primitivo moderno” attirò questo gruppo e iniziò con Signac. Dopo che Seurat ha esposto La Grande Jatte, il critico Fénéon ha coniato il termine Neo-Impressionismo. Pissarro, suo figlio Lucien e Signac hanno anche mostrato il lavoro allo stesso tempo. Ben presto altri artisti iniziarono a unirsi al movimento, tra cui Charles Angrand, Henri-Edmond Cross, Albert Dubois-Pillet, Léo Gausson, Louis Hayet e Maximilien Luce. Il fascino delle nuove tecniche scientifiche ha affascinato i giovani artisti di questo movimento. Il movimento si diffuse poi all’estero quando Seurat e Pissarro furono invitati a Les Vingt, una società d’avanguardia a Bruxelles. Questo stile divenne la forma dominante in Belgio nel 1889 e persino artisti come Van Gogh si cimentarono in questo stile.
La missione di Seurat come artista era quella di celebrare il potere del colore puro, il potere espressivo della linea, del colore e del valore, la riforma dell’Impressionismo e della tradizione Beaux-Arts. Seurat “voleva essere percepito come un tecnico dell’arte, e così ha preso in prestito dalla scienza alcuni dei segni della sua autorità, compresa la regolarità e la chiarezza del modello”. Questo può essere paragonato a come Signac “ha visto ed enfatizzato una connessione tra l’anarchismo, la tecnica neoimpressionista, la posizione mediterranea e la tradizione classica nella pittura”. Signac considerava anche il Mediterraneo come il luogo dell’arte anarchica d’avanguardia. Il Mediterraneo è stato raramente rappresentato dai pittori d’avanguardia, in parte a causa dell’associazione tra il sud della Francia e il classicismo accademico, oltre al conservatorismo culturale e politico. Impostando i suoi pastori nel sud, Signac seguì gli esempi letterari di Stendhal e Guy de Maupassant, che legarono la regione alla libertà. Stendhal “ha descritto il sud come un luogo di libertà in cui i peggiori difetti della società capitalista erano meno radicati rispetto al nord”. Stendhal ha anche visto il Sud come una connessione con altri paesi “latini” che sono “al di fuori delle preoccupazioni delle società civili per i soldi”.
Evoluzione
I massimi anni di questo movimento durarono circa cinque anni (1886-1891), ma non terminarono con la morte di Georges Seurat nel 1891. L’impressionismo continuò ad evolversi ed espandersi nel decennio successivo con caratteristiche ancora più distintive. L’incorporazione di idee politiche e sociali, in particolare l’anarchismo, ha iniziato a mostrare risalto. Dopo la morte di Seurat da parte della difterite e del suo amico Albert Dubois-Pillet per il vaiolo dell’anno precedente, i neoimpressionisti iniziarono a cambiare e rafforzare la loro immagine attraverso alleanze sociali e politiche. Hanno forgiato legami con il movimento anarco-comunista e attraverso questo, molti altri giovani artisti sono stati attratti da questa “miscela di teoria sociale e artistica”. Negli ultimi anni ’90, Signac tornò alla sua precedente credenza nell’armonia visiva dello stile neoimpressionista e nella convinzione che significasse i suoi ideali. Ha anche sottolineato che i neoimpressionisti non stavano cercando il realismo. Non volevano imitare, ma invece avevano “la volontà di creare il bello … Siamo falsi, falsi come Corot, come Carrière, falso, falso! Ma abbiamo anche il nostro ideale – a cui è necessario sacrificare tutto” . Questo ritorno a uno stile precedente era alienante e provocava fessure e tensioni all’interno della comunità precedentemente ristretta di neoimpressionisti.
Critica
All’inizio del movimento, il neoimpressionismo non è stato accolto favorevolmente dal mondo dell’arte e dal grande pubblico. Nel 1886, la prima mostra di Seurat della sua opera più famosa, Un Sunday Afternoon sull’isola di La Grande Jatte, ispirò torrenti di critiche negative. La commozione evocata da quest’opera d’arte potrebbe essere descritta solo con parole come “bedlam” e “scandalo”.
L’uso da parte dei neoimpressionisti di piccoli segmenti di colore per comporre un intero quadro era considerato ancora più controverso del suo precedente movimento; L’impressionismo era stato famoso per la sua rappresentazione spontanea di momenti fugaci e asprezza nella pennellata. Il neoimpressionismo ha provocato risposte simili per ragioni opposte. La regolarità meticolosamente calcolata delle pennellate era considerata troppo meccanica e antitetica alle nozioni comunemente accettate dei processi creativi stabiliti per il XIX secolo.
Secondo fonti moderne, gran parte della critica dei neoimpressionisti all’epoca è sfocata. Nel dicembre del 1894, il quotidiano socialista indipendente La Petite République presentava una prima pagina del critico Adolphe Tabarant. Ha commentato la nuova galleria cooperativa neoimpressionista in Rue Laffitte, concentrandosi su Luce e Signac, noti anche come giovani maestri: “L’arte ha, forse, una tendenza verso una sintesi irascibile, verso un’osservazione scientifica che è troppo secco, ma come vibra e come suona con verità! Che dispendio di coloritura, che profusione di nozioni agitate, in cui si percepiscono le nobili e sincere passioni di quei giovani che, dopo aver pianto Seurat, si sforzano di catturare tutti i segreti della luce del sole! ”
I neoimpressionisti furono supportati fin dall’inizio nel 1884 dal Journal des Artistes. Altri documenti hanno anche discusso i futuri neoimpressionisti insieme, dimostrando così di essersi formati come gruppo attraverso la creazione a livelli di uno spazio espositivo democratico, non il loro movimento o stile artistico.
Dopo il volgere del secolo, il critico Félix Fénéon ha criticato l’idealismo di Signac nel suo lavoro successivo. Paragonò Signac a Claude e Poussin dicendo che Claude Lorrain conosceva tutti i dettagli del mondo reale e che era in grado di esprimere il mondo contenuto dal suo bellissimo spirito. Riferisce Signac ad un “erede della tradizione paesaggistica che ha immaginato il regno dell’armonia”.
Divisionismo
Il divisionismo (chiamato anche cromo-luminarismo) era lo stile caratteristico della pittura neoimpressionista definita dalla separazione dei colori contrastanti o complementari in singole toppe che interagivano otticamente per creare ombra e dimensione. Richiedendo allo spettatore di combinare i colori otticamente invece di mescolare fisicamente i pigmenti, i divisionisti credevano di raggiungere la massima luminosità che fosse scientificamente possibile. Credevano anche che filosoficamente rappresentasse l’armonia come colori inaspettati che lavorano insieme allo stesso modo per formare un’unica immagine. Georges Seurat fondò lo stile intorno al 1884 come cromo-luminarismo, attingendo dalla sua comprensione delle teorie scientifiche di Michel Eugène Chevreul, Ogden Rood e Charles Blanc, tra gli altri. Il divisionismo si è sviluppato accanto al puntinismo, che è definito specificamente dall’uso di punti di vernice, ma non si concentra principalmente sulla separazione dei colori. Fondamenti teorici e sviluppo.
Il divisionismo si sviluppò nella pittura del diciannovesimo secolo quando gli artisti scoprirono teorie scientifiche della visione che incoraggiarono una deviazione dai principi dell’impressionismo. In particolare quando la scienza che circonda la vibrazione della luce e l’effetto sulla retina sviluppata, le tavolozze dei colori sono cambiate. I neoimpressionisti iniziarono a collocare colori complementari fianco a fianco per creare dimensioni e ombre invece di lavorare in una gamma di tonalità. Questa divisione della tela in singole sezioni di colori complementari e contrastanti ha portato al nome “divisionismo”, un termine coniato da Signac.
Le teorie scientifiche e le regole del contrasto cromatico che guiderebbero la composizione per i divisionisti collocarono il movimento del neoimpressionismo in contrasto con l’impressionismo, che è caratterizzato dall’uso dell’istinto e dell’intuizione. Scienziati e artisti le cui teorie della luce o del colore hanno avuto un certo impatto sullo sviluppo del Divisionismo includono Charles Henry, Charles Blanc, David Pierre Giottino Humbert de Superville, David Sutter, Michel Eugène Chevreul, Ogden Rood e Hermann von Helmholtz.
Georges Seurat
Il divisionismo, insieme al movimento del neoimpressionismo nel suo insieme, ha trovato il suo inizio nel capolavoro di Georges Seurat, Un pomeriggio domenicale sull’isola di La Grande Jatte. Seurat è stato formato in modo classico all’École des Beaux-Arts e, come tale, i suoi lavori iniziali riflettono lo stile di Barbizon. Studiando con Pierre Puvis de Chavannes, Seurat ha intensamente perseguito interessi in linea e colore, teoria dei colori ed effetti ottici, tutti elementi che hanno costituito la base del Divisionismo. Nel 1883, Seurat e alcuni dei suoi colleghi iniziarono ad esplorare modi per esprimere più luce possibile sulla tela. Nel 1884, con la mostra del suo primo grande lavoro, Bathing at Asnières, così come i croqueton dell’isola La Grande Jatte, lo stile di Seurat cominciò a prendere forma con la consapevolezza dell’impressionismo, ma fu solo quando finì La Grande Jatte a 1886 che ha stabilito la sua teoria del chromo-luminarismo. Anche se questo dipinto è stato originariamente rifiutato dal salone ufficiale, ha attirato il Salon des Indépendants dove era impegnato Paul Signac.
Dopo il controverso successo di La Grande Jatte, Camille Pissarro e Paul Signac si convertirono al neoimpressionismo e, insieme al figlio di Pissarro, Lucien, costituirono la base dei movimenti neo-impressionisti e divisionisti. Più tardi promosso da artisti e critici simbolisti, il divisionismo divenne lo stile d’avanguardia del post-impressionismo. Il supporto che Seurat inizialmente ha ricevuto lentamente si è dissipato mentre diventava sempre più ostile nei confronti di altri artisti, credendo che stavano corrompendo il suo stile e la sua tecnica. Alla fine della sua vita pochi suoi lavori ricevettero l’attenzione a cui erano abituati. Il circo, un’opera incompiuta esposta dopo la sua morte, fu a malapena notato dalla critica o dal pubblico in generale.
Camille Pissarro
Camille Pissarro, nato nel 1830, è un notevole artista radicale e l’unico pittore ad esibirsi in tutte e otto le rappresentazioni impressioniste dal 1874 al 1886. Durante la lunga carriera di Pissarro è rimasto in primo piano nell’arte d’avanguardia francese, anche se la sua fase neo-impressionista è tra i suoi più popolari e più studiati. Pissarro ha studiato con Fritz Melbye, trascorrendo i primi quindici anni della sua carriera dipingendo paesaggi rurali, scene di mercato e porti, tutti elementi che rendono oggetto di ritorni durante la sua successiva carriera.
Durante la sua fase impressionista, Pissarro passò a una pennellata più chiara ea una tavolozza di colori più luminosa, spesso applicata in sezioni di colori non mescolati. Questo stile di impressionismo cedette il passo a unirsi a Seurat nel Neoimpressionismo nel 1885. Fu il primo convertito in quello che oggi è chiamato Divisionismo. Pissarro sviluppò quello che chiamò “impressionismo scientifico” e in seguito lasciò il movimento nel suo complesso, trovando le regole compositive troppo rigide.
Paul Signac
Paul Signac, nato nel 1863, era l’amico più intimo di Seurat e il volto del movimento neoimpressionista. Non aveva una formazione artistica formale, ma era in grado di affinare le sue abilità attraverso il viaggio e la replicazione poiché era nato in una famiglia di stabilità finanziaria. Signac è stato incoraggiato a rimuovere i toni della terra dalla sua tavolozza da Seurat e, a sua volta, ha introdotto Seurat al simbolismo, creando insieme il movimento neoimpressionista. È anche noto per aver iniziato al movimento Vincent van Gogh, Théo Van Rysselberghe e Henry Van de Velde.
Nel 1891, l’anno dopo la morte di Seurat, Signac cominciò a introdurre ritmi visivi e soggettivi astratti nelle sue opere e attraverso il passaggio al neoimpressionismo. La sperimentazione creativa di Signac ha ispirato artisti come Matisse e Henri Edmond Cross per definire ulteriormente il neoimpressionismo nel XX secolo. La sua conoscenza del movimento portò ad illustrare Cerle Chromatique et Rapporteur Esthétique di Charles Henry, un libro molto influente sulla teoria dei colori e in seguito al suo autore del manifesto del neoimpressionismo, D’Eugène Delacroix au Néo-Impressionisme nel 1899.
Teoria dei colori
Il Grammaire des arts du dessin di Charles Blanc introduce Seurat alle teorie del colore e della visione che ispirerebbero il chromo-luminarismo. Il lavoro di Blanc, attingendo alle teorie di Michel Eugène Chevreul e Eugène Delacroix, affermava che la miscelazione ottica avrebbe prodotto colori più vibranti e puri rispetto al tradizionale processo di miscelazione dei pigmenti. Miscelare i pigmenti fisicamente è un processo sottrattivo con ciano, magenta e giallo come colori primari. D’altra parte, se la luce colorata viene miscelata insieme, ne risulta una miscela additiva, un processo in cui i colori primari sono rosso, verde e blu. La miscela ottica che caratterizzava il Divisionismo – il processo di miscelazione del colore per giustapposizione di pigmenti – è diversa dalla miscela additiva o sottrattiva, sebbene la combinazione dei colori nella miscela ottica funzioni allo stesso modo della miscela additiva, cioè i colori primari sono gli stessi. In realtà, i dipinti di Seurat non hanno effettivamente raggiunto una vera miscelazione ottica; per lui, la teoria era più utile per causare vibrazioni di colore allo spettatore, dove i colori contrastanti posti uno vicino all’altro intensificavano la relazione tra i colori preservando la loro singolare identità separata.
Nella teoria dei colori divisionisti, gli artisti hanno interpretato la letteratura scientifica facendo operare la luce in uno dei seguenti contesti:
Colore locale: come elemento dominante del dipinto, il colore locale si riferisce al vero colore dei soggetti, ad es. erba verde o cielo blu.
Luce solare diretta: se del caso, i colori giallo-arancio che rappresentano l’azione del sole verrebbero intervallati dai colori naturali per emulare l’effetto della luce solare diretta.
Ombra: se l’illuminazione è solo indiretta, è possibile utilizzare vari altri colori, come il blu, il rosso e il viola, per simulare l’oscurità e le ombre.
Luce riflessa: un oggetto che è adiacente ad un altro in un dipinto potrebbe proiettare su di esso dei colori riflessi.
Contrasto: per sfruttare la teoria di Chevreul del contrasto simultaneo, i colori contrastanti potrebbero essere collocati in prossimità.
Le teorie di Seurat hanno affascinato molti dei suoi contemporanei, mentre altri artisti in cerca di una reazione contro l’impressionismo si unirono al movimento neoimpressionista. Paul Signac, in particolare, divenne uno dei principali sostenitori della teoria divisionista, specialmente dopo la morte di Seurat nel 1891. Infatti, il libro di Signac, D’Eugène Delacroix au Néo-Impressionnisme, pubblicato nel 1899, coniato il termine Divisionism e divenne ampiamente riconosciuto come il manifesto del neoimpressionismo.
Divisionismo in Francia e nel nord Europa
Oltre a Signac, altri artisti francesi, in gran parte attraverso le associazioni della Société des Artistes Indépendants, adottarono alcune tecniche divisioniste, tra cui Camille e Lucien Pissarro, Albert Dubois-Pillet, Charles Angrand, Maximilien Luce, Henri-Edmond Cross e Hippolyte Petitjean. Inoltre, attraverso l’advocacy di Divisionism di Paul Signac, si può vedere un’influenza in alcune opere di Vincent van Gogh, Henri Matisse, Jean Metzinger, Robert Delaunay e Pablo Picasso.
In seguito alle rivoluzioni del 1848, una forte corrente sotterranea di anarchismo radicale attraversò tutta la comunità artistica francese. La combinazione di arte sociale e libertà artistica e il distacco dalle tradizionali tecniche di pittura a colori hanno attratto i radicali nel movimento del neoimpressionismo. Tuttavia questi radicali sono stati spesso criticati per aver descritto un approccio pacifico e ponderato alla rivoluzione sociale, unendo scienza e armonia morale.
Nel 1907 Metzinger e Delaunay furono scelti dal critico Louis Vauxcelles come divisionisti che usavano grandi “cubi” a mosaico per costruire piccole ma altamente simboliche composizioni. Entrambi gli artisti avevano sviluppato un nuovo sotto-stile che ebbe un grande significato poco dopo nel contesto delle loro opere cubiste. Piet Mondrian e Nico van Rijn, nei Paesi Bassi, svilupparono una simile tecnica divisionista simile a mosaico intorno al 1909. I futuristi più tardi (1909-1916) avrebbero adattato lo stile, in parte influenzato dall’esperienza parigina di Gino Severini (dal 1907), nel loro dipinti e sculture dinamici.
Divisionismo in Italia
L’influenza di Seurat e Signac su alcuni pittori italiani divenne evidente nella prima Triennale del 1891 a Milano. Guidato da Grubicy de Dragon e codificato in seguito da Gaetano Previati nei suoi Principi scientifici del divisionismo del 1906, alcuni pittori principalmente del Nord Italia sperimentarono in vario grado con queste tecniche. Questo artista italiano ha fuso il neoimpressionismo con il simbolismo creando quadri allegorici usando un metodo divisionista. Ad esempio, Pellizza da Volpedo applicava la tecnica a soggetti sociali (e politici); in questo è stato raggiunto da Angelo Morbelli ed Emilio Longoni. Tra le opere divisioniste di Pellizza c’erano Speranze deluse (1894) e Il sole nascente (1904). Fu, tuttavia, in tema di paesaggi che il Divisionismo trovò forti difensori, tra cui Segantini, Previati, Morbelli e Carlo Fornara. Altri seguaci nella pittura di soggetti di genere furono Plinio Nomellini, Rubaldo Merello, Giuseppe Cominetti, Angelo Barabino, Camillo Innocenti, Enrico Lionne e Arturo Noci. Il divisionismo fu anche un’influenza importante nel lavoro dei futuristi Gino Severini (Souvenirs de Voyage, 1911); Giacomo Balla (Arc Lamp, 1909); Carlo Carrà (Leaving the scene, 1910); e Umberto Boccioni (The City Rises, 1910).
Critica e polemica
Il divisionismo ricevette rapidamente un’attenzione negativa e positiva da parte dei critici d’arte, che generalmente abbracciavano o condannavano l’incorporazione di teorie scientifiche nelle tecniche neoimpressioniste. Ad esempio, Joris-Karl Huysmans ha parlato negativamente dei dipinti di Seurat, dicendo “Spoglia le sue figure delle pulci colorate che le coprono, sotto non c’è niente, nessun pensiero, nessuna anima, niente”. I leader dell’impressionismo, come Monet e Renoir, rifiutarono di esporre con Seurat, e persino Camille Pissarro, che inizialmente sostenne il divisionismo, in seguito parlò negativamente della tecnica.
Mentre la maggior parte dei divisionisti non ha ricevuto molta approvazione critica, alcuni critici sono stati fedeli al movimento, tra cui in particolare Félix Fénéon, Arsène Alexandre e Antoine de la Rochefoucauld. Inoltre, i divisionisti sono stati spesso criticati per essere troppo pacifici e logici nella rivoluzione. Poiché le loro scelte di colore erano spesso pianificate e scientificamente costruite, mancavano della libertà radicale che gli anarchici incarnavano. L’anarchia francese, in particolare dopo la haussmannizzazione, poneva l’accento su una società senza classi, ma i divisionisti e tutti gli artisti rinforzarono le classi attraverso il consumismo borghese delle loro opere. Questi ideali contrastanti mettono il Divisionismo sotto la lente critica degli anarchici radicali.
Idee sbagliate scientifiche
Sebbene gli artisti divisionisti credessero fermamente che il loro stile fosse fondato su principi scientifici, alcune persone credono che ci siano prove che i divisionisti abbiano interpretato erroneamente alcuni elementi di base della teoria ottica. Ad esempio, uno di questi fraintendimenti può essere visto nella convinzione generale che il metodo di verniciatura divisionista consenta una maggiore luminosità rispetto alle tecniche precedenti. La luminosità additiva è applicabile solo nel caso di luce colorata, non pigmenti giustapposti; in realtà, la luminosità di due pigmenti uno accanto all’altro è solo la media delle loro singole luminosità. Inoltre, non è possibile creare un colore usando una miscela ottica che non potrebbe essere creata anche con una miscela fisica. Incoerenze logiche si possono trovare anche con l’esclusione di colori scuri dei divisionisti e la loro interpretazione del contrasto simultaneo.
Artisti degni di nota
Charles Angrand
Anna Boch
Henri-Edmond Cross
Robert Delaunay
Albert Dubois-Pillet
Willy Finch
Georges Lemmen
Maximilien Luce
Henri Matisse
Jean Metzinger
Hippolyte Petitjean
Robert Antoine Pinchon
Camille Pissarro
Lucien Pissarro
Théo van Rysselberghe
Georges Seurat
Paul Signac
Jan Toorop
Henry van de Velde