L’astrazione lirica è una delle due tendenze correlate ma distinte nella pittura modernista del dopoguerra:

European Abstraction Lyrique nata a Parigi, il critico d’arte francese Jean José Marchand è accreditato di aver coniato il suo nome nel 1947, considerato come componente di (Tachisme) quando il nome di questo movimento fu coniato nel 1951 da Pierre Guéguen e Charles Estienne l’autore di L’Art à Paris 1945-1966 e American Lyrical Abstraction un movimento descritto da Larry Aldrich (il fondatore del Aldrich Contemporary Art Museum, Ridgefield Connecticut) nel 1969.

Una terza definizione è l’uso come termine descrittivo. È un termine descrittivo che caratterizza un tipo di pittura astratta legata all’espressionismo astratto; in uso dagli anni ’40. Molti noti pittori espressionisti astratti come Arshile Gorky visti nel contesto sono stati caratterizzati come un tipo di pittura descritta come un’astrazione lirica.

Origine
L’uso comune originale si riferisce alla tendenza attribuita ai dipinti in Europa durante il periodo post 1945 e come modo di descrivere diversi artisti (principalmente in Francia) con pittori come Wols, Gérard Schneider e Hans Hartung dalla Germania o Georges Mathieu, ecc. , le cui opere riguardavano le caratteristiche dell’espressionismo astratto americano contemporaneo. All’epoca (alla fine degli anni ’40), Paul Jenkins, Norman Bluhm, Sam Francis, Jules Olitski, Joan Mitchell, Ellsworth Kelly e numerosi altri artisti americani vivevano e lavoravano anche a Parigi e in altre città europee. Con l’eccezione di Kelly, tutti questi artisti hanno sviluppato le loro versioni di astrazione pittorica che sono state caratterizzate a volte come astrazione lirica, tachisme, campo cromatico, Nuagisme ed espressionismo astratto.

Il movimento artistico Abstraction Lyrique è nato a Parigi dopo la guerra. A quel tempo, la vita artistica a Parigi, che era stata devastata dall’Occupazione e dalla collaborazione, riprese con numerosi artisti esibiti di nuovo non appena la Liberazione di Parigi alla metà del 1944. Secondo le nuove forme di astrazione che hanno caratterizzato alcuni artisti, il movimento è stato nominato dal critico d’arte, Jean José Marchand, e dal pittore Georges Mathieu, nel 1947. Alcuni critici d’arte hanno anche considerato questo movimento come un tentativo di ripristinare l’immagine di Parigi artistica, che aveva tenuto il rango di capitale delle arti fino alla guerra. L’astrazione lirica rappresentò anche una competizione tra la Scuola di Parigi e la nuova Scuola di pittura espressionista astratta di New York rappresentata soprattutto dal 1946 da Jackson Pollock, poi da Willem de Kooning o Mark Rothko, che furono anche promossi dalle autorità americane dall’inizio degli anni ’50 .

L’astrazione lirica si oppone non solo ai movimenti cubisti e surrealisti che l’hanno preceduta, ma anche all’astrazione geometrica (o “astrazione fredda”). L’astrazione lirica fu, in qualche modo, la prima ad applicare le lezioni di Kandinsky, considerato uno dei padri dell’astrazione. Per gli artisti, l’astrazione lirica rappresentava un’apertura verso l’espressione personale.

Infine, alla fine degli anni ’60 (in parte come risposta all’arte minimalista, e le interpretazioni dogmatiche di alcuni al formalismo di Greenberg e Juddian), molti pittori reintroducevano le opzioni pittoriche nelle loro opere e il Whitney Museum e molti altri musei e istituzioni presso il il tempo ha formalmente chiamato e identificato il movimento e il ritorno senza compromessi all’astrazione pittorica come “astrazione lirica”.

Astrazione europea lirica
Subito dopo la seconda guerra mondiale, molti artisti vecchi e giovani erano tornati a Parigi dove lavoravano ed esibivano: Nicolas de Staël, Serge Poliakoff, André Lanskoy e Zaks dalla Russia; Hans Hartung e Wols dalla Germania; Árpád Szenes, Endre Rozsda e Simon Hantaï dall’Ungheria; Alexandre Istrati dalla Romania; Jean-Paul Riopelle dal Canada; Vieira da Silva dal Portogallo; Gérard Ernest Schneider dalla Svizzera; Feito dalla Spagna; Bram van Velde dall’Olanda; Albert Bitran dalla Turchia; Zao Wou-Ki dalla Cina; Sugai dal Giappone; Sam Francis, John Franklin Koenig, Jack Youngerman e Paul Jenkins degli Stati Uniti.

Tutti questi artisti e molti altri erano a quel tempo tra i “Lyrical Abstractionists” con i francesi: Georges Mathieu, Pierre Soulages, Nallard, Jean René Bazaine, Jacques Doucet, Camille Bryen, Jean Le Moal, Gustave Singier, Alfred Manessier, Roger Bissière , Pierre Tal-Coat, Jean Messagier e altri.

Lyrical Abstraction si opponeva non solo ai resti di “l’Ecole de Paris” di stile prebellico, ma ai movimenti cubisti e surrealisti che l’avevano preceduta, e anche all’astrazione geometrica (o “Cold Abstraction”). Lyrical Abstraction fu in qualche modo il primo ad applicare le lezioni di Kandinsky, considerato uno dei padri dell’astrazione. Per gli artisti in Francia, Lyrical Abstraction rappresentava un’apertura verso l’espressione personale. In Belgio, Louis Van Lint ha rappresentato un notevole esempio di artista che, dopo un breve periodo di astrazione geometrica, è passato a un’astrazione lirica in cui eccelleva.

Molte mostre si sono svolte a Parigi, ad esempio nelle gallerie Arnaud, Drouin, Jeanne Bucher, Louis Carré, Galerie de France, e ogni anno al “Salon des Réalités Nouvelles” e “Salon de Mai”, dove i dipinti di tutti questi artisti potevano essere visto. Alla galleria Drouin si potevano vedere Jean Le Moal, Gustave Singier, Alfred Manessier, Roger Bissière, Wols e altri. Un vento soffiò sulla capitale quando Georges Mathieu decise di tenere due mostre: L’Imaginaire nel 1947 al Palais du Luxembourg che avrebbe preferito chiamare astrazione lyrique per imporre il nome e poi HWPSMTB con (Hans Hartung, Wols, Francis Picabia , Scultore François Stahly, Georges Mathieu, Michel Tapié e Camille Bryen) nel 1948.

Nel marzo 1951 si tenne la mostra più grande Véhémences confrontées nella galleria Nina Dausset dove per la prima volta vennero presentati artisti astratti francesi e americani. È stato organizzato dal critico Michel Tapié, il cui ruolo nella difesa di questo movimento era della massima importanza. Con questi eventi, decretò che «l’astrazione lirica è nata».

Fu, tuttavia, un regno abbastanza breve (fine 1957), che fu presto soppiantato dal nuovo realismo di Pierre Restany e Yves Klein.

A partire dal 1970, questo movimento è stato rianimato da una nuova generazione di artisti nati durante o subito dopo la seconda guerra mondiale. Tra i suoi principali promotori figurano Paul Kallos, Georges Romathier, Michelle Desterac e Thibaut de Reimpré.

Una mostra dal titolo “The Lyrical Flight, Paris 1945-1956” (L’Envolée Lyrique, Parigi 1945-1956), che riunisce le opere di 60 pittori, è stata presentata a Parigi al Musée du Luxembourg da aprile ad agosto 2006 e ha incluso i più importanti pittori del movimento: Georges Mathieu, Pierre Soulages, Gérard Schneider, Zao Wou-Ki, Albert Bitran, Serge Poliakoff.

Artisti a Parigi (1945-1956) e oltre
Genevieve Asse (1923-)
Mino Argento (1927-)
Jean René Bazaine (1904-2001)
Roger Bissière (1888-1964)
Albert Bitran (1931-)
Norman Bluhm (1921-1999)
Alexander Bogen (1916-2010)
Camille Bryen (1902-1977)
Olivier Debré (1920-1999)
Piero Dorazio (1927-2005)
fr: Joe Downing (1925-2007)
Jean Dubuffet (1901-1985)
Endre Rozsda (1913-1999)
Bracha Ettinger (1948-)
Jean Fautrier (1898-1964)
Pierre Fichet (1927-2007)
Francois Fiedler (1921-2001)
Sam Francis (1923-1994)
Oscar Gauthier (1921-)
Annick Gendron (1939-2008)
Marc-Antoine Goulard (1964-)
Hans Hartung (1904-1989)
Simon Hantaï (1922-2008)
Alexandre Istrati (1915-1991)
Paul Jenkins (1923-2012)
Antoni Karwowski (1948-)
John Franklin Koenig (1924-2008)
André Lanskoy (1902-1976)
Alfred Manessier (1911-1993)
Georges Mathieu (1921-2012)
Jean Messagier (1920-1999)
Jean Miotte (1926-2016)
Joan Miró (1893-1983),
Mubin Orhon (1924-1981)
Francis Picabia (1879-1953)
Serge Poliakoff (1906-1969)
Seund Ja Rhee (1918-2009)
Jean-Paul Riopelle (1923-2002)
Greta Saur (1909-2000)
Emilio Scanavino, (1922-1986)
Vieira da Silva (1908-1992)
Gustave Singier (1909-1984)
Pierre Soulages (1919-)
Nicolas de Staël (1914-1955)
Árpád Szenes (1897-1985)
Gérard Ernest Schneider (1896-1986)
Michel Tapié (1909-1987)
Bram van Velde (1895-1981)
François Willi Wendt (1909-1970)
Wols, pseudonimo di Alfred Otto Wolfgang Schulze (1913-1951)
Zao Wou-Ki (1921-2013)

stati Uniti
American Lyrical Abstraction è un movimento artistico che è emerso a New York, Los Angeles, Washington, DC e poi a Toronto e Londra negli anni ’60 -’70. Caratterizzato da una gestione intuitiva e sciolta della vernice, espressione spontanea, spazio illusionista, colorazione acrilica, processo, immagini occasionali e altre tecniche tecnologiche pittoriche e più recenti. Lyrical Abstraction ha aperto la strada dal minimalismo alla pittura e verso un nuovo espressionismo più libero. I pittori che hanno reagito direttamente alla predominanza di Formalist, Minimalist e Pop Art e agli stili di astrazione geometrica degli anni ’60, si sono rivolti a nuovi stili di pittura sperimentale, sciolta, pittorica, espressiva, pittorica e astratta. Molti di loro erano stati i minimalisti, lavorando con vari stili monocromatici e geometrici, ei cui dipinti si sono evoluti pubblicamente in nuovi motivi pittorici astratti. L’astrazione lirica americana è collegata nello spirito all’espressionismo astratto, alla pittura a colori e al tachismo europeo degli anni ’40 e ’50. Il tachismo si riferisce allo stile francese della pittura astratta attuale nel periodo 1945-1960. Molto vicino a Art Informel, presenta l’equivalente europeo dell’Espressionismo astratto.

Il Sheldon Museum of Art ha tenuto una mostra dal 1 ° giugno al 29 agosto 1993 intitolata Lyrical Abstraction: Colour and Mood. Tra i partecipanti c’erano Dan Christensen, Walter Darby Bannard, Ronald Davis, Helen Frankenthaler, Sam Francis, Cleve Gray, Ronnie Landfield, Morris Louis, Jules Olitski, Robert Natkin, William Pettet, Mark Rothko, Lawrence Stafford, Peter Young e molti altri pittori. All’epoca il museo emetteva una dichiarazione che leggeva in parte:

Come movimento, Lyrical Abstraction estese l’estetica modernista del dopoguerra e fornì una nuova dimensione all’interno della tradizione astratta che era chiaramente in debito con la “pittura gocciolante” di Jackson Pollock e le forme colorate di Mark Rothko. Questo movimento è nato dal desiderio di creare un’esperienza fisica e sensoriale diretta della pittura attraverso la loro monumentalità e l’enfasi sul colore – costringendo lo spettatore a “leggere” i dipinti letteralmente come cose.

Nel corso del 2009 il Boca Raton Museum of Art in Florida ha ospitato una mostra dal titolo Expanding Boundaries: Lyrical Abstraction Selezioni dalla collezione permanente

All’epoca il museo emetteva una dichiarazione che diceva in parte:

Lyrical Abstraction sorse negli anni ’60 e ’70, seguendo la sfida del minimalismo e dell’arte concettuale. Molti artisti iniziarono a spostarsi da stili geometrici, duri e minimi, verso astrazioni più liriche, sensuali e romantiche, lavorate in uno stile gestuale libero. Questi “astrattisti lirici” cercarono di espandere i confini della pittura astratta e di far rivivere e rinvigorire una “tradizione” pittorica nell’arte americana. Allo stesso tempo, questi artisti hanno cercato di ripristinare il primato della linea e del colore come elementi formali in opere composte secondo i principi estetici – piuttosto che come rappresentazione visiva di realtà sociopolitiche o teorie filosofiche.

Caratterizzati da una gestione intuitiva e sciolta della pittura, espressione spontanea, spazio illusionista, colorazione acrilica, processo, immagini occasionali e altre tecniche pittoriche, le opere astratte incluse in questa mostra cantano con un ricco colore fluido e un’energia silenziosa. Saranno inclusi i seguenti artisti associati a Lyrical Abstraction: Natvar Bhavsar, Stanley Boxer, Lamar Briggs, Dan Christensen, David Diao, Friedel Dzubas, Sam Francis, Dorothy Gillespie, Cleve Gray, Paul Jenkins, Ronnie Landfield, Pat Lipsky, Joan Mitchell, Robert Natkin, Jules Olitski, Larry Poons, Garry Rich, John Seery, Jeff Way e Larry Zox.

Storia del termine in America
Lyrical Abstraction, una mostra al Whitney Museum of American Art, 25 maggio-6 luglio 1971 è stata descritta da John I. H. Baur, curatore del Whitney Museum of American Art:

“Dare un’intera mostra a una tendenza attuale dell’arte americana in un colpo solo è un’esperienza insolita al limite del bizzarro … Il signor Aldrich definisce la tendenza di Lyrical Abstraction e spiega come è arrivato ad acquisire le opere …”

Lyrical Abstraction era il titolo di una mostra circolante che iniziò all’Aldrich Contemporary Art Museum, Ridgefield, Connecticut dal 5 aprile al 7 giugno 1970, e si concluse al Whitney Museum of American Art, New York, dal 25 maggio al 6 luglio 1971 Lyrical Abstraction è un termine che è stato usato da Larry Aldrich (il fondatore del Aldrich Contemporary Art Museum, Ridgefield Connecticut) nel 1969 per descrivere ciò che Aldrich ha detto di aver visto negli studi di molti artisti in quel momento. Il signor Aldrich, designer di successo e collezionista d’arte, ha definito la tendenza di Lyrical Abstraction e ha spiegato come è arrivato ad acquisire le opere. Nella sua “Dichiarazione dell’Esposizione” ha scritto,

“All’inizio della scorsa stagione, è diventato evidente che nella pittura c’era un movimento lontano dal geometrico, dal bordo duro e dal minimo, verso astrazioni più liriche, sensuali e romantiche in colori più morbidi e più vibranti … Il tocco dell’artista è sempre visibile in questo tipo di pittura, anche quando i dipinti sono fatti con pistole a spruzzo, spugne o altri oggetti … Mentre studiavo questa tendenza lirica, ho trovato molti giovani artisti i cui dipinti mi piacevano così tanto che sono stato spinto ad acquisire molti dei La maggior parte dei dipinti della mostra Lyrical Abstraction sono stati creati nel 1969 e sono tutti parte della mia collezione ora. ”

Larry Aldrich ha donato i dipinti della mostra al Whitney Museum of American Art.

Per molti anni il termine Lyrical Abstraction fu un peggiorativo, che sfortunatamente colpì negativamente quegli artisti le cui opere erano associate a quel nome. Nel 1989 il professore di storia dell’arte dell’università di Union, il compianto Daniel Robbins, osservò che Lyrical Abstraction era il termine usato alla fine degli anni sessanta per descrivere il ritorno all’espressività pittorica dei pittori di tutto il paese e “di conseguenza”, disse Robbins, “il termine dovrebbe essere usato oggi perché ha una credibilità storica ”

Partecipanti alla mostra
I seguenti artisti hanno partecipato alla mostra Lyrical Abstraction.

Helene Aylon (1931 -)
Victoria Barr (1937-)
James Beres (1942 – 2014)
Jake Berthot (1939-2014)
Dan Christensen (1942-2007)
David William Cummings (1937-)
Carl Gliko (1941-)
John Adams Griefen (1942 -)
Carol Haerer (1933-2002)
Gary Hudson (1936-2009)
Don Kaufman (1935 -)
Jane A. Kaufman (1938 -)
Victor Kord (1935 -)
Ronnie Landfield (1947 -)
Pat Lipsky (1941 -)
Ralph Sessions Moseley (1941 -)
David Paul (1945 -) solo nel 1970
Herbert Perr, (1941 -)
William Pettet (1942 -)
Murray Reich (1932 – 2012)
Garry Lorence Rich (1943 – 2016)
Ken L. Showell (1939-1997)
John Seery (1941-)
Alan Siegel (1938 -)
Lawrence Stafford (1938 -)
William Staples (1934 -)
James Sullivan (artista) (1939 -)
Herbert Schiffrin (1944 -)
Shirlann Smith (1931 -)
John Torreano (1941 -)
Jeff Way (1942 -)
Thornton Willis (1936 -)
Philip Wofford (1935 -)
Robert Zakanitch (1935 -)

Relazione con altre tendenze
Lyrical Abstraction insieme al movimento Fluxus e Postminimalism (un termine coniato per la prima volta da Robert Pincus-Witten nelle pagine di Artforum nel 1969) ha cercato di espandere i confini della pittura astratta e del minimalismo concentrandosi su processi, nuovi materiali e nuovi modi di espressione. Postminimalismo che spesso incorpora materiali industriali, materie prime, fabbricazioni, oggetti trovati, installazioni, ripetizioni seriali e spesso con riferimenti a Dada e Surrealismo è esemplificato al meglio nelle sculture di Eva Hesse. Astrazione Lirica, Arte Concettuale, Postminimalismo, Arte della Terra, Video, Performance art, Installazione artistica, insieme alla continuazione di Fluxus, Espressionismo astratto, Pittura a colori, Pittura hard-edge, Minimal Art, Op art, Pop Art, Fotorealismo e Nuovo Il realismo estese i confini dell’arte contemporanea a metà degli anni ’60 fino agli anni ’70. Lyrical Abstraction è un tipo di pittura astratta a ruota libera che è emerso a metà degli anni ’60 quando i pittori astratti tornarono a varie forme di espressionismo pittorico-pittorico con una predominante attenzione alle strategie compositive processali, gestuali e ripetitive in generale. Caratterizzato da una gestalt complessiva, da una tensione superficiale costante, a volte persino dal nascondersi delle pennellate e da un’evidente elusione della composizione relazionale. Si sviluppò come Postminimalismo come alternativa alla rigorosa dottrina formalista e minimalista.

Lyrical Abstraction condivide le somiglianze con Colour Field Painting ed Abstract Expressionism, in particolare nell’uso a ruota libera della vernice – consistenza e superficie, un esempio è illustrato dal dipinto di Ronnie Landfield intitolato For William Blake. Il disegno diretto, l’uso calligrafico della linea, gli effetti della vernice spazzolata, schizzata, macchiata, sbiadita, colata e schizzata, assomigliano superficialmente agli effetti osservati nell’Espressionismo astratto e nella pittura a colori. Tuttavia gli stili sono marcatamente diversi. A prescindere dall’espressionismo astratto e dalla pittura d’azione degli anni ’40 e ’50, l’approccio alla composizione e al dramma. Come visto in Action Painting, c’è un’enfasi sulle pennellate, un alto dramma compositivo, una tensione compositiva dinamica. Mentre ci si trova in Lyrical Abstraction c’è un senso di casualità compositiva, tutta la composizione, un dramma compositivo rilassato e sobrio e un’enfasi sul processo, sulla ripetizione e su una sensibilità totale. Le differenze con Colour Field Painting sono più sottili oggi perché molti dei pittori di Color Field come Helen Frankenthaler, Jules Olitski, Sam Francis e Jack Bush con le eccezioni di Morris Louis, Ellsworth Kelly, Paul Feeley, Thomas Downing e Gene Davis si sono evoluti in astrattisti lirici. Lyrical Abstraction condivide sia l’espressionismo astratto che Colour Field Painting un senso di spontanea e immediata espressione sensuale, di conseguenza le distinzioni tra specifici artisti e i loro stili diventano confuse e apparentemente intercambiabili man mano che si evolvono.

Verso la metà degli anni ’50, Richard Diebenkorn abbandonò l’espressionismo astratto e insieme a David Park, Elmer Bischoff e molti altri formarono la Bay Area Figurative School con un ritorno alla pittura figurativa. Durante il periodo tra l’autunno 1964 e la primavera del 1965 Diebenkorn viaggiò in tutta Europa, gli fu concesso un visto culturale per visitare e vedere i dipinti di Henri Matisse in importanti musei sovietici. Viaggiò nell’allora Unione Sovietica per studiare i dipinti di Henri Matisse nei musei russi che raramente si vedevano fuori dalla Russia. Quando tornò a dipingere nella Bay Area a metà del 1965, i suoi lavori risultanti riassumevano tutto ciò che aveva imparato dal suo più di un decennio come pittore figurativo di primo piano. Quando nel 1967 tornò all’astrazione, i suoi lavori furono paralleli a movimenti come il movimento Color Field e Lyrical Abstraction.

Negli anni ’60, il pittore inglese John Hoyland, con i suoi dipinti a colori, era caratterizzato da forme rettangolari semplici, colori chiari e una superficie piatta. Negli anni ’70 i suoi dipinti sono diventati più strutturati. Durante gli anni ’60 e ’70, ha mostrato i suoi dipinti a New York City con la Galleria Robert Elkon e la Galleria André Emmerich. I suoi dipinti erano strettamente allineati con l’astrazione post-pittorica, la pittura a colori e l’astrazione lirica.

L’espressionismo astratto ha preceduto la pittura del campo di colori, l’astrazione lirica, il flusso, la pop art, il minimalismo, il postminimalismo e gli altri movimenti degli anni ’60 e ’70 e ha influenzato i movimenti successivi che si sono evoluti. L’interrelazione di / e tra stili distinti ma correlati ha prodotto un’influenza che ha funzionato in entrambe le direzioni tra artisti giovani e anziani e viceversa. Durante la metà degli anni ’60, a New York, Los Angeles e altrove, gli artisti spesso incrociavano le definizioni tra gli stili artistici e le definizioni. In quel periodo – dalla metà degli anni ’60 fino agli anni ’70, l’arte americana avanzata e l’arte contemporanea in generale si trovavano a un bivio, andando in frantumi in diverse direzioni. Durante gli anni ’70 i movimenti politici e i cambiamenti rivoluzionari nella comunicazione hanno reso questi stili americani internazionali; come il mondo dell’arte è diventato sempre più internazionale. La controparte europea di American Lyrical Abstraction Neo-espressionismo è arrivata a dominare negli anni ’80, e si è sviluppata anche come risposta alla Pop Art americana e al minimalismo e prende in prestito pesantemente l’espressionismo astratto americano.