L’arte miniatura o la pittura in miniatura in piccolo è un genere che si concentra sull’arte (in particolare la pittura, l’incisione e la scultura) con una lunga storia che risale agli scribi del Medioevo. Società artistiche in miniatura, come la World Federation of Miniaturists (WFM), forniscono definizioni applicabili del termine. Una definizione spesso usata è che un pezzo di arte in miniatura può essere tenuto nel palmo della mano o che copre meno di 25 pollici quadrati o 100 cm². I soggetti sono rappresentati in 1/6 di dimensioni reali e in tutti i dipinti dovrebbe essere mantenuto lo spirito della miniaturizzazione.

L’arte in miniatura (arte in miniatura) è un genere di arte su piccola scala che include pittura, stampe, sculture e altro ancora. The Fine Arts Association, World Federation of Miniaturists (WFM) La definizione è diversa, ma molte organizzazioni richiedono che l’opera non debba superare i 100 centimetri quadrati. Il fascino di un’opera d’arte è che può essere tenuto nel palmo della tua mano.

L’arte in miniatura è una piccola illustrazione usata per decorare un manoscritto miniato antico o medievale; le semplici illustrazioni dei primi codici sono state miniate o delineate con quel pigmento. La scala generalmente piccola delle immagini medievali ha portato in secondo luogo a una confusione etimologica del termine con minuziosità e alla sua applicazione a piccoli dipinti, in particolare miniature di ritratti, che tuttavia sono cresciuti dalla stessa tradizione e almeno inizialmente hanno utilizzato tecniche simili.

Oltre alle tradizioni occidentali e bizantine, c’è un altro gruppo di tradizioni asiatiche, che è generalmente più di natura illustrativa, e dalle origini nella decorazione del libro manoscritto anche sviluppato in piccoli dipinti a fogli singoli da conservare in album, che sono anche chiamati miniature , come gli equivalenti occidentali in acquerello e altri mezzi non lo sono. Questi includono miniature persiane e il loro Mughal, ottomano e altre propaggini indiane.

L’arte in miniatura è stata creata per oltre 1000 anni ed è apprezzata dai collezionisti. La Casa Bianca degli Stati Uniti, lo Smithsonian American Art Museum, l’Astolat Dollhouse Castle e i musei di tutto il mondo hanno collezioni di dipinti in miniatura, disegni, stampe e incisioni originali e sculture.

Pittura in miniatura significa letteralmente dipinti in miniatura. La parola miniatura deriva dalla parola latina miniāre (per colorare il rosso), che significa rosso metallo vermiglio. Nel Medioevo, i libri furono stampati con il vermiglio rosso-dolce dell’Europa, e in questo modo il libro o il vasetto manoscritti trasmessi sotto forma di un dipinto in miniatura realizzato a forma di una figura monocromatica. Sono state dipinte molte famose miniature del periodo moghul dell’anno indiano.

Storia dell’arte in miniatura:

III-VI secolo:
Le prime miniature esistenti sono una serie di disegni colorati o miniature ricavate dall’Iliade ambrosiana, un manoscritto illustrato dell’Iliade del III secolo. Sono simili nello stile e nel trattamento con l’arte pittorica del tardo periodo romano classico. In queste immagini c’è una notevole varietà nella qualità del disegno, ma ci sono molti casi notevoli di disegno figurato, abbastanza classico nel sentimento, che mostra che l’arte precedente esercitava ancora la sua influenza. Anche tali indicazioni del paesaggio che si possono trovare sono di tipo classico, non convenzionali nel senso del convenzionalismo medievale, ma tentano ancora di seguire la natura, anche se in modo imperfetto; come nel Pompeiano e in altri affreschi di epoca romana.

Di valore ancora maggiore da un punto di vista artistico sono le miniature del manoscritto vaticano di Virgilio, noto come il Vaticano Vaticano, all’inizio del V secolo. Si trovano in condizioni più perfette e su scala più ampia dei frammenti ambrosiani e offrono quindi migliori opportunità di esaminare metodo e tecnica. Il disegno è abbastanza classico, e l’idea è che le miniature sono copie dirette di una serie precedente. I colori sono opachi: in effetti, in tutte le miniature dei primi manoscritti l’impiego del colore del corpo era universale. Il metodo seguito nel mettere le diverse scene sulla pagina è altamente istruttivo della pratica seguita, come possiamo presumere, dagli artisti dei primi secoli. Sembra che lo sfondo della scena sia stato dipinto per intero, coprendo l’intera superficie della pagina; poi, su questo sfondo sono state dipinte le figure e gli oggetti più grandi; e su questi di nuovo i dettagli più piccoli di fronte a loro erano sovrapposti. (L’algoritmo del pittore.) Ancora una volta, al fine di assicurare qualcosa come la prospettiva, fu adottata una disposizione di zone orizzontali, quelle superiori contenenti figure su una scala più piccola di quelle sottostanti.

Era riservato alla scuola bizantina di staccarsi più decisamente dalla naturale presentazione delle cose e di sviluppare convenzioni artistiche. Tuttavia nei migliori primi esempi di questa scuola permane il sentimento classico, come testimoniano le reliquie delle miniature della Genesi di cotone e le migliori miniature delle Dioscuride di Vienna; e nelle miniature dei successivi manoscritti bizantini, copiati da esempi precedenti, la riproduzione dei modelli è fedele. Ma confrontando le miniature della scuola bizantina in genere con i loro predecessori classici, si ha la sensazione di essere passati dall’aria aperta al chiostro. Sotto il controllo del dominio ecclesiastico l’arte bizantina divenne sempre più stereotipata e convenzionale. La tendenza cresce a dipingere le tinte della carne in tonalità brune, per allungare e smerigliare le membra e per irrigidire l’andatura. Marroni, blu-grigi e tonalità neutre sono a favore. Qui troviamo per la prima volta il trattamento tecnico della pittura della carne, che in seguito divenne la pratica speciale dei miniaturisti italiani, ovvero l’imposizione delle tinte carnali su un terreno di ulivo, verde o altra tonalità scura. Il paesaggio, così com’era, divenne presto abbastanza convenzionale, dando l’esempio di quella notevole assenza della vera rappresentazione della natura che è un attributo così impressionante delle miniature del Medioevo.

Eppure, mentre il trattamento ascetico delle miniature si ottiene così fortemente nell’arte bizantina, allo stesso tempo il senso orientale di splendore si manifesta nello splendore di gran parte della colorazione e nella generosa occupazione dell’oro. Nelle miniature dei manoscritti bizantini si vedono per la prima volta quegli sfondi di oro brillante che poi appaiono in tale profusione nelle produzioni di ogni scuola occidentale di pittura.

L’influenza dell’arte bizantina su quella dell’Italia medievale è evidente. I primi mosaici nelle chiese d’Italia, come quelli di Ravenna e Venezia, offrono anche esempi dell’influenza bizantina dominante. Ma l’alto Medioevo fornisce solo pochi punti di riferimento per guidare lo studente; ed è solo quando emerge nel XII secolo, con i suoi affreschi e le sue miniature che continuano ad avere l’impronta della tradizione bizantina, che può essere convinto che la connessione sia sempre esistita durante i secoli che sono trascorsi.

VIII-XII secolo:
Questo testo riccamente decorato che apre il Vangelo di Giovanni nel Libro di Kells, all’inizio del IX secolo, mostra lo stile insulare dell’illuminazione: decorativo e non illustrativo.
Nelle scuole natalizie di illuminazione dell’Europa occidentale, la decorazione era il motivo principale. Nei manoscritti del periodo merovingio, nella scuola che collegava Frankland e l’Italia settentrionale, e che è conosciuta come longobarda o franco-lombarda, nei manoscritti della Spagna, nelle produzioni dell’Isola Insulare delle Isole Britanniche, figura-disegno era scarsamente conosciuto, e serviva piuttosto come una caratteristica della decorazione che come una rappresentazione della forma umana.

La scuola anglosassone, sviluppata in particolare a Canterbury e Winchester, che probabilmente traeva il suo caratteristico disegno a mano libera dai classici modelli romani, a malapena influenzato dall’elemento bizantino. Le più alte qualità delle miniature del decimo e dell’undicesimo secolo di questa scuola si trovano nel disegno a tratteggio fine, che ha avuto un’influenza duratura sulla miniatura inglese dei secoli successivi. Ma la scuola anglo-sassone del sud si distingue piuttosto dalla linea generale di sviluppo della miniatura medievale occidentale.

Sotto i monarchi carolingi si sviluppò una scuola di pittura derivata da modelli classici, principalmente di tipo bizantino. In questa scuola, che deve la sua origine all’incoraggiamento di Carlo Magno, si vede che la miniatura appare in due forme. In primo luogo, c’è la miniatura veramente convenzionale che segue il modello bizantino, i soggetti sono generalmente i ritratti dei quattro Evangelisti, o ritratti degli stessi imperatori: le figure formali; le pagine brillantemente colorate e dorate, generalmente ambientate in un contesto architettonico di tipo fisso, e prive di paesaggio nel vero senso della parola. Accompagnato com’era con una decorazione abbondante in confine e in iniziale, stabilì il modello per le successive scuole continentali dell’Occidente. D’altra parte, c’è anche la miniatura in cui c’è un tentativo di illustrazione, come, ad esempio, la raffigurazione di scene tratte dalla Bibbia. Qui c’è più libertà; e tracciamo lo stile classico che copia i modelli romani, distinti da quelli bizantini.

L’influenza esercitata dalla scuola carolingia sulle miniature degli artisti anglo-sassoni del sud si manifesta nell’uso esteso del colore del corpo e nel più elaborato impiego dell’oro nella decorazione. Tale manoscritto come la Benedictional di St. Æthelwold, vescovo di Winchester, dal 963 al 984, con la sua serie di miniature disegnate nello stile nativo ma dipinte con pigmenti opachi, mostra l’influenza dell’arte straniera. Ma il disegno reale rimase essenzialmente nazionale, caratterizzato dal suo stesso trattamento della figura umana e dalla disposizione del drappeggio con le pieghe svolazzanti. Lo stile era raffinato, tendente all’esagerazione e alla sproporzione degli arti. Con la conquista normanna, questa straordinaria scuola natale morì.

Con il risveglio dell’arte nel 12 ° secolo la decorazione dei manoscritti ha ricevuto un forte impulso. Gli artisti dell’epoca eccellevano nel confine e nell’iniziale, ma nella miniatura c’era anche un disegno vigoroso, con linee audaci e un attento studio dei drappeggi. Gli artisti si svilupparono maggiormente nel disegno di figure, e mentre c’era ancora la tendenza a ripetere gli stessi soggetti nello stesso modo convenzionale, lo sforzo individuale produsse in questo secolo molte miniature di un carattere molto nobile.

La conquista normanna aveva portato l’Inghilterra direttamente nella piega dell’arte continentale; e ora iniziò quel raggruppamento di scuole francesi e inglesi e fiamminghe, che, alimentate da crescenti rapporti e mosse da impulsi comuni, sfociarono nelle magnifiche produzioni degli illuminatori dell’Europa nord-occidentale dall’ultima parte del XII secolo in poi .

Ma del paesaggio naturale non c’è nulla, a meno che le rocce e gli alberi di un personaggio stereotipato possano essere considerati così. Quindi lo sfondo della miniatura del 12 ° e dei secoli immediatamente successivi divenne il campo della decorazione per dare maggior rilievo alle figure nella scena. E così sorse la pratica di riempire l’intero spazio con un foglio d’oro, spesso brunito: un brillante metodo di ornamento che abbiamo già visto praticato nella scuola bizantina. Dobbiamo anche notare il trattamento convenzionale delle figure sacre, che continuano da allora in avanti, da un senso di venerazione, per essere rivestite con le vesti tradizionali dei primi secoli, mentre le altre figure della scena indossano l’abito ordinario del periodo.

13 ° -15 ° secolo:
Entrando nel XIII secolo, arriviamo al periodo in cui si può dire che la miniatura giustifica la falsa etimologia moderna che ha collegato il titolo con minuziosità. Lo stile ampio e audace del 12 ° secolo dà luogo al minuto preciso e preciso. I libri in generale scambiavano la loro forma dal folio grande all’octavo e alle dimensioni più piccole. C’era una maggiore richiesta di libri; e la pergamena era limitata in quantità e doveva andare oltre. La calligrafia si fece più piccola e perse la rotondità del 12 ° secolo. Le contrazioni e le abbreviazioni nei testi sono in gran parte aumentate di numero. Ovunque c’è uno sforzo per risparmiare spazio. E così con la miniatura. Le figure erano piccole, con tratti delicati nei tratti e con corpi e arti snelli e puliti. Gli sfondi brillano di colore e oro brunito; e modelli di pannolini delicati di oro e colore alternati abbondano. Spesso, e specialmente nei manoscritti inglesi, i disegni sono semplicemente colorati o lavati con colori trasparenti. Anche in questo secolo, la miniatura invade l’iniziale. Mentre nei periodi precedenti i rotoli in grassetto sono la moda, ora una piccola scena viene introdotta negli spazi vuoti della lettera.

Per confrontare il lavoro delle tre scuole, il disegno della miniatura inglese, al suo meglio, è forse il più aggraziato; il francese è il più accurato e il più accurato; il fiammingo, compreso quello della Germania occidentale, è meno raffinato e in linee più dure e forti. Per quanto riguarda i colori, l’artista inglese ha delle tinte piuttosto lievi rispetto a quelle delle altre scuole: una parzialità va osservata per il verde chiaro, per il grigio-blu e per il lago. L’artista francese amava le sfumature più profonde, in particolare il blu oltremare. Il Fleming e il tedesco dipinsero, di regola, con colori meno puri e inclini alla pesantezza. Una caratteristica notevole nei manoscritti francesi è l’oro rosso o color rame usato nelle loro illuminazioni, in forte contrasto con il metallo più chiaro dell’Inghilterra e dei Paesi Bassi.

È notevole come l’arte della miniatura nel corso del 13 ° secolo mantenga la sua alta qualità sia nel disegno che nel colore senza alcun cambiamento molto sorprendente. Per tutto il secolo la Bibbia e il Salterio furono favorevoli; e naturalmente gli stessi soggetti e le stesse scene attraversarono il periodo e furono ripetute da artista dopo artista; e il carattere stesso di quei libri sacri tenderebbe a frenare l’innovazione. Ma verso la fine del periodo le opere secolari come i romanzi crescevano in popolarità, e fornivano un campo più ampio per l’invenzione dell’artista illustratore. Pertanto, con l’apertura del 14 ° secolo, subisce un palpabile cambiamento di stile. Passiamo a linee più fluide; non agli audaci tratti e curve del dodicesimo secolo, ma a uno stile aggraziato, delicato e fruttuoso che ha prodotto le splendide figure ondeggianti del periodo. In effetti, la miniatura inizia ora a liberarsi dal ruolo di membro integrante dello schema decorativo di illuminazione e a svilupparsi nel quadro, a seconda del proprio merito artistico per la posizione che deve mantenere nel futuro. Questo è dimostrato dal posto più prominente che la miniatura assume ora, e dalla sua crescente indipendenza dal bordo decorativo e iniziale.

Ma, allo stesso tempo, mentre la miniatura del 14 ° secolo si sforza così di dissociarsi dal resto dei dettagli illuminati del manoscritto, in sé fiorisce nella decorazione. Oltre alla maggiore elasticità della figuredrawing, c’è uno sviluppo parallelo nei disegni degli sfondi. I pannolini diventano più elaborati e più brillanti; la bellezza dell’oro brunito è esaltata dai motivi punteggiati su cui spesso si lavora; i baldacchini gotici e altre caratteristiche architettoniche che divenne la pratica di introdurre naturalmente seguirono lo sviluppo dell’architettura del periodo. In una parola, la grande espansione del sentimento artistico nella decorazione del miglior tipo, che è così prominente nell’opera superiore del 14 ° secolo, è altrettanto evidente nella miniatura illuminata.

Nella prima parte del secolo, il disegno inglese è molto aggraziato, le figure si piegano con un movimento ondeggiante che, se non fossero così semplici, sarebbe un’affettazione. Entrambi negli esemplari di contorno, lavati con colori trasparenti e nel pieno. esempi dipinti, il miglior lavoro inglese di questo tempo è insuperabile. L’arte francese mantiene ancora la sua precisa precisione, i colori più vividi di quelli dell’Inghilterra e i volti delicatamente indicati senza molti modelli. Le produzioni dei Paesi Bassi, pur mantenendo lo stile di disegno più pesante, appaiono grossolane accanto alle opere delle altre scuole. Né l’arte miniatura tedesca di questo periodo occupa una posizione elevata, essendo in genere meccanica e di carattere rustico. Con il passare del tempo, la miniatura francese quasi monopolizza il campo, eccellendo per la brillantezza della colorazione, ma perdendo gran parte della sua purezza di disegno, sebbene lo standard generale rimanga elevato. La scuola inglese gradualmente retrograde e, senza dubbio per cause politiche e per le guerre con la Francia, sembra non aver prodotto alcun lavoro di grande valore. È solo verso la fine del 14 ° secolo che c’è un risveglio.

Questo risveglio è stato attribuito a un legame con la fiorente scuola di Praga, una scuola che secondo lo schema della colorazione suggerisce un’influenza meridionale successiva al matrimonio di Riccardo II con Anna di Boemia nel 1382. Il nuovo stile della pittura in miniatura inglese si distingue per ricchezza di colori, e dall’attenta modellazione dei volti, che si confronta positivamente con il trattamento più sottile degli artisti francesi contemporanei. Un’analoga attenzione alle caratteristiche contraddistingue anche la scuola fiamminga o olandese del nord in questo periodo e all’inizio del XV secolo; e può quindi essere considerato un attributo dell’arte germanica come distinto dallo stile francese.

La promessa del nuovo sviluppo nella pittura in miniatura inglese, tuttavia, non doveva essere soddisfatta. Nel primo quarto del XV secolo vennero prodotti esempi di grande merito, ma fermi nel disegno e incatenati dalle convenzioni medievali. L’arte nativa praticamente si è conclusa verso la metà del secolo, proprio quando il migliore apprezzamento della natura stava abbattendo la vecchia rappresentazione convenzionale del paesaggio nell’arte europea, e stava trasformando la miniatura nel quadro moderno. Qualunque pittura in miniatura doveva essere prodotta in Inghilterra dopo quel periodo doveva essere opera di artisti stranieri o di artisti che imitavano uno stile straniero. Le condizioni del paese durante le Guerre delle Rose spiegano sufficientemente l’abbandono dell’arte. Così la storia della miniatura nel 15 ° secolo deve essere cercata nei manoscritti delle scuole continentali.

Per prima cosa dobbiamo considerare la Francia settentrionale e i Paesi Bassi. Mentre esce dal XIV secolo ed entra nel XV secolo, la miniatura di entrambe le scuole inizia ad esibire una maggiore libertà di composizione; e vi è un’ulteriore tendenza a mirare piuttosto all’effetto generale del colorito che alla pulizia del disegno. Ciò è stato incoraggiato dal campo più ampio aperto al miniaturista. Libri di tutti i tipi erano illustrati, libri sacri, Bibbie e Psaltri e libri liturgici, non erano più i principali, se non gli unici, manoscritti che venivano illuminati. Eppure c’era una classe di manoscritti che è entrata nel più grande risalto e che allo stesso tempo era liturgica. Questa era la Horae, o Libro delle Ore, libri di devozione per uso individuale, che erano moltiplicati in grandi quantità e contenevano alcuni dei migliori lavori dei miniaturisti. La decorazione di questi piccoli volumi sfuggì in gran parte dalle restrizioni convenzionali che il loro carattere religioso avrebbe potuto imporre. Inoltre, la richiesta di manoscritti miniati aveva ormai stabilito un regolare commercio; e la loro produzione non fu confinata, come in passato, al chiostro. Notevoli artisti di manoscritti illuminati secolari includono il Maestro Honoré della scuola parigina.

All’inizio del secolo il vecchio trattamento convenzionale del paesaggio continuava a reggere il suo; né lo sfondo panneggiato e dorato passò fuori uso. In effetti, in alcuni dei migliori esemplari francesi del tempo, i modelli pannolini sono più brillanti che mai. Ma lo scenario naturale del secondo quarto del secolo si afferma in modo più deciso, sebbene con difetti di prospettiva. Non è stato fino a quando non è sorta un’altra generazione che c’era un vero apprezzamento dell’orizzonte e dell’effetto atmosferico.

Le miniature delle scuole francese e fiamminga sono abbastanza parallele per un certo periodo, ma dopo la metà del secolo le caratteristiche nazionali diventano più marcate e divergenti. La miniatura francese cominciò a deteriorarsi, anche se alcuni esempi molto raffinati furono prodotti dagli artisti più dotati della scuola. Il disegno a figure era più disattento e la pittura tendeva alla durezza senza profondità, che l’artista cercava di alleviare con un eccesso di sfumature dorate.

La scuola fiamminga nell’ultima parte del XV secolo raggiunse la sua massima eccellenza. La miniatura fiamminga influenzò l’estrema morbidezza e profondità di colore; anche una sempre crescente attenzione nel trattamento dei dettagli, dei drappeggi, dell’espressione dei lineamenti: il tipo fiammingo del viso della Vergine, per esempio, con la sua fronte piena e piena, non può mai essere confuso. Nelle migliori miniature fiamminghe del periodo l’artista riesce a presentare una meravigliosa morbidezza e bagliore di colore; né gli alti standard cessarono con il XV secolo, poiché molti esemplari eccellenti rimangono ancora per attestare il favore in cui fu tenuto per alcuni decenni più a lungo.

Nelle osservazioni precedenti, ciò che è stato detto per quanto riguarda l’accurato trattamento dei dettagli si applica ancora di più alle miniature eseguite in grisaglia, in cui l’assenza di colore ha invitato un’accentuazione ancora più forte di quel trattamento. Ciò è forse più osservabile nelle miniature di grisaglie delle Fiandre settentrionali, che spesso suggeriscono, in particolare nelle forti linee angolari dei drappeggi, una connessione con l’arte dell’incisore del legno.

La miniatura fiamminga, tuttavia, non ha avuto il favore dell’Europa occidentale senza rivali. Quel rivale era sorto nel sud ed era giunto alla perfezione in concomitanza con la miniatura dei Paesi Bassi nel XV secolo. Questa è stata la miniatura italiana, che ha attraversato le stesse fasi delle miniature di Inghilterra, Francia e Paesi Bassi. L’intercomunicazione tra i paesi europei era troppo consolidata perché il caso potesse essere diversamente. Nei manoscritti italiani di tipo normale l’influenza dell’arte bizantina è molto evidente durante il XIII e il XIV secolo. Il vecchio sistema di dipingere la carne si tinge di verde oliva o di un pigmento simile, che viene lasciato esposto sulle linee dei lineamenti, ottenendo così una carnagione scura, che continua a essere praticato in forma più o meno modificata nel XV secolo. Di norma, i pigmenti usati sono più opachi di quelli impiegati nelle scuole del nord; e l’artista si fidava di più del colore da solo per ottenere l’effetto desiderato rispetto alla miscela di colore e oro che ha dato risultati così brillanti nei modelli pannolini della Francia. Il vivido colore scarlatto dei miniaturisti italiani è proprio loro. Il disegno della figura è meno realistico rispetto all’arte contemporanea dei manoscritti inglesi e francesi, la cui forma umana è spesso densa. In generale, la miniatura italiana, prima della sua grande espansione nel 14 ° secolo, è molto indietro rispetto alle miniature del nord. Ma con il XV secolo, sotto l’influenza del Rinascimento, avanzò in prima fila e rivaleggiò con il miglior lavoro della scuola fiamminga. L’uso di pigmenti più spessi ha permesso al miniaturista di ottenere la superficie dura e levigata così caratteristica del suo lavoro, e di mantenere la nitidezza del contorno, senza perdere la profondità e la ricchezza di colore che si confronta con le stesse qualità della scuola fiamminga.

Lo stile italiano fu seguito nei manoscritti della Provenza nei secoli XIV e XV. Ha avuto anche il suo effetto sulla scuola del nord della Francia, con la quale è stata anche influenzata a sua volta. Nei manoscritti della Germania meridionale è anche in evidenza. Ma i principi che sono stati esaminati come guida dello sviluppo della miniatura nelle scuole più importanti si applicano ugualmente a tutti. Come la miniatura della scuola fiamminga, la miniatura italiana funzionava ancora in una certa misura con successo, sotto speciale patronato, anche nel XVI secolo; ma con il rapido spostamento del manoscritto dal libro stampato, l’occupazione del miniaturista fu portata a termine.

Persia
Reza Abbasi (1565-1635), considerato uno dei più famosi pittori persiani di tutti i tempi, specializzato nella miniatura persiana, con preferenza per i soggetti naturalistici. Oggi le sue opere superstiti si possono trovare in molti dei principali musei del mondo occidentale, come lo Smithsonian, il Louvre e il Metropolitan Museum of Art.

Miniature Mughal
La pittura moghul si sviluppò durante il periodo dell’Impero Mughal (16 ° – 18 ° secolo) e fu generalmente limitata alle miniature sia come illustrazioni di libri sia come opere singole da conservare in album. È emerso dalla tradizione persiana di pittura in miniatura introdotta in India da Mir Sayyid Ali e Abd al-Samad nella metà del XVI secolo. Ben presto si allontanò dalle sue origini safavide; con l’influenza degli artisti indù, i colori sono diventati più brillanti e le composizioni più naturalistiche. L’argomento era prevalentemente laico, costituito principalmente da illustrazioni di opere letterarie o storiche, ritratti di membri della corte e studi sulla natura. Al suo apice lo stile pittorico di Mughal rappresentava un elegante connubio tra arte persiana, europea e hindi.

Mostre d’arte in miniatura:
Per gli artisti contemporanei e i collezionisti interessati a visitare o partecipare a mostre d’arte in miniatura, ci sono diverse di queste mostre. Ecco una lista di spettacoli in miniatura selezionati che sono rappresentativi delle belle arti in miniatura che vengono mostrate in tutto il mondo oggi:

Ogni anno a Dunedin, FL, USA, la mostra annuale annuale della National Art Society of Florida (le iscrizioni devono avere dimensioni inferiori a 25 pollici quadri per quadri, meno di 8 pollici in qualsiasi dimensione per sculture e create con attenzione ai dettagli. per soggetti molto piccoli, ma in generale gli oggetti raffigurati dovrebbero essere più piccoli di 1/6 della loro dimensione originale).

Mostra d’arte internazionale delle miniere e delle miniere di Sulphur Springs Valley ogni febbraio, Willcox, AZ USA (i dipinti devono avere una dimensione inferiore a 20 pollici quadrati e gli oggetti devono avere dimensioni pari o inferiori a 1/6).

Galleria d’arte al mare Mostra annuale di belle arti in miniatura ogni maggio, Nags Head, NC USA (I dipinti devono misurare 42 pollici quadrati o meno dall’esterno dei telai.Le sculture non possono superare i 6 pollici in qualsiasi dimensione. questa competizione.)

Ogni anno, a maggio, Kirkland, WA, USA, la mostra annuale di Juried Miniature alla Parklane Gallery (le opere devono avere una dimensione inferiore a 25 pollici quadri per quadri, meno di 4 pollici in qualsiasi dimensione per sculture e create con attenzione ai dettagli. per soggetti molto piccoli, ma in generale gli oggetti raffigurati dovrebbero essere più piccoli di 1/6 della loro dimensione originale).

L’Art of the Miniature Invitational Miniature Art Exhibition in mostra alla Snow Goose Gallery ogni maggio, Betlemme, Stati Uniti d’America (le voci devono essere di dimensioni inferiori a 25 pollici quadrati per i dipinti e create con attenzione ai dettagli. Ci sono alcune eccezioni per soggetti molto piccoli , ma in generale gli oggetti raffigurati dovrebbero essere più piccoli di 1/6 delle loro dimensioni originali.)

Heartland Art Guild Mostra internazionale di pitture e sculture di arte in miniatura ogni luglio, Museo storico della contea di Miami a Paola, KS USA (Le opere devono avere dimensioni inferiori a 25 pollici quadri per quadri, meno di 6 pollici in qualsiasi dimensione per sculture e create con attenzione per i dettagli Gli oggetti raffigurati dovrebbero essere più piccoli di 1/6 della loro dimensione originale).

Porta d’ingresso annuale al Rockies Art Show, Aurora History Museum, ogni ottobre Aurora, CO USA (Le tradizionali regole in miniatura non si applicano, l’unico criterio è che le immagini abbiano una dimensione di 36 pollici o meno).

Miniatures and More Invitational Show, Albuquerque Art Museum, ogni ottobre, Albuquerque, NM USA (I dipinti sono limitati a una dimensione massima di 324 pollici quadrati (altezza x larghezza) o qualsiasi proporzione di altezza e larghezza incorniciate insieme pari a 36 pollici totali o Per la scultura il limite di dimensione è di 15-20 pollici o inferiore in una qualsiasi dimensione – altezza, larghezza o lunghezza).

Ogni anno, a novembre, Chambersburg, PA, USA, il Council For the Arts presenta a The Capitol Theatre Center le immagini di quadri con una dimensione di 24 pollici quadrati o inferiore.Le sculture non possono superare i 5 pollici in nessuna dimensione. concorrenza.)

Scultori di pittori in miniatura Esposizione annuale in miniatura di Gravers Society of Washington DC ogni novembre, Bethesda, MD USA (Le immagini dei dipinti devono misurare 25 pollici quadrati o meno. Le sculture non devono superare i 6 pollici in qualsiasi dimensione. Le iscrizioni devono aderire allo “spirito di miniatura” che include attenzione ai dettagli e la regola 1/6 per oggetti che non sono troppo piccoli per rappresentare 1/6 della loro dimensione.)

Mostra annuale di arte nordamericana in miniatura alla Galleria d’arte di Fells Point, Baltimora, Maryland, USA (le immagini dei dipinti devono misurare 24 pollici quadrati o meno. Le sculture non possono eccedere gli 8 pollici in qualsiasi dimensione.Le iscrizioni devono aderire allo “spirito di miniatura” che include attenzione ai dettagli e la regola 1/6 per oggetti che non sono troppo piccoli per rappresentare 1/6 della loro dimensione.)