Il tema del padiglione argentino è “La ribellione della forma” ， Creato dall’artista Juan Carlos Distéfano. Il padiglione aveva un assemblaggio di 29 sculture a misura d’uomo allineate magnificamente per costituire la mostra La Rebeldía de la Forma (che significa L’insurrezione della forma). Ogni scultura rappresenta una serie di esperienze e condizioni umane profonde; alcuni erano sospesi in aria e altri sospesi a metà strada attraverso una caduta. Le sculture sembravano avere espressioni apatiche sui loro volti. Il significato delle opere d’arte sono rappresentazioni di storie della storia argentina. Altri sono un commento sulla condizione umana e su questioni come la violenza e l’ingiustizia sociale.

Con la faccia sollevata verso il cielo, La portadora de la palabra [Il portatore di parole] tiene Summa di Thomas Aquinas contro il suo petto mentre alza il palmo in un gesto sia cauto che rivelatore. Incastonato nella sua carne, nella materia stessa, porta i segni della storia, l’intensità della memoria. Forse perché, come sottolinea Hannah Arendt, “le probabilità che il domani sarà come ieri sono sempre schiaccianti”, questo simbolo contemporaneo ci avvisa solennemente di possibili futuri. L’arte di Juan Carlos Distéfano è, quindi, una riflessione sulla condizione umana. In esso, il corpo / i corpi sono un terreno privilegiato dell’esperienza. Le sue figure prendono il volo o si stringono in tensioni e cadute, alterando il loro rapporto con spazio e materia. Nel suo Kinderspelen, Distéfano sembra aver ammesso la densità dei corpi mentre i giocatori di quell’infanzia hanno rivissuto aggrapparsi alla terra e frantumarsi, appropriandosi dello spazio esteso, progettando campi da gioco nelle terre desolate mentre le vere e proprie armi da fuoco sono incarnate nella materia.

La prima mostra di Distéfano si tenne negli anni sessanta; le sue opere, a quel tempo, erano chiamate “espressioni attuali che superano i limiti della sua disciplina”. Fu immediatamente selezionato per partecipare alla IX Biennale di São Pablo, dove alcune sue opere furono censurate per ragioni “morali”; alla fine è stato esposto solo perché altri artisti hanno protestato per solidarietà. Le sue opere facevano parte della scena artistica latinoamericana in momenti storici caratterizzati da ciò che il filosofo argentino Oscar Terán ha definito le quattro anime del periodo: “l’anima senza senso di Beckett, l’anima Kennedy dell’Alleanza per il Progresso, l’anima del fiore di Lennon potere, l’anima di Che Guevara dell’insurrezione rivoluzionaria “.

Dalle illusioni trasformative degli anni sessanta e settanta, seguite da uno dei periodi più sanguinosi della storia argentina a partire dal 1976 e dal successivo ritorno della democrazia nel 1984, l’arte di Distéfano ha costantemente affrontato questioni di storia e memoria. La storia e la memoria argentina, certamente, ma sappiamo anche che la questione del trauma – l’olocausto è la misura universale del trauma storico – è precisamente il punto in cui i popoli del mondo si riconoscono e / o si attivano, sulla base dell’arte, delle proprie esperienze, contaminando quel riferimento originale che viene ad agire come metafora di altri traumi storici e dei loro ricordi. Forse, tornando ad Arendt, lo fanno per attivare le operazioni che consentono l’impegno con il futuro.

Biografia
Juan Carlos Distéfano (nato il 29 agosto 1933 a Buenos Aires) è uno scultore argentino, vincitore del premio Konex Platinum del 1982 per la scultura figurativa e marito di Griselda Gambaro. Nel 1992 ha ricevuto il Konex de Brillante come personalità più rilevante delle arti visive nell’ultimo decennio in Argentina

La sua vita
È nato a Villa Celina, Buenos Aires, il 29 agosto 1933. Ha studiato all’Escuela Nacional de Artes Gráficas №9 e all’Escuela Nacional de Bellas Artes Manuel Belgrano a Buenos Aires.

Tra il 1960 e il 1970 è direttore grafico del Visual Arts Center dell’Instituto Di Tella. Dal 1968 si dedica alla scultura con una spiccata articolazione tra le sue opere scultoree e i suoi dipinti.

Ha vinto la borsa di studio Francisco Romero assegnata dalla National Endowment for the Arts e dall’ambasciata italiana in Argentina nel 1970. Nel 1976 ha abbandonato la progettazione grafica per dedicarsi esclusivamente alla scultura.

Nel 1977 (dopo il colpo di stato militare in Argentina) si stabilì in Spagna.

Sposato dal 1955 con Griselda Gambaro, deve andare in esilio a causa del divieto del romanzo di sua moglie “Winning Death” da parte della dittatura militare argentina. Ha vissuto in Spagna tra il 1977 e il 1980.

Nel 1982 merita il premio Konex Platinum for Figurative Sculpture e nel 1992 il Konex of Brilliant for the Visual Arts.

Il suo lavoro
Distéfano, insieme a Rubén Fontana, definì l’immagine grafica dell’Instituto Di Tella negli anni ’60, quando era situata in un punto centrale della cultura argentina.

Il critico Fabián Lebenglik ha menzionato di Distéfano:

Il centro delle sue riflessioni è l’incrocio tra corpo e violenza. Nelle sue opere, il corpo umano modula colpi di scena, scarichi, stiramenti, contrazioni, si espande e si confonde con gli oggetti, costretti da diverse classi e gradi di violenza. Sono corpi attraversati (e arruolati) dal dolore della violenza sociale e politica che caratterizza la storia cosciente e sanguinosa dell’Argentina.

È autore di poca produzione a causa del tipo di procedura tecnica che utilizza, suddivisa in diversi passaggi lenti e ingombranti. All’inizio era un pittore e si trovava all’interno della neofigurazione rispondendo ai modelli baconiani. Secondo Hugo Monzón:

Nel nostro artista, le forme abitate, come il pittore inglese, spazi di natura quasi abissale, al confine con il vuoto, e erano prevalentemente curve, con la tendenza a racchiudere la figura all’interno di limiti netti, di plastica, solo nel suo caso quei contorni corrispondevano a un modellamento interno scultoreo a cui il colore era subordinato

Fu un altro risultato della nuova figurazione del tempo, amante delle relazioni insolite, dei tagli bruschi, delle miscele esplosive

Ha influenze sull’arte latinoamericana, in particolare le sculture coloniali in stile europeo rinascimentale e l’arte egizia, etrusca, azteca e artisti come Lorenzetti, Brueghel, Signorelli e Van Gogh.

Riconosce le influenze del gruppo CoBrA, dell’inglese Alan Davie e di questo movimento neo-figurativo di Ernesto Deira, Rómulo Macció, Luis Felipe Noé e Jorge de la Vega, ma ha sempre lavorato da solo senza sposare alcun gruppo o tendenza. Il suo neo-figurativismo non è surreale.
I temi delle sculture di Distéfano sono il dolore fisico dato agli altri, la violenza, l’animalità dell’uomo predatore, la tortura – in chiara allusione alla dittatura argentina tra il 1976 e il 1983 -, storie bibliche sugli spiriti malvagi torturati, la crocifissione, forme ignomini di tortura, la discesa dell’anima torturata all’inferno, tragici destini, il dramma dei dannati senza causa.

Tutte le sue opere trasmettono un sentimento soffocante, uno stato opprimente, un effetto di compressione.

Distruzione e orrore, disprezzo e degrado, ferocia e terrore prevalgono in loro. Ma non è il caos che regna, anzi il contrario: un rigoroso ordine geometrico con alterazioni di distanza, posizione e scala.

La figura umana nuda, sottoposta a strutture che la schiacciano e la comprimono, porta brutali tensioni alla lacrima. Questa figura depressa, sofferente, inginocchiata, umiliata, mai in piedi è la protagonista di queste opere di bellezza? convulso e ripugnante.

Personaggi contorti con espressioni dolorose, posizioni lacerate, fetali, scomode e traumatiche, figure rimpicciolite, patetiche, terrificanti e terrorizzate, cadenti, distesi, sospesi, seduti e legati con totale assenza di libertà. Corpi pelati, smembrati, esplosi e disintegrati.
Gli esseri umani che hanno perso la loro identità, gli occhi che non guardano, gli esseri che soffrono di dolore che provengono dall’estero e sono in uno stato di allerta permanente.

Contrazioni, menzogne, contorte, non protette, vulnerabili ed esposte a condizioni meteorologiche avverse e uomini: acqua impenetrabile, paludosa e fumo rigido che affogano, viscosità di liquidi inquietanti, gradini di scale che si aprono nell’abisso.

Tra i suoi temi compaiono combattimenti feroci, rivolte razziali, maschere della morte, massacri, omicidi, disastri, iniquità, stupri e genocidi.

Le sue opere sono permanentemente esposte in:

Parco della memoria di Buenos Aires
MALBA
Museo Nazionale delle Belle Arti
Ambasciata italiana
National Endowment for the Arts negli Stati Uniti
Museo di arte moderna del Cile
Collezioni private in Svizzera

Tecnica artistica
Prima stampo in argilla, ottenere lo stampo in gesso e poi passarlo al poliestere dipingendolo con smalto epossidico. Secondo Jorge Glusberg, direttore del Museo Nazionale di Belle Arti di Buenos Aires nel 1998, la materializzazione di un’opera di Distéfano consiste in tre fasi:

“In primo luogo, i dipinti a rilievo, realizzati in poliestere rinforzato con lana di vetro, su una tela, supporto in legno pressato o acciaio inossidabile; il tipo di pittura utilizzato era tempera o acrilico grasso. Quindi le sculture iniziali, fatte di poliestere uniformemente colorato, rinforzate con lana di vetro, parzialmente dipinta con vernice a base di resina epossidica, il che significava aggiungere la vernice. Infine, le sculture finali, un prodotto di una soluzione più significativa – secondo l’artista – rispetto al metodo di aggiunta di vernice. Ora il colore, che è la resina poliestere, è la prima cosa che viene applicata nello stampo, dipingendo all’indietro, proprio come se dipingesse un vetro; vale a dire, all’inizio viene dipinto ciò che apparirà di fronte, quindi ciò che segue dietro e così via, dando tanti strati quante tonalità ha la scultura, fino a una o due tonalità di base; quindi il laminato viene eseguito. Pertanto, la forma include il colore. Il sistema espressivo di Distéfano viene così risolto in un amalgama di pittura e scultura; se ti piace, il artista w ent da dipinti scolpiti a sculture dipinte, dal volume iniziale al volume dichiarato, dallo spazio pittorico allo spazio generale. ”

Nelle parole dello stesso Distéfano:
“Penso che l’arte abbia a che fare fondamentalmente con il desiderio, ancora di più, direi con l’erotico. Fare un’opera d’arte è rispondere a una spinta erotica. In me, il lavoro non è mai un processo speculativo; non esiste un programma per svolgere il lavoro. Lavoro all’impulso, per infatuazione “.

Più:
“Il virtuosismo non mi interessa minimamente, niente. È solo una dimostrazione di abilità, e l’abilità, in relazione all’arte, è ridotta alla categoria dell’esercizio del circo”.

È uno dei pochi scultori che consente al pubblico di toccare le sue sculture per connettersi con loro accarezzando i contorni.

La mostra:

Opere esposte:

Telaraña II, 1974 (Spider Web II)
Icaro I (1978)
Ad un certo punto II
The Enlightened II
Uninterrupted Action III (1998)
La colomba a terra a Buenos Aires. Omaggio a Gómez Cornet II (2008)

Biennale di Venezia 2015
La Biennale d’Arte 2015 chiude una sorta di trilogia iniziata con la mostra curata da Bice Curiger nel 2011, Illuminazioni, e proseguita con il Palazzo Enciclopedico di Massimiliano Gioni (2013). Con All The World Futures, La Biennale prosegue la sua ricerca su riferimenti utili per esprimere giudizi estetici sull’arte contemporanea, una questione “critica” dopo la fine dell’arte d’avanguardia e “non artistica”.

Attraverso la mostra curata da Okwui Enwezor, La Biennale torna a osservare il rapporto tra arte e sviluppo della realtà umana, sociale e politica, nella pressione di forze e fenomeni esterni: i modi in cui, cioè, le tensioni dell’esterno il mondo sollecita le sensibilità, le energie vitali ed espressive degli artisti, i loro desideri, i movimenti dell’anima (il loro canto interiore).

La Biennale di Venezia è stata fondata nel 1895. Paolo Baratta è stato presidente dal 2008, e prima ancora dal 1998 al 2001. La Biennale, che è all’avanguardia nella ricerca e promozione di nuove tendenze dell’arte contemporanea, organizza mostre, festival e ricerche in tutti i suoi settori specifici: Arts (1895), Architecture (1980), Cinema (1932), Dance (1999), Music (1930) e Theater (1934). Le sue attività sono documentate presso l’Archivio storico delle arti contemporanee (ASAC) che recentemente è stato completamente rinnovato.

Il rapporto con la comunità locale è stato rafforzato attraverso attività didattiche e visite guidate, con la partecipazione di un numero crescente di scuole venete e non solo. Questo diffonde la creatività sulla nuova generazione (3.000 insegnanti e 30.000 studenti coinvolti nel 2014). Queste attività sono state supportate dalla Camera di commercio di Venezia. È stata inoltre istituita una collaborazione con università e istituti di ricerca che organizzano tour speciali e soggiorni nelle mostre. Nel triennio 2012-2014, 227 università (79 italiane e 148 internazionali) hanno aderito al progetto Sessioni della Biennale.

In tutti i settori ci sono state maggiori opportunità di ricerca e produzione rivolte alle giovani generazioni di artisti, direttamente in contatto con insegnanti di fama; questo è diventato più sistematico e continuo attraverso il progetto internazionale Biennale College, attualmente in corso nelle sezioni Danza, Teatro, Musica e Cinema.