La collezione moderna e contemporanea del Virginia Museum of Fine Arts comprende l’arte europea dopo il 1900, l’arte americana dopo il 1950 e una collezione globale di arte del 21 ° secolo.

Espressionismo tedesco
La maggior parte dell’arte espressionista tedesca di VMFA fu originariamente acquistata dal 1905 al 1925 da Ludwig e Rosy Fischer, collezionisti lungimiranti di Francoforte, in Germania. La collezione in seguito passò ai loro figli, Max ed Ernst. Nel 1934, Ernst e sua moglie Anne lasciarono la Germania e alla fine si stabilirono a Richmond. Nel 2009, VMFA ha acquisito la metà della collezione di Ernst, circa 200 opere, attraverso un accordo di acquisto di regali. Altre due opere rappresentano la metà della collezione di Max Fischer.

La collezione Sydney e Francis Lewis
Sydney e Frances Lewis hanno donato oltre l’ottanta percento dell’arte dagli anni ’50 agli anni ’80 attualmente in mostra al VMFA. La loro collezione iniziò modestamente all’inizio degli anni sessanta, ma alla fine degli anni sessanta raggiunsero il livello più alto di quelli che collezionavano arte contemporanea americana. Nel 1985, i Lewis diedero il meglio della loro collezione privata a VMFA. Le Gallerie Sydney e Frances Lewis di VMFA rappresentano ora una delle migliori collezioni del dopoguerra in un museo completo negli Stati Uniti.

Arte del XXI secolo
Con opere di artisti globali, la collezione VMFA riflette la natura espansa dell’arte contemporanea. La mobilità e la diversità hanno conferito all’arte del 21 ° secolo una qualità caleidoscopica senza stile, mezzo o movimento dominanti. Le nuove tecnologie influenzano il lavoro svolto in formati sia innovativi che tradizionali. Negli ultimi anni, doni di donatori come Pamela K. e William A. Royall, Jr. hanno catalizzato la crescita della collezione VMFA, con un impegno particolarmente forte per gli artisti afroamericani.

Mette in risalto
La collezione di espressionismo tedesco Ludwig e Rosy Fischer e la collezione di modernismo francese T. Catesby Jones forniscono esempi eccezionali di arte europea all’inizio del XX secolo. La collezione Sydney e Frances Lewis rappresenta l’iconica arte americana dagli anni ’50 agli anni ’80, oltre all’arte europea degli anni ’80. Con il sostegno di donatori come Pamela K. e William A. Royall, Jr., la nostra collezione dinamica e diversificata di arte contemporanea continua a crescere.

Sei ballerini
Ernst Ludwig Kirchner, tedesco, 1880-1938
Dipingendo la pelle e il costume di ciascuno di questi ballerini con lo stesso intenso colore malva, Kirchner li ha resi simili a bambole. La loro rigidità, imbarazzo pone ulteriormente questa impressione, suggerendo che Kirchner era interessato a mettere in scena il ritmo e l’armonia generali dell’immagine come nelle figure stesse. L’attenzione di Kirchner alla modellazione, unita alla sua tavolozza brillante, è parallela all’arte di Matisse e dei Fauvisti, mentre la pennellata distintiva e lo spazio appiattito richiamano il lavoro di Cézanne.

Mother Goose Melody
Helen Frankenthaler, americano, 1928-2011
Il pittore crea qualcosa di magico, spaziale e vivo su una superficie piatta e con materiali inerti. Quella magia è ciò che rende un dipinto unico e necessario. La pittura, per molti versi, è una gloriosa illusione. —Helen Frankenthaler

In Mother Goose Melody, Frankenthaler combina gli schizzi e le gocce gestuali della pittura espressionista astratta con l’innovativa tecnica della tela macchiata che ha aiutato a fare da pioniera nel 1952. La gamma di colori, forme e linee rende questa composizione ritmica e dinamica. La forma rossa a spirale sulla destra contrasta la densa area di colore sulla sinistra, mentre l’ampia fascia gialla che si estende sul fondo unisce entrambi. L’artista notò che le tre forme marroni potevano riferirsi a se stessa e alle sue due sorelle, e che le linee rosse e nere “creavano una sorta di cicogna: l’intera cosa aveva una sensazione da vivaio”.

Sinossi di una battaglia
Cy Twombly, americano, 1928-2011
“Quello che sto cercando di stabilire è che l’arte moderna non è lussata, ma qualcosa con radici, tradizione e continuità. Per me il passato è la fonte (perché tutta l’arte è di vitale importanza contemporanea). ”- Cy Twombly (Dall’applicazione della compagnia del 1952 al Virginia Museum of Fine Arts)

Le vivaci composizioni a ruota libera del Cy Twombly nato in Virginia spesso alludono a soggetti storici e mitologici. In Sinossi di una battaglia, quelli che sembrano casuali, scarabocchi da gesso su una lavagna grigio ardesia sono in realtà disegnati e dipinti segni e simboli che rimandano a un evento specifico: la Battaglia di Isso (333 a.C.), in cui Alessandro Magno sconfisse Dario dell’esercito molto più grande della Persia.

Tra i segni criptici e simili a graffiti dell’opera, le parole “Issus” (in alto a sinistra) e “fianco” (a sinistra e a destra) forniscono indizi sul soggetto militare del dipinto. La forma radiante, o fiancheggiante, suggerisce diagrammi dei movimenti delle truppe.

Twombly combina l’energia del gesto espressionista astratto con le spinte semplificanti del minimalismo. Il dipinto riflette anche l’atteggiamento indagatore dell’arte concettuale. Twombly è interessato al linguaggio sia come forma visiva che come costrutto mentale, qui in grado di portare il passato in modo vitale nel presente.

Tra l’orologio e il letto
Jasper Johns, americano, nato nel 1930
“Stavo guidando in macchina, uscendo negli Hamptons per il fine settimana, quando un’auto è arrivata nella direzione opposta. Era coperto da questi segni, ma l’ho visto solo per un momento – poi era sparito – solo una breve occhiata. Ma ho immediatamente pensato che lo avrei usato per il mio prossimo dipinto. ”—Jasper Johns

I segni di tratteggio appaiono come dettagli o come un modello generale in molti dipinti e stampe di John, a partire dai primi anni ’70. In Between the Clock and the Bed, quelli che inizialmente sembrano segni casuali sono, in effetti, un sistema attentamente strutturato di schemi ripetuti e invertiti. Le sezioni sinistra e destra della pittura in tre parti si specchiano quasi esattamente.

I dipinti di John sono spesso puzzle visivi a strati densi che esplorano i paradossi insiti nei poli gemelli della pittura: astrazione e rappresentazione. Il titolo di questo pezzo, Between the Clock and the Bed, deriva da un tardo autoritratto dell’artista norvegese Edvard Munch (1863-1944), dopo che Johns notò la somiglianza tra il suo modello di tratteggio e il modello del copriletto di Munch.

Triple Elvis
Andy Warhol, americano, 1928-1987
“Nella mia opera d’arte, la pittura a mano richiederebbe troppo tempo e comunque non è l’età in cui viviamo. I mezzi meccanici sono oggi. . . Il lavoro in serigrafia è un metodo onesto come qualsiasi altro, inclusa la pittura a mano. ”—Andy Warhol

Warhol basò questo ritratto macho trasformato in pistolero di Elvis Presley su una fotografia pubblicitaria per la stella fiammeggiante occidentale del 1960. Questo personaggio pubblico, accuratamente confezionato come Campbell’s Soup, era perfettamente adatto agli obiettivi di Warhol e alla sua attenzione all’apparenza superficiale piuttosto che all’interpretazione psicologica. La ripetizione di Warhol di immagini identiche e la sua tecnica serigrafica alludono spesso alla pervasività della cultura del consumo. Le figure multiple sovrapposte qui suggeriscono anche singoli fotogrammi di film e movimento cinematografico, mentre lo sfondo metallico dell’opera evoca lo schermo d’argento di Hollywood.

La storia dell’arte non è lineare
Ryan McGinness, americano, nato nel 1972
“La storia dell’arte non è lineare; sebbene sia spesso insegnata come tale. La cultura è una rete multidimensionale che si nutre e si costruisce su se stessa in un miscuglio che trascende il tempo.” —Ryan McGinness

Nato e cresciuto a Virginia Beach e ora residente a New York, McGinness è noto a livello internazionale per il suo esuberante matrimonio di astrazione e rappresentazione. Il suo primo interesse per il design, l’illustrazione e la cultura popolare ha portato a uno stile piatto e nitido di audaci immagini di logolike. Si riferisce alle sue immagini come icone, un cenno al suo interesse a fondere la cultura aziendale e l’arte.

Questo dipinto in più parti è stato commissionato appositamente per la sua posizione attuale. Le sue duecento icone sono basate su opere della collezione VMFA, che McGinness ha studiato per diversi anni attraverso l’osservazione diretta, la ricerca di libri e le visite al sito Web del museo. McGinness ha reinterpretato le opere attraverso un processo di disegno a mano e progettazione al computer, producendo un repertorio di nuove icone rappresentative. Con l’intuizione come guida, ha poi messo in collage le nuove immagini usando il processo di serigrafia per creare una serie di dipinti vibranti e densamente stratificati che insieme servono come introduzione alle proprietà del museo.

Virginia Museum of Fine Arts, Richmond, Stati Uniti
Il Virginia Museum of Fine Arts, o VMFA, è un museo d’arte a Richmond, in Virginia, negli Stati Uniti, aperto nel 1936.

Il museo è di proprietà e gestito dal Commonwealth della Virginia, mentre donazioni, dotazioni e fondi privati ​​vengono utilizzati per il supporto di programmi specifici e tutte le acquisizioni di opere d’arte, nonché per un ulteriore supporto generale. L’ammissione è gratuita (ad eccezione di mostre speciali). È uno dei primi musei nel sud americano ad essere gestito da fondi statali. È anche uno dei più grandi musei d’arte del Nord America. VMFA si classifica come uno dei primi dieci musei d’arte completi negli Stati Uniti.

Il Virginia Museum of Fine Arts, insieme all’adiacente Virginia Historical Society, ancorano l’omonimo “Museum District” di Richmond (in alternativa noto come “West of the Boulevard”).