Nelle arti visive, il tardo modernismo comprende la produzione complessiva dell’arte più recente realizzata tra le conseguenze della seconda guerra mondiale e i primi anni del XXI secolo. La terminologia indica spesso somiglianze tra il tardo modernismo e il post-modernismo, sebbene esistano differenze. Il termine predominante per l’arte prodotta dagli anni ’50 è l’arte contemporanea. Non tutta l’arte etichettata come arte contemporanea è modernista o postmoderna, e il termine più ampio comprende sia artisti che continuano a lavorare nelle tradizioni moderne e tardo-moderniste, sia artisti che rifiutano il modernismo per il postmodernismo o altri motivi. Arthur Danto sostiene esplicitamente in After the End of Art che la contemporaneità era il termine più ampio e che gli oggetti postmoderni rappresentano un sottosettore del movimento contemporaneo che ha sostituito modernità e modernismo, mentre altri importanti critici: Hilton Kramer, Robert C. Morgan, Kirk Varnedoe, Jean-François Lyotard e altri hanno sostenuto che gli oggetti postmoderni sono nel migliore dei casi relativi alle opere moderniste.
Il gergo che racchiude i due termini tardo modernismo e arte postmoderna è usato per indicare ciò che può essere considerato come la fase finale dell’arte moderna, come l’arte alla fine del modernismo o come certe tendenze dell’arte contemporanea.
C’è chi argomenta contro una divisione nei periodi moderni e postmoderni. Non tutti i critici concordano sul fatto che il palcoscenico chiamato modernismo sia finito o addirittura vicino alla fine. Non c’è accordo sul fatto che tutta l’arte dopo il modernismo sia postmoderna. L’arte contemporanea è il termine più ampiamente usato per indicare il lavoro sin dal 1960, sebbene abbia anche molti altri usi. Né l’arte postmoderna è universalmente separata dal modernismo, e molti critici la considerano semplicemente un’altra fase dell’arte moderna o un’altra forma di tardo modernismo.
Come per tutti gli usi del termine post-moderno, ci sono critici sulla sua applicazione, tuttavia, a questo punto, questi critici sono in minoranza. Questo non vuol dire che la fase dell’arte denotata dal postmodernismo sia accettata, ma semplicemente che la necessità di un termine per descrivere i movimenti nell’arte dopo il picco dell’espressionismo astratto sia ben consolidata. Tuttavia, sebbene il concetto di cambiamento sia giunto al consenso, e sia esso un cambiamento postmodernista, o un periodo tardo modernista, è indeterminato, il consenso è che sia avvenuto un profondo cambiamento nella percezione delle opere d’arte e una nuova era sta emergendo sulla scena mondiale almeno dagli anni ’60.
In letteratura, il termine tardo modernismo si riferisce a opere di letteratura prodotte dopo la seconda guerra mondiale. Tuttavia, esistono diverse definizioni di letteratura tardo modernista. Il più comune si riferisce a opere pubblicate tra il 1930 e il 1939, o al 1945. Tuttavia, ci sono modernisti, come Basil Bunting (1900-85) e TS Eliot (1888-1965), che scriverà dopo il 1945, e Samuel Beckett, che morì nel 1989, è stato descritto come un “tardo modernista”. Eliot pubblicò due spettacoli negli anni ’50 e il lungo poema modernista di Bunting “Briggflatts” fu pubblicato nel 1965. I poeti Charles Olson (1910-1970) e JH Prynne (1936-) sono, tra l’altro, nella seconda metà del 20 ° secolo, che sono stati descritti come ultimi modernisti. C’è un’ulteriore domanda sul fatto che la letteratura tardo-modernista differisca in qualche modo importante dai lavori modernisti prodotti prima del 1930. Per confondere le cose, più recentemente il termine tardo modernismo è stato ridefinito da almeno un critico e usato per riferirsi a opere scritte dopo 1945, piuttosto che nel 1930. Con questo uso va l’idea che l’ideologia del modernismo sia stata significativamente riformata dagli eventi della seconda guerra mondiale, specialmente l’Olocausto e il lancio della bomba atomica.
Differenze dal postmodernismo
Il tardo modernismo descrive i movimenti che derivano, e reagiscono contro, le tendenze del modernismo e rifiutano alcuni aspetti del modernismo, mentre sviluppano pienamente le potenzialità concettuali dell’impresa modernista. In alcune descrizioni il post-modernismo come periodo dell’arte è completato, mentre in altri è un movimento continuo nell’arte contemporanea. Nell’arte, i tratti specifici del modernismo citati sono generalmente la purezza formale, la specificità media, l’arte per l’arte, la possibilità di autenticità nell’arte, l’importanza o persino la possibilità della verità universale nell’arte, e l’importanza di un’avanguardia e originalità. Quest’ultimo punto è di particolare polemica nell’arte, dove molte istituzioni sostengono che essere visionari, lungimiranti, all’avanguardia e progressivi sono fondamentali per la missione dell’arte nel presente, e che postmoderno rappresenta quindi una contraddizione del valore di ” arte dei nostri tempi “.
Una definizione compatta offerta è quella in cui il postmodernismo agisce rifiutando le grandi narrazioni della direzione artistica del modernismo e sradicando i confini tra forme d’arte alte e basse, per sconvolgere il genere e le sue convenzioni con collisione, collage e frammentazione. L’arte postmoderna è vista come una convinzione che tutte le posizioni sono instabili e insincere, e quindi l’ironia, la parodia e l’umorismo sono le uniche posizioni che non possono essere ribaltate dalla critica o da eventi successivi.
Molti di questi tratti sono presenti nei movimenti moderni dell’arte, in particolare il rifiuto della separazione tra forme d’arte alte e basse. Tuttavia, questi tratti sono considerati fondamentali per l’arte postmoderna, piuttosto che semplicemente presenti in un modo o nell’altro. Uno dei punti più importanti di differenza, tuttavia, tra il postmodernismo e il modernismo, come movimenti nell’arte, è la posizione progressista del modernismo che le nuove opere siano più “lungimiranti” e avanzate, mentre i movimenti postmoderni generalmente rifiutano la nozione che ci può essere progresso o progresso nell’arte in sé, e quindi uno dei progetti dell’arte deve essere il capovolgimento del “mito dell’avanguardia”. Questo si riferisce alla negazione di ciò che i filosofi post-strutturalisti chiamano “metanarrative”.
Rosalind Krauss fu uno dei più importanti annunciatori della visione che l’avanguardismo era finito e che la nuova era artistica esisteva in una normalità post-liberale e post-progresso. Un esempio di questo punto di vista è spiegato da Robert Hughes in The Shock of the New nel suo capitolo “The Future That Was”:
Dove è iniziata questa nuova accademia? Alle sue origini il mito delle avanguardie aveva indotto l’artista a essere un precursore; il lavoro significativo è quello che prepara il futuro. Il culto del precursore terminava ingombrando il paesaggio con assurde affermazioni profetiche. L’idea di un’avanguardia culturale era inimmaginabile prima del 1800. Fu incoraggiata dall’ascesa del liberalismo. Dove il gusto delle corti religiose o secolari determinava il mecenatismo, l’innovazione “sovversiva” non era considerata un segno di qualità artistica. Né era l’autonomia dell’artista, che sarebbe venuto con i romantici.
– Robert Hughes, The Shock of the New
Come per tutti gli usi del termine postmoderno ci sono critici della sua applicazione. Kirk Varnedoe, ad esempio, ha affermato che non esiste nulla di simile al postmodernismo e che le possibilità del modernismo non sono ancora state esaurite. Questi critici sono attualmente in minoranza.
Hilton Kramer descrive il postmodernismo come “una creazione del modernismo alla fine del suo legame”. Jean-François Lyotard, nell’analisi di Frederic Jameson, non ritiene che esista uno stadio postmoderno radicalmente diverso dal periodo dell’alto modernismo; invece, il malcontento postmoderno con questo o quell’alto stile modernista fa parte della sperimentazione dell’alto modernismo, dando vita a nuovi modernismi.
Movimenti radicali nell’arte moderna
I movimenti radicali nel modernismo, l’arte moderna e le tendenze radicali considerate influenti e potenzialmente precursori del tardo modernismo e del postmodernismo sono emersi durante la prima guerra mondiale e in particolare nelle sue conseguenze. Con l’introduzione dell’uso di artefatti industriali nell’arte, movimenti come Cubismo, Dada e Surrealismo, nonché tecniche come collage e forme d’arte come il cinema e l’ascesa della riproduzione come mezzo per creare opere d’arte. Sia Pablo Picasso il Modernista che Marcel Duchamp il ribelle hanno creato opere importanti e influenti dagli oggetti trovati.
Fauvismo, cubismo, dada, surrealismo come precedente
Agli inizi del XX secolo, in seguito all’impatto di Henri Matisse e André Derain come pittori fauchi e Pablo Picasso e le innovazioni monumentali di Georges Braque e il successo mondiale del cubismo e l’incoraggiamento delle avanguardie, Marcel Duchamp espose un orinale come scultura. Il suo punto era che le persone guardassero l’orinatoio come se fosse un’opera d’arte, perché diceva che era un’opera d’arte. Ha fatto riferimento al suo lavoro come “Readymades”. The Fountain, era un orinatoio firmato con lo pseudonimo di R. Mutt, che scioccò il mondo dell’arte nel 1917. Questo e gli altri lavori di Duchamp sono generalmente etichettati come Dada.
Il dadaismo può essere visto come parte della propensione modernista a sfidare stili e forme consolidati, insieme al surrealismo, al futurismo e all’espressionismo astratto. Da un punto di vista cronologico Dada si colloca solidamente nel modernismo, tuttavia un certo numero di critici ha affermato di anticipare il postmodernismo, mentre altri, come Ihab Hassan e Steven Connor, lo considerano un possibile punto di passaggio tra modernismo e postmodernismo.
Il fauvismo e Henri Matisse in particolare divennero un’importante influenza sia sull’espressionismo astratto che sulla pittura a colori, importanti pietre miliari del tardo modernismo. La danza è comunemente riconosciuta come “un punto chiave della carriera di Matisse e nello sviluppo della pittura moderna”. Con la sua ampia distesa di blu, la semplicità del design e l’enfasi sulla sensazione pura, il dipinto ha avuto un’enorme influenza su artisti americani che lo hanno visto al MoMA di New York City.
Alta arte e cultura
Il punto di partenza per la definizione del modernismo come movimento fu l’austero rifiuto della cultura popolare come kitsch da parte di importanti artisti e artisti del gusto del dopoguerra, in particolare Clement Greenberg con il suo saggio Avant-Garde e Kitsch, pubblicato per la prima volta in Partisan Review in 1939. Durante gli anni ’40 e ’50 Greenberg si dimostrò un critico d’arte articolato e potente. In particolare, il suo scritto sull’espressionismo americano astratto e il modernismo europeo del XX secolo hanno convinto in modo persuasivo l’arte e la cultura dell’alta società. Nel 1961 Art and Culture, Beacon Press, fu pubblicata una raccolta di saggi di grande influenza di Clement Greenberg. Greenberg è principalmente considerato come un critico d’arte formalista e molti dei suoi più importanti saggi sono fondamentali per la comprensione della storia dell’arte moderna e della storia del modernismo e del tardo modernismo.
Jackson Pollock: espressionismo astratto
Alla fine degli anni ’40 l’approccio radicale alla pittura di Pollock ha rivoluzionato il potenziale per l’arte contemporanea che lo seguiva. In qualche misura Pollock si rese conto che il viaggio verso la realizzazione di un’opera d’arte era importante quanto l’opera d’arte stessa. Come gli innovativi interventi di pittura e scultura di Pablo Picasso verso la fine del secolo scorso attraverso il cubismo e la scultura costruita, Pollock ha ridefinito il modo in cui l’arte viene realizzata a metà del secolo. La mossa di Pollock – lontano dalla pittura da cavalletto e dalla convenzionalità – è stato un segnale di liberazione per i suoi artisti contemporanei e per tutto ciò che è venuto dopo. Gli artisti hanno capito che il processo di Jackson Pollock – lavorando sul pavimento, tele non stirate e crude, da tutti e quattro i lati, usando materiali d’artista, materiali industriali, immagini, non immagini, lanciando matasse lineari di vernice, gocciolando, disegnando, macchiando, spazzolando, essenzialmente fatto saltare arte oltre ogni confine precedente. L’espressionismo astratto in generale ha ampliato e sviluppato le definizioni e le possibilità che gli artisti avevano a disposizione per la creazione di nuove opere d’arte. In un certo senso le innovazioni di Jackson Pollock, Willem de Kooning, Franz Kline, Mark Rothko, Philip Guston, Hans Hofmann, Clyfford Still, Barnett Newman, Ad Reinhardt e altri hanno aperto le porte alla diversità e alla portata di tutta l’arte che li ha seguiti .
Neo-dada, collage e assemblaggio
In relazione all’espressionismo astratto c’era l’emergere di manufatti combinati – con materiali d’artista, che si allontanavano dalle precedenti convenzioni di pittura e scultura. Questa tendenza nell’arte è esemplificata dal lavoro di Robert Rauschenberg, le cui “mietitrebbia” negli anni Cinquanta furono precursori dell’arte pop e delle installazioni, e si servirono dell’assemblaggio di grandi oggetti fisici, inclusi animali imbalsamati, uccelli e fotografie commerciali.
Nel 1969 Leo Steinberg usa il termine postmodernismo per descrivere il piano “piano” di Rauschenberg, contenente una serie di immagini e manufatti culturali che non erano compatibili con il campo pittorico della pittura premodernista e modernista. Craig Owens va oltre, identificando il significato del lavoro di Rauschenberg non come una rappresentazione di, secondo Steinberg, “il passaggio dalla natura alla cultura”, ma come una dimostrazione dell’impossibilità di accettare la loro opposizione.
Steven Best e Douglas Kellner identificano Rauschenberg e Jasper Johns come parte della fase di transizione, influenzata da Marcel Duchamp, tra modernismo e postmodernismo. Entrambe le immagini utilizzate di oggetti ordinari, o gli oggetti stessi, nel loro lavoro, pur mantenendo l’astrazione e gesti pittorici di alto modernismo.
Pittura e scultura astratta negli anni ’60 e ’70
Nella pittura astratta e nella scultura degli anni ’50 e ’60 l’astrazione geometrica è emersa come una direzione importante nelle opere di molti scultori e pittori. Nella pittura pittorica, il minimalismo, la pittura hard-edge e l’astrazione lirica hanno costituito direzioni radicali.
Helen Frankenthaler, Morris Louis, Frank Stella, Ellsworth Kelly, Richard Diebenkorn David Smith, Sir Anthony Caro, Mark di Suvero, Gene Davis, Kenneth Noland, Jules Olitski, Isaac Witkin, Anne Truitt, Kenneth Snelson, Al Held, Ronald Davis, Howard Hodgkin, Larry Poons, Brice Marden, Robert Mangold, Walter Darby Bannard, Dan Christensen, Larry Zox, Ronnie Landfield, Charles Hinman, Sam Gilliam, Peter Reginato, furono alcuni degli artisti i cui lavori caratterizzarono la pittura astratta e la scultura negli anni ’60. L’astrazione lirica condivide le somiglianze con la pittura a colori e l’espressionismo astratto, specialmente nell’uso a ruota libera della pittura: la trama e la superficie. Il disegno diretto, l’uso calligrafico della linea, gli effetti della vernice spazzolata, schizzata, macchiata, sbiadita, colata e schizzata, assomigliano superficialmente agli effetti osservati nell’espressionismo astratto e nella pittura a colori. Tuttavia gli stili sono marcatamente diversi. A prescindere da espressionismo astratto e action painting degli anni ’40 e ’50, l’approccio alla composizione e al dramma. Come si vede nella action painting, c’è un’enfasi sulle pennellate, un alto dramma compositivo, una tensione compositiva dinamica. Mentre nell’astrazione lirica c’è un senso di casualità compositiva, tutta la composizione, un dramma compositivo rilassato e sobrio e un’enfasi sul processo, sulla ripetizione e su una sensibilità totale. Durante gli anni ’60 e ’70, artisti potenti e influenti come Robert Motherwell, Adolph Gottlieb, Phillip Guston, Lee Krasner, Cy Twombly, Robert Rauschenberg, Jasper Johns, Richard Diebenkorn, Josef Albers, Elmer Bischoff, Agnes Martin, Al Held, Sam Francis, Ellsworth Kelly, Morris Louis, Helen Frankenthaler, Gene Davis, Frank Stella, Kenneth Noland, Joan Mitchell, Friedel Dzubas e artisti più giovani come Brice Marden, Robert Mangold, Sam Gilliam, John Hoyland, Sean Scully, Elizabeth Murray, Larry Poons, Walter Darby Bannard, Larry Zox, Ronnie Landfield, Ronald Davis, Dan Christensen, Joan Snyder, Ross Bleckner, Archie Rand, Richard Saba, Susan Crile, Mino Argento e dozzine di altri hanno continuato a produrre dipinti importanti e influenti.
Minimalismo e post-minimalismo
Agli inizi degli anni ’60 il minimalismo emerse come un movimento astratto nell’arte (con le radici nell’astrazione geometrica attraverso Malevich, Bauhaus e Mondrian). Importanti artisti emersi come pionieri del minimalismo includono Frank Stella, Larry Bell, Ad Reinhardt, Agnes Martin, Barnett Newman, Donald Judd, Tony Smith, Carl Andre, Robert Smithson, Sol LeWitt, Dan Flavin, Robert Mangold, Robert Morris e Ronald Bladen, tra gli altri. Questi artisti utilizzavano spesso anche tele sagomate, come nell’esempio di Richard Tuttle mostrato a destra. L’arte minimale ha respinto l’idea della pittura relazionale e soggettiva, la complessità delle superfici espressioniste astratte e lo zeitgeist e le polemiche emozionali presenti nell’arena della action painting. Il minimalismo sosteneva che l’estrema semplicità poteva catturare tutta la sublime rappresentazione necessaria nell’arte. Associato a pittori come Frank Stella, il minimalismo nella pittura e nella scultura, in contrapposizione ad altre aree, è un movimento tardo-modernista e, a seconda del contesto, può essere considerato un precursore del movimento postmoderno.
Hal Foster, nel suo saggio The Crux of Minimalism, esamina in quale misura Donald Judd e Robert Morris riconoscono e superano il modernismo Greenbergiano nelle loro definizioni pubblicate di minimalismo. Sostiene che il minimalismo non è un “vicolo cieco” del modernismo, ma un “cambio di paradigma verso pratiche postmoderne che continuano ad essere elaborate oggi”.
Verso la fine degli anni ’60 il termine Post-minimalismo fu coniato da Robert Pincus-Witten per descrivere l’arte derivata minimalista che aveva contenuti e sfumature contestuali che il minimalismo rifiutava e fu applicato all’opera di Eva Hesse, Keith Sonnier, Richard Serra e nuova opera di ex minimalisti Robert Smithson, Robert Morris, Sol LeWitt e Barry Le Va e altri.
Rosalind Krauss sostiene che nel 1968 artisti come Morris, LeWitt, Smithson e Serra erano “entrati in una situazione le cui condizioni logiche non possono più essere descritte come moderniste”. L’espansione della categoria della scultura per includere l’arte e l’architettura della terra, “ha determinato il passaggio al postmodernismo”.
Minimalisti come Donald Judd, Dan Flavin, Carl Andre, Agnes Martin, John McCracken e altri hanno continuato a produrre i loro ultimi dipinti e sculture moderniste per il resto della loro carriera.
Arte di processo
Verso la fine degli anni ’60, tuttavia, l’arte del processo è emersa come un concetto rivoluzionario e movimento che comprendeva la pittura e la scultura, attraverso l’astrazione lirica e il movimento postminimalista, e nella prima Arte concettuale. Eva Hesse, Robert Smithson, Walter De Maria, Keith Sonnier, Richard Serra, Nancy Graves, Jannis Kounellis, Bruce Nauman, Richard Tuttle, Mel Bochner, Hannah Wilke, Lynda Benglis, Robert Morris, Sol LeWitt, Barry Le Va, Michael Heizer, Lawrence Weiner, Joseph Kosuth e Alan Saret erano alcuni degli artisti di processo emersi negli anni ’60. La Process Art ispirata da Pollock ha permesso agli artisti di sperimentare e utilizzare una diversa enciclopedia di stile, contenuto, materiale, posizionamento, senso del tempo, scala, dimensione, spazio plastico e reale.
Pop Art
Il termine “pop art” fu usato da Lawrence Alloway per descrivere dipinti che celebravano il consumismo dell’era post Seconda Guerra Mondiale. Questo movimento respinse l’espressionismo astratto e la sua attenzione sull’interiorità ermeneutica e psicologica, a favore dell’arte che rappresentava e spesso celebrava la cultura del consumo materiale, la pubblicità e l’iconografia dell’età della produzione di massa. I primi lavori di David Hockney e le opere di Richard Hamilton, John McHale e Eduardo Paolozzi furono considerati esempi seminali nel movimento. Mentre gli esempi americani successivi includono la maggior parte delle carriere di Andy Warhol e Roy Lichtenstein e il suo uso dei punti Benday, una tecnica usata nella riproduzione commerciale. C’è una chiara connessione tra le opere radicali di Duchamp, il ribelle dadaista – con un senso dell’umorismo; e artisti pop come Claes Oldenburg, Andy Warhol, Roy Lichtenstein e gli altri.
In generale, l’arte pop e il minimalismo sono nati come movimenti modernisti, uno spostamento nel paradigma e una divisione filosofica tra formalismo e anti-formalismo nei primi anni ’70 ha fatto sì che quei movimenti fossero visti da alcuni come precursori o in transizione verso l’arte postmoderna. Altri movimenti moderni citati come influenti per l’arte postmoderna sono l’arte concettuale, il dadaismo e il surrealismo e l’uso di tecniche come il montaggio, il montaggio, il collage, il bricolage e le forme d’arte che hanno usato la registrazione o la riproduzione come base per le opere d’arte.
Ci sono opinioni divergenti sul fatto che la pop art sia un movimento tardo-modernista o postmoderno. Thomas McEvilly, concordando con Dave Hickey, afferma che il postmodernismo nelle arti visive iniziò con le prime esposizioni della pop art nel 1962, “sebbene ci vollero circa vent’anni prima che il postmodernismo diventasse un atteggiamento dominante nelle arti visive”. Anche Frederic Jameson ritiene che la pop art sia postmoderna.
Un modo in cui la Pop art è postmoderna è che rompe ciò che Andreas Huyssen chiama il “grande divario” tra l’arte alta e la cultura popolare. Il postmodernismo emerge da un “rifiuto generazionale delle certezze categoriche dell’alto modernismo”. Sebbene presupporre che il modernismo sia solo sinonimo di “alta arte”, ed è in alcun modo sicuro di ciò che costituisce l’arte “alta”, significa profondamente e fondamentalmente fraintendere il modernismo.
Performance art e happening
Durante la fine degli anni ’50 e ’60, artisti con una vasta gamma di interessi iniziarono a spingere i confini dell’arte contemporanea. Yves Klein in Francia e Carolee Schneemann, Yayoi Kusama, Charlotte Moorman e Yoko Ono a New York City sono stati pionieri delle opere d’arte basate sulla performance. Gruppi come The Living Theatre con Julian Beck e Judith Malina hanno collaborato con scultori e pittori creando ambienti; cambiando radicalmente la relazione tra pubblico e performer, specialmente nel loro pezzo Paradise Now. Il Judson Dance Theatre situato presso la Judson Memorial Church, New York City, e le ballerine Judson, in particolare Yvonne Rainer, Trisha Brown, Elaine Summers, Sally Gross, Simonne Forti, Deborah Hay, Lucinda Childs, Steve Paxton e altri hanno collaborato con gli artisti Robert Morris, Robert Whitman, John Cage, Robert Rauschenberg e ingegneri come Billy Klüver. Queste performance sono state spesso progettate per essere la creazione di una nuova forma d’arte, combinando scultura, danza, musica o suono, spesso con la partecipazione del pubblico. Le opere erano caratterizzate dalle filosofie riduttive del minimalismo e dall’improvvisazione spontanea e dall’espressività dell’espressionismo astratto.
Nello stesso periodo – tra la fine degli anni ’50 e la metà degli anni ’60, vari artisti d’avanguardia crearono Happenings. Gli avvenimenti sono stati incontri misteriosi e spesso spontanei e non sceneggiati di artisti, i loro amici e parenti in vari luoghi specifici. Spesso incorporando esercizi in assurdità, esercizio fisico, costumi, nudità spontanea e vari atti casuali e apparentemente sconnessi. Allan Kaprow, Claes Oldenburg, Jim Dine, Red Grooms e Robert Whitman tra gli altri erano notevoli creatori di Happenings.
Fluxus
Fluxus è stato nominato e liberamente organizzato nel 1962 da George Maciunas (1931-78), un artista americano di origine lituana. Fluxus fa risalire le sue origini ai corsi di Composizione Sperimentale di John Cage del 1957 al 1959 presso la New School for Social Research di New York City. Molti dei suoi studenti erano artisti che lavorano in altri media con poca o nessuna esperienza musicale. Tra gli studenti di Cage c’erano i membri fondatori di Fluxus, Jackson Mac Low, Al Hansen, George Brecht e Dick Higgins.
Fluxus ha incoraggiato un estetico fai da te e ha valutato la semplicità rispetto alla complessità. Come Dada prima di esso, Fluxus includeva una forte corrente di anti-mercantilismo e una sensibilità anti-arte, denigrando il convenzionale mondo dell’arte guidato dal mercato in favore di una pratica creativa centrata sull’artista. Gli artisti di Fluxus preferivano lavorare con qualunque materiale fosse a portata di mano, e hanno creato il loro lavoro o collaborato nel processo di creazione con i loro colleghi.
Andreas Huyssen critica i tentativi di rivendicare Fluxus per il postmodernismo come “o il codice principale del postmodernismo o il movimento artistico in definitiva non rappresentabile – per così dire, il sublime del postmodernismo”. Invece vede Fluxus come un grande fenomeno neodadaista all’interno della tradizione delle avanguardie. Non rappresentava un grande progresso nello sviluppo delle strategie artistiche, sebbene esprimesse una ribellione contro “la cultura amministrata degli anni ’50, in cui un modernismo moderato e addomesticato serviva da sostegno ideologico alla Guerra Fredda”.
Alto e basso
Nel 1990 Kirk Varnedoe e Adam Gopnik hanno curato l’Alta e la Bassa: arte moderna e cultura popolare, al Museum of Modern Art di New York, come una sorta di risposta alle avanguardie e al kitsch di Clement Greenberg. La mostra ha tentato di chiarire la portata che gli artisti e l’alta cultura hanno attinto e dalla cultura popolare. Anche se universalmente spogliato in quel momento come l’unico evento che poteva portare Douglas Crimp e Hilton Kramer insieme in un coro di disprezzo. La mostra è ricordata oggi come un punto di riferimento del conflitto tra tardo modernismo e postmodernismo.
Movimenti associati all’arte postmoderna
Arte concettuale
L’arte concettuale divenne uno sviluppo importante nell’arte contemporanea alla fine degli anni ’60, e fornì un’influente critica allo status quo. Il tardo modernismo si espanse e si contrasse durante la fine degli anni ’60 e per alcuni l’arte concettuale fece una completa rottura con il modernismo. A volte è etichettato come postmoderno perché è espressamente coinvolto nella decostruzione di ciò che rende un’opera d’arte, “arte”. L’arte concettuale, perché è spesso progettata per affrontare, offendere o attaccare le nozioni possedute da molte delle persone che la vedono, è considerata con particolare polemica. Duchamp può essere visto come un precursore dell’arte concettuale. Quindi, poiché la fontana era esposta, era una scultura. Marcel Duchamp rinunciò notoriamente all’arte “a favore degli scacchi”. Il compositore d’avanguardia David Tudor ha creato un pezzo, Reunion (1968), scritto insieme a Lowell Cross che presenta un gioco di scacchi, in cui ogni mossa attiva un effetto di illuminazione o proiezione. Alla premiere, il gioco è stato giocato tra John Cage e Marcel Duchamp. Alcuni altri famosi esempi sono i 4 ’33 “di John Cage che sono quattro minuti e trentatré secondi di silenzio e il disegno di Erased De Kooning di Rauschenberg. Molte opere concettuali prendono la posizione che l’arte è creata dallo spettatore che osserva un oggetto o agisce come arte, non dalle qualità intrinseche del lavoro stesso.
Installazione art
Un’importante serie di movimenti nell’arte che sono stati coerentemente descritti come postmoderna implicata nell’installazione artistica e nella creazione di artefatti di natura concettuale. Un esempio sono i segni di Jenny Holtzer che usa i dispositivi dell’arte per trasmettere messaggi specifici, come “Proteggimi da ciò che voglio”. Installazione L’arte è stata importante nel determinare gli spazi selezionati per i musei di arte contemporanea al fine di poter contenere le grandi opere che sono composte da vasti collage di manufatti e oggetti trovati. Queste installazioni e collage sono spesso elettrificate, con parti mobili e luci.
Sono spesso progettati per creare effetti ambientali, come la cortina di ferro di Christo e Jeanne-Claude, che era una fila di barili destinata a creare un ingorgo.
Intermedia e multimediale
Un’altra tendenza dell’arte che è stata associata al termine postmoderno è l’uso di un numero di media diversi insieme. Intermedia, termine coniato da Dick Higgins e destinato a trasmettere nuove forme d’arte sulla falsariga di Fluxus, Poesia Concreta, Oggetti trovati, Performance art e Computer art. Higgins è stato editore della Something Else Press, poetessa concreta, sposata con l’artista Alison Knowles e ammiratrice di Marcel Duchamp. Ihab Hassan include, “Intermedia, la fusione di forme, la confusione dei regni”, nella sua lista delle caratteristiche dell’arte postmoderna. Una delle forme più comuni di “arte multimediale” è l’uso di videoregistratori e monitor CRT, definiti Video art. Mentre la teoria di combinare più arti in un’unica arte è piuttosto vecchia, ed è stata ripresa periodicamente, la manifestazione postmoderna è spesso in combinazione con l’arte della performance, in cui il sottotesto drammatico viene rimosso, e ciò che rimane sono le specifiche dichiarazioni dell’artista in domanda o la dichiarazione concettuale della loro azione.
Arte di appropriazione e arte neo-concettuale
Nel suo saggio del 1980 The Allegorical Impulse: Verso una teoria del postmodernismo, Craig Owens identifica il riemergere di un impulso allegorico come caratteristico dell’arte postmoderna. Questo impulso può essere visto nell’arte dell’appropriazione di artisti come Sherrie Levine e Robert Longo perché “L’immaginario allegorico è un immaginario appropriato”. L’appropriazione artistica smaschera le nozioni moderniste di genio artistico e originalità ed è più ambigua e contraddittoria dell’arte moderna, installando e sovvertendo contemporaneamente le ideologie, “essendo sia critica che complice”.
Neo-espressionismo
Il ritorno alle forme artistiche tradizionali di scultura e pittura tra la fine degli anni ’70 e l’inizio degli anni ’80 visto nel lavoro di artisti neoespressionisti come Georg Baselitz e Julian Schnabel è stato descritto come una tendenza postmoderna, e uno dei primi movimenti coerenti a emergere nell’era postmoderna. I suoi forti legami con il mercato dell’arte commerciale hanno sollevato interrogativi, tuttavia, sia sul suo status di movimento postmoderno che sulla definizione del postmodernismo stesso. Hal Foster afferma che il neoespressionismo è stato complice della politica culturale conservatrice dell’era Reagan-Bush negli Stati Uniti. Félix Guattari non tiene conto delle “grandi operazioni promozionali soprannominate ‘neo-espressionismo’ in Germania” (un esempio di una moda che mantiene per mezzo della pubblicità “) come un modo troppo semplice per lui” per dimostrare che il postmodernismo non è altro che l’ultimo sussulto del modernismo “. Queste critiche al neo-espressionismo rivelano che il denaro e le pubbliche relazioni hanno davvero sostenuto la credibilità del mondo dell’arte contemporanea in America durante lo stesso periodo in cui le pratiche artistiche concettuali e femministe stavano sistematicamente rivalutando l’arte moderna.
Critica istituzionale
Le critiche sulle istituzioni d’arte (principalmente musei e gallerie) sono fatte nel lavoro di Marcel Broodthaers, Daniel Buren e Hans Haacke.
La pittura e la scultura tardo modernista del XXI secolo
All’inizio del XXI secolo la pittura contemporanea, la scultura contemporanea e l’arte contemporanea in generale continuano in diversi modi contigui, caratterizzati dall’idea del pluralismo. La “crisi” in pittura, scultura e arte attuale e la critica d’arte attuale oggi è determinata dal pluralismo. Non c’è consenso, né è necessario che ci sia, come per uno stile rappresentativo del tempo. C’è un qualcosa che va all’erta che prevale; una sindrome da “tutto ciò che sta succedendo” e di conseguenza “nulla sta succedendo”; questo crea un ingorgo estetico senza direzione ferma e chiara e con ogni corsia dell’autostrada artistica piena di capacità. Di conseguenza, opere d’arte magnifiche e importanti continuano ad essere fatte anche se in una grande varietà di stili e temperamenti estetici, il mercato è lasciato per giudicare il merito. La Scienza della Pigrizia di Frank Stella, del 1984, è un esempio della transizione di Stella dalla bidimensionalità alla tridimensionalità e un eccellente esempio del tardo modernismo.
Hard-edge painting, geometric abstraction, appropriation, hyperrealism, photorealism, expressionism, minimalism, lyrical abstraction, pop art, op art, abstract expressionism, color field painting, monochrome painting, neo-expressionism, collage, intermedia painting, assemblage painting, digital painting, postmodern painting, Neo-Dada painting, shaped canvas painting, environmental mural painting, traditional figure painting, landscape painting, portrait painting, are a few continuing and current directions in painting at the beginning of the 21st century. The New European Painting of the 1990s and the beginning of the 21st century, with painters like Gerhard Richter, Bracha Ettinger and Luc Tuymans, has opened a complex and interesting dialogue with the legacy of American color field and lyrical abstraction on the one hand and figurality on the other hand.