Bellezza invisibile, Padiglione dell’Iraq a Palazzo Dandolo Farsetti, Biennale di Venezia 2015

La Ruya Foundation for Contemporary Culture in Iraq (Ruya) ha commissionato il Padiglione Nazionale dell’Iraq alla 56a Biennale di Venezia, maggio 2015. La mostra, Invisible Beauty, è curata da Philippe Van Cauteren, Direttore artistico di S.M.A.K. (Museo per l’arte contemporanea) a Gand. Presenta cinque artisti contemporanei provenienti da tutto l’Iraq e dalla diaspora. Gli artisti lavorano su una vasta gamma di media e il Padiglione comprende nuove opere che sono state prodotte appositamente per la mostra e opere che sono state riscoperte dopo lunghi periodi di disattenzione. La mostra è accompagnata da una mostra di oltre 500 disegni realizzati da rifugiati nel nord dell’Iraq. L’artista di fama mondiale Ai Weiwei ha selezionato alcuni di questi disegni per un’importante pubblicazione che verrà lanciata alla Biennale.

La mostra includerà una vasta gamma di media, con opere passate di recente commissionate e riscoperte. Accompagnando lo spettacolo principale, sarà esposta anche una raccolta di 500 disegni realizzati da rifugiati nel nord dell’Iraq. L’artista cinese Ai Weiwei ha selezionato alcuni di questi disegni per una pubblicazione che sarà lanciata alla Biennale.

L’Iraq evoca le brutalità dello Stato islamico (noto anche come ISIS o ISIL) in disegni, acquerelli e fotografie. Un importante focus del padiglione iracheno quest’anno è una serie di disegni di rifugiati iracheni adulti che sono fuggiti dall’assalto dello Stato Islamico. Queste rappresentazioni – un militante incappucciato che spara a una madre e un bambino, un uomo bendato il cui cuore sanguinante ha la forma dell’Iraq – furono prodotte quando la Fondazione Ruya portò carta, matite e pastelli ai rifugiati in tre campi nel nord dell’Iraq.

Dei cinque artisti esposti, due hanno creato opere direttamente collegate allo Stato islamico. Haider Jabbar, un giovane esilio in Turchia, mostra acquerelli espressionisti che raffigurano una serie di teste mozzate e sanguinanti, ognuna con un numero di caso (anziché un nome) nel titolo. Le fotografie in bianco e nero messe in scena elegantemente di Akam Shex Hadi mostrano figure isolate di comunità sotto l’attacco dello Stato Islamico in piedi con tessuto nero – che rappresenta la bandiera degli aggressori – arrotolate attorno ai loro piedi. “L’ISIS viene solo per uccidere”, ha detto il signor Hadi, un curdo iracheno, accanto alle sue fotografie, aggiungendo che la bandiera era “come un serpente” attorcigliata attorno alle sue vittime.

Bellezza invisibile
Il titolo della mostra si riferisce sia a soggetti insoliti o inaspettati incontrati nelle opere degli artisti, sia alla loro invisibilità sul palcoscenico internazionale. Tra la varietà di temi esplorati vi sono la sopravvivenza, la tenuta dei registri, la terapia e la bellezza.

‘Invisible Beauty’ ha lo scopo di rendere visibili gli artisti che lavorano attualmente dentro e fuori l’Iraq. Si occupa di identità e politica, di memoria e perdita, di coraggio come forma di bellezza.

Le infinite possibilità di interpretazione del titolo fanno riferimento ai molti modi in cui l’arte – generata in un paese soggetto a guerre, genocidi, violazioni dei diritti umani e alla nascita dell’Isis – può essere affrontata. Questo è un momento importante, come sottolinea il comunicato stampa, per far emergere le voci di coloro che continuano a creare arte in Iraq, dove Isis ha condotto una demolizione sistematica del patrimonio culturale del paese a Hatra, Nimrud, Ninive e il Museo di Mosul.

La bellezza invisibile è come una fragile membrana che registra le oscillazioni di una pratica artistica permeata dalle attuali condizioni del paese e dallo stato dell’arte.

Gli artisti

Gli artisti nel padiglione rappresentano una rottura – sia in termini mediatici che di più ampie preoccupazioni sociali – dai vincoli di un’educazione classica che informa la tradizione estetica ortodossa della maggior parte delle opere degli artisti iracheni

Latif Al Ani
Latif Al Ani (1932) è considerato il padre fondatore della fotografia irachena e la sua vasta carriera documentaria va dalla fine degli anni ’50 alla fine degli anni ’70, quando divenne impossibile fotografare in pubblico a causa dell’atmosfera sempre più autoritaria del regime di Saddam e la guerra Iran-Iraq. Una dualità di pensiero rende sia la modernizzazione delle tendenze che la conservazione delle antiche tradizioni temi del lavoro di Al Ani, e la mostra del Padiglione si concentra su opere del primo periodo della sua carriera.

Le fotografie dei siti archeologici di Latif Al Ani della fine degli anni ’50 e ’60 assumono significato sullo sfondo di eventi drammatici attuali. A quei tempi, l’intenzione dell’artista era quella di documentare una società sul punto di svolta verso l’era moderna. Oggi queste fotografie funzionano come agenti critici contro la tragedia della decadenza e la perdita di dignità e raffinatezza. Il lavoro di Al Ani è un testimone in bianco e nero di una società utopica, una società che ora è spazzata via dalle irrazionalità della guerra e della religione.

Moschea Mirjan (1960)
Train Station, Baghdad (1961)
Berlino (1965)
Nahr Street Shop (1960)
Karkh, Baghdad (1961)
Rashid Street, Haydarkhana (1961)
Musayb, Floating Bridge (1959)
Al Aqida, High School, Baghdad (1961)
Testa rubata che non è stata recuperata, Hatra (c. 1960)

Akam Shex Hadi
Akam Shex Hadi (nato nel 1985) rappresenta una generazione successiva di fotografia irachena e le sue opere sceniche e simboliche lo hanno visto partecipare a festival fotografici in Asia e Medio Oriente. Il suo lavoro, insieme a quello di Haider Jabbar, riguarda l’ascesa dell’Isis e la crisi dei rifugiati. Ha creato un nuovo lavoro per il padiglione composto da 28 fotografie. Un motivo ricorrente nella serie è un filo che si snoda, che ricorda un serpente ma che si rivela essere la bandiera dell’Iside, un continuo promemoria delle sue qualità intrinseche. Shex Hadi presenta anche una serie di fotografie aeree raffiguranti quello che sembra essere un grande orologio da terra, tranne per il fatto che le cifre non sono nelle posizioni previste. Una figura prostrata che rappresenta una lancetta dell’orologio rende le opere una ruminazione sulla capitolazione umana nel tempo, una sorta di ricordo mori.

Akam Shex Hady in cui ha fotografato persone in fuga dall’ISIS in modo sottile e delicato. Il pezzo di stoffa nera si insinua nell’immagine come un cappio minaccioso intorno alle persone catturate nella nudità della loro tragedia.

Rabab Ghazoul
Rabab Ghazoul (nato nel 1970) risponde anche alla sua particolare relazione geografica con l’Iraq nel suo lavoro. Con sede in Galles, Ghazoul ha prodotto un nuovo lavoro video per il Padiglione che prende come punto di partenza la Chilcot Inquiry. Il lavoro di Ghazoul indaga sul nostro rapporto con le strutture politiche e sociali e parte di questo nuovo lavoro è un inventario di testimonianze ufficiali sulla guerra in Iraq, recentemente pronunciate da anonimi cittadini britannici. Questo aspetto dell’opera evidenzia tre dei temi chiave della mostra: l’arte come atto di catalogazione, la correlazione tra il momento in cui un’opera è realizzata e le sue qualità e idee formali su ciò che costituisce la comunità. Ghazoul, l’unica artista femminile in mostra, ha tenuto diverse mostre personali a Cardiff e ha partecipato a numerose mostre collettive in Galles e nel resto d’Europa.

Dando voce al popolo, Rabab Ghazoul riflette sul concetto di pubblico e dei suoi rappresentanti. Attraverso il semplice gesto di registrare le voci di cittadini anonimi dell’Inghilterra mentre ripetono un discorso dell’ex primo ministro britannico Tony Blair, l’artista decostruisce nozioni di verità, colpa e responsabilità.

Haider Jabbar
Il pittore Haider Jabbar (1986) mostra una serie di ritratti ad acquerello che riflettono sulla crisi dell’Isis e sulle numerose vittime che ha rivendicato. Queste opere sono interpretazioni scioccanti, spesso brutali, del destino dei giovani che sono morti nel conflitto. Gli uomini sono identificati solo dai numeri dei casi e Jabbar, che si considera parte di una generazione di giovani uomini che hanno avuto la loro vita inutilmente rovinata da decenni di conflitto in Iraq, intende realizzare 2.000 di queste opere. Jabbar è lui stesso un rifugiato, ora vive e lavora in Turchia con il sostegno della Fondazione Ruya.

I volti di Haider Jabbar diventano muti in seguito al brutale atto di decapitazione. L’artista riflette sul corpo a pezzi realizzando un archivio di teste decapitate, vittime della violenza. Il suo linguaggio artistico tradisce un fascino per il lavoro di alcuni dei suoi coetanei più anziani, ma la differenza può essere trovata nel modo in cui “traduce” ciò che ha vissuto in un’immagine con un fascino universale. Ogni dotto abbraccia tragici frammenti di realtà.

Salam Atta Sabri
Salam Atta Sabri (nato nel 1953) ha lavorato a lungo nell’amministrazione delle arti in Iraq e all’estero, ma nonostante la sua formazione come ceramista e il disegno estensivo, non ha mai mostrato i suoi disegni in pubblico. Tra il 2012 e il 2015 ha prodotto circa 300 disegni che non ha mai esposto, di cui oltre 100 sono esposti al Padiglione. Queste opere intensamente personali mostrano l’esperienza di un artista che cerca di creare all’ombra di un’infrastruttura artistica fatiscente. Atta Sabri è tornato a Baghdad nel 2005 dopo aver vissuto negli Stati Uniti e in Giordania per 16 anni, e i suoi disegni possono essere intesi come un diario in cui l’artista affronta la tragedia esistenziale che subisce tornando nella sua città natale.

Il diario di disegni di Salam Atta Sabri. Le lettere di Baghdad possono essere intese come annotazioni introspettive in cui le tragiche circostanze di un paese si scontrano con il dramma personale di un artista che sente l’imperativo di fare arte in un contesto caratterizzato da condizioni non artistiche.

Tracce di sopravvivenza in Iraq
Una mostra di oltre 500 disegni realizzati da rifugiati nel nord dell’Iraq – raccolti da Ruya a Camp Shariya, Camp Baharka e Mar Elia Camp – accompagnerà la mostra. L’artista cinese Ai Weiwei ha selezionato alcune di queste opere da includere in una pubblicazione, TRACES OF SURVIVAL: Drawings of Refugees in Iraq, selezionata da Ai Weiwei, che sarà lanciata alla Biennale. Il ricavato del libro sarà dato a coloro che hanno fornito il contenuto.

La mostra è accompagnata da una mostra di disegni realizzati da rifugiati nel nord dell’Iraq. Nel dicembre 2014 Ruya ha lanciato una campagna per fornire materiale da disegno a uomini e donne adulti nei campi profughi. Ruya ha visitato Camp Shariya, Camp Baharka e Mar Elia Camp e per cinque giorni la Fondazione ha raccolto 546 proposte, tra cui disegni, poesie e prosa. Una selezione di questi disegni è in mostra. Le osservazioni presentano risposte incredibilmente potenti alla vita all’interno dei campi profughi. Una rappresentazione di carri armati e velivoli che si scambiavano fuoco l’uno sull’altro è stata disegnata da un uomo di quarant’anni che trasportava la didascalia: “Il nostro popolo ha vissuto solo tra guerre e distruzione”, mentre un’altra immagine raffigura una figura isolata in un campo profughi allagato che petizioni: “Salvaci dall’annegamento. Sono iracheno. “Al contrario, altri disegni descrivono la vita prima della crisi dei rifugiati, tra cui una brillante rappresentazione di Mosul prima che Iside prendesse il controllo e una rappresentazione di un tradizionale festival yazidi. Alcune di queste immagini sono state selezionate da Ai Weiwei per un importante libro pubblicato in coincidenza con la Biennale. I proventi del libro torneranno a coloro che hanno fornito il contenuto.

Quest’opera è stata disegnata da un uomo di 41 anni, che raffigura la sua città di Mosul, che fuggì quando Iside prese il potere. La didascalia si traduce in: “Amato Mosul. Torneremo a Dio piacendo. “Una ragazza di 18 anni descrive la sua migliore amica che ha visto morta e insanguinata dopo essere stata violentata sul Monte Sinjar. Al momento in cui questo disegno è stato realizzato, la sua amica era ancora insepolta. Questo è un disegno del campo in cui vive attualmente l’uomo. Raffigura il campo inondato, incluso se stesso e gli altri che gridano: “Salvaci dall’annegamento. Sono iracheno “.

Un albero di melograno nel giardino di un vecchio Yezidi costretto a fuggire da casa sua quando Iside attaccò il Monte Sinjar. Ricorda in dettaglio il giorno in cui Iside attaccò. Questo albero rappresenta la casa per lui.

La bellezza invisibile delle opere di questa mostra si estende al coraggio degli artisti riguardo all’impegno. Invisible Beauty dà voce a diverse generazioni di artisti, tutti prigionieri del decadimento di un paese. Allo stesso tempo, ognuno di loro crede che come artista si possa prendere una posizione, si può assumere una responsabilità diversa dalla credenza ortodossa nella pura bellezza. Questi artisti stanno ancorando le loro pratiche artistiche in un complesso tumulto di perdita, identità, memoria e bellezza. Invisible Beauty è una mostra che sussurra, che si articola delicatamente. Sullo sfondo apocalittico del recente passato iracheno, gli artisti trovano ancora il coraggio di impegnarsi in lavori in cui il singolo artista è indipendente da qualsiasi forma di accademismo e dipende da una densa riflessione su come l’arte si relaziona con la società.

Palazzo Dandolo Farsetti
Ca ‘Farsetti (o Palazzo Dandolo Farsetti) è un palazzo veneziano, situato nel quartiere di San Marco e affacciato sul Canal Grande, non lontano dal Ponte di Rialto. È la sede, insieme all’adiacente Ca ‘Loredan, del comune della città lagunare.

Il palazzo fu costruito nel XIII secolo per volontà dei discendenti del doge Enrico Dandolo, di soli due piani.
Federigo Contarini, che acquistò il palazzo nel 1440, lo fece ampliare in altezza, portandolo alle sue dimensioni attuali.

Intorno al 1670 passa alla famiglia da cui prende il nome, il Farsetti, che nel corso del XVIII secolo istituì una sorta di centro culturale aperto a intellettuali, artisti, cittadini e turisti stranieri. Nel “museo” c’era una ricca collezione di opere d’arte di varie epoche e sfondi, completata da una biblioteca ben fornita.

L’ultimo membro della famiglia fu Anton Francesco che, sovraccaricato dai debiti, chiuse la galleria nel 1788 e iniziò a alienare le opere conservate. Immediatamente bloccato dagli Inquisitori di Stato, fu in grado di riprendere le vendite dopo la caduta della Serenissima.

Deceduto nel 1808, il palazzo fu acquistato all’asta dalla vedova Andriana da Ponte come creditore in dote. Per un certo periodo fu installato l’albergo “Gran Bretagna”, ma nel 1826 fu venduto all’amministrazione comunale di Venezia che l’anno successivo lo trasformò in residenza municipale, ruolo che svolge tuttora.

La facciata di Palazzo Farsetti ha un edificio su tre livelli più un soppalco: i primi due sono quelli del nucleo originale, con una loggia in stile veneziano-bizantino a livello del canale; il secondo piano e il mezzanino sono il risultato di opere rinascimentali.

Il piano terra ha al centro un portico chiuso da cinque archi a tutto sesto, sorretti da quattro colonne corinzie, strutturalmente simili a quelle dell’adiacente Ca ‘Loredan, a cui è collegato Ca’ Farsetti, sul lato sinistro, attraverso un “cavalcavia”. Al piano principale, la facciata è caratterizzata da quindici aperture rotonde con una lunga balaustra per segnare i due livelli.

All’interno si trova la scala dell’ala destra, dovuta alle opere che i Farsetti intrapresero nel XVIII secolo e la sala al piano principale con stucchi dello stesso secolo.

Biennale di Venezia 2015
La Biennale d’Arte 2015 chiude una sorta di trilogia iniziata con la mostra curata da Bice Curiger nel 2011, Illuminazioni, e proseguita con il Palazzo Enciclopedico di Massimiliano Gioni (2013). Con All The World Futures, La Biennale prosegue la sua ricerca su riferimenti utili per esprimere giudizi estetici sull’arte contemporanea, una questione “critica” dopo la fine dell’arte d’avanguardia e “non artistica”.

Attraverso la mostra curata da Okwui Enwezor, La Biennale torna a osservare il rapporto tra arte e sviluppo della realtà umana, sociale e politica, nella pressione di forze e fenomeni esterni: i modi in cui, cioè, le tensioni dell’esterno il mondo sollecita le sensibilità, le energie vitali ed espressive degli artisti, i loro desideri, i movimenti dell’anima (il loro canto interiore).

La Biennale di Venezia è stata fondata nel 1895. Paolo Baratta è stato presidente dal 2008, e prima ancora dal 1998 al 2001. La Biennale, che è all’avanguardia nella ricerca e promozione di nuove tendenze dell’arte contemporanea, organizza mostre, festival e ricerche in tutti i suoi settori specifici: Arts (1895), Architecture (1980), Cinema (1932), Dance (1999), Music (1930) e Theater (1934). Le sue attività sono documentate presso l’Archivio storico delle arti contemporanee (ASAC) che recentemente è stato completamente rinnovato.

Il rapporto con la comunità locale è stato rafforzato attraverso attività didattiche e visite guidate, con la partecipazione di un numero crescente di scuole venete e non solo. Questo diffonde la creatività sulla nuova generazione (3.000 insegnanti e 30.000 studenti coinvolti nel 2014). Queste attività sono state supportate dalla Camera di commercio di Venezia. È stata inoltre istituita una collaborazione con università e istituti di ricerca che organizzano tour speciali e soggiorni nelle mostre. Nel triennio 2012-2014, 227 università (79 italiane e 148 internazionali) hanno aderito al progetto Sessioni della Biennale.

In tutti i settori ci sono state maggiori opportunità di ricerca e produzione rivolte alle giovani generazioni di artisti, direttamente in contatto con insegnanti di fama; questo è diventato più sistematico e continuo attraverso il progetto internazionale Biennale College, attualmente in corso nelle sezioni Danza, Teatro, Musica e Cinema.