L’arte cinetica è arte da qualsiasi mezzo che contiene movimento percepibile dall’osservatore o dipende dal movimento per il suo effetto. I dipinti su tela che estendono la prospettiva dell’osservatore all’opera d’arte e incorporano il movimento multidimensionale sono i primi esempi di arte cinetica. Più pertinentemente parlando, l’arte cinetica è un termine che oggi si riferisce più spesso a sculture e figure tridimensionali come i cellulari che si spostano naturalmente o sono azionati a macchina. Le parti mobili sono generalmente alimentate dal vento, da un motore o dall’osservatore. L’arte cinetica comprende un’ampia varietà di tecniche e stili sovrapposti.

L’arte cinetica è un movimento artistico che propone opere contenenti parti in movimento. Il movimento può essere prodotto dal vento, dal sole, da un motore o dallo spettatore. L’arte cinetica comprende un’ampia varietà di tecniche e stili sovrapposti.

C’è anche una porzione di arte cinetica che include il movimento virtuale, o meglio il movimento percepito solo da determinati angoli o sezioni dell’opera. Questo termine si scontra spesso con il termine “movimento apparente”, che molte persone usano quando si riferiscono a un’opera d’arte il cui movimento è creato da motori, macchine o sistemi alimentati elettricamente. Sia il movimento apparente che quello virtuale sono stili di arte cinetica che solo recentemente sono stati considerati come stili di arte op. La quantità di sovrapposizione tra cinetica e op art non è abbastanza significativa per gli artisti e gli storici dell’arte da considerare la fusione dei due stili sotto un unico termine, ma ci sono delle distinzioni che devono ancora essere fatte.

Termine applicato alle opere d’arte relative al movimento reale e apparente Può comprendere macchine, mobili e oggetti leggeri in movimento reale; più in generale, include anche opere in movimento virtuale o apparente, che potrebbero essere poste sotto la denominazione di Op Art. L’arte cinetica ha avuto origine tra il 1913 e il 1920, quando alcune figure isolate come Marcel Duchamp, Vladimir Tatlin e Naum Gabo hanno concepito le loro prime opere e dichiarazioni per porre l’accento sul movimento meccanico All’incirca nello stesso periodo, Tatlin, Aleksandr Rodchenko e Man Ray costruirono i loro primi cellulari, e Thomas Wilfred e Adrian Bernard Klein, con Ludwig Hirschfeld-Mack e Kurt Schwerdtfeger al Bauhaus, iniziarono a sviluppare il loro colore organi e tecniche di proiezione nella direzione di un mezzo artistico costituito da luce e movimento, sebbene László Moholy-Nagy e Alexander Calder abbiano perseguito la ricerca artistica più o meno continua nel movimento reale negli anni 1920 e 1930, solo dopo il 1950 la svolta in l’arte cinetica, e la sua successiva espansione, finalmente ebbe luogo.

L’arte cinetica come un moniker sviluppato da un certo numero di fonti. L’arte cinetica ha le sue origini negli artisti impressionisti del tardo XIX secolo come Claude Monet, Edgar Degas e Édouard Manet, che in origine sperimentarono l’accentuazione del movimento di figure umane su tela. Questo triumvirato di pittori impressionisti ha cercato di creare arte più realistica dei loro contemporanei. I ritratti di ballerini e cavalli da corsa di Degas sono esempi di ciò che credeva essere il “realismo fotografico”; artisti come Degas nel tardo XIX secolo sentirono la necessità di sfidare il movimento verso la fotografia con paesaggi e ritratti vivaci e cadenzati.

All’inizio del 1900, alcuni artisti si avvicinavano sempre di più ad attribuire la loro arte al movimento dinamico. Naum Gabo, uno dei due artisti attribuiti a questo stile, ha scritto spesso sul suo lavoro come esempi di “ritmo cinetico”. Sentì che la sua scultura in movimento Kinetic Construction (anche soprannominata Standing Wave, 1919-20) fu la prima del suo genere nel 20 ° secolo. Dagli anni ’20 fino agli anni ’60, lo stile dell’arte cinetica è stato rimodellato da numerosi altri artisti che hanno sperimentato il mobile e le nuove forme di scultura.

Una continuazione dell’arte cinetica è l’arte cibernetica, in cui l’opera d’arte reagisce alle influenze esterne, in particolare anche alle manipolazioni delle persone. Le costruzioni tecniche sono spesso guidate dalle forze naturali del vento, dell’acqua e della gravità. Ma vengono utilizzati anche motori, movimenti e azionamenti manuali. Gli artisti odierni dell’arte cinetica sono spesso all’avanguardia della tecnologia, gli oggetti controllati dal computer non sono più una rarità.

Caratteristiche:
L’arte cinetica si basa sulla ricerca del movimento, ma nella maggior parte dei lavori il movimento è reale, non virtuale.
Per eseguire il lavoro, l’artista considera e segue una struttura rigorosamente pianificata.
La maggior parte delle opere cinetiche sono tridimensionali, si staccano dal piano bidimensionale.
Le risorse per creare movimento sono quasi infinite, come vento, acqua, motori, luce, elettromagnetismo.

Tipi di opere cinetiche:
Ci sono diversi tipi di opere cinetiche in base al modo in cui produce la sensazione di movimento
La stabilità: sono quelle opere i cui elementi sono fissi, disposti in modo tale che lo spettatore deve circondarli per percepire il movimento.
La mobilità: sono opere che producono un movimento reale dovuto a cause diverse, cambiando costantemente la loro struttura.
The penetrables: di solito è un assemblaggio in uno spazio reale che richiede allo spettatore di entrarvi per poterlo percepire mentre viaggia.

Origini e primi sviluppi
I passi fatti dagli artisti per “sollevare le figure e gli scenari dalla pagina e dimostrare innegabilmente che l’arte non è rigida” (Calder, 1954) hanno apportato innovazioni significative e cambiamenti nello stile compositivo. Édouard Manet, Edgar Degas e Claude Monet furono i tre artisti del XIX secolo che iniziarono quei cambiamenti nel movimento degli impressionisti. Anche se ognuno di loro ha adottato approcci unici per incorporare il movimento nelle proprie opere, lo ha fatto con l’intenzione di essere un realista. Nello stesso periodo, Auguste Rodin era un artista le cui prime opere parlavano a sostegno dello sviluppo del movimento cinetico nell’arte. Tuttavia, le successive critiche di Auguste Rodin al movimento hanno indirettamente messo in discussione le capacità di Manet, Degas e Monet, sostenendo che è impossibile catturare esattamente un momento nel tempo e dargli la vitalità che si vede nella vita reale.

Édouard Manet
È quasi impossibile attribuire il lavoro di Manet a qualsiasi epoca o stile artistico. Una delle sue opere che è davvero sull’orlo di un nuovo stile è Le Ballet Espagnol (1862). I contorni delle figure coincidono con i loro gesti come un modo per suggerire profondità in relazione l’uno con l’altro e in relazione all’ambientazione. Manet accentua anche la mancanza di equilibrio in questo lavoro per proiettare lo spettatore sul fatto che lui o lei è sul bordo di un momento che è lontano da secondi. Lo sfocato, nebuloso senso del colore e dell’ombra in questo lavoro colloca lo spettatore in un momento fugace.

Nel 1863, Manet estese il suo studio del movimento su tela piatta con Le déjeuner sur l’herbe. La luce, il colore e la composizione sono gli stessi, ma aggiunge una nuova struttura alle figure dello sfondo. La donna che si piega sullo sfondo non è completamente ridimensionata come se fosse lontana dalle figure in primo piano. La mancanza di spaziatura è il metodo di Manet per creare un’istantanea, movimento quasi invasivo simile alla sua sfocatura degli oggetti in primo piano in Le Ballet Espagnol.

Edgar Degas
Si ritiene che Edgar Degas sia l’estensione intellettuale di Manet, ma più radicale per la comunità impressionista. I soggetti di Degas sono l’epitome dell’era impressionista; trova grande ispirazione nelle immagini di ballerini e corse di cavalli. I suoi “soggetti moderni” non oscurarono mai il suo obiettivo di creare arte in movimento. Nel suo pezzo del 1860 Feunes Spartiates S’exercant a la Lute, capitalizza i classici nudi impressionisti, ma espande il concetto generale. Li colloca in un paesaggio piatto e dà loro gesti drammatici, e per lui questo ha indicato un nuovo tema di “gioventù in movimento”.

Uno dei suoi lavori più rivoluzionari, L’orchestra dell’Opera (1868) interpreta forme di movimento definito e dà loro un movimento multidimensionale oltre la piattezza della tela. Posiziona l’orchestra direttamente nello spazio dello spettatore, mentre i ballerini riempiono completamente lo sfondo. Degas allude allo stile impressionista di combinare il movimento, ma quasi lo ridefinisce in un modo che raramente è stato visto alla fine del 1800. Negli anni ’70 del XIX secolo, Degas continua questa tendenza attraverso il suo amore per le corse a cavallo in opere come Voiture aux Courses (1872).

Non è stato fino al 1884 con Chevaux de Course che il suo tentativo di creare arte dinamica è venuto a buon fine. Questo lavoro fa parte di una serie di corse di cavalli e partite di polo in cui le figure sono ben integrate nel paesaggio. I cavalli e i loro proprietari sono raffigurati come se fossero stati catturati in un momento di intensa riflessione, e poi trotterellando via casualmente in altri fotogrammi. L’impressionista e la comunità artistica in generale sono rimasti molto colpiti da questa serie, ma sono rimasti scioccati quando hanno capito di aver basato questa serie su fotografie reali. Degas non è stato turbato dalle critiche alla sua integrazione della fotografia, e in realtà ha ispirato Monet a fare affidamento su tecnologie simili.

Claude Monet
Lo stile di Degas e Monet era molto simile in un certo senso: entrambi basavano la loro interpretazione artistica su una “impressione retinica” diretta per creare la sensazione di variazione e movimento nella loro arte. I soggetti o le immagini che costituivano il fondamento dei loro dipinti provenivano da una visione obiettiva del mondo. Come nel caso di Degas, molti storici dell’arte ritengono che sia l’effetto del subconscio che la fotografia ha avuto in quel periodo di tempo. Le sue opere del 1860 riflettono molti dei segni del movimento che sono visibili nel lavoro di Degas e Manet.

Nel 1875, il tocco di Monet diventa molto veloce nella sua nuova serie, a partire da Le Bateau-Atelier su Seine. Il paesaggio quasi inghiotte l’intera tela e ha abbastanza movimento che emana dalle sue inesatte pennellate che le figure fanno parte del movimento. Questo dipinto insieme a Gare Saint-Lazare (1877-1878), dimostra a molti storici dell’arte che Monet stava ridefinendo lo stile dell’epoca impressionista. L’impressionismo inizialmente è stato definito isolando colore, luce e movimento. Verso la fine degli anni settanta del XIX secolo, Monet aveva aperto la strada a uno stile che combinava tutti e tre, pur mantenendo un focus sui temi popolari dell’era impressionista. Gli artisti erano spesso così colpiti dalle pennellate esili di Monet che era più che movimento nei suoi dipinti, ma una vibrazione sorprendente.

Auguste Rodin
Auguste Rodin all’inizio fu molto impressionato dalle “opere vibranti” di Monet e dalla singolare comprensione delle relazioni spaziali di Degas. Come artista e autore di recensioni d’arte, Rodin ha pubblicato più opere a sostegno di questo stile. Affermò che il lavoro di Monet e Degas creava l’illusione che “l’arte cattura la vita attraverso una buona modellazione e movimento”. Nel 1881, quando Rodin scolpì per la prima volta e produsse le sue opere d’arte, rifiutò le sue precedenti idee. Scolpire mise Rodin in una situazione che non sentiva filosofo e nessuno avrebbe mai potuto risolvere; come possono gli artisti impartire movimento e movimenti drammatici da opere così solide come sculture? Dopo questo problema, pubblicò nuovi articoli che non attaccarono intenzionalmente uomini come Manet, Monet e Degas, ma propagarono le sue stesse teorie sul fatto che l’Impressionismo non si trattava di comunicare il movimento ma di presentarlo in forma statica.

Surrealismo del XX secolo e arte cinetica antica
Lo stile surrealista del XX secolo ha creato una facile transizione nello stile dell’arte cinetica. Tutti gli artisti ora hanno esplorato temi che non sarebbero stati socialmente accettabili per rappresentare artisticamente. Gli artisti andavano oltre la semplice pittura di paesaggi o eventi storici, e sentivano il bisogno di scavare nel mondo e nell’estremo per interpretare nuovi stili. Con il supporto di artisti come Albert Gleizes, altri artisti d’avanguardia come Jackson Pollock e Max Bill si sentirono come se avessero trovato una nuova ispirazione per scoprire stranezze che divennero il fulcro dell’arte cinetica.

Albert Gleizes
Gleizes era considerato il filosofo ideale delle arti del tardo XIX secolo e degli inizi del XX secolo in Europa, e più precisamente in Francia. Le sue teorie e trattati dal 1912 sul cubismo gli diedero una reputazione rinomata in ogni discussione artistica. Questa reputazione è ciò che gli ha permesso di agire con notevole influenza nel sostenere lo stile di plastica o il movimento ritmico dell’arte negli anni ’10 e ’20. Gleizes ha pubblicato una teoria sul movimento, che ha ulteriormente articolato le sue teorie sugli usi psicologici e artistici del movimento in concomitanza con la mentalità che emerge quando si considera il movimento. Gleizes ha affermato ripetutamente nelle sue pubblicazioni che la creazione umana implica la totale rinuncia alla sensazione esterna. Quello per lui è ciò che ha reso l’arte mobile quando a molti, incluso Rodin, era rigidamente e senza posa.

Gleizes ha innanzitutto sottolineato la necessità del ritmo nell’arte. Per lui, il ritmo significava la coincidenza visivamente piacevole delle figure in uno spazio bidimensionale o tridimensionale. Le figure dovrebbero essere distanziate matematicamente, o sistematicamente in modo che sembrino interagire l’una con l’altra. Le figure non dovrebbero avere caratteristiche troppo definite. Devono avere forme e composizioni quasi non chiare, e da lì lo spettatore può credere che le figure stesse si muovano in quello spazio ristretto. Voleva dipinti, sculture e persino le opere piatte degli artisti della metà del XIX secolo per mostrare come le figure potessero trasmettere allo spettatore che c’era un grande movimento contenuto in un certo spazio. Come filosofo, Gleizes ha anche studiato il concetto di movimento artistico e il modo in cui questo ha attratto lo spettatore. Gleizes ha aggiornato i suoi studi e pubblicazioni negli anni ’30, proprio come l’arte cinetica stava diventando popolare.

Jackson Pollock
Quando Pollock creò molte delle sue famose opere, gli Stati Uniti erano già in prima linea nel movimento artistico cinetico. I nuovi stili e metodi usati per creare i suoi pezzi più famosi gli valsero il posto negli anni ’50 come capo incontrastato dei pittori cinetici, il suo lavoro fu associato alla pittura d’azione coniata dal critico d’arte Harold Rosenberg negli anni ’50. Pollock aveva un desiderio illimitato di animare ogni aspetto dei suoi dipinti. Pollock ripeteva a se stesso: “Sono in ogni dipinto”. Ha usato strumenti che la maggior parte dei pittori non userebbe mai, come bastoncini, cazzuole e coltelli. Le forme che creava erano quelle che pensava fossero “oggetti belli e irregolari”.

Questo stile si è evoluto nella sua tecnica a goccia. Pollock prese ripetutamente secchi di vernice e pennelli e li gettò in giro finché la tela non fu coperta da linee ondulate e tratti irregolari. Nella fase successiva del suo lavoro, Pollock ha testato il suo stile con materiali non comuni. Dipinse la sua prima opera con vernice di alluminio nel 1947, intitolato Cathedral e da lì provò i suoi primi “spruzzi” per distruggere l’unità del materiale stesso. Credeva sinceramente che stava liberando i materiali e la struttura dell’arte dai loro confini forzati, ed è così che arrivò all’arte in movimento o cinetica che è sempre esistita.

Max Bill
Max Bill divenne un discepolo quasi completo del movimento cinetico negli anni ’30. Credeva che l’arte cinetica dovesse essere eseguita da una prospettiva puramente matematica. Per lui, usare i principi e le interpretazioni della matematica era uno dei pochi modi in cui si poteva creare un movimento oggettivo. Questa teoria si applicava ad ogni opera d’arte che ha creato e a come l’ha creata. Bronzo, marmo, rame e ottone erano quattro dei materiali che usava nelle sue sculture. Gli piaceva anche ingannare gli occhi dello spettatore quando per la prima volta si avvicinò a una delle sue sculture. Nella sua costruzione con Suspended Cube (1935-1936) ha creato una scultura mobile che generalmente sembra avere una perfetta simmetria, ma una volta che l’osservatore lo guarda da una diversa angolazione, ci sono aspetti di asimmetria.

Mobiles e scultura
Le sculture di Max Bill erano solo l’inizio dello stile di movimento esplorato dalla cinetica. Tatlin, Rodchenko e Calder in particolare hanno preso le sculture stazionarie del 20esimo secolo e hanno dato loro la minima libertà di movimento. Questi tre artisti hanno iniziato a testare movimenti imprevedibili, e da lì hanno cercato di controllare il movimento delle loro figure con miglioramenti tecnologici. Il termine “mobile” deriva dalla capacità di modificare il modo in cui la gravità e le altre condizioni atmosferiche influenzano il lavoro dell’artista.

Anche se c’è una minima distinzione tra gli stili dei cellulari nell’arte cinetica, c’è una distinzione che può essere fatta. I cellulari non sono più considerati cellulari quando lo spettatore ha il controllo sul movimento. Questa è una delle caratteristiche del movimento virtuale. Quando il pezzo si muove solo in determinate circostanze che non sono naturali, o quando lo spettatore controlla il movimento anche leggermente, la figura opera in movimento virtuale.

I principi dell’arte cinetica hanno anche influenzato l’arte del mosaico. Per esempio, i pezzi di mosaico influenzati dalla cinetica usano spesso chiare distinzioni tra piastrelle luminose e scure, con forme tridimensionali, per creare ombre e movimenti apparenti.

Tatlin
Vladimir Tatlin è considerato da molti artisti e storici dell’arte come il primo a completare una scultura mobile. Il termine mobile non è stato coniato fino all’epoca di Rodchenko, ma è molto applicabile al lavoro di Tatlin. Il suo cellulare è una serie di rilievi sospesi che hanno bisogno solo di un muro o di un piedistallo e rimarranno per sempre sospesi. Questo primo mobile, Contre-Reliefs Liberes Dans L’espace (1915) è considerato un lavoro incompleto. Era un ritmo, molto simile agli stili ritmici di Pollock, che faceva affidamento sull’incastro matematico di piani che creavano un’opera liberamente sospesa nell’aria.

Tatlin non ha mai pensato che la sua arte fosse un oggetto o un prodotto che necessitava di un inizio chiaro o di una fine chiara. Sentiva sopra ogni cosa che il suo lavoro era un processo in evoluzione. Molti artisti con cui ha fatto amicizia considerano il cellulare veramente completo nel 1936, ma è in disaccordo con veemenza.

Rodchenko
Alexander Rodchenko, uno degli amici di Tatlin che ha insistito che il suo lavoro era completo, ha continuato lo studio dei cellulari sospesi e ha creato quello che considerava “non oggettivistico”. Questo stile era uno studio meno focalizzato sul mobile che su dipinti su tela e oggetti che erano immutabili. Si concentra sulla giustapposizione di oggetti di materiali e trame diversi come un modo per stimolare nuove idee nella mente dello spettatore. Creando discontinuità con il lavoro, lo spettatore ha assunto che la figura si stesse spostando dalla tela o dal supporto a cui era limitata. Una delle sue opere su tela intitolata Dance, a Objectless Composition (1915) incarna il desiderio di mettere insieme oggetti e forme di diverse trame e materiali per creare un’immagine che attirasse l’attenzione dello spettatore.

Tuttavia, negli anni ’20 e ’30, Rodchenko trovò un modo per incorporare le sue teorie sul non oggettivismo nello studio mobile. Il suo pezzo sospeso del 1920 è un mobile in legno che pende da qualsiasi soffitto con una corda e ruota in modo naturale. Questa scultura mobile ha cerchi concentrici che esistono in diversi piani, ma l’intera scultura ruota solo orizzontalmente e verticalmente.

Calder
Alexander Calder è un artista che molti credono di aver definito fermamente ed esattamente lo stile dei cellulari nell’arte cinetica. In anni di studio dei suoi lavori, molti critici sostengono che Calder sia stato influenzato da un’ampia varietà di fonti. Alcuni sostengono che i windbells cinesi fossero oggetti che assomigliavano strettamente alla forma e all’altezza dei suoi primi cellulari. Altri storici dell’arte sostengono che i cellulari degli anni ’20 di Man Ray, incluso Shade (1920), influenzarono direttamente la crescita dell’arte di Calder.

Quando Calder ha sentito parlare di queste affermazioni, ha immediatamente ammonito i suoi critici. “Non sono mai stato e non sarò mai prodotto da qualcosa di più di me stesso.La mia arte è la mia, perché preoccuparsi di affermare qualcosa sulla mia arte che non è vero?” Uno dei primi cellulari di Calder, Mobile (1938) fu il lavoro che “dimostrò” a molti storici dell’arte che Man Ray aveva un’influenza evidente sullo stile di Calder. Sia Shade che Mobile hanno una singola corda attaccata a una parete o una struttura che la mantiene in aria. Le due opere hanno una caratteristica increspata che vibra quando l’aria lo attraversa.

Indipendentemente dalle ovvie somiglianze, lo stile di Calder dei cellulari ha creato due tipi che sono ora indicati come lo standard nell’arte cinetica. Ci sono oggetti-cellulari e cellulari sospesi. Gli oggetti mobili su supporti sono disponibili in una vasta gamma di forme e dimensioni e possono spostarsi in qualsiasi modo. I mobili sospesi sono stati fatti per la prima volta con vetro colorato e piccoli oggetti di legno appesi a fili lunghi. I cellulari oggetto erano una parte dello stile emergente di cellulari di Calder che erano in origine sculture stazionarie.

Si può argomentare, basandosi sulla loro forma e posizione simili, che i primi oggetti mobili di Calder hanno ben poco a che fare con l’arte cinetica o l’arte in movimento. Negli anni Sessanta, la maggior parte dei critici d’arte credeva che Calder avesse perfezionato lo stile dei cellulari oggetto in creazioni come Cat Mobile (1966). In questo pezzo, Calder consente alla testa e alla coda del gatto di essere soggetta a movimenti casuali, ma il suo corpo è stazionario. Calder non ha iniziato la moda dei cellulari sospesi, ma è stato l’artista che è diventato famoso per la sua apparente originalità nella costruzione mobile.

Uno dei suoi primi cellulari sospesi, McCausland Mobile (1933), è diverso da molti altri cellulari contemporanei semplicemente a causa delle forme dei due oggetti. La maggior parte degli artisti mobili come Rodchenko e Tatlin non avrebbero mai pensato di utilizzare tali forme perché non sembravano malleabili o persino lontanamente aerodinamiche.

Nonostante il fatto che Calder non abbia divulgato la maggior parte dei metodi che ha usato per creare il suo lavoro, ha ammesso di aver usato delle relazioni matematiche per crearli. Ha solo detto di aver creato un cellulare bilanciato usando proporzioni di variazione diretta di peso e distanza. Le formule di Calder sono cambiate con ogni nuovo cellulare che ha realizzato, quindi altri artisti non potrebbero mai imitare esattamente il lavoro.

Movimento virtuale
Negli anni ’40, i nuovi stili di cellulari e molti tipi di sculture e dipinti incorporavano il controllo dello spettatore. Artisti come Calder, Tatlin e Rodchenko hanno prodotto più arte negli anni ’60, ma erano anche in competizione con altri artisti che si rivolgevano a un pubblico diverso. Quando artisti come Victor Vasarely svilupparono nella loro arte alcune delle prime caratteristiche del movimento virtuale, l’arte cinetica affrontò pesanti critiche. Questa critica si è protratta per anni fino agli anni ’60, quando l’arte cinetica era in un periodo dormiente.

Materiali ed elettricità
Vasarely creò molte opere che furono considerate interattive negli anni ’40. Uno dei suoi lavori, Gordes / Cristal (1946) è una serie di figure cubiche che sono anche alimentate elettricamente. Quando ha mostrato queste figure per la prima volta a fiere e mostre d’arte, ha invitato le persone fino alle forme cubiche per premere l’interruttore e avviare il colore e lo spettacolo di luci. Il movimento virtuale è uno stile di arte cinetica che può essere associato ai cellulari, ma da questo stile di movimento esistono due distinzioni più specifiche dell’arte cinetica.

Movimento apparente e arte op
Il movimento apparente è un termine attribuito all’arte cinetica che si è evoluta solo negli anni ’50. Gli storici dell’arte ritenevano che qualsiasi tipo di arte cinetica che fosse mobile indipendentemente dallo spettatore avesse un movimento apparente. Questo stile include opere che vanno dalla tecnica a goccia di Pollock fino al primo cellulare di Tatlin. Negli anni ’60, quando altri storici dell’arte svilupparono la frase “op art” per riferirsi alle illusioni ottiche e a tutte le arti otticamente stimolanti che erano su tela o stazionarie. Questa frase spesso si scontra con alcuni aspetti dell’arte cinetica che includono i telefoni generalmente stazionari.

Nel 1955, per la mostra Mouvements alla galleria Denise René di Parigi, Victor Vasarely e Pontus Hulten promossero nel loro “Manifesto giallo” alcune nuove espressioni cinetiche basate su fenomeni ottici e luminosi oltre a dipingere illusionismo. L’espressione “arte cinetica” in questa forma moderna apparve per la prima volta al Museum für Gestaltung di Zurigo nel 1960 e trovò i suoi principali sviluppi negli anni ’60. Nella maggior parte dei paesi europei, generalmente includeva la forma dell’arte ottica che fa principalmente uso di illusioni ottiche, come l’op art, rappresentata da Bridget Riley, così come l’arte basata sul movimento rappresentato da Yacov Agam, Carlos Cruz-Diez, Jesús Rafael Soto, Gregorio Vardanega o Nicolas Schöffer. Dal 1961 al 1968, GRAV (Groupe de Recherche d’Art Visuel) fondato da François Morellet, Julio Le Parc, Francisco Sobrino, Horacio Garcia Rossi, Yvaral, Joël Stein e Vera Molnár era un gruppo collettivo di artisti opto-cinetici. Secondo il suo manifesto del 1963, GRAV si appellò alla partecipazione diretta del pubblico con un’influenza sul suo comportamento, in particolare attraverso l’uso di labirinti interattivi.

Nel novembre 2013, il Museo del MIT ha aperto 5000 Moving Parts, una mostra di arte cinetica, con opere di Arthur Ganson, Anne Lilly, Rafael Lozano-Hemmer, John Douglas Powers e Takis. La mostra inaugura un “anno di arte cinetica” al Museo, con una programmazione speciale legata alla forma d’arte.

L’arte neocinetica è popolare in Cina, dove è possibile trovare sculture cinetiche interattive in molti luoghi pubblici, tra cui il Wuhu International Sculpture Park e a Pechino.

Allo stesso modo, in futuro, “l’arte cinetica” è un genere in cui i confini dell’arte diventano ambigui e si prevede un’estensione costante. In particolare nel campo dell’installazione, il lavoro di Nam Jung Pike che ha usato la candela accesa così com’è, le opere di Yukinori Yanagi che apprezza le “forme” in cui vivono le formiche scavando il nido, ha fatto una polemica con il pesce marcio come un’opera Non è raro fare un singolo movimento “movimento” come Lee Bul e non è più prevedibile come l’idea di “movimento” nelle opere d’arte si espanderà in futuro.