James Abbott McNeill Whistler era un artista di origini britanniche, di origine americana, attivo durante l’americana Gilded Age. Era avverso al sentimentalismo e allusione morale nella pittura, ed era uno dei principali sostenitori del credo “arte per l’arte”. La sua famosa firma per i suoi dipinti era nella forma di una farfalla stilizzata che possedeva un lungo pungiglione per una coda. Il simbolo era adatto, poiché combinava entrambi gli aspetti della sua personalità – la sua arte era caratterizzata da una sottile delicatezza, mentre il suo personaggio pubblico era combattivo. Trovando un parallelo tra pittura e musica, Whistler ha intitolato molti dei suoi dipinti “arrangiamenti”, “armonie” e “notturni”, sottolineando il primato dell’armonia tonale. Il suo dipinto più famoso è “Arrangement in Grey and Black No. 1”, comunemente noto come Whistler’s Mother, il ritratto riverito e spesso parodiato della maternità. Whistler influenzò il mondo dell’arte e la cultura più ampia del suo tempo con le sue teorie artistiche e le sue amicizie con artisti e scrittori di spicco.

James Abbott McNeill Whistler
James Abbott McNeill Whistler (10 luglio 1834 – 17 luglio 1903) è stato un artista americano, attivo durante l’americana Gilded Age e basato principalmente nel Regno Unito. Era avverso al sentimentalismo e allusione morale nella pittura, ed era uno dei principali sostenitori del credo “arte per l’arte”. La sua famosa firma per i suoi dipinti era nella forma di una farfalla stilizzata che possedeva un lungo pungiglione per una coda. Il simbolo era adatto, poiché combinava entrambi gli aspetti della sua personalità – la sua arte era caratterizzata da una sottile delicatezza, mentre il suo personaggio pubblico era combattivo. Trovando un parallelo tra pittura e musica, Whistler ha intitolato molti dei suoi dipinti “arrangiamenti”, “armonie” e “notturni”, sottolineando il primato dell’armonia tonale. Il suo dipinto più famoso è “Arrangiamento in grigio e nero n. 1” (1871), comunemente noto come la madre di Whistler, il ritratto venerato e spesso parodiato della maternità. Whistler influenzò il mondo dell’arte e la cultura più ampia del suo tempo con le sue teorie artistiche e le sue amicizie con artisti e scrittori di spicco.

Primi anni di vita
Nuova Inghilterra
James Abbott Whistler è nato a Lowell, Massachusetts, il 10 luglio 1834, il primo figlio di Anna Matilda McNeill e George Washington Whistler. Suo padre era un ingegnere ferroviario e Anna era la sua seconda moglie. James visse i primi tre anni della sua vita in una modesta casa al 243 di Worthen Street a Lowell. Oggi la casa è un museo dedicato a Whistler. Durante il processo di Ruskin, Whistler dichiarò San Pietroburgo, in Russia, come la sua città natale, dichiarando: “Io nascerò quando e dove voglio, e non scelgo di nascere a Lowell”.

Nel 1837, i Whistler si trasferirono da Lowell a Stonington, nel Connecticut, dove George Whistler lavorava per la Stonington Railroad. Purtroppo, durante questo periodo, tre dei figli di George e Anna Whistlers morirono durante l’infanzia.

Nel 1839, le fortune dei Whistler migliorarono notevolmente quando George Whistler ricevette l’incarico che avrebbe fatto la sua fortuna e la sua fama – quella di capo ingegnere per la Boston & amp; Albany Railroad. Così, la famiglia si trasferì a Springfield, nel Massachusetts, allora una delle città più prospere degli Stati Uniti, dove costruirono una villa in un quartiere elegante. (La Whistler Mansion, come venne chiamata, si trovava all’angolo tra Chestnut e Edwards Street a Springfield, dove attualmente si trova il Wood Museum of History.) I Whistler vivevano a Springfield finché non lasciarono gli Stati Uniti verso la fine del 1842.

Nicola I di Russia apprese dell’ingegnosità di George Whistler nell’ingegneria della Boston & amp; Albany Railroad, e offrì a Whistler una posizione nel 1842 progettando una ferrovia da San Pietroburgo a Mosca. Nell’inverno del 1842 i Whistler si trasferirono da Springfield a San Pietroburgo.

Negli anni successivi, James Whistler interpretò la connessione della madre con il Sud Americano e le sue radici e si presentò come un impoverito aristocratico meridionale (anche se non è chiaro fino a che punto abbia veramente simpatizzato con la causa meridionale durante la guerra civile americana). Dopo la sua morte, ha adottato il suo nome da nubile, usandolo come un secondo nome secondario. Il giovane Whistler era un bambino lunatico, incline a irritazione e insolenza, che dopo periodi di cattiva salute spesso si trascinava in periodi di pigrizia. I suoi genitori scoprirono nella sua prima giovinezza che il disegno spesso lo sistemava e aiutava a focalizzare la sua attenzione.

Russia e Inghilterra
A partire dal 1842, suo padre fu assunto per lavorare in una ferrovia in Russia. Dopo essersi trasferito a San Pietroburgo per unirsi a suo padre un anno dopo, il giovane Whistler ha preso lezioni private d’arte, per poi iscriversi all’Accademia Imperiale delle Belle Arti all’età di undici anni. La giovane artista ha seguito il tradizionale curriculum di disegno da calchi in gesso e occasionali modelli dal vivo, si è divertita nell’atmosfera del dialogo artistico con i coetanei più grandi e ha soddisfatto i suoi genitori con un marchio di prim’ordine in anatomia. Nel 1844, incontrò il famoso artista Sir William Allan, che venne in Russia con una commissione per dipingere una storia della vita di Pietro il Grande. La madre di Whistler ha annotato nel suo diario, “il grande artista mi ha osservato” Il tuo bambino ha un genio insolito, ma non esortarlo oltre la sua inclinazione. ”

Nel 1847-48, la sua famiglia trascorse un po ‘di tempo a Londra con i parenti, mentre suo padre rimase in Russia. Il cognato di Whistler, Francis Haden, un medico che era anche un artista, stimolò il suo interesse per l’arte e la fotografia. Haden prese Whistler per visitare i collezionisti e le conferenze, e gli diede un set di acquerelli con istruzioni. Whistler stava già immaginando una carriera artistica. Cominciò a collezionare libri sull’arte e studiò le tecniche di altri artisti. Quando il suo ritratto fu dipinto da Sir William Boxall nel 1848, il giovane Whistler esclamò che il ritratto era “molto simile a me e ad un’immagine molto bella.” Mr. Boxall è un bellissimo colorista … È una bella superficie cremosa e sembra così ricca “. Nel suo entusiasmo fiorente per l’arte, a quindici anni, informò il padre con una lettera della sua futura direzione: “Spero, caro padre, non ti opporrai alla mia scelta”. Suo padre, tuttavia, morì di colera a quarantanove anni, e la famiglia Whistler tornò nella città natale di sua madre, a Pomfret, nel Connecticut. I suoi progetti artistici sono rimasti vaghi e il suo futuro incerto. La famiglia viveva in modo frugale e riusciva a sopravvivere con un reddito limitato. Suo cugino riferiva che Whistler in quel momento era “leggero, con un viso pensoso e delicato, ombreggiato da morbidi riccioli marroni … aveva un aspetto e un modo un po straniero, che, aiutato da abilità naturali, lo rendeva molto affascinante, anche a quell’età “.

punto ad Ovest
Whistler fu mandato alla Christ Church Hall School con le speranze di sua madre di diventare un ministro. Di rado, Whistler non possedeva il suo album da disegno ed era popolare con i suoi compagni di classe per le sue caricature. Tuttavia, divenne chiaro che una carriera nella religione non gli andava bene, quindi fece domanda all’Accademia militare degli Stati Uniti a West Point, dove suo padre aveva insegnato disegno e altri parenti avevano partecipato. Fu ammesso all’istituzione altamente selettiva nel luglio del 1851 con la forza del suo nome di famiglia, nonostante la sua estrema miopia e la sua scarsa salute. Tuttavia, durante i suoi tre anni lì, i suoi voti erano appena soddisfacenti, ed era una vista spiacevole per trapano e vestito, noto come “Riccio” per la sua lunghezza dei capelli che ha superato le normative. Whistler contrasse l’autorità, emise commenti sarcastici e incasinò i demeriti. Il colonnello Robert E Lee era il sovrintendente di West Point e, dopo una considerevole indulgenza verso Whistler, non ebbe altra scelta che licenziare il giovane cadetto. La principale realizzazione di Whistler a West Point è stata l’apprendimento del disegno e della creazione di mappe dall’artista americano Robert W. Weir.

La sua partenza da West Point sembra essere stata accelerata da un fallimento in un esame di chimica in cui gli è stato chiesto di descrivere il silicio e ha iniziato dicendo “Il silicio è un gas”. Come disse lui stesso più tardi: “Se il silicio fosse un gas, sarei stato un giorno un generale”. Tuttavia, un aneddoto separato suggerisce una cattiva condotta nella classe del disegno come la ragione della partenza di Whistler.

Primo lavoro
Dopo West Point, Whistler ha lavorato come disegnatore per mappare l’intera costa degli Stati Uniti per scopi militari e marittimi. Trovava noioso il lavoro e spesso era in ritardo o assente. Trascorreva gran parte del suo tempo libero giocando a biliardo e girando al minimo, era sempre al verde, e sebbene fosse un incantatore, conosceva poco le donne. Dopo che si scoprì che stava disegnando serpenti marini, sirene e balene ai margini delle mappe, fu trasferito alla divisione di incisione della U. S. Coast Survey. Durò solo due mesi, ma imparò la tecnica dell’incisione che in seguito si rivelò preziosa per la sua carriera.

A questo punto, Whistler decise fermamente che l’arte sarebbe stata il suo futuro. Per alcuni mesi ha vissuto a Baltimora con un ricco amico, Tom Winans, che ha persino fornito a Whistler uno studio e alcuni soldi in contanti. Il giovane artista ha stretto alcuni preziosi contatti nella comunità artistica e ha anche venduto alcuni dipinti antichi a Winans. Whistler rifiutò i suggerimenti di sua madre per altre carriere più pratiche e la informò che con i soldi di Winans, stava preparando la sua formazione artistica a Parigi. Whistler non è mai tornato negli Stati Uniti.

Studio d’arte in Francia
Whistler arrivò a Parigi nel 1855, affittò uno studio nel Quartiere Latino e rapidamente adottò la vita di un artista bohémien. Presto, ha avuto una ragazza francese, una sarta di nome Héloise. Ha studiato per un breve periodo i metodi dell’arte tradizionale all’Ecole Impériale e all’atelier di Marc-Charles-Gabriel Gleyre. Quest’ultimo era un grande sostenitore del lavoro di Ingres e impressionò Whistler con due principi che usò per il resto della sua carriera: la linea è più importante del colore e il nero è il colore fondamentale dell’armonia tonale. Venti anni dopo, gli impressionisti avrebbero in gran parte rovesciato questa filosofia, vietando il nero e il marrone come “colori proibiti” e sottolineando il colore sulla forma. Whistler preferiva lo studio autonomo (compresa la copia al Louvre) e godersi la vita da café. Mentre le lettere da casa riportavano gli sforzi di sua madre per l’economia, Whistler spendeva liberamente, vendeva poco o niente nel suo primo anno a Parigi, ed era in debito costante. Per alleviare la situazione, ha iniziato a dipingere e vendere copie che ha fatto al Louvre e infine si è trasferito in un alloggio più economico. Per fortuna, l’arrivo a Parigi di George Lucas, un altro ricco amico, contribuì a stabilizzare le finanze di Whistler per un po ‘. Nonostante una tregua finanziaria, l’inverno del 1857 fu difficile per Whistler. La sua cattiva salute, peggiorata dal fumo eccessivo e dal bere, lo fece abbassare.

Le condizioni migliorarono durante l’estate del 1858. Whistler si riprese e viaggiò con il collega artista Ernest Delannoy attraverso la Francia e la Renania. In seguito ha prodotto un gruppo di incisioni noto come “The French Set”, con l’aiuto del maestro stampatore francese Auguste Delâtre. Durante quell’anno, dipinse il suo primo autoritratto, Portrait of Whistler with Hat, un’opera scura e fitta che ricorda Rembrandt. Ma l’evento più importante di quell’anno fu la sua amicizia con Henri Fantin-Latour, che incontrò al Louvre. Attraverso di lui, Whistler fu introdotto nella cerchia di Gustave Courbet, che comprendeva Carolus-Duran (in seguito insegnante di John Singer Sargent), Alphonse Legros e Édouard Manet.

Anche in questo gruppo c’era Charles Baudelaire, le cui idee e teorie dell’arte “moderna” influenzarono Whistler. Baudelaire ha sfidato gli artisti a scrutare la brutalità della vita e della natura ea dipingerlo fedelmente, evitando i vecchi temi della mitologia e dell’allegoria. Théophile Gautier, uno dei primi a esplorare le qualità della traduzione tra arte e musica, potrebbe aver ispirato Whistler a vedere l’arte in termini musicali.

Londra
Riflettendo la bandiera del realismo del suo circolo adottato, Whistler dipinse la sua prima opera esposta, La Mere Gerard nel 1858. La seguì dipingendo At the Piano nel 1859 a Londra, che adottò come sua casa, mentre visitava regolarmente anche gli amici in Francia . At the Piano è un ritratto composto da sua nipote e sua madre nella loro sala di musica londinese, uno sforzo che ha chiaramente mostrato il suo talento e la sua promessa. Un critico scrisse: “un modo spericolato e audace del tipo più selvaggio e ruvido, un sentimento genuino per il colore e uno splendido potere compositivo e di design, che evincono un giusto apprezzamento della natura molto raro tra gli artisti.” Il lavoro è non sentimentale e contrasta efficacemente la madre in nero e la figlia in bianco, con altri colori trattenuti nel modo consigliato dal suo insegnante Gleyre. Fu esposto alla Royal Academy l’anno seguente e in molte mostre a venire.

In un secondo dipinto eseguito nella stessa stanza, Whistler ha dimostrato la sua naturale inclinazione verso l’innovazione e la novità modellando una scena di genere con composizione e scorcio insoliti. Successivamente è stato rinominato Harmony in Green and Rose: The Music Room. Questo dipinto ha anche dimostrato il modello di lavoro in corso di Whistler, in particolare con i ritratti: un rapido avvio, grandi adeguamenti, un periodo di abbandono, quindi un’ultima raffica fino alla fine.

Dopo un anno a Londra, come contrappunto al suo set francese del 1858, nel 1860, ha prodotto un altro set di incisioni chiamato Thames Set, così come alcune prime opere impressioniste, tra cui The Thames in Ice. A questo punto, stava iniziando a stabilire la sua tecnica di armonia tonale basata su una tavolozza limitata e predeterminata.

All’inizio della carriera
Nel 1861, dopo essere tornato a Parigi per un certo periodo, Whistler dipinse la sua prima opera famosa, Symphony in White, No. 1: The White Girl. Il ritratto della sua amante e business manager Joanna Hiffernan è stato creato come un semplice studio in bianco; tuttavia, altri lo hanno visto in modo diverso. Il critico Jules-Antoine Castagnary riteneva il dipinto un’allegoria dell’innocenza perduta di una nuova sposa. Altri lo collegavano a The Woman in White di Wilkie Collins, un popolare romanzo dell’epoca, o varie altre fonti letterarie. In Inghilterra, alcuni la consideravano un dipinto in stile preraffaellita. Nel dipinto, Hiffernan tiene un giglio nella mano sinistra e si appoggia su un tappeto di pelle d’orso (interpretato da alcuni per rappresentare mascolinità e lussuria) con la testa dell’orso fissando minacciosamente lo spettatore. Il ritratto è stato rifiutato per la mostra presso la Royal Academy conservatrice, ma è stato mostrato in una galleria privata con il titolo The Woman in White. Nel 1863 fu esposto al Salon des Refusés di Parigi, un evento sponsorizzato dall’imperatore Napoleone III per l’esposizione di opere rifiutate dal Salon.

La pittura di Whistler è stata ampiamente notata, anche se messa in ombra dal dipinto più sconvolgente di Manet Le déjeuner sur l’herbe. Contrastando le critiche dei tradizionalisti, i sostenitori di Whistler insistettero sul fatto che il dipinto fosse “un’apparizione con un contenuto spirituale” e che riassumesse la sua teoria secondo cui l’arte dovrebbe riguardare essenzialmente la disposizione dei colori in armonia, non con un ritratto letterale del mondo naturale.

Due anni dopo, Whistler dipinse un altro ritratto di Hiffernan in bianco, questa volta mostrando il suo nuovo interesse per i motivi asiatici, che intitolò La piccola ragazza bianca. La signora della terra Lijsen e The Golden Screen, entrambi completati nel 1864, ritraggono ancora la sua amante, in abiti asiatici ancora più enfatici e dintorni. Durante questo periodo Whistler si avvicinò a Gustave Courbet, il primo leader della scuola realista francese, ma quando Hiffernan modellò il nudo per Courbet, Whistler si infuriò e il suo rapporto con Hiffernan iniziò a crollare. Nel gennaio del 1864, la madre molto religiosa e molto adatta di Whistler arrivò a Londra, sconvolgendo l’esistenza bohémien di suo figlio e esacerbando temporaneamente le tensioni familiari. Come scrisse a Henri Fantin-Latour, “sconvolgimento generale !! Ho dovuto svuotare la mia casa e purificarla dalla cantina ai cornicioni”. Spostò immediatamente Hiffernan in un’altra posizione.

Carriera matura
Nocturnes
Nel 1866, Whistler decise di visitare Valparaíso, in Cile, un viaggio che ha lasciato perplessi gli studiosi, sebbene Whistler dichiarasse che lo faceva per ragioni politiche. Il Cile era in guerra con la Spagna e forse Whistler la considerò una lotta eroica di una piccola nazione contro una più grande, ma nessuna prova conferma questa teoria. Ciò che il viaggio ha prodotto sono stati i primi tre dipinti notturni di Whistler – che ha definito “moonlights” e in seguito rinominati “notturni” – scene notturne del porto dipinte con una tavolozza blu o verde chiaro. Dopo il suo ritorno a Londra, dipinse diversi altri notturni nel corso dei dieci anni successivi, molti del Tamigi e dei Giardini Cremorne, un parco dei divertimenti famoso per i suoi frequenti fuochi d’artificio, che presentava una nuova sfida da dipingere. Nelle sue nottate marittime, Whistler utilizzava una vernice molto diluita come un terreno con colori leggermente sfarfallati per suggerire navi, luci e linea di costa. Alcuni dei dipinti del Tamigi mostrano anche somiglianze compositive e tematiche con le stampe giapponesi di Hiroshige.

Nel 1872, Whistler accreditò il suo mecenate Frederick Leyland, un musicista dilettante dedicato a Chopin, per i suoi titoli ispirati alla musica.

Dico che non posso ringraziarti troppo per il nome “Nocturne” come titolo per i miei moonlights! Non hai idea di quale irritazione dimostri alla critica e del conseguente piacere per me – inoltre è davvero così affascinante e così poeticamente dice tutto ciò che voglio dire e non più di quanto vorrei!

A quel punto, Whistler dipinse un altro autoritratto e intitolò Arrangement in Gray: Portrait of the Painter (1872 circa), e iniziò anche a ri-intitolare molte delle sue opere precedenti usando termini associati alla musica, come ad esempio ” nocturne “,” symphony “,” harmony “,” study “o” arrangement “, per enfatizzare le qualità tonali e la composizione e per de-enfatizzare il contenuto narrativo. I ricordi di Whistler erano tra le sue opere più innovative. Inoltre, la sua sottomissione di diversi nottambuli al mercante d’arte Paul Durand-Ruel dopo la guerra franco-prussiana diede a Whistler l’opportunità di spiegare la sua “teoria dell’arte” in evoluzione ad artisti, compratori e critici in Francia. Il suo buon amico Fantin-Latour, divenuto sempre più reazionario nelle sue opinioni, specialmente nella sua negatività riguardo alla scuola impressionista emergente, trovò le nuove opere di Whistler sorprendenti e confuse. Fantin-Latour ha ammesso: “Non capisco niente, è bizzarro come si cambia, non lo riconosco più”. La loro relazione era ormai quasi finita, ma continuarono a condividere opinioni in corrispondenza occasionale. Quando Edgar Degas invitò Whistler a esporre con il primo spettacolo degli impressionisti nel 1874, Whistler rifiutò l’invito, come fece Manet, e alcuni studiosi attribuirono questo in parte all’influenza di Fantin-Latour su entrambi gli uomini.

ritratti
La guerra franco-prussiana del 1870 frammentò la comunità artistica francese. Molti artisti si rifugiarono in Inghilterra, unendosi a Whistler, tra cui Camille Pissarro e Monet, mentre Manet e Degas rimasero in Francia. Come Whistler, Monet e Pissarro hanno entrambi focalizzato i loro sforzi sulle vedute della città, ed è probabile che Whistler sia stato esposto all’evoluzione dell’Impressionismo fondato da questi artisti e che abbiano visto i suoi notturni. Whistler si stava allontanando dal “maledetto realismo” di Courbet e la loro amicizia era appassita, così come il suo legame con Joanna Hiffernan.

Tecnica
L’approccio di Whistler alla ritrattistica nella sua tarda maturità fu descritto da uno dei suoi sitter, Arthur J. Eddy, che posò per l’artista nel 1894:

Lavorò con grande rapidità e lunghe ore, ma usò i suoi colori sottili e coprì la tela con innumerevoli mani di vernice. I colori sono aumentati in profondità e intensità man mano che il lavoro progrediva. All’inizio l’intera figura era dipinta in toni bruno-grigiastro, con pochissimo colore della carne, il tutto perfettamente fondente con il marrone grigiastro della tela preparata; allora lo sfondo intero sarebbe intensificato un po ‘; poi la figura si fece un po ‘più forte; poi lo sfondo, e così via di giorno in giorno e di settimana in settimana, e spesso di mese in mese …. E così il ritratto sarebbe davvero cresciuto, si svilupperebbe davvero come una totalità, molto come un negativo sotto l’azione del le sostanze chimiche escono gradualmente: luce, ombre e tutto, dalle prime deboli indicazioni ai loro valori pieni. Era come se il ritratto fosse nascosto nella tela e il maestro passando le sue bacchette giorno dopo giorno sulla superficie evocava l’immagine.

incisione
Whistler ha prodotto numerose incisioni, litografie e punti secchi. Le sue litografie, alcune tratte su pietra, altre direttamente su carta “litografia”, sono forse la metà delle sue incisioni. Alcune delle litografie sono di figure leggermente drappeggiate; due o tre dei più raffinati sono i soggetti del Tamigi – tra cui un “notturno” a Limehouse; mentre altri ritraggono il Faubourg Saint-Germain a Parigi e le chiese georgiane a Soho e Bloomsbury a Londra.

Le incisioni comprendono ritratti di famiglia, amanti e scene di strada intime a Londra e Venezia. Whistler ha guadagnato un’enorme reputazione come incisore. Martin Hardie ha scritto: “Ci sono alcuni che lo mettono accanto a Rembrandt, forse sopra Rembrandt, come il più grande maestro di tutti i tempi: Personalmente, preferisco considerarli come Giove e Venere, il più grande e il più luminoso tra i pianeti nel paradiso degli incisori”. Si è preso molta cura della stampa delle sue incisioni e della scelta della carta. All’inizio e alla fine della sua carriera, ha posto grande enfasi sulla pulizia della linea, anche se in un periodo medio ha sperimentato di più con l’inchiostrazione e l’uso del tono della placca.

The Peacock Room

Armonia in blu e oro: The Peacock Room è il capolavoro di Whistler di arte murale decorativa interna. Dipinse la stanza a pannelli in una tavolozza ricca e unificata di brillanti verdi blu con vetri e vetri dorati. Dipinto nel 1876-77, ora è considerato un alto esempio dello stile anglo-giapponese. Insoddisfatto del primo risultato decorativo dello schema originale progettato da Thomas Jeckyll (1827-1881), Frederick Leyland lasciò la stanza a cura di Whistler per apportare piccole modifiche, “armonizzando” la stanza il cui scopo principale era quello di esporre la collezione di porcellane di Leyland. Whistler lasciò correre la sua immaginazione, tuttavia: “Beh, sai, ho solo dipinto. Sono andato avanti, senza design o schizzo, mettendo in ogni tocco con tanta libertà … E l’armonia in blu e oro si sta sviluppando, sai, io ho dimenticato tutto nella mia gioia. ” Dipinse completamente su rivestimenti in cuoio Cordoba del 16 ° secolo portati in Gran Bretagna da Caterina d’Aragona che Leyland aveva pagato £ 1.000 per.

Avendo acquisito il fulcro della stanza, il dipinto di Whistler di The Princess from the Land of Porcelain, l’industriale e esteta americano Charles Lang Freer acquistò l’intera stanza nel 1904 dagli eredi di Leyland, tra cui la figlia di Leyland e suo marito, l’artista inglese Val Prinsep. Freer poi ha installato il contenuto della Peacock Room nella sua villa di Detroit. Dopo la morte di Freer nel 1919, la Peacock Room fu installata permanentemente nella Freer Gallery of Art allo Smithsonian di Washington, DC. La galleria fu aperta al pubblico nel 1923. Una grande caricatura dipinta da Whistler di Leyland che lo ritrae come un antropomorfo pavone che suona un piano, e intitolato The Gold Scab: Eruption in Frilthy Lucre – un gioco di parole sulla passione di Leyland per i frontali di una camicia di frilly – è ora nella collezione dei Musei di Belle Arti di San Francisco.