Scultore italiano del Rinascimento

La scultura rinascimentale è incorniciata nel periodo tra i primi decenni del quindicesimo e la metà del XV secolo o giù di lì. La scultura era, anche nel periodo rinascimentale, un’arte allo stato dell’arte, che spesso fungeva da apripista per la pittura e altre forme artistiche. Tra i “pionieri” fiorentini del Rinascimento due furono gli scultori (Filippo Brunelleschi e Donatello) e le loro conquiste furono una fonte duratura di ispirazione per le generazioni successive. Con il viaggio di Donatello a Padova (1443-1453) le conquiste rinascimentali iniziarono a diffondersi anche nell’Italia settentrionale. Verso la metà del XV secolo Roma, centro di attrazione per le sue vestigia classiche e per il vasto programma di restauro e ricostruzione monumentale della città promossa dai papi, divenne il principale punto d’incontro e di scambio di esperienze artistiche, che culminò nei primi anni decenni del XVI secolo nel Rinascimento romano.

Le caratteristiche principali della scultura del Rinascimento italiano erano la sua definizione come uno dei modi per acquisire conoscenza e come strumento di educazione etica del pubblico, e la sua preoccupazione di integrare l’opposizione tra l’interesse nell’osservazione diretta della Natura e i concetti estetici idealistici sviluppato dall’umanesimo. In un momento in cui l’uomo è stato posto al centro dell’universo, la sua rappresentazione ha assunto anche un ruolo centrale, con la conseguenza di fiorire i generi del nudo artistico e del ritratto, che dalla fine dell’impero romano era caduto nell’oblio. Anche il tema mitologico è stato ripreso, è stato istituito un corpus teorico per legittimare e guidare l’arte del periodo, e l’enfasi è stata posta sullo stretto legame tra la conoscenza teorica e una rigida disciplina del lavoro pratico come strumento indispensabile per la creazione di un opera d’arte qualificata. La scultura del Rinascimento italiano nelle sue prime tre fasi è stata dominata dall’influenza della scuola toscana, il cui obiettivo principale era Firenze, quindi il più grande centro culturale italiano e riferimento per l’intero continente europeo. La fase finale fu guidata da Roma, all’epoca impegnata in un progetto di affermazione dell’universalità dell’autorità del papato come erede di San Pietro e dell’Impero Romano.

Rappresentanti principali

Jacopo della Quercia
Jacopo della Quercia (Siena, 1374 – Bologna, 1438) fu il più grande rappresentante della scuola scultoria senese e uno dei maestri più originali del primo Quattrocento, influenzando Michelangelo e molti altri. Era di una famiglia di artisti. In c. 1406 produsse la Tomba di Ilaria del Carretto nella Cattedrale di Lucca, che sopravvive solo in parte, e nel 1408 una statua della Madonna e Gesù Bambino a Ferrara. Un anno dopo ricevette l’ordine per una grande fontana pubblica a Siena, la famosa Fontana di Gaia, e contemporaneamente fu coinvolto in un grande ordine per Lucca, una statua di un apostolo, un altare e una tomba, e come rilievi per un font a Siena. La quantità di lavoro gli ha portato a consegnare diverse parti agli assistenti. La sua opera principale fu il rilievo del portale della Basilica di San Petronio a Bologna, il cui vigore lo portò ad essere paragonato alle conquiste di Masaccio nella pittura della figura umana. Nel 1435 fu nominato capo architetto del Duomo di Siena.

Lorenzo Ghiberti
Lorenzo Ghiberti (Firenze, 1378-1455) fu educato come orafo e pittore e nel 1400 lasciò Firenze per lavorare a Pesaro. Sapendo che Firenze aveva aperto nel 1401 un concorso pubblico per la realizzazione della seconda coppia di porte bronzee del Battistero di San Giovanni, vi fece ritorno immediatamente. La prova è stata la creazione di un pannello che rappresenta il Sacrificio di Isacco, in competizione con altri sei artisti. Ha vinto la competizione, che gli ha dato un’immediata fama, ma il lavoro avrebbe richiesto più di vent’anni per essere pronto. In questo stesso periodo lavorò a disegni di vetri colorati nella Cattedrale, progettò tombe e rilievi a Firenze e Siena, fungeva da consulente di architettura e preparò un San Giovanni Battista (1416) che fu la prima statua di bronzo in dimensioni sopra il naturale a essere fusa fin dall’antichità, e la prima su questa scala a Firenze. Il successo tecnico e stilistico dell’impresa valeva altri due ordini simili, uno di San Matteo (1419) e uno di Santo Stefano per Orsanmichele (1425). Sia le porte che queste statue rivelano ancora legami con lo stile gotico. A quel tempo dirigeva un grande laboratorio, si sposava, si arricchiva, si univa all’alta società, essendo considerato il principale artista a Firenze e non poteva gestire così tanti ordini. Attraverso il suo laboratorio passarono come futuri maestri apprendisti come Donatello, Paolo Uccello, Michelozzo e Benozzo Gozzoli. Apparentemente era un insegnante liberale e interessato al progresso dei suoi studenti, e non nascose la sua conoscenza. Finì infine le porte del Battistero nel 1424, che sono il set scultoreo più importante del Gotico Internazionale, e furono molto apprezzate ai suoi tempi. Gli ultimi pannelli di queste porte indicano già un cambiamento di stile, e mostrano l’influenza di Alberti, di cui era diventato amico, e uno studio più approfondito dell’arte classica, già lavorando con il principio della prospettiva.

La sua fama risiede principalmente nel terzo gruppo di porte, le celebri Porte del Paradiso, create tra il 1425 e il 1452 e lodate da Michelangelo. A differenza delle prime porte, i cui pannelli lasciano lo sfondo liscio, il secondo gruppo tratta lo spazio in bassorilievi di carattere pittorico, con una definizione efficiente di piani e prospettiva, e creando uno spazio paesaggistico popolato da varie figure e edifici. Hartt ha detto che l’influenza delle idee di Alberti è così profonda che le porte sono un’esposizione sistematica e completa delle sue teorie. Ogni porta ha cinque grandi pannelli con scene dell’Antico Testamento, circondati da un fregio di piccole statue, motivi ornamentali e piccoli medaglioni contenenti busti, tra cui un autoritratto. L’ensemble costituisce uno dei risultati più significativi della scultura rinascimentale.

Nanni di Banco
Nanni di Banco (Firenze, 1384/90 – 1421) era un adepto di prim’ordine agli ideali classicisti, e nella sua fase finale sviluppò uno stile meno formalista che ebbe una grande influenza sui suoi successori. Addestrato da suo padre, anche scultore, impiegato del Duomo di Firenze, il suo primo ordine era per la Cattedrale, una statua di Isaia. Tra il 1411 e il 1413 creò un gruppo scultoreo, i Four Crowned Saints, per la corporazione di Orsanmichele, dove risolse uno dei problemi tecnici più difficili con cui si scontrarono gli scultori della sua generazione, la rappresentazione di più figure insieme in piena forma all’interno di un nicchia. Anche se tracce gotiche appaiono ancora in questa opera, nella cura dei costumi, nelle teste e nell’impressione generale ricorda lo statuario romano. Riuscì a mantenere il gruppo formalmente coeso attraverso una saggia descrizione dei piani e delle relazioni interne nei loro atteggiamenti, facendo apparire le figure coinvolte in una conversazione. La sua ultima opera fu un sollievo a una delle porte della cattedrale, iniziata nel 1414, lasciata incompleta, che fu probabilmente completata da Luca della Robbia, allora suo discepolo. Ha anche creato altre statue di santi e profeti.

Donatello
Donato di Niccolò di Betto Bardi, detto Donatello (Firenze, 1386/87 – 1466), era figlio di un cardo di lana; si sa poco della sua vita. Era un amico di umanisti e dischi d’epoca da intenditore di arte classica. Ha iniziato come muratore apprendista e intorno al 1404-1407 si unì come discepolo di Ghiberti. Nei suoi anni formativi non c’era ancora una quantità molto espressiva di vecchi lavori disponibili, e così le sue prime creazioni portano ancora un forte marchio gotico, ma la prima grande composizione del suo, un San Giorgio (1415) creato per il la corporazione di Orsanmichele, già rivela una solida conoscenza dell’anatomia umana, e si distingue da tutto ciò che era stato prodotto prima nella tensione manifesta nella sua postura, nella prova di caratterizzazione psicologica del suo volto, nella sua gestione dei piani strutturali, in la forza e l’autonomia della loro “presenza” e la sottigliezza della loro tecnica scultorea. Nel rilievo sotto la nicchia in cui è stata installata la statua, Donatello ha introdotto innovazioni che hanno avuto una grande ripercussione nell’arte fiorentina successiva, creando un rilievo piuttosto superficiale dove la delicata suggestione di piani e figure crea una prospettiva efficiente di profondità e sottili effetti di luce e ombra , che lo avvicinano al carattere del dipinto rispettando l’integrità della superficie piana. I migliori esempi in questo genere sono i rilievi dell’Ascensione di Cristo e la Festa di Erode, celebrata tra il 1420 e il 1437. Le stesse qualità di San Giorgio furono espresse con una forza ancora maggiore nella serie di cinque profeti che furono installati in nicchie nel campanile del Duomo di Firenze, di cui Habacuc è considerato uno dei suoi capolavori. Il suo aspetto realistico e intensamente espressivo li avvicina alla ritrattistica romana. Intorno al 1420 lavorò anche in bronzo, creando un bellissimo San Luigi di Tolosa (1423 circa), e in quel tempo ha stabilito una società in accomandita con Michelozzo, creando opere per lui Napoli e Prato. Autonomamente realizzò diversi pezzi per Siena, apparentemente influenzati dalla scultura etrusca. Tra il 1430 e il 1433 fu a Roma, dove studiò le antiche reliquie, i cui frutti al suo ritorno erano un tabernacolo e un coro in contrasto con la Basilica della Santa Croce, che espone un repertorio di forme classiciste notevolmente ampliato. Fino al 1443 lavorò per i Medici, producendo la decorazione dell’antica sacrestia della Basilica di San Lorenzo, tra cui dieci grandi rilievi in ​​stucco colorato e due porte di bronzo con figure di apostoli e santi di intenso dinamismo. In questo periodo elaborò intorno al 1440 il suo celebre David, la prima statua di un grande nudo e figura intera fin dall’antichità. Le proporzioni perfette e la tranquillità del suo atteggiamento lo rendono il più classico di tutte le opere dell’autore.

Tra il 1443 e il 1453 lavorò a Padova, creando una statua equestre del condottiero Erasmo da Narni, soprannominato il Gattamelata, anche una reinterpretazione di motivi classici, ispirata al famoso monumento a Marco Aurelio che aveva incontrato a Roma, eliminando dettagli superflui e concentrandosi sul principio dell’eroe ideale, stabilendo un paradigma per la rappresentazione equestre che ha continuato ad essere valida per i secoli a venire. La sua lunga presenza a Padova stimolò la formazione di una fiorente scuola locale in bronzo, e le opere da lui prodotte per la Basilica di Sant’Antonio da Padova, tra cui un grande crocifisso e l’altare più ambizioso del XV secolo europeo – ora ricostruito in un’altra forma – che consisteva in una serie di 21 rilievi in ​​bronzo, un grande rilievo in pietra e sette statue a grandezza naturale, influenzato generazioni di pittori e scultori del nord Italia. Al suo ritorno a Firenze, creò un San Giovanni Battista per Venezia e una Santa Maria Maddalena in legno policromo per il Battistero locale, di pungente espressività, allontanandosi dall’equilibrio e dalla sobrietà della tradizione classicista. Lo stile duro e drammatico di questi pezzi fu uno shock per i fiorentini, che erano inclini a un’estetica più morbida, e in quel momento i loro ordini principali provenivano dall’esterno. Tra questi un San Giovanni Battista e una coppia di porte bronzee al Duomo di Siena, di cui furono giustiziati solo due pannelli. Fu nuovamente impiegato dai Medici e trascorse i suoi ultimi anni di vita creando due pulpiti, uno con il tema della Risurrezione e un altro della Passione di Cristo, per San Lorenzo, che non è ancora finito ma che sono tra i suoi più composizioni pesantemente caricate di contenuto spirituale. Donatello deve anche l’elaborazione del tipo putto, una sorta di genio a forma di piccolo bambino, alato o meno, che è diventato un motivo decorativo di immediato successo e diffusione diffusa.

Luca della Robbia
Luca della Robbia (Firenze, 1399 – 1482) fu educato alla scultura in marmo e nel 1431 iniziò la sua opera più importante, un balcone per il coro del Duomo di Firenze, con dieci pannelli in rilievo che mostravano scene di bambini che cantavano, ballavano e suonavano vari generi musicali strumenti. Il suo successo fu immediato, dato l’efficiente naturalismo e l’atmosfera di giubilo e innocenza delle scene. Quindi istituì un tabernacolo per una cappella a Firenze, e nel 1440 circa iniziò la ricerca sulla terracotta che lo portò a scoprire una tecnica di vetrificazione, che gli permise di ottenere superfici colorate vivaci che non si sbiadivano e che erano impermeabili all’acqua, permettendo li devono essere installati all’aria aperta. La sua prima composizione documentata in questa tecnica era un medaglione con il tema della Risurrezione alla vecchia sacrestia della Cattedrale, dal c. 1442. Poi cominciò a dedicarsi quasi esclusivamente a questo modo di scultura, ricevendo ordini per un gran numero di pezzi a Firenze e in molte altre città, come Pescia e Urbino. Nonostante ciò, negli anni 1450 fece un’altra grande opera marmorea, la Tomba di Benozzo Federighi, vescovo di Fiesole, presso la Chiesa della SS. Trinità a Firenze.

Bernardo Rossellino
Bernardo Rossellino (Settignano, 1409 – Firenze, 1464), addestrato da Filippo Brunelleschi e influenzato da Luca della Robbia e Ghiberti, era un membro di una famiglia di scultori, un classicista moderato e uno dei grandi maestri della scultura funeraria, oltre ad essere notevole architetto e urbanista. Il suo capolavoro è la Tomba di Leonardo Bruni (1444-50) a Santa Cruz, che inaugurò un nuovo tipo di monumento funerario ed è tra i più grandi successi del suo genere rinascimentale, diventando un prototipo ampiamente imitato, stabilendo un raffinato equilibrio tra scultura e architettura , figurazione e decorativismo. Altre opere importanti furono la Tomba di Orlando de Medici (1456-57) e la Tomba della Beata Villana delle Botte (1451-52), entrambe a Firenze.

Antonio Rossellino
Antonio Rossellino (Settignano, 1427 – Firenze, 1479) fu un noto scultore e architetto, il fratello minore di Bernardo, da cui ricevette l’istruzione e l’influenza, e che aiutò come apprendista in varie opere. Era un maestro nel ritratto, lasciando molti pezzi di grande qualità in questo genere, come quelli di Giovanni Chellini (1456) e Matteo Palmieri (1468), con uno stile realistico realistico. La sua opera migliore è la grande collezione della Tomba del Cardinale del Portogallo (1460 circa), a San Miniato al Monte, alla periferia di Firenze, con una complessa combinazione di architettura, scultura e pittura. Ha avuto l’aiuto di diversi collaboratori, ma per l’identità stilistica di Hartt Antonio rimane dominante. Rappresentò un’evoluzione significativa nel concetto di un monumento funebre, conferendogli dinamismo e unità molto maggiori, con una forte caratterizzazione nel ritratto del defunto, essendo uno dei migliori esempi del suo genere per tutto il XV secolo. Lasciarono anche diverse Madonne e un altro importante monumento per Filippo Lazzari (1464).

Mino da Fiesole
Mino da Fiesole (Poppi, Firenze, 1429 – Firenze, 1484) fu forse addestrato da Antonio Rossellino a Firenze e trascorse gran parte della sua carriera a Roma, dove studiò l’antica statuaria, concentrandosi sui ritratti. Qui eseguì monumenti funebri per diversi cardinali e per Papa Paolo II. Sebbene la sua tecnica non sia brillante, ha acquisito la sua fama con i ritratti, un genere in cui è stato uno dei primi a specializzarsi, lasciando notevoli composizioni nei ritratti di Pedro de Medici, Niccolò Strozzi, Astorgio Manfredi, Rinaldo della Luna e Diotisalvi Neroni , tra gli altri.

Desiderio da Settignano
Desiderio da Settignano (Settignano, 1430 – 1464) nacque in una famiglia di muratori. Poco si sa della sua educazione, ma deve essere stato influenzato da Donatello. Ha sviluppato uno stile di grande morbidezza, raffinatezza e sensualità sublimato, espresso nei ritratti delle donne, dimostrando una grande capacità di esprimere sentimenti che vanno dalla malinconia alla gioia. I suoi bassorilievi evidenziavano la sua padronanza della prospettiva e sottili effetti di luci e ombre, e la sua qualità tecnica ed estetica non aveva rivali nella sua generazione. Divenne anche abile nei ritratti dei bambini e nei pezzi devozionali della Madonna e Gesù Bambino. Lasciò anche due grandi monumenti a Firenze, la Tomba di Carlo Marsuppini nella Basilica di Santa Croce (c.1453-55) e il Santuario del Sacramento nella Basilica di San Lorenzo (1461), entrambi di particolare importanza per la successiva evoluzione di la scultura nei suoi generi, con piani prospettici nella parte posteriore dei rilievi e una modellazione di figure che enfatizza i contorni e tratta gli abiti con eleganza e scioltezza per suggerire anatomia e movimento. Anche il trattamento delle superfici è diverso, con un raso lucido che conferisce un’aura di dolcezza ai personaggi.

Francesco Laurana
Francesco de la Vrana, detto Francesco Laurana (Vrana, allora parte della Repubblica di Venezia, 1430 – Avignone, 1502 ca.), scultore e medaglista, fu uno degli iniziatori dello stile rinascimentale in Francia. La prima parte della sua vita è oscura, e le prime notizie che appaiono su di lui risalgono al 1450, quando fu assunto da Alphonse II d’Aragona per creare un arco trionfale a Castel Nuovo a Napoli. Tra il 1461 e il 1466 lavorò per Renato I di Napoli, per il quale creò medaglie, e nel 1468 fu in Sicilia, trascorrendo gli ultimi anni viaggiando tra la Sicilia, Napoli e il sud della Francia. Lasciate numerose Madonne e ritratti di donne, di cui è famosa la Battista Sforza, la cui delicatezza e raffinatezza li rendono specchi della cultura cortigiana del tempo, caratterizzati dalla ricerca dell’eleganza e del distacco aristocratico e per la riserva e l’economia formale, scartando i dettagli e creando forme che si avvicinano all’astrazione geometrica, oltre a realizzarle con grande competenza tecnica.

Andrea del Verrocchio
Andrea di Francesco di Cione, meglio noto come Andrea del Verrocchio (Firenze, 1435 – Venezia, 1488) era figlio di un vasaio e durante la sua infanzia la famiglia soffrì di povertà. La tradizione dice che fu addestrato da un orafo di nome Giuliano Verrocchi, di cui avrebbe adottato il cognome. Intorno al 1460 iniziò a studiare pittura, forse come allievo di Alesso Baldovinetti e Filippo Lippi, essendo un collega di Botticelli. Pochi anni dopo, con la morte di Donatello, che era il favorito dei Medici, prese il suo posto come protetto, producendo per loro dipinti e sculture, nonché disegni per decorazioni, paramenti e armature. Costruttore conservatore delle antiche collezioni della famiglia, restaurò numerosi busti e statue romane. Poi la sua fama cominciò a diffondersi, aprì un grande laboratorio che attirò molti discepoli, tra cui Leonardo da Vinci e il Perugino, e fu un’influenza per Benedetto da Maiano e Botticelli. Nonostante la sua fama come pittore e la sua produzione, che dovrebbe essere stata significativa, oggi quasi nulla può essere attribuito a lui di sicuro. Si è dedicato più fortemente alla scultura, ma anche in questo campo le sue opere autenticate, anche se in numero maggiore, sono ancora poche.

Il suo primo grande ordine fu una tomba per Pietro e Giovanni de ‘Medici nella vecchia sagrestia di San Lorenzo completata nel 1472 che impressiona per l’originalità del suo design e il suo uso ispirato di marmi colorati e porfido combinati con ricche decorazioni in bronzo. Ha poi realizzato una statuetta, Ragazzo con delfino, in una fontana di Villa Medicea di Careggi, che rivela il suo interesse per il movimento, essendo importante nell’evoluzione della forma a spirale nota come figura serpentina, la forma preferita nel Manierismo. La sua fama come uno dei grandi scultori di bassorilievo del XV secolo si stabilì con il cenotafio del cardinale Niccolò Forteguerri per la Cattedrale di Pistoia, iniziata nel 1476 ma mai completata, essendo conclusa solo dopo la sua morte. Anche se la sua concezione originale è stata modificata da altri artigiani, rimane come una testimonianza affidabile della sua grande abilità sia nella composizione di un insieme di effetti teatrali, che ha anticipato le soluzioni del barocco, come nel disegno unificato e dinamico delle scene nei rilievi e nella sua impeccabile rifinitura tecnica. Nella tecnica del bassorilievo lasciò anche un pannello raffigurante la sconfitta di San Giovanni Battista, la Cattedrale di Firenze (1480) e una Madonna per un ospedale (1474 circa). A quel tempo produsse due busti, il Ritratto di Julian de Medici, di grande realismo, e la Signora con un mazzo di fiori, dove creò un nuovo tipo di busto, che includeva le braccia della figura. La scultura più importante che creò per Firenze fu forse il gruppo di Cristo e San Tommaso, ambientato a Orsanmichele (1467-83), notevole per la sua perfezione tecnica e la soluzione originale di composizione nello stretto spazio della nicchia. Nel 1483, su richiesta di Venezia, vi si recò per creare un grande monumento equestre per celebrare il condottiero Bartolomeo Colleoni, di grande presenza scenica, chiaramente ispirato all’opera di Donatello, ma superandolo con dinamismo e l’impressione di forza e decisione . È accanto all’opera di Donatello il monumento più importante nel suo genere del Rinascimento, e ha avuto un grande influsso sugli scultori barocchi, e persino sul neoclassico e romantico. Tuttavia, dopo aver finito il modello, è morto prima di iniziare il lavoro. La finitura è stata affidata ad Alessandro Leopardi, la cui partecipazione al risultato finale della composizione è motivo di dibattito.

Andrea della Robbia
La lunga carriera di Andrea della Robbia (Firenze, 1435 – 1525) si estende attraverso la terza e la quarta fase. Come suo zio Luca, fu apparentemente addestrato come scultore di marmo e dedicò la maggior parte dei suoi sforzi alla creazione di terracotta vetrificata policroma, con la quale divenne famoso. Le sue prime opere in questa tecnica furono eseguite per l’Ospedale degli Innocenti a Firenze, intorno al 1463. La sua opera più importante è la serie di grandi rilievi per il Santuario di Monte Alverne, vicino ad Assisi, negli anni Ottanta del Quattrocento. Nei primi anni del sedicesimo secolo il suo laboratorio impiegava già molti apprendisti e cominciò a ricevere ordini prestigiosi da varie cattedrali e nobiltà. Fu uno scultore molto prolifico e le sue composizioni si trovano in molte città italiane, come Prato, Volterra, Chiusi, Napoli, Viterbo, Pistoia, Bibbiena, Montalcino e Montevarchi, e molte altre ancora. Il suo stile unisce un ricco senso del decorativismo con un design di figura sobrio, delicato ed elegante, con un’inclinazione alla narrativa colloquiale di immediato richiamo popolare e una penetrante caratterizzazione nei ritratti. Le sue numerose immagini di Madonna e Gesù Bambino sono di grande tenerezza, e sono state in grado di avvicinarsi alle emozioni più drammatiche nelle loro Pietà e Crocifissioni, ma senza eccessi.

Pietro Lombardo
Pietro Lombardo (Carona, ducato di Milano, 1435 – Venezia, 1515) fu il capo della scuola del Rinascimento veneziano e padre di Tullio Lombardo e Antonio Lombardo, anche scultori. I suoi primi lavori rivelano l’influenza fiorentina, ma il suo stile maturo era in debito con l’arte germanica e fiamminga. La sua prima opera conosciuta è la Tomba di Antonio Roselli (1464-67) nella Basilica di Sant’Antonio a Padova. Intorno al 1467 si trasferì a Venezia, producendo numerosi monumenti e anche lavorando come architetto. A Venezia la sua produzione più degna di nota è la Tomba della famiglia Malipiero (1463 circa) e quella del doge Pietro Mocenigo (1476-81) in Basilicata di San Giovanni e San Paolo. Con un laboratorio affollato, in seguito lasciò la maggior parte della stesura delle sue opere ai suoi assistenti, compresi i suoi figli, e proiettò e supervisionò il lavoro. Fu architetto e capo scultore della Chiesa di Santa Maria dos Milagres tra il 1481 e il 1489, considerato uno dei migliori edifici rinascimentali della città e che esercitò una profonda influenza locale. Nel 1482 creò la Tomba di Dante Alighieri a Ravenna e nel 1485 disegnò il suo capolavoro, la Tomba Zanetti, il cui lavoro pratico fu affidato ai suoi figli. I suoi ultimi anni furono passati come capomastro del Palazzo Ducale.

Matteo Civitali
Matteo Civitali (Lucca, 1436 – 1502), scultore e architetto, fu la figura principale della scuola di Lucca. Ha iniziato a dedicarsi alla scultura solo dopo i 40 anni, essendo stato in precedenza un barbiere-chirurgo. Ha studiato a Firenze con Antonio Rossellino e Mino da Fiesole. Le sue opere principali sono nella Cattedrale di Lucca, tra cui l’Altare di San Romano, la Tomba di Pietro Noceto e un San Sebastiano. Realizzò anche sculture di Adamo ed Eva, Abramo e diversi santi per la Cattedrale di Genova.

Tullio Lombardo
Tullio Lombardo (Venezia, 1455-1532) fu figlio e discepolo di Pietro, e come lavorò nella scultura e nell’architettura, ma abbandonò l’inapprezzabilità dello stile di suo padre e adottò le convenzioni del classicismo, influenzato anche dal lavoro degli ellenisti, come il gruppo Laocoon appena scoperto. Una delle sue opere più importanti è la Tomba del Doge Andrea Vendramin, la più sontuosa tomba rinascimentale di Venezia, che in origine conteneva una statua di Adamo (1490-95 circa), ora nel Metropolitan Museum of Art, un superlativo a grandezza naturale, chiaramente ispirato all’iconografia classica di Bacco e Antinoo. Notevole per la purezza del marmo impiegato e la raffinata lavorazione, questo Adamo fu il primo nudo a grandezza naturale scolpito nell’antichità. Ha anche eseguito la tomba di Guidarello Guidarelli, ritratti, rilievi allegorici e ha lasciato una serie di nove pannelli in rilievo per la Basilica di Sant’Antonio a Padova, con scene della vita del santo, dove presenta uno stile narrativo di grande nobiltà e drammaticità eloquenza, molto simile agli esempi dell’antica Roma.

Antico
Pier Jacopo Alari Bonacolsi, soprannominato Antico (Mantova o Gazzuolo, 1460-1528), iniziò la sua carriera come medaglia, si interessò alla pittura, lavorò come restauratore di statue antiche ed era un protetto di Isabella d’Este, ma la sua fama è grazie alla sua abilità nel campo della piccola scultura, creando una serie di pezzi decorativi per i clienti privati, ma che hanno raffinatezza estetica e una qualità tecnica di prim’ordine. Fu uno dei primi scultori a realizzare le possibilità commerciali di creare copie delle sue opere in bronzo attraverso la tecnica indiretta della cera persa, quando fino ad allora l’uso era la realizzazione di pezzi unici. Il suo stile è tutto incline al classicismo, che ha esercitato nella creazione di immagini della mitologia greco-romana. Per il suo amore per l’antichità ha ricevuto il suo soprannome, che significa “antico”.

Andrea Sansovino
Andrea Coducci, di nome Andrea Sansovino (Firenze, 1467-1529 circa) è stato un architetto e scultore il cui stile mostra il passaggio dalla terza fase del Rinascimento al Rinascimento. La sua prima composizione importante fu l’Altare del Sacramento (1485-90) nella Basilica dello Spirito Santo a Firenze, con un artigiano di alta qualità e una grande enfasi sulle emozioni. Trascorse diversi anni in Portogallo, e nel 1502 fu di nuovo a Firenze, quando il gruppo del Battesimo di Cristo, installato sulla facciata del Battistero di San Giovanni. Solo il Battista è interamente suo, e l’angelo è tutto di un altro artista, ma la concezione elegante, sobria e dignitosa dell’insieme, oltre alla grande bellezza dei corpi, ne fa una delle prime opere importanti del Rinascimento. Compose anche una serie di fregi policromi per Villa Medicea di Poggio a Caiano. Nel 1505 si recò a Roma sotto contratto da Papa Giulio II per eseguire due tombe quasi identiche ai cardinali Ascanio Sforza e Girolamo della Rovere nella Chiesa di Santa Maria del Popolo, completate nel 1509 e considerate le sue opere più originali. Il suo ultimo ordine principale fu quello di supervisionare la costruzione di diversi edifici nella città di Loreto e la decorazione della locale Santa Casa, dove scolpì un rilievo dell’Annunciazione di grande ricchezza plastica.

Michelangelo
Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simoni, noto come Michelangelo (Caprese, Repubblica di Firenze, 1475 – Roma, 1564), fu la figura dominante nella scultura italiana del XVI secolo, nonché un pittore e architetto dello stesso tipo. Uno degli artisti più celebrati e influenti di tutta l’arte occidentale, ha iniziato il suo apprendistato con Ghirlandaio relativamente tardi all’età di 13 anni dopo aver superato l’opposizione paterna. Il suo talento fu presto riconosciuto e divenne un protetto mediceo, ottenne l’accesso alla sua collezione di sculture antiche e ricevette alcune istruzioni di scultura da Bertoldo di Giovanni. Una delle sue prime opere fu Madonna della Scala (1491 circa), nello stile dei bassorilievi di Desiderio da Settignano, e quindi creò una variazione di un motivo trovato in un sarcofago romano, la Battaglia dei Centauri (c.1492 ), il cui dinamismo è stato elogiato. Nel 1494 i Medici furono espulsi dalla città e Michelangelo cercò un impiego a Bologna, lavorando su figure secondarie della Tomba di San Domenico (1494-95), ma che sono originali ed espressivi, facendo riferimento all’iconografia classica. Viaggiando a Roma, allora la città più culturalmente importante, ha prodotto la sua prima composizione su larga scala, un Bacchus ubriaco (1496-97) di dimensioni appena al di sopra del naturale, di grande virtuosismo nella concezione e nell’esecuzione, che è stato apparentemente venduto a un collezionista come se fosse un pezzo di antichità. Il successo del lavoro gli valse un altro ordine, una Pietà (1498-99), che ricevette consensi immediati e lo mandò alla preminenza tra tutti gli scultori italiani per la sua originalità di composizione e la sua finitura straordinariamente bella, il suo pezzo è perfetto in questo ultimo aspetto.

Immediatamente fu chiamato a Firenze per creare un David monumentale (1501-1504), il cui design è particolarmente vicino alle soluzioni del classicismo. Il lavoro ebbe ancora più successo rispetto agli altri e per decisione della comunità fu installato in una piazza pubblica, di fronte al Palazzo Comunale come simbolo della Repubblica fiorentina. La Pietà e David sono diventati icone del Rinascimento italiano e sono tra le opere più famose della storia della scultura occidentale. Nel frattempo è stato anche coinvolto nell’elaborazione di varie Madonne per mecenati privati, e deve essere stato influenzato da Leonardo da Vinci, che era tornato a Firenze dopo vent’anni di assenza e aveva entusiasmato l’entusiasmo di tutti. I lavori di AfterDavid iniziarono a spostarsi verso il Manierismo, ma la fioritura finale del classicismo alto Rinascimento è il Mosè (1513-15), di grande maestà, eseguito come parte di una tomba ambiziosa per Papa Giulio II nella Basilica di San Pietro in Vincolo , never completed according to the original plan, two Slaves (1513-1516), also unfinished and part of the same project, and an elegant Christ Redeemer (1519-1520) entirely naked for the Church of Santa Maria on Minerva, who impressed his contemporaries to the point of Sebastiano del Piomboto say that only his knees were worth more than all of Rome. Years later her nakedness, considered indecent, was covered, as it remains to this day.

Jacopo Sansovino
Jacopo Tatti, known as Jacopo Sansovino (Florence, 1486 – Venice, 1570) studied from 1502 with Andrea Sansovino, who, to honor him, took the surname. In 1505 he accompanied the architect Giuliano da Sangallo to Rome, where he studied Roman architecture and sculpture, and was employed by Pope Julius II as restorer of ancient statuary. Returning to Florence, he sculpted a St. James (1511-18) for the Cathedral, and a Bacchus (c.1514). In 1518 he was again in Rome, working in a Nossa Senhora do Parto (c.1519) for the Church of St. Augustine, which reveals the influence of the other Sansovino, and in another St. James (1520) for theChurch of Santa Maria in Monserrato of the Spaniards. After the Sack of Rome in 1527 he moved to Venice, introducing the classicist aesthetic of the High Renaissance, which lasted much longer than in Rome. Its initial production in this city is graceful and elegant, and its final works reverts to a sober and rigorous classicism. Among them are statues of Evangelists and a Saint John the Baptist (1540s) for the Basilica of Saint Mark and the Tomb of Doge Francesco Venier (1556-61) in the Church of the Redeemer. He also acted as chief architect and town planner of the city, later acquiring fame as one of the greatest architects of Mannerism.