La pittura di Kalighat o Kalighat Pat ebbe origine nel Bengala del XIX secolo, nelle vicinanze del Kalighat Kali Temple, Kalighat, Kolkata, India, e da oggetti di souvenir presi dai visitatori del tempio di Kali, i dipinti per un periodo di tempo si svilupparono come una scuola distinta di pittura indiana. Dalla raffigurazione di divinità indù, dio e altri personaggi mitologici, i dipinti di Kalighat si svilupparono per riflettere una varietà di temi.

Storia
Nel diciannovesimo secolo, l’unica scuola di pittura che stava fiorendo in Bengala era l’arte tradizionale delle pitture di pergamena che era popolare nelle aree rurali. Questi dipinti sono stati fatti su tela o su patas. Rappresentavano immagini convenzionali di divinità e dee e scene di epopea come Rama charita manas di Tulsidas. Gli artisti erano abitanti del villaggio che viaggiavano da un posto all’altro con le loro pergamene e cantavano le scene delle epopee raffigurate nei dipinti durante le riunioni del villaggio e le varie feste. Si diceva che questi artisti, chiamati “patuas” o “pittori in stoffa”, fossero metà indù e metà musulmani e praticassero l’Islam.

Gli inglesi: come patroni di quest’arte
Nel frattempo, gli inglesi, essendosi stabiliti nel paese, iniziarono politicamente a manifestare interesse per l’arte, la letteratura e la musica. Istituirono istituzioni che impartirono uno stile europeo di formazione accademica agli artisti indiani. La Calcutta School of Art era una di queste scuole e attrasse artisti tradizionali, le patuas, per la città. Inizialmente questi artisti erano concentrati attorno al tempio di Kalighat dove c’era una richiesta di arte religiosa. Gradualmente, hanno iniziato a imparare dalle nuove tecniche e hanno scoperto che questi potevano aiutarli ad aumentare i loro guadagni. Hanno iniziato a creare nuove forme d’arte e il dipinto di Kalighat è nato.

Kalighat orientale e occidentale
La Kalighat School era una miscela piacevole e unica di due diversi stili di pittura, l’orientale e l’occidentale, e guadagnava costantemente popolarità. Tra le divinità dipinte dagli artisti di Kalighat, la dea Kali era una delle preferite. Anche le immagini di Durga, Lakshmi e Annapurna erano popolari, specialmente durante il festival Durga Puja. Gli artisti hanno anche interpretato temi come Sita-Rama, Radha-Krishna e le gesta di Hanuman. Un altro tema raffigurato, caro all’ethos bengalese, era quello di Chaitanya Mahaprabhu e dei suoi discepoli. Ma gli artisti di Kalighat non si sono limitati a temi religiosi. I loro dipinti raffiguranti diverse professioni e costumi erano anche popolari tra i turisti. Anche eventi contemporanei come il crimine sono stati oggetto di molti dipinti. Gli artisti hanno anche scelto di ritrarre temi e personalità secolari e nel processo hanno avuto un ruolo nel movimento indipendentista. Dipinsero personaggi eroici come Tipu Sultan e Rani Lakshmibai.

Catturare la vita quotidiana
Un risultato importante degli artisti di Kalighat fu che essi realizzarono semplici dipinti e disegni, che potevano essere facilmente riprodotti dalla litografia. Tali stampe erano quindi colorate a mano. Questa tendenza continuò fino alla prima parte del XX secolo e questi dipinti finirono in musei e collezioni private. Il fascino dei dipinti di Kalighat risiede nel fatto che hanno catturato l’essenza della vita quotidiana e influenzano artisti moderni come il defunto Jamini Roy fino ad oggi.

I dipinti oi disegni in stile Kalighat furono fatti su carta, e gli artisti che si dedicarono alla realizzazione di questi disegni furono chiamati “patuas” (pittori tradizionali del Bengala che viaggiarono di città in villaggio con rotoli di carta che avevano dipinto e spiegarono come la storia è stato cantato agli abitanti). I dipinti furono venduti attorno al famoso tempio Khaligat, tra il XIX e l’inizio del XX secolo.

La data di nascita di questo stile non è nota esattamente, ma per il tipo di carta usata e per i primi dipinti acquistati dagli europei, è possibile concludere che è dovuto iniziare poco dopo la costruzione dell’attuale tempio negli anni ’30 del il diciannovesimo secolo.

Tra il 1880 e il 1890, i disegni delle aedas erano molto popolari e la maggior parte di quelli che si possono vedere nei musei sono più o meno di questo periodo.

Presenza nei musei
Il museo che ha il maggior numero di disegni di questo tipo è il Victory and Albert Museum di Londra, che costituisce la più grande collezione al mondo di questi dipinti, per un totale di 645 originali.

Inoltre, la Bodleian Library of Oxford ne ha 110; il Museo Gurasaday, Calcutta, 70; il Museo Pushkin a Mosca, 62, e il Museo di Archeologia e Antropologia dell’Università di Philadelphia, 57; e puoi ancora trovare altri musei, sparsi in tutto il mondo, che hanno piccole collezioni di questi acquerelli.