Il Museo di arte moderna e contemporanea, chiamato anche Mamac, è un museo dedicato all’arte moderna e contemporanea aperto dal 21 giugno 1990 a Nizza. Situato nel cuore della città, accanto a Place Garibaldi e nel prolungamento della “Coulée Verte”, il MAMAC offre un tuffo nell’arte internazionale del dopoguerra dagli anni Cinquanta ad oggi. Con una collezione di quasi 1 400 opere di oltre 350 artisti (con una media di 200 in mostra), il museo offre – tra gli altri – un dialogo originale tra il Nuovo Realismo europeo e la Pop Art americana. Il museo espone anche importanti opere d’arte minimale e arte povera. Due grandi artisti dell’arte del XX secolo costituiscono il cuore delle collezioni: Yves Klein, con una sala permanente unica al mondo, resa possibile grazie ai prestiti a lungo termine degli Archivi Yves Klein, e Niki de Saint Phalle.

Il museo mette anche in luce la singolarità e l’importanza della scena artistica locale dalla fine degli anni ’50 all’inizio degli anni ’70. Nizza e la Costa Azzurra erano allora un luogo importante per la sperimentazione e l’invenzione di nuovi gesti artistici con artisti di spicco come Yves Klein, Martial Raysse, Arman, Ben e gruppi come Supports / Surface. Nonostante la singolarità delle personalità e delle pratiche, sorgono tre questioni chiave: l’atto di appropriazione della vita quotidiana (con i New Realists in particolare), un’arte del gesto e dell’atteggiamento (con Fluxus) e un’esplorazione analitica del dipinto (con Support / Superficie e Gruppo 70). Questa ricerca è messa in prospettiva con la creazione artistica europea e americana degli ultimi sessant’anni.

L’edificio del museo situato accanto a Place Garibaldi, progettato dagli architetti Yves Bayard e Henri Vidal, ha la forma di un arco tetrapode a cavallo del Cours du Paillon. La monumentalità del progetto sviluppato sulla copertina del Paillon consente di collegare il museo a un teatro tramite una terrazza, chiamata Promenade des arts. Con la sua pianta quadrata, la sua architettura si ispira alle regole del neoclassicismo. La superficie disponibile è di circa 4.000 m 2 distribuita su nove sale espositive per tre livelli. Le sue facciate lisce sono rivestite di marmo bianco di Carrara. L’ingresso e il negozio sono al livello dell’Esplanade Niki de Saint Phalle che si affaccia su Place Yves Klein dove si trovano anche l’auditorium e la galleria contemporanea del museo. Gli spazi museali sono dedicati al primo piano a mostre temporanee,

Gli spazi si estendono su cinque livelli, inclusi due set di 1.200 m2 dedicati alle collezioni del museo. Un piano e una project room sono dedicati a mostre temporanee internazionali che alternano mostre tematiche e monografie dei maggiori artisti degli ultimi sessant’anni. Una terrazza sul tetto accessibile al pubblico offre una vista panoramica mozzafiato su Nizza.

Storia
Il 21 giugno 1990 è stato inaugurato il Museo di Arte Moderna e Contemporanea di Nizza. Diversi progetti coerenti per la creazione di un tale museo sono apparsi a Nizza nella seconda metà del XX secolo. Il primo era legato alla ristrutturazione della Galerie des Ponchettes, progetto sostenuto da Henri Matisse e Pierre Bonnard, sviluppato dal Dottor Thomas, poi da Jean Cassarini, prima prefigurazione del Museo di Arte Moderna di Nizza. La seconda ipotesi emersa è stata quella di realizzare un’ala moderna nel giardino del Museo Masséna. Questo progetto è stato abbandonato per costruire un parcheggio.

L’idea è stata ripresa a metà degli anni ’70 con la nomina di Claude Fournet a Direttore dei Musei di Nizza. L’apertura della Galleria d’Arte Contemporanea (GAC) e un programma contemporaneo alla Galerie des Ponchettes, hanno offerto al pubblico di Nizza una significativa vetrina d’arte.

Nel 1985, la mostra “Autour de Nice” (“Around Nice”) all’Acropolis, che presenta un primo gruppo di opere dei New Realists, la Scuola di Nizza e Support / Surfaces in particolare, doveva certificare la necessità di un museo di Arte moderna e contemporanea a Nizza. Lo stesso anno, una convenzione firmata con lo Stato prevede l’attuazione nell’arco di cinque anni di un ambizioso programma di acquisti di opere d’arte. L’assistenza finanziaria dello Stato fornita alla città nella sua campagna di acquisizione metterà in moto il processo di classificazione della futura istituzione sotto l’etichetta “musée contrôlé par l’état”. Già nel 1987 fu firmata una convenzione tra il Comune di Nizza e lo Stato per finanziare il progetto architettonico.

L’edificio
Gli architetti Yves Bayard e Henri Vidal hanno avanzato una proposta originale per una sorta di arco tetrapode a cavallo, da un lato sul fiume Paillon, e dall’altro sull’asse dell’antica autostrada N7 che collega il quartiere portuale e il centro storico ai quartieri che si sono sviluppati nei secoli XIX e XX. L’architettura del museo doveva armonizzare due elementi che compongono il tessuto urbano di Nizza: l’urbanistica sarda e l’utopia esotica della Belle Epoque.

Una monumentalità ispirata ai principi del Classicismo (pianta quadrata, arcature) risponde all’impianto di piazza Garibaldi. I toni rosso ocra della base si intrecciano con le superfici levigate in marmo di Carrara delle torri, su cui sono scolpiti gli ulivi, per creare un gioco ottico che traspone nel cuore della città i registri dell’ordine e della pace della natura mediterranea. La copertura del Paillon offre una rara opportunità di avere un terreno nel centro della città e consente l’ampio sviluppo di un dispositivo denominato “Promenade des Arts” costituito da un museo e un teatro e ampliato dalla “coulée verte” oggi.

Questa posizione cruciale nel cuore della città richiedeva uno sviluppo a molti piani composto da quattro torri quadrate su una base di 20 metri su ciascun lato per un’altezza di 30 metri. Dall’esterno sono cieche ma collegate da passerelle in vetro. Gli spazi espositivi sono distribuiti su quattro livelli, più un livello per l’atrio e uno per le terrazze accessibili al pubblico. Il secondo livello ospita le mostre temporanee, mentre il 3 ° e 4 ° livello sono dedicati alle collezioni. Il primo piano ospita la galleria contemporanea del museo. Gli spazi espositivi sono distribuiti su 10 sale espositive.

Le terrazze sono trattate come belvedere da cui la vista abbraccia ampiamente la città. In uno di essi viene presentato Le Mur de Feu (Il muro di fuoco) di Yves Klein, realizzato con il contributo della “Direction des Musées de France”; è un’edizione di uno dei progetti sviluppati dall’artista per la sua mostra a Krefeld nel 1961.

La piazza che collega il museo al teatro da un lato e al Palais des Congrès dall’altro, consente l’installazione di sculture monumentali come lo Stabile Mobile di Alexander Calder o il mostro di Loch Ness di Niki de Saint Phalle.

Le collezioni
Comprendono 1331 opere di 346 artisti al 13 ottobre 2014, di cui 436 dipinti e 292 sculture e installazioni, che offrono un panorama d’avanguardia della creazione artistica dalla fine degli anni ’50 ai giorni nostri, articolato attorno a movimenti diversi.

Nuovo realismo – Pop Art
Stanza 4
La collezione MAMAC testimonia l’emergere, alla fine degli anni ’50 e all’alba degli anni ’60, di movimenti mutuati dalla realtà e reinterpretando la nascente cultura di massa che stava emergendo sia in Francia – in particolare a Parigi e intorno a un centro di artisti a Nizza e negli Stati Uniti.

Questo nuovo movimento artistico ha visto tanto quanto ha creato un nuovo linguaggio visivo. Questo movimento “pop”, che suona come un’onomatopea, incarna un’aspirazione collettiva per il “moderno”, l’igiene, lo spettacolare, il glamour, il tempo libero, l’edonismo e la proiezione verso uno stile di vita del futuro.

Proveniente dalla strada, dai suoi manifesti, dall’efficacia delle pubblicità, dalle riviste smaltate con i ritratti delle icone in voga; stimolata dalle possibilità offerte dai nuovi materiali – rotondi, flessibili, plastici, colori brillanti – questa estetica avvicina arte e vita, riaffiora la creazione in varietà popolari e abbagliante, abbraccia l’emergente cultura di massa.

Come l’arte cinetica allo stesso tempo, il Pop – senza essere politico – porta con sé un ideale democratico, la sfida dell’immediatezza della percezione, l’ardore di un giovane desideroso di inventare il suo nuovo mondo. Il nome di questo movimento sarà Pop nella sua traiettoria britannico-americana e poi nella sua orbita internazionale; “Nuovo realismo” nella sua ascesa franco-europea e la sua reinvenzione di un atteggiamento dada “..

Niki de Saint Phalle
Stanza 5
“Nella storia dell’arte, Niki de Saint Phalle (1930-2002) è un’eccezione. Poche artiste godono dello stesso livello di riconoscimento da parte di un vasto pubblico come lei. Ha fatto il suo nome e il suo destino attraverso la libertà della sua espressione , l’iconoclastia dei suoi gesti e l’eccessività dei suoi progetti. Tuttavia, è stata a lungo oggetto di incomprensioni, limitate alle sue iconiche “Nanas”, alle sue dichiarazioni appassionate e al suo feroce senso dell’ornamento, è stata evitata da una frangia maschile critiche per il suo lavoro “femminile” e per i suoi commenti sul matriarcato, e da storiche dell’arte femminista con il pretesto di una possibile complicità con gli stereotipi sessisti. Il suo lavoro viene finalmente riconsiderato oggi attraverso tutta la sua ricchezza e complessità, considerato per il suo indiscutibile e unico contributo alla una storia di forme e gesti;misurata dal suo impegno e attenzione ai problemi e alle difficoltà del suo tempo.

Il MAMAC possiede una delle tre collezioni di riferimento nel mondo del lavoro dell’artista franco-americana, dai suoi primi dipinti e assemblaggi della fine degli anni ’50, i primissimi dipinti con armi da fuoco dei primi anni ’60, le iconiche “nanas” e le spose, a lei stampe prolifiche “.
Hélène Guenin

Catherine Marie-Agnès Fal de Saint Phalle è nata il 29 ottobre 1930 a Neuilly-sur-Seine. Era la seconda di cinque figli nati da Jeanne Jacqueline (nata Harper) e André Marie Fal de Saint Phalle, originaria di una famiglia di banchieri francesi. Il crollo di Wall Street ha avuto una serie di conseguenze sull’azienda di famiglia e li ha portati a trasferirsi negli Stati Uniti. Niki è stata quindi istruita nelle scuole americane, trascorrendo regolarmente le sue vacanze estive in Francia.

Questo duplice senso di appartenenza è un simbolo dei legami artistici esistenti tra Francia e Stati Uniti dall’inizio degli anni ’60. Ciò è stato esemplificato dalla presenza a Parigi di artisti di fama internazionale come Jasper Johns, Robert Rauschenberg, Willem de Kooning, Jackson Pollock, che sono stati invitati ad esporre in famose gallerie parigine, comprese quelle di Ileana Sonnaben, e musei come il Museo d’Arte Moderna della Città di Parigi.

Senza alcuna educazione artistica formale oltre al suo istinto e la certezza che fosse il suo destino, Niki de Saint Phalle – che iniziò a dipingere il suo universo mentale pieno di fantastico in un modo ereditato da Matisse, Ensor, de Dubuffet e Pollock – creò assemblaggi , raccogliendo ogni sorta di piccoli oggetti e detriti. Ha perfezionato queste idee nei suoi rilievi monumentali e nei suoi action-tirs, che per loro stessa natura hanno convinto il critico Pierre Restany dell’assoluta necessità di includerli nel gruppo dei “Nouveaux Réalistes”.

Sviluppando un approccio che prevedeva una sorta di liberazione, riflettendo il suo bisogno di espellere una certa violenza, Niki de Saint Phalle iniziò a lavorare sulle sculture nel 1963. Dagli assemblaggi di bassorilievi, passò alle creazioni 3D con le sue prime Nanas nel 1964. Queste sculture , in colori audaci e con curve generose, simboleggiava la donna moderna, liberata dalle tradizioni. I Nanas sono neri, gialli e rosa, sono multirazziali per riflettere il mondo.

Si è dedicata instancabilmente per molti anni alla difesa delle minoranze culturali e all’integrazione delle popolazioni nere nella società americana.

Yves Klein
Stanza 6
Nato nel 1928 a Nizza, Yves Klein è stato il primo a diventare un judoka. Nel 1954 si rivolge definitivamente all’arte e inizia la sua «avventura monocromatica». Ha assunto il blu oltremare, a cui ha dato il nome «IKB» (International Klein Blue). Poi ha intrapreso la ricerca dell’immateriale e ha realizzato performance con i suoi «pennelli viventi». Klein va oltre ogni rappresentazione artistica accettando che la bellezza è presente nello stato invisibile e che la sua missione di artista è quella di coglierla ovunque sia. Il suo lavoro attraversa i limiti dell’arte concettuale, corporea e dell’happening e illustra una diversità di pratiche e forme che innegabilmente fanno di Yves Klein uno degli artisti più innovativi del suo tempo.

La seconda metà del XX secolo è stata profondamente segnata dalla creatività di Yves Klein, attraverso i suoi monocromi, l’evento cardine del vuoto, l’uso dell’oro e del rosa tra una trilogia di colori. Ha impresso il suo tempo anche grazie al suo uso di spugne imbevute di colore puro, nonché all’utilizzo del fuoco come pennello. Oggi la sua creatività continua ad influenzare le nuove generazioni di artisti e di ricercatori. Yves Klein morì nel 1962, all’età di 34 anni, e lasciò dietro di sé un lavoro importante, intenso, ma anche audace e infinito.

Questa sala, unica al mondo, ha beneficiato del sostegno degli Archivi Klein e di collezionisti privati ​​che generosamente hanno depositato le loro opere al MAMAC.

È sul muro di una cantina di proprietà della famiglia Arman che Klein dipinse i suoi primi monocromi blu, intorno al 1947-1948. Nel 1955 incontra a Parigi Tinguely, César, Raysse e Restany e al Salon des Réalités Nouvelles espone un nuovo dipinto realizzato in un unico colore, che viene rifiutato e provoca controversie. Dal 1956 le mostre di Monochromes si sono succedute.

Ha iniziato il suo «periodo blu» nel 1956 scegliendo un blu oltremare già esistente, estremamente saturo che è, secondo Klein, «l’espressione più perfetta del colore blu». Klein è al momento affascinato dal pigmento puro oltremare, di un’intensità incomparabile. Mostra per la prima volta l’installazione «pigmenti puri» da Colette Allendy nel maggio 1957, tentando di mostrare «il colore in sé»:

Pigmenti puri – Il pigmento puro, esposto a terra, è diventato la pittura stessa piuttosto che un quadro appeso; il mezzo fissativo è il più immateriale possibile, cioè è una forza di attrazione diretta solo verso se stessa. Non ha alterato i granelli del pigmento, come inevitabilmente fanno l’olio, la colla o anche il mio speciale fissativo. L’unico problema con questo: uno sta naturalmente in piedi e guarda verso l’orizzonte. »

Movimenti e artisti
I nuovi realisti europei con gli artisti di Nizza Arman, Yves Klein e Martial Raysse, accanto a César, Christo, Niki de Saint Phalle, Mimmo Rotella, François Dufrêne, Jean Tinguely, Gérard Deschamps, Daniel Spoerri, Raymond Hains, Jacques Villeglé, Alain Jacquet
La versione americana con la Pop art è rappresentata da una raccolta di opere di Roy Lichtenstein, Robert Indiana, Andy Warhol, James Rosenquist, Claes Oldenburg, Tom Wesselmann, John Chamberlain, Jim Dine, George Segal e il neo-dadaista Robert Rauschenberg.
La Scuola di Nizza con Ben è collegata a diverse opere rappresentative di Fluxus come con Robert Filliou
L’Arte Povera riunisce diversi artisti tra cui Pier Paolo Calzolari, Michelangelo Pistoletto o Enrica Borghi
Supports / Surfaces è rappresentato con Noël Dolla, Marcel Alocco, André-Pierre Arnal, Louis Cane, Daniel Dezeuze, Vincent Bioulès, Marcel Devade, Christian Jaccard, Bernard Pagès, Jean-Pierre Pincemin e Claude Viallat.
Il minimalismo americano e il campo dei colori sono illustrati da Morris Louis, Paul Jenkins, Kenneth Noland, Jules Olitski, Ellsworth Kelly, Sol Lewitt, Larry Poons (en), Frank Stella e Joseph Kosuth
Minimalismo europeo con François Morellet, Olivier Mosset, Jean-Pierre Raynaud, John Armleder, Bernar Venet, Jan Voss
La figurazione degli anni ’60 e ’80, di Hervé Télémaque, Bernard Rancillac, Antonio Recalcati, Ernest Pignon-Ernest, Keith Haring, Sandro Chia, Robert Combas, Hervé di Rosa, Rémi Blanchard, François Boisrond, Robert Longo, Jean-Charles Blais
Ci sono anche opere di Serge Charchoune, Alexander Calder, Joseph Cornell, Hans Hartung, Lucio Fontana, Nicolas de Staël, Simon Hantai, Pierre Soulages, Olivier Debré, Victor Vasarely, Karel Appel, Paul Mansouroff, Annette Messager, Jan Fabre, Ai Weiwei , eccetera.

Donazioni e depositi
Dall’apertura, Yves Klein ha beneficiato di una sala in cui sono raccolte venti delle sue opere, molte delle quali appartengono alla collezione permanente del museo.

Nell’ottobre 2001, Niki de Saint Phalle lascia in eredità gran parte della sua collezione alla Città di Nizza per il museo: il corpo della donazione è composto da 170 opere tra cui 63 dipinti e sculture, 18 incisioni, 40 litografie, 54 serigrafie e molti documenti originali. Tra le sculture monumentali c’è The Lochness Monster.

Le confezioni di Christo fanno parte del deposito effettuato dalla Lilja Art Fund Foundation.

Nel 2004, l’artista svizzero Albert Chubac ha offerto un centinaio di opere al Musée Niçois.

Nel 2010, il collezionista Khalil Nahoul ha donato 94 opere (dipinti, disegni, stampe) tra cui pezzi di Pierre Soulages, Francis Bacon e Hans Hartung.

Nel 2014, il lascito Berggreen comprende opere di John Armleder, Jean-Charles Blais, François Morellet, Claude Viallat o Jean Michel Alberola.

Mostre temporanee
Il MAMAC ha proposto negli anni importanti mostre collettive internazionali: Klein Byars Kapoor (2012), Intra-Muros (2004), De Klein à Warhol (1997); Chimériques polymères, le plastique dans l’art du XXème siècle (1996); mostre monografiche di artisti di spicco Liz Magor (2017), Ernest Pignon-Ernest (2016), Wim Delvoye (2010), Robert Longo (2009), Richard Long (2008), Robert Rauschenberg (2005), Niki de Saint-Phalle (2002 ), Arman (2001), Yves Klein (2000), Tom Wesselmann (1996); sottolineando il rapporto speciale con la vicina regione del Nord Italia con le mostre personali di Giovanni Anselmo (1996), Gilberto Zorio (1992), Pier Paolo Calzolari (2003) o Michelangelo Pistoletto (2007).

A proposito di Nizza. 1947-1977
Gli elementi qui riuniti fanno parte della grande mostra “Regarding Nice. 1947-1977” organizzata nel 2017 nell’ambito della Biennale “Nice 2017. Ecole (s) de Nice” e in occasione del presunto anniversario della nascita di questa effervescenza artistica.

Data la Scuola di Nizza o l’elenco delle sue figure chiave, esisteva dalla fine degli anni ’50 un’ondata di forze forti, dinamiche e artistiche a Nizza. Il museo e le sue collezioni testimoniano la ricchezza di questa storia, messa in prospettiva in un contesto internazionale, in un momento in cui questi gesti sono comparsi. Una costellazione di azioni e atteggiamenti è apparsa nell’area, mentre personalità carismatiche hanno lasciato il segno, con l’obiettivo di creare collegamenti tra Nizza e le capitali internazionali del mondo dell’arte.

A Parigi, nel 1977, il Centre Pompidou ha celebrato questa vitalità con la mostra “A propos de Nice”, orchestrata da Ben, uno dei principali protagonisti di questo movimento epico. Un famoso episodio diede inizio alla leggendaria nascita del movimento, quella della divisione simbolica del mondo condivisa da tre giovani sulla spiaggia di Nizza nel 1947: Yves Klein che si appropria del blu infinito del cielo; il poeta Claude Pascal si impadronisce dell’aria e Arman si riappropria della terra e della sua ricchezza. Questa azione inaugurale, una ricerca dell’assoluto, dello spirito di sfida e di indifferenza, ha aperto la strada a una scena attiva nel cuore e in reazione alla tranquillità della città di mare.

Al di là delle narrazioni che tradizionalmente definiscono la Scuola di Nizza in una successione di movimenti: Nuovo Realismo, Fluxus, Supporti / Superfici, ecc., Atteggiamenti e gesti primordiali mettono insieme queste generazioni di artisti con pratiche eterogenee: una rivoluzione delle forme, un’insolenza di atteggiamenti, appetito per l’irriverenza e fascino per le narrazioni. Al di là di una storia estetica, “The School of Nice” testimonia l’emergere di personalità in un contesto cosmopolita e in una città allora in piena mutazione.

Riviera francese
Nel film del 1930 A Propos de Nice, il regista Jean Vigo dà uno sguardo satirico alla città dei divertimenti dove i turisti facoltosi e inattivi vivono insieme ai residenti locali impegnati con le attività della stagione. Una generazione dopo, Nizza offre un contrasto sorprendente tra una certa modernità, con la sua “mandria di transatlantici dai colori vivaci e sgargianti, una vetrina di utensili di plastica economici” * e i suoi giramondo estivi, e l’isolamento culturale di giovani artisti ossessionati dal atto di creazione, – quei contrasti agiscono senza dubbio come terreno fertile per la loro energia e comportamenti dissidenti.

Sebbene l’emergere di una scena artistica non possa essere spiegata esclusivamente dal suo contesto locale, sarebbe altrettanto improduttivo ignorare la specificità di Nizza come città e ciò che produceva e proibiva all’alba degli anni ’60. Fu sulla spiaggia di Nizza che Yves Klein sognava di appropriarsi dell’infinito del cielo e sulla passeggiata sul lungomare che Ben ei suoi coetanei immaginavano azioni che collegavano arte e vita. Tra le sedie blu e la folla estiva, gli artisti si sono incontrati e hanno rimodellato il mondo, sfidando gli stereotipi che rappresentavano il glamour della Costa Azzurra all’estero. Arman ha raccolto gettoni da casinò, Martial Raysse ha creato abbaglianti evocazioni pop del mondo marino e Claude Gilli ha evocato i paesaggi azzurri in pannelli tagliati dai colori vivaci. Questi riferimenti a persone in cerca di piacere,

Meraviglie moderne?
All’alba degli anni ’60, influenzata dallo sviluppo del turismo internazionale e dall’americanizzazione della società francese, Nizza si identificò con la gioventù, l’edonismo e il fiorente consumo di massa. Questa continua ricerca del nuovo e della produzione di massa getterebbe le basi per il rapporto degli artisti con l’appropriazione e il sovvertimento della realtà. “Sì, Nizza è il nostro paradiso pacifico e pastorizzato. Da qui si potrebbe creare arte che aderisca a questa realtà fabbricata” scriveva nel 1967 il critico Jean-Jacques Lévêque.

Di fronte a questa vertiginosa ossessione per il nuovo, la creazione di oggetti economici e l’illusione, gli artisti hanno inventato nuove forme. Hanno distorto questo mondo, con la sua ridicola aspirazione al possesso, in modi satirici o anti-establishment, individuando attraverso il fascino dell’asettico la sua fatale ricerca dell’eterna giovinezza. Da questo spettacolo della vita quotidiana, gli artisti hanno prodotto una nuova bellezza che unisce eccesso e cattivo gusto. Hanno proposto una sociologia delle “meraviglie moderne” ispirata ai resti di una società guidata dall’accumulazione, utilizzando la ripetizione fino al punto di rottura e la proliferazione per corrompere e degradare gli oggetti, e hanno distrutto con gioia le icone del mondo moderno. Così facendo, hanno composto un’ode sfrenata agli eccessi del culto del possesso e dell’obsolescenza programmata.

La ricerca dell’assoluto: l’invenzione delle azioni
Nel 1947, tre giovani, all’alba della loro pratica artistica, condividevano il mondo “affrontando questo stupido mare dove i vecchi consumano la Francia e l’arte”. * Questo racconto originale e mitico presentava l’orizzonte dell’ambizione, a testimonianza di una ricerca del assoluto che era sia indifferente che ossessionato dalla conquista. In una città ancora combattuta tra conservatorismo e modernismo, lontana dai circoli parigini, ha avviato una serie di future azioni radicali e pratiche artistiche basate sui gesti performativi e sulla ricerca dell’eccesso. Yves Klein ha creato il suo Saut dans le vide (Salto nel vuoto) nella periferia parigina, Bernar Venet ha composto la sua “caduta” in un mucchio di detriti durante il suo servizio militare a Tarascon, e Ben ha gettato Dio in mare dal porto di Bello.

Queste azioni rappresentano il ritratto di questo spirito di ricerca, tra banalità, irriverenza e desiderio di onnipotenza, compreso il gusto per l’umorismo infantile e la competizione. Alcune azioni possono essere viste come una parodia dell’astrazione lirica allora ancora dominante, un atto che critica la società; altri hanno utilizzato un approccio analitico e materiale o hanno tentato di catturare gli “stati momentanei” dell’essere e del mondo. Dal segno di oggetti quotidiani o elementi della natura in un battesimo di fuoco, queste azioni potrebbero offrire un modo per collegare la natura transitoria dell’essere al desiderio di eternità dell’arte?

Questioning Paintings ans Attitudes – Théâtre Total
A metà degli anni ’60, un certo numero di giovani artisti furono riuniti dalla rivista di Ben e dalla Nice School of Decorative Arts, con Charvolen, Maccaferri, Miguel, Dolla e il loro professore Viallat che finirono per essere licenziati nel 1966-67 per aver causato disordini politici . Impegnati nell’esplorazione analitica e materiale della pittura, Chacallis, Maccaferri, Miguel, Charvolen e Isnard si sono riuniti nel contesto di una mostra nella casa di Chacallis a Vieux-Nice nel gennaio 1971. Questo evento è stata la prima mostra ufficiale del Groupe 70, in seguito seguito da un invito al teatro di Nizza.

L’esperienza collettiva si è conclusa nel 1973 dopo la loro partecipazione all’VIII Biennale di Parigi. Tra il 1968 e il 1973, il critico d’arte e poeta Raphaël Monticelli e l’artista Marcel Alocco hanno creato “INterVENTION”, riunendo i membri del Groupe 70 e vari membri di Supports / Surface per dibattiti teorici e l’organizzazione di mostre. Fu allora che Marcel Alocco iniziò il suo lavoro sulle figure, applicando dapprima motivi stilizzati sulle lenzuola, prima di tagliarle e destrutturarle nei suoi famosi patchwork. Infine, a margine di questa ricerca accademica, Jacques Martinez, che ha lavorato sul territorio, ha svelato un proprio linguaggio pittorico, basato sui concetti di superficie, materia e azione.

La Cédille qui Sourit
L’artista americano George Brecht, un pioniere dell’arte concettuale, e l’artista francese Robert Filliou, che ha imparato l’arte dell’ordinario, hanno deciso di stabilirsi a Villefranche-sur-Mer, vicino a Nizza, per aprire una libreria non-negozio “, Un centro internazionale di creazione permanente “sotto il simbolo dell’umorismo, La Cédille qui Sourit (la Cedilla che sorride).

Dall’ottobre 1965 al marzo 1968, gioielli, edizioni in facsimile, stampe e opere d’arte originali sono stati esposti senza gerarchia. Le attività di La Cédille qui Sourit a volte si svolgevano in un locale al 12 di Rue de May, che era “sempre chiuso, aperto solo su richiesta”, ma più spesso nelle strade e nei bar del centro storico. Robert Filliou lo ha descritto come segue: “Abbiamo giocato, inventato e reinventato oggetti, mantenuto i contatti con gli umili e i potenti, e abbiamo bevuto e parlato con i vicini”. * Prefigurando le forme critiche che riflettono sul significato della nostra esistenza e del suo mondo emerso nei movimenti culturali occidentali intorno al maggio 1968, La Cedille qui Sourit è stato un tentativo di avvicinare l’arte e la vita in un piccolo villaggio della Costa Azzurra, la cui storia ossessiona la moderna creazione artistica internazionale.

Supporti / Superfici
Considerato come l’ultima avventura artistica del movimento d’avanguardia in Francia, Supports / Surfaces fu un’influenza di breve durata ma potente (1970-1972) su Nizza, rendendola sede di importanti esperimenti. Di fronte alle sfide portate dall’arte dell’appropriazione e dall’arte degli atteggiamenti, gli artisti del movimento sostenevano che la pittura era ancora possibile e iniziarono a reinventare i fondamenti dell’arte. Gli strumenti tradizionali sono stati sostituiti con materie prime. Le tele tese sui telai furono sostituite da tele libere e tessuti ordinari. L’enfasi è stata posta sul processo artistico e sull’interazione tra azioni e supporti. Parallelamente a questi atti critici, anche la presentazione delle opere d’arte è stata messa in discussione attraverso l’utilizzo di metodi espositivi non convenzionali.

Progetti condotti all’aperto per le strade del villaggio di Coaraze nell’estate del 1969 sotto l’impulso di Jacques Lepage, poi sulla costa mediterranea nell’estate del 1970 rappresentarono importanti periodi di sperimentazione e interazione con il pubblico, dando risalto al nomade e carattere sperimentale delle opere di Supports / Surfaces.

Interrogare la pittura
A metà degli anni ’60, un certo numero di giovani artisti furono riuniti dalla rivista di Ben e dalla Nice School of Decorative Arts, con Charvolen, Maccaferri, Miguel, Dolla e il loro professore Viallat che finirono per essere licenziati nel 1966-67 per aver causato disordini politici . Impegnati nell’esplorazione analitica e materiale della pittura, Chacallis, Maccaferri, Miguel, Charvolen e Isnard si sono riuniti nel contesto di una mostra nella casa di Chacallis a Vieux-Nice nel gennaio 1971. Questo evento è stata la prima mostra ufficiale del Groupe 70, in seguito seguito da un invito al teatro di Nizza. L’esperienza collettiva si è conclusa nel 1973 dopo la loro partecipazione all’VIII Biennale di Parigi.

Tra il 1968 e il 1973, il critico d’arte e poeta Raphaël Monticelli e l’artista Marcel Alocco hanno creato “INterVENTION”, riunendo i membri del Groupe 70 e vari membri di Supports / Surface per dibattiti teorici e l’organizzazione di mostre. Fu allora che Marcel Alocco iniziò il suo lavoro sulle figure, applicando dapprima motivi stilizzati sulle lenzuola, prima di tagliarle e destrutturarle nei suoi famosi patchwork. Infine, a margine di questa ricerca accademica, Jacques Martinez, che ha lavorato sul territorio, ha svelato un proprio linguaggio pittorico, basato sui concetti di superficie, materia e azione.

Progetti
Un centinaio di eventi all’anno rendono il museo un luogo da vivere e condividere. Visite guidate, laboratori, incontri con artisti o ricercatori, percorsi di narrazione, conferenze o proiezioni, visite di danza, concerti, spettacoli ed eventi, promuovono l’accessibilità dell’arte contemporanea al pubblico più ampio e trasformano il museo in un parco giochi per artisti di diversi ambiti. Durante tutto l’anno, il team del museo costruisce una costellazione di reti con aziende, associazioni, studenti, assistenti sociali per inventare programmi specifici e modi per reinventare il museo.

Da diversi anni il MAMAC è impegnato in nuove letture attive della storia dell’arte, ancorate alle problematiche della società contemporanea; l’evidenziazione di figure singolari e la produzione di nuove storie. Il nostro rapporto con la natura e il modo in cui gli artisti affrontano le sfide ecologiche è uno degli argomenti chiave sollevati nel programma.

La project room o galleria contemporanea è dedicata alle più attuali sperimentazioni o linguaggi visivi nell’arte contemporanea locale e internazionale.

Biblioteca
Il museo dispone di una propria biblioteca incentrata sulla scena artistica internazionale del dopoguerra, che raccoglie: Documentazione relativa alle attività museali: cataloghi, stampe e opuscoli d’artista; Più di 13000 cataloghi di mostre, saggi, monografie, riviste …

Ramo
Tra gli altri il MAMAC ha organizzato: Gustav Metzger. Remember Nature (febbraio 2017); A propos de Nice. 1947-1977 (estate 2017); Cosmogonies, au gré des éléments, una mostra collettiva multidisciplinare e storica incentrata sulla co-creazione con la Natura da Yves Klein a Thu-Van Tran e Otobong Nkanga (Estate 2018); Inventing Dance: in and around Judson, New York, 1959-1970 (inverno 2018); Le diable au corps. Quand l’Op art électrise le cinéma (Estate 2019) sul rapporto tra arte e cinema negli anni ’60.