Museo Matisse a Nizza, Provenza-Alpi-Costa Azzurra, Francia

Il Museo Matisse di Nizza è dedicato all’opera del pittore francese Henri Matisse. Riunisce una delle più grandi collezioni al mondo delle sue opere, che ci permette di ripercorrere il suo viaggio artistico e i suoi sviluppi dai suoi inizi ai suoi ultimi lavori. Ospitato nella Villa des Arenes, una villa genovese del xvii secolo nella zona di Cimiez, il museo ha aperto i battenti nel 1963.

Classificato come “Musée de France”, il Musée Matisse copre una superficie totale di 2.800 m2, di cui 1.200 m2 di spazi espositivi abbracciano la villa e l’ampliamento. Nel 2013, la ceramica La Piscine, dono di Claude e Barbara Duthuit, è stata installato in un locale dedicato, al piano di ingresso. Nel 2017 è iniziata una campagna di ristrutturazione iniziata con una rifusione del percorso dei visitatori, il rimodellamento dello spazio di ingresso e l’installazione di dispositivi educativi.

Il Musée Matisse fa parte di un vasto complesso patrimoniale del sito di Cimiez che comprende le arene e le rovine romane, un giardino con ulivi centenari e il monastero di Cimiez.

Henri Matisse
Henri Matisse era un artista, pittore, disegnatore e scultore francese, noto principalmente come pittore, sia per il suo uso del colore che per la sua arte fluida e originale. Matisse è comunemente considerato, insieme a Pablo Picasso, uno degli artisti che meglio hanno contribuito a definire gli sviluppi rivoluzionari delle arti visive durante i primi decenni del XX secolo, responsabile di sviluppi significativi nella pittura e nella scultura.

Una figura di spicco del XX secolo, la sua influenza sull’arte della seconda metà di questo secolo è notevole per l’uso della semplificazione, della stilizzazione, della sintesi e del colore come unico soggetto del dipinto, sia per i molti pittori figurativi che astratti che rivendicheranno lui e le sue scoperte. Era il leader del fauvismo. Molte delle sue opere più belle furono create nel decennio successivo al 1906, quando sviluppò uno stile rigoroso che enfatizzava le forme appiattite e il motivo decorativo. Nel 1917 si trasferì in un sobborgo di Nizza, in Costa Azzurra, e lo stile più rilassato del suo lavoro negli anni ’20 gli valse il plauso della critica come sostenitore della tradizione classica della pittura francese. Dopo il 1930, ha adottato una più audace semplificazione della forma. Quando la cattiva salute negli ultimi anni gli ha impedito di dipingere,

La sua padronanza del linguaggio espressivo del colore e del disegno, esposta in un corpus di opere che abbracciano oltre mezzo secolo, gli valse il riconoscimento come figura di spicco nell’arte moderna. Pablo Picasso, che era suo amico e lo considerava suo rivale, ad Andy Warhol che “voleva essere Matisse” tutti i pittori del XX secolo si confrontarono con la gloria e il genio di Matisse.

Fauvismo
Il fauvismo come stile iniziò intorno al 1900 e continuò oltre il 1910. Il movimento in quanto tale durò solo pochi anni, 1904–1908, e ebbe tre mostre. I leader del movimento erano Matisse e André Derain. La prima mostra personale di Matisse fu alla galleria di Ambroise Vollard nel 1904, senza molto successo. La sua passione per il colore brillante ed espressivo divenne più pronunciata dopo aver trascorso l’estate del 1904 a dipingere a St. Tropez con i neoimpressionisti Signac e Henri-Edmond Cross. In quell’anno dipinge la più importante delle sue opere in stile neoimpressionista, Luxe, Calme et Volupté. Nel 1905 viaggiò di nuovo verso sud per lavorare con André Derain a Collioure. I suoi dipinti di questo periodo sono caratterizzati da forme piatte e linee controllate, utilizzando il puntinismo in modo meno rigoroso di prima.

Matisse e un gruppo di artisti ora noti come “Fauves” espongono insieme in una sala del Salon d’Automne nel 1905. I dipinti esprimono emozioni con colori selvaggi, spesso dissonanti, senza riguardo per i colori naturali del soggetto. Matisse ha mostrato Open Window e Woman with the Hat al Salon. Il critico Louis Vauxcelles ha commentato una scultura solitaria circondata da “un’orgia di toni puri” come “Donatello chez les fauves” (Donatello tra le bestie selvagge), riferendosi a una scultura di tipo rinascimentale che condivideva la stanza con loro. Il suo commento fu stampato il 17 ottobre 1905 su Gil Blas, un quotidiano, e divenne popolare. La mostra ha raccolto aspre critiche – “Un barattolo di pittura è stato lanciato in faccia al pubblico”, ha detto il critico Camille Mauclair – ma anche un’attenzione favorevole.

Matisse è stato riconosciuto come un leader dei Fauves, insieme ad André Derain; i due erano rivali amichevoli, ciascuno con i suoi seguaci. Altri membri erano Georges Braque, Raoul Dufy e Maurice de Vlaminck. Il pittore simbolista Gustave Moreau (1826–1898) fu l’insegnante ispiratore del movimento. Come professore all’École des Beaux-Arts di Parigi, ha spinto i suoi studenti a pensare al di fuori delle linee della formalità ea seguire le loro visioni.

All’inizio del 1905 Matisse prese parte al Salon des Indépendants. Nell’estate del 1905 soggiorna sulle rive del Mediterraneo, a Collioure, in compagnia di Derain. Incontra lo scultore Maillol. Al Salon d’Automne del 1905, le impiccagioni di opere di Matisse, Albert Marquet, Vlaminck, Derain e Kees van Dongen provocarono uno scandalo per i colori puri e violenti stesi sulle loro tele. Vedendo questi dipinti raggruppati nella stessa stanza, il critico Louis Vauxcelles, in un articolo intitolato “Le Salon d’automne”, pubblicato su Gil Blas, il 17 ottobre 1905, descrive il soggiorno stanza per stanza. Scrive in particolare “Stanza n. VII. MM. Henri Matisse, Marquet, Manguin, Camoin, Girieud, Derain, Ramon Pichot. Stanza archi-chiara, audace, oltraggiosa, le cui intenzioni devono essere decifrate, lasciando i furbi e gli sciocchi il diritto di ridere, critiche troppo facili. Al centro della sala, il busto di un bambino e un piccolo busto in marmo, di Albert Marque, che modella con delicata scienza. Il candore di questi busti sorprende in mezzo a un’orgia di toni puri: Donatello chez les fauves… ”.

Il nome di “fauve” fu subito adottato e rivendicato dagli stessi pittori. Questo periodo segna anche il riconoscimento del lavoro di Matisse, permettendogli finalmente un relativo agio materiale; diventa il leader del fauvismo.

Matisse lo spiega così:
il colore era proporzionato alla forma. La forma è cambiata, secondo le reazioni dei quartieri colorati. Perché l’espressione nasce dalla superficie colorata che lo spettatore coglie nella sua interezza. ”

André Gide scrive in Promenade au salon d’Automne:
“Voglio ammettere che il signor Henri Matisse ha i migliori doni naturali. Le tele che presenta oggi hanno l’aspetto di presentazioni di teoremi. Tutto può essere dedotto, spiegato, l’intuizione non ha nulla a che fare.”

.. Mentre sui muri di Montparnasse si leggeva: “Matisse esasperante, Matisse è più pericoloso dell’assenzio.” Lo stesso anno incontra Edmond-Marie Poullain e Signac acquista Luxe, Calme et Volupté. Nel 1907, Guillaume Apollinaire ha scritto nelle sue recensioni:
“Ogni dipinto, ogni disegno di Henri Matisse ha una virtù che non sempre possiamo identificare, ma che è un vero punto di forza. Ed è la forza dell’artista per non sconvolgerla, per lasciarla agire. Se si dovesse confrontare l’opera di Henri Matisse per qualcosa, si dovrebbe scegliere l’arancione. Come lei, il lavoro di Henri Matisse è un frutto di luce abbagliante. Con completa buona fede e un puro desiderio di conoscere e realizzare se stesso, questo pittore non ha mai smesso di seguire il suo istinto. Lascia a lei la scelta tra le emozioni, per giudicare e limitare la fantasia e quella di scrutare la luce in profondità, nient’altro che la luce. In un colpo d’occhio la sua arte si è spogliata e nonostante la sua semplicità sempre maggiore non ha mancato di diventare più sontuoso. Non è l’abilità che rende quest’arte più semplice e l’opera più leggibile. Ma,la bellezza della luce che si fonde ogni giorno di più con la virtù dell’istinto a cui l’artista si affida interamente, tutto ciò che si opponeva a questa unione scompare mentre i ricordi a volte si sciolgono nelle nebbie del passato .. ”

Nel 1907, Guillaume Apollinaire, commentando Matisse in un articolo pubblicato su La Falange, scrisse: “Non siamo qui in presenza di un’impresa stravagante o estremista: l’arte di Matisse è eminentemente ragionevole”. Ma il lavoro di Matisse dell’epoca incontrò anche critiche veementi, ed era difficile per lui provvedere alla sua famiglia. Il suo dipinto Nu bleu (1907) fu bruciato in effige all’Armory Show di Chicago nel 1913.

Il 18 settembre 1909 Matisse firma il contratto con la galleria Josse e Gaston Bernheim che lo espone. Questo contratto prevede che Matisse riceva il 25% del prezzo di vendita dei quadri. Il contratto triennale è stato rinnovato per diciassette anni. Matisse si è trovato, nelle sue stesse parole: “condannato a fare solo capolavori”.

Il declino del movimento fauve dopo il 1906 non ha influenzato la carriera di Matisse; molte delle sue opere più belle furono create tra il 1906 e il 1917, quando era parte attiva del grande raduno di talenti artistici a Montparnasse, anche se non si adattava del tutto, con il suo aspetto conservatore e le rigide abitudini di lavoro borghese. Ha continuato ad assorbire nuove influenze. Si recò in Algeria nel 1906 studiando arte africana e primitivismo. Dopo aver visto una grande mostra di arte islamica a Monaco nel 1910, trascorse due mesi in Spagna studiando arte moresca. Visitò il Marocco nel 1912 e di nuovo nel 1913 e mentre dipingeva a Tangeri apportò diverse modifiche al suo lavoro, incluso l’uso del nero come colore. L’effetto sull’arte di Matisse fu una nuova audacia nell’uso di colori intensi e non modulati, come in L’Atelier Rouge (1911).

Matisse ha avuto una lunga collaborazione con il collezionista d’arte russo Sergei Shchukin. Ha creato una delle sue opere principali La Danse appositamente per Shchukin come parte di una commissione di due dipinti, l’altro dipinto è Music, 1910. Una versione precedente di La Danse (1909) è nella collezione del Museum of Modern Art di New York Città.

Gertrude Stein
Matisse ha incontrato Leo e Gertrude Stein, collezionisti americani, residenti a Parigi, che gli hanno acquistato Woman with a Hat (San Francisco Museum of Modern Art), un ritratto di Madame Matisse che è stato esposto nella “cage aux fauves”. Nel 1907, a casa, conosce Picasso. Gertrude Stein ha definito i due artisti il ​​”Polo Nord” (Matisse) e il “Polo Sud” (Picasso) dell’Arte Moderna. Fernande Olivier ricorda che alle cene in città, Matisse sembrava dotto e professato, rispondendo solo sì o no, o improvvisamente impantanato in infinite teorie. “Matisse, molto più anziano, serio, non ha mai avuto le idee di Picasso.” Poi Matisse trova il critico Louis Vauxcelles, al quale dice di aver visto alla giuria del Salon un dipinto di Georges Braque “fatto a cubetti”, che Matisse battezza con il nome di “cubismo”.

Intorno all’aprile 1906 incontrò Pablo Picasso, che aveva 11 anni meno di Matisse. I due sono diventati amici per tutta la vita oltre che rivali e vengono spesso confrontati. Una differenza fondamentale tra loro è che Matisse disegnava e dipingeva dalla natura, mentre Picasso era più incline a lavorare dall’immaginazione. I soggetti dipinti più frequentemente da entrambi gli artisti erano donne e nature morte, con Matisse più propenso a collocare le sue figure in interni completamente realizzati. Matisse e Picasso si sono incontrati per la prima volta al salone parigino di Gertrude Stein con la sua compagna Alice B. Toklas. Durante il primo decennio del ventesimo secolo, gli americani a Parigi – Gertrude Stein, i suoi fratelli Leo Stein, Michael Stein e la moglie di Michael Sarah – furono importanti collezionisti e sostenitori dei dipinti di Matisse. Inoltre, Gertrude Stein ‘ Le due amiche americane di Baltimora, le sorelle Cone Claribel ed Etta, divennero i principali mecenati di Matisse e Picasso, raccogliendo centinaia di loro dipinti e disegni. La collezione Cone è ora esposta al Baltimore Museum of Art.

Nel 1908 Matisse pubblicò Note of a Painter. Lo stesso anno, con l’aiuto finanziario di Sarah e Michael Stein, tra gli altri, Matisse aprì un’accademia gratuita al Couvent des Oiseaux, poi all’Hôtel de Biron (dove Rodin aveva il suo laboratorio di presentazione). Il successo fu immediato: su 120 studenti complessivamente iscritti, c’erano studenti per lo più stranieri, poiché non c’erano francesi e soprattutto giovani pittori scandinavi, oltre che tedeschi, dalla cerchia del café du Dôme .. Il pittore Hans Purrmann è chiamato “grande massier”. L’Accademia Matisse chiuse nel 1911.

Mentre numerosi artisti hanno visitato il salone Stein, molti di questi artisti non erano rappresentati tra i dipinti sulle pareti in 27 rue de Fleurus. Dove le opere di Renoir, Cézanne, Matisse e Picasso dominavano la collezione di Leo e Gertrude Stein, la collezione di Sarah Stein enfatizzava particolarmente Matisse.

I contemporanei di Leo e Gertrude Stein, Matisse e Picasso entrarono a far parte della loro cerchia sociale e si unirono regolarmente agli incontri che si tenevano il sabato sera al 27 di rue de Fleurus. Gertrude attribuì a Matisse l’inizio dei salotti del sabato sera, osservando:
“Sempre più spesso, le persone hanno iniziato a visitare per vedere i dipinti di Matisse – e i Cézannes: Matisse ha portato le persone, tutti hanno portato qualcuno, e sono venuti in qualsiasi momento e ha cominciato a essere un fastidio, ed è stato così che il sabato sera iniziò. ”

Matisse ricorda la sua attività di insegnante nel 1951: “Passavo di tanto in tanto, la sera, per vedere cosa facevano. Capii subito che dovevo dedicarmi prima al mio lavoro, che rischiavo di spendere anche tanta energia in questa attività. Dopo ogni critica, mi ritrovavo davanti agli agnelli, che dovevo rimettere in piedi all’infinito, settimana dopo settimana, per farli diventare leoni. Poi mi chiedevo se fossi effettivamente un pittore o un insegnante; sono giunto alla conclusione che ero un pittore e ho subito lasciato la scuola “.

Nel 1909, il collezionista russo Sergei Chtchoukine gli ordinò due dipinti: La Danse e La Musique. Queste due tele, considerate due capolavori del pittore, furono presentate al Salon d’Automne nel 1910 e furono installate a Mosca nel 1911.

La danza è descritta da Marcel Sembat: “Un cerchio frenetico trasforma i movimenti rosa su sfondo blu. A sinistra una grande figura guida l’intera catena. Che ubriachezza. Che baccante. Questo arabesco sovrano, questa curva avvincente che va dal tornito la testa verso l’anca sporgente scende lungo la gamba tesa “.

Tra il 1908 e il 1912 le sue opere furono esposte a Mosca, Berlino, Monaco e Londra. Matisse e Amélie tornano ad Ajaccio, dicembre 1912. Nel 1913 Matisse viene esposta all’Armory Show di New York, accanto a opere di Marcel Duchamp e Francis Picabia, come tanti rappresentanti dell’arte più moderna.

Dopo Parigi
Nel 1917 Matisse si trasferì a Cimiez sulla Costa Azzurra, un sobborgo della città di Nizza. Il suo lavoro nel decennio successivo a questo trasferimento mostra un rilassamento e un ammorbidimento del suo approccio. Questo “ritorno all’ordine” è caratteristico di gran parte dell’arte del dopoguerra e può essere paragonato al neoclassicismo di Picasso e Stravinsky così come al ritorno al tradizionalismo di Derain. I dipinti dell’odalisca orientalista di Matisse sono caratteristici del periodo; sebbene quest’opera fosse popolare, alcuni critici contemporanei l’hanno trovata superficiale e decorativa.

Alla fine degli anni ’20, Matisse si impegnò nuovamente in collaborazioni attive con altri artisti. Ha lavorato non solo con francesi, olandesi, tedeschi e spagnoli, ma anche con alcuni americani e immigrati americani recenti.

Dopo il 1930, nel suo lavoro apparve un nuovo vigore e una semplificazione più audace. Il collezionista d’arte americano Albert C. Barnes convinse Matisse a produrre un grande murale per la Barnes Foundation, The Dance II, che fu completato nel 1932; la Fondazione possiede diverse dozzine di altri dipinti di Matisse. Questo passo verso la semplificazione e una prefigurazione della tecnica del ritaglio è evidente anche nel suo dipinto Large Reclining Nude (1935). Matisse ha lavorato a questo dipinto per diversi mesi e ha documentato i progressi con una serie di 22 fotografie, che ha inviato a Etta Cone.

La scultura
Nel 1924 Matisse si dedica alla scultura e realizza Grand nu assis, esemplare del suo stile – sia negli arabeschi che negli angoli – a tutto tondo. Matisse pratica scultura sin da quando era allievo di Antoine Bourdelle, di cui Matisse conserva il gusto per le grandi stilizzazioni, come si può vedere nella grande serie di Nu de dos, serie di gessi monumentali che realizza. tra il 1909 e il 1930. Matisse affronta i problemi pittorici che incontra nel bassorilievo: il contorno delle figure monumentali (la produzione di Nu de dos I, del 1909, è contemporanea a quella delle grandi composizioni La Musique e La Danse), il rapporto tra forma e sostanza (gli affreschi destinati alla Barnes Foundation furono prodotti nel 1930, come Nu de dos IV). Però,

I ritagli
A cui fu diagnosticato un cancro addominale nel 1941, Matisse fu sottoposto a un intervento chirurgico che lo lasciò costretto a letto. La pittura e la scultura erano diventate sfide fisiche, quindi si è rivolto a un nuovo tipo di mezzo. Con l’aiuto dei suoi assistenti, ha iniziato a creare collage di carta ritagliata, o decoupage. Tagliava fogli di carta, preverniciati a tempera dai suoi assistenti, in forme di vari colori e dimensioni, e li disponeva per formare vivaci composizioni. Inizialmente, questi pezzi erano di dimensioni modeste, ma alla fine si trasformarono in murales o opere a misura di stanza. Il risultato era una complessità distinta e dimensionale, una forma d’arte che non era del tutto pittura, ma non del tutto scultura.

Sebbene il ritaglio di carta fosse il mezzo principale di Matisse nell’ultimo decennio della sua vita, il suo primo uso registrato della tecnica fu nel 1919 durante la progettazione del decoro per Le chant du rossignol, un’opera composta da Igor Stravinsky. Albert C. Barnes fece realizzare dime di cartone delle insolite dimensioni delle pareti su cui Matisse, nel suo studio di Nizza, fissò la composizione di sagome di carta dipinta. Un altro gruppo di ritagli fu realizzato tra il 1937 e il 1938, mentre Matisse stava lavorando alle scenografie e ai costumi per i Balletti Russi di Sergei Diaghilev. Tuttavia, fu solo dopo la sua operazione che, costretto a letto, Matisse iniziò a sviluppare la tecnica del ritaglio come una propria forma, piuttosto che la sua precedente origine utilitaristica.

Si è trasferito sulla collina di Vence, in Francia, nel 1943, dove ha prodotto il suo primo grande progetto di ritaglio per il suo libro d’artista intitolato Jazz. Tuttavia, questi ritagli sono stati concepiti come disegni per le stampe a stampino da guardare nel libro, piuttosto che come opere pittoriche indipendenti. A questo punto, Matisse continuava a pensare ai ritagli come separati dalla sua principale forma d’arte. La sua nuova comprensione di questo mezzo si sviluppa con l’introduzione del 1946 per Jazz. Dopo aver riassunto la sua carriera, Matisse fa riferimento alle possibilità che offre la tecnica del cut-out, insistendo “Un artista non deve mai essere prigioniero di se stesso, prigioniero di uno stile, prigioniero di una reputazione, prigioniero del successo …”

Il numero di ritagli concepiti in modo indipendente aumentò costantemente dopo Jazz, e alla fine portò alla creazione di opere di dimensioni murali, come Oceania the Sky e Oceania the Sea del 1946. Sotto la direzione di Matisse, Lydia Delectorskaya, la sua assistente di studio, si bloccò vagamente le sagome di uccelli, pesci e vegetazione marina direttamente sulle pareti della stanza. I due pezzi dell’Oceania, i suoi primi ritagli di questa scala, evocavano un viaggio a Tahiti che aveva fatto anni prima.

Cappella e museo
Nel 1948, Matisse iniziò a preparare i disegni per la Chapelle du Rosaire de Vence, che gli permise di espandere questa tecnica all’interno di un contesto veramente decorativo. L’esperienza di progettare le finestre della cappella, le casule e la porta del tabernacolo, tutte progettate utilizzando il metodo del ritaglio, ha avuto l’effetto di consolidare il mezzo come suo obiettivo principale. Finendo il suo ultimo dipinto nel 1951 (e l’ultima scultura l’anno prima), Matisse utilizzò il ritaglio di carta come unico mezzo di espressione fino alla sua morte.

Nel 1952 fondò un museo dedicato al suo lavoro, il Museo Matisse a Le Cateau, e questo museo è ora la terza più grande collezione di opere di Matisse in Francia.

Nel 1963 apre i battenti anche il museo Matisse di Nizza e, nel 1970, al Grand Palais di Parigi viene organizzata la prima retrospettiva dell’opera di Matisse in Francia. L’anno successivo Aragon pubblicò Henri Matisse, un romanzo, una raccolta di una ventina di articoli, testi e prefazioni a cataloghi, conferenze aragonesi, dedicati al pittore. Il lavoro di Matisse incontra il pubblico francese.

Da allora mostre e retrospettive si sono susseguite in tutto il mondo. Durante la mostra alla Tate Modern di Londra, nel 2014, dedicata ai ritagli di carta, la critica Laura Cumming di The Guardian scrive: “L’arte di Matisse è una lezione di vita, e una fonte di ispirazione per lo spettatore .: ecco cosa dovremmo essere tutti in grado, essere preparati a godere della bellezza della vita anche mentre affrontiamo la fine “.

Influenza
Famoso e celebrato durante la sua vita, Matisse avrà un’influenza preponderante sulla pittura americana, e in particolare sulla New York School, Mark Rothko, Barnett Newman, Motherwell, ma anche in Germania, attraverso gli studenti della sua accademia, Marg Moll, Oskar Moll, Hans Purrmann …

Alla New York First School, guidata dai due critici Harold Rosenberg e Clement Greenberg, è giusto aggiungere la New York Second School con figure come Frank Stella e il movimento che Greenberg definisce Post-Painterly-Abstraction., Colorfield Painting (Morris Louis, Helen Frankenthaler, Sam Francis, Jules Olitskix), o anche hard edge (Kenneth Noland Mary Pinchot Meyer…).

Ma anche i pittori della Pop Art, tra cui Warhol che dichiarò nel 1956: “Voglio essere Matisse”, o Tom Wesselmann, Roy Lichtenstein, che citerà ampiamente il pittore francese.

In Francia, l’influenza di Matisse si trova nei pittori di Supporti / Superfici, e nei testi teorici del critico Marcelin Pleynet, come System of painting.

Un’altra particolarità è che molti discendenti di Henri Matisse sono pittori o scultori, come suo figlio Jean, scultore, suo figlio Pierre, gallerista, i suoi nipoti, Paul Matisse, scultore, Jacqueline, artista e la sua pronipote-figlia, Sophie, pittore.

Nel 2015, uno studio condotto presso l’European Synchrotron Radiation Facility di Grenoble ha rivelato al mondo dell’arte che il solfuro di cadmio, noto anche come pigmento giallo del cadmio utilizzato da Matisse, è soggetto a un processo di ossidazione durante l’esposizione alla luce, trasformandosi così in cadmio solfato molto solubile in acqua e soprattutto incolore.

Storia del Museo
La Villa des Arènes, i cui lavori di costruzione iniziarono nel 1670, fu completata nel 1685 e fu allora chiamata Palazzo Gubernatis, dal nome del suo proprietario e sponsor, Jean-Baptiste Gubernatis, console di Nizza. La villa prese il nome attuale nel 1950, quando il Comune di Nizza, ansioso di preservarla, la acquistò da una società immobiliare.

Inaugurato nel 1963 al secondo piano della Villa des Arènes, situata all’interno del sito archeologico di Cimiez, il Musée Matisse custodisce i doni dell’artista e dei suoi eredi alla Città di Nizza.

Nel 1989, il Museo Archeologico, che condivideva lo stesso edificio, si trasferì in un edificio dedicato per avviare una ristrutturazione del Museo. Il museo Matisse potrebbe allora ampliarsi: fu oggetto di un vasto restauro oltre che di un progetto di ampliamento che lo costrinse a rimanere chiuso per quattro anni.

L’architetto Jean-François Bodin ha ripensato gli spazi interni dell’antica villa genovese e ha ideato l’ampliamento che ha ospitato un vasto foyer, un auditorium e una libreria. Il nuovo edificio è stato inaugurato nel 1993, con una nuova ala moderna a sua disposizione e spazi rinnovati, che gli permette di esporre nella sua interezza la collezione permanente, che dal 1963 ha continuato a crescere nel corso di donazioni e depositi. successive. Un laboratorio educativo è stato aggiunto nel 2002, un Cabinet des dessin nel 2003.

Collezioni
La collezione permanente del museo è stata costituita grazie a varie donazioni, prima quella di Matisse in persona, che visse e operò a Nizza dal 1917 al 1954, poi quelle degli eredi oltre che da depositi di opere effettuati dallo Stato. Il museo riunisce così 68 dipinti e gouaches ritagliati, 236 disegni, 218 incisioni, 57 sculture e 14 libri illustrati di Matisse a cui si aggiungono 95 fotografie, 187 oggetti appartenuti al pittore oltre a serigrafie, arazzi, ceramiche, vetrate colorate. e altri tipi di documenti.