Il ritratto interiore (portrait d’intérieur) o, in tedesco, Zimmerbild (foto di sala), è un genere pittorico che è apparso in Europa verso la fine del XVII secolo e che ha goduto di una grande voga nella seconda metà del XIX secolo. Implica una rappresentazione attenta e dettagliata di uno spazio abitativo, senza persone. Questi dipinti erano generalmente resi come acquerelli e richiedevano una grande maestria tecnica, se poca creatività. Verso la metà del 20 ° secolo, anche se tali scene erano ancora in fase di creazione, la fotografia aveva trasformato questo stile di pittura in una forma di arcaismo intenzionale.

Il termine ritratto di interni si riferisce a un genere di pittura che si occupa della rappresentazione di interni – per lo più privati ​​- ed era quasi esclusivamente nell’epoca culturale del Biedermeier era molto diffuso.

Il ritratto interno non deve essere confuso con quello che viene chiamato un “pezzo di conversazione” in Inghilterra; un termine che designa una scena con un gruppo di persone impegnate in alcune attività e spesso poste all’aperto. Il vero pezzo interno mostra solo la stanza e l’arredamento, anche se l’attività precedente può essere suggerita dal posizionamento di articoli nella stanza.

C’erano dipinti come disegni, acquerelli e gouaches, nonché in diverse tecniche di miscelazione. Erano relativamente piccoli, la loro dimensione media del paesaggio era di circa 32,5 × 22,5 cm, si sono verificate deviazioni più o meno accentuate, ma erano rare. Le illustrazioni seguivano nella maggior parte dei casi il principio del cofanetto. L’attenzione era spesso leggermente spostata dal centro a sinistra. Queste opere non erano opera di dilettanti, ma di artisti professionisti, in parte da “pittori della stanza” specializzati. Un chiaro esempio dell’apprezzamento che il genere ha goduto per un po ‘è una serie di nove acquerelli che il famoso pittore di architettura Eduard Gaertner ha commissionato alla famiglia reale per creare interni al Palazzo della città di Berlino.

Lo stato di un particolare interno è stato descritto con grande precisione in un determinato momento: l’aspetto e la disposizione dei mobili, i colori e i motivi di carta da parati, tende e tappeti, il design delle stanze con opere d’arte, oggetti di uso quotidiano o ornamenti. Questa riproduzione dettagliata degli interni rivela quanto intensamente i contemporanei abbiano a che fare con gli oggetti del loro ambiente privato e, allo stesso tempo, rende chiaro che volevano anche documentarli. Le persone venivano raramente mostrate in queste immagini, e in tal caso, quindi a malapena con le loro caratteristiche individuali, ma su piccola scala e in un’attività che corrispondeva allo scopo di ciascuna stanza. Soprattutto, l’individuo era indirettamente presente attraverso la descrizione esatta del suo ambiente privato.

Le foto delle stanze venivano solitamente commissionate come regali personali in determinate occasioni. La principessa Elisabetta prussiana regalò ai suoi genitori una foto della sua scuola materna di Berlino quando andò a Darmstadt sposata giovane. E un acquerello dello studio del Granduca Ludwig II di Hessen-Darmstadt fu una copia dopo la sua morte e fu donato postumo. Le foglie furono probabilmente trasmesse, almeno non pubblicamente emesse e non vendute. Sono stati messi insieme in album – un’occupazione poi popolare con le donne nella società – e li hanno guardati in un ambiente domestico. Oltre al loro significato emotivo, queste antologie erano anche immagini della comprensione dell’arte, del livello di istruzione e dello status sociale dei loro proprietari.

Primo ritratto interiore
L’interno è stato a lungo presente nelle opere grafiche dei tedeschi e dei primi Paesi Bassi nel 16 ° secolo, nei dipinti degli olandesi nel 17 ° secolo, utilizzato come sfondo nella parte anteriore e ritratti intimo. Nel 17 ° secolo, l’immagine olandese degli interni divenne presto un genere di arte nazionale.

Ai tempi del Medioevo europeo, l’attenzione era rivolta non solo agli interni delle chiese e delle cattedrali romaniche e gotiche, ma anche alle abitazioni private. Gli interni monastici e laici (romanico e gotico) differivano nell’ascetismo e nell’arredamento minimo. Ma anche allora c’è una ridistribuzione dei locali su appuntamento – cucine, sale, sale da pranzo, camere da letto per i proprietari, camere per gli ospiti e le loro camere da letto, abitazioni per servitori, arsenali, guardiani. Un numero limitato di interni medievali o dei loro angoli si riflette nelle miniature contemporanee, nei disegni del tardo Gentile, nelle opere della pittura olandese antica, quest’ultima a lungo basata sull’esperienza del Medioevo nazionale. L’immagine degli interni si è evoluta lentamente dall’immagine schematica

Il capolavoro dell’antica pittura olandese fu il ritratto dei novelli sposi Arnolfini, Jan van Eyck (1434, National Gallery (Londra)). L’artista ha presentato un momento di giuramento di matrimonio all’interno della casa borghese, dove ha sposato un mercante italiano, da tempo residente in Olanda. Jan van Eyk ha osato allargare i confini del solito ritratto, senza nascondere la differenza di età e carattere degli sposi, riproducendo esattamente i vestiti insoliti ora. Gli sposi sono nella stanza, illuminati da una luce morbida e scintillante dalla finestra. Seguendo una tradizione medievale, Jan van Eyk mise nella stanza un certo numero di cose che avevano un significato pratico e simbolico: una candela accesa – un accenno di un matrimonio, un’arancia sulla finestra – un accenno di piacere, un cagnolino da camera – un allegoria di lealtà, un’accetta o un’imbracatura – un segno di pietà e così via. Ma la specificità dell’immagine delle cose di famiglia restituisce lo spettatore alla realtà e al rapporto delle cose nella vita di tutti i giorni, alle aspirazioni dei governanti alla purezza, alla convenienza, al benessere e al conforto, così intrinseco e piacevole nelle case di i Paesi Bassi, e questo non è normale per gli italiani rumorosi e nomadi che possono convertire anche i palazzi sulla piazza nomade. L’inconveniente e l’incoerenza degli interni italiani si sono poi lamentati con i viaggiatori olandesi e tedeschi.

Numerose immagini di interni sono state create da maestri della grafica tedesca. Tra questi, come scene religiose (“Annunciazione”, “Stretching”), così come l’immagine dei padri fondatori (“San Girolamo nella cella”). L’immagine di San Girolamo nella cella fu praticamente canonizzata e trasformata logicamente dai maestri medievali ai maestri dell’epoca della rigenerazione e del manierismo, dove ognuno di essi sottopose la propria interpretazione della cellula del teologo.

Tra le storie secolari, l’attenzione è attirata dalle rare immagini di persone durante il tempo libero (Izrael van Mekenem Jr. (1440-1503), incisione “The Dance in Roundabout”) o un ciclo di incisioni con immagini di artigiani nei loro laboratori (incisore Yost Amman, “Brewer”, “” Tkach Kilimar “,” Printing House “,” Farmacia “,” Parrucchiere “,” Vetrate Studio “) Gli interni non sono separati da persone o situazioni domestiche – e non saranno separati ancora per molto tempo, ma i maestri riprodussero liberamente le peculiarità dell’arredo contemporaneo, degli oggetti per la casa, delle macchine utensili, degli strumenti e dell’abbigliamento di quel tempo.Nel ciclo di incisioni con gli artigiani, sono proprio questi mestieri che sono caratterizzati da caratteristiche, caratteristiche specifiche e persino caratteristiche della tecnologia.

Ritratto interno del XVII secolo
Questo tipo di scena appare per la prima volta verso la fine del 17 ° secolo. A quel tempo, l’intento era del tutto descrittivo. Di solito venivano fatti appositamente per mostrare i contenuti di una galleria d’arte, una biblioteca personale o un gabinetto di curiosità. Uno dei primi esempi conosciuti descrive la biblioteca di Samuel Pepys a Londra, risalente al 1693. Sono ancora oggi apprezzate da ricercatori e decoratori. Nel caso di Pepys, si può vedere, in prima persona, come uno studioso di quel tempo organizza i suoi libri in una libreria (un’innovazione in quel momento), usa un leggio, mette cuscini per la sua comodità, appende mappe, ecc.

L’arte dei Paesi Bassi è cresciuta logicamente nell’arte di tutte le regioni che facevano parte del territorio dei Paesi Bassi storici nel XV e XVI secolo quando, insieme alle Fiandre, erano membri di un’unica formazione politico-statale. Dal 17 ° secolo ci fu una divisione statale e artistica, che portò alla formazione di due scuole artistiche nazionali, uniche per origine, ma di diverso carattere. Anche le differenze confessionali hanno contribuito alla distinzione artistica. Il sud dei Paesi Bassi e le Fiandre rimasero nel seno del cattolicesimo, dove l’arte religiosa ebbe una nuova fioritura nel XVII secolo. in stile barocco. L’Olanda è diventata prevalentemente uno stato protestante con guide realistiche nella cultura e l’uso limitato della stilistica barocca.

All’inizio del XVII secolo, l’Olanda ebbe molti anni di autoaffermazione e vivacità. Perché la lotta per l’indipendenza dal potente impero della Spagna si concluse con successo. C’è stato un lungo lavoro sul riconoscimento del giovane stato, che è appena apparso sulla mappa politica dell’Europa occidentale. L’autoaffermazione e l’allegria erano inerenti sia al comportamento degli abitanti che all’arte nazionale, che era attivamente privata delle restrizioni religiose che andavano dall’Italia cattolica. La dominazione del protestantesimo, che non ha riconosciuto la pittura religiosa del modello cattolico e ha superato il palcoscenico dell’iconoclastia, ha portato a una significativa riduzione degli ordini per i dipinti religiosi. E, al contrario, porterà ad una diffusione esplosiva di temi secolari nei generi. Fu nell’arte dell’Olanda che un potere straordinario e uno sviluppo acquisirono un ritratto, un paesaggio, un genere quotidiano, una natura morta, un interno come un genere, che non era nemmeno conosciuto dai famosi centri di arte contemporanea in Italia o in Francia.

Gli artisti olandesi sono felici di dipingere gli interni delle proprie abitazioni e quelle straniere. Quasi tutte le composizioni del famoso Jan Wermer sono presentate in accoglienti interni in stile burgher. Maestri insoliti di interni con figure erano Jan Stan, Peter de Hooh, Gerard Terborh. Abbandonato dopo anni di iconoclastia, gli interni ascetici delle chiese dipinte da Peter Sanremad, Antony de Lorme ,. I sentimenti più caldi sono gli interni sacri nei dipinti di Emmanuel de Witte, illuminati dal sole e non ingombri di dettagli. Case semi-contadine di poveri tessitori, artisti, barili, notai, piccoli artigiani, forgiavano fabbri furono registrate da Peter Codde, Cornelis Beag, Michiel van Mücher, Adrian van Gasbeck, Cornelis Belt. La parte delle composizioni era con l’angolo obbligatorio dell’interno – è “Scienziato nel suo ufficio”. Rembrandt, Solomon Konink, Bartolomeus Maton, Constantine Nettsher, Dominique van Tol hanno creato le loro varianti con un personaggio adulto o grigio, sia come teologo, sia come astrologo (con libri, un globo). Gli interni nei dipinti di maestri olandesi accompagnano una persona dalla nascita alla morte o in una “lezione di anatomia” (visitata da tutti coloro che amano), un genere speciale dell’arte olandese del XVII secolo.

L’arte olandese del XVII secolo divenne un fenomeno peculiare nella situazione artistica dell’Europa nel XVII secolo. Da artisti fondati dai Paesi Bassi, arriveranno artisti di altre scuole europee d’arte europee.

Fu solo nell’ultimo quarto del XVIII secolo che un nuovo tipo di ritratto interiore con un diverso intento fece la sua apparizione. Questo tipo è nato per la prima volta negli studi di architettura ed è stato fatto per il beneficio dei loro clienti. Grandi architetti come James Adam e suo fratello Robert Adam of Scotland e François-Joseph Bélanger eseguirono gli acquerelli dei loro progetti precedenti per attirare potenziali clienti. Ciò ha creato una moda tra i ricchi e la nobiltà per commissionare i dipinti delle proprie stanze, per mettersi in mostra e preservare per i posteri. Questi dipinti sono stati spesso compilati in album. Questa mania era particolarmente diffusa in Inghilterra. Da lì, si diffuse ampiamente in tutta Europa.

Una caratteristica del Biedermeier era lo sviluppo della semplicità e della modestia – non come un atteggiamento etico, ma come una domanda di stile. Invece di forme traboccanti e abbondante applicazione dell’oro, oggetti semplici e formalmente ridotti e materiali semplici ma magistralmente realizzati erano considerati una prova di qualità estetica. Questo particolare tipo di modesta modestia era costoso. La nobiltà e sempre più la ricca borghesia potevano permetterselo – e avevano i risultati registrati nelle immagini.

Periodizzazione nel 18 ° secolo
Per qualche tempo l’arte del 18 ° secolo. in Francia, erano divisi in due periodi principali: rococò e classicismo (o neoclassicismo del tardo XVIII secolo) o re che erano improduttivi. Questo approccio semplicistico, prevalente nell’arte della Francia, è piuttosto schematico e non si basa su modelli storici e sulla loro impronta nella realtà. L’approccio semplicistico ignorava i cambiamenti reali, con un’enfasi su altri eventi, spingeva il calore della lotta antifeudale e l’importanza di un periodo come il classicismo rivoluzionario, un fenomeno unico dell’arte occidentale europea.

La vera immagine della lotta delle idee e dei cambiamenti di stile era molto più complicata, cattiva, a più stadi.

I primi decenni del XVIII secolo. – è classicismo accademico, molto particolare e più simile al classicismo “barocco”.
Le direzioni stilistiche sono state precedute da un periodo di pre-coco, i cui deboli germogli hanno sfondato il lavoro di diversi maestri, non necessariamente francesi (l’olandese Nicholas Berchem, l’italiano Rosalba Career di Venezia)
Rococò (che regnava tra il classicismo accademico del XVII secolo e il neoclassicismo della fine del secolo).
L’illuminazione si sviluppò parallelamente e sincronicamente con il rococò e praticamente preparò la rivoluzione antifeudale del biennio 1789-1793.
Il classicismo del tardo XVIII secolo. in convivenza con il sentimentalismo, il classicismo rivoluzionario a breve termine e imposto all’arte della Francia (Napoleone ed i suoi sostenitori del maresciallo) impero.
Il classicismo (e l’impero) durarono fino al 1830 e 1850 e coesistettero con il romanticismo.
Quasi in tutti i periodi, la pittura storica, ha dichiarato un genere presidenziale, ha perso le sue posizioni di primo piano, cedendo al genere dei ritratti. Per quasi tutti gli artisti noti del secolo, i sostenitori rococò di Francia e Italia, erano ritrattisti, e il ritratto era al centro della lotta di idee, praticamente alla ricerca artistica. .

Interni in pittura rococò
L’inizio del XVIII secolo a Parigi fu segnato dalla nascita dello stile rococò. Alla formazione di un nuovo stile nella pittura sono stati coinvolti gli artisti francesi Antoine Watteau e l’italiano di Venezia Rosalba Career, attivamente sostenuti dal ricco e patron Pedro Croz. Germain Bofran divenne la prima figura significativa tra gli interior designer che iniziarono il rococò nella decorazione del palazzo di numerosi hotel (proprietà private urbane degli aristocratici francesi). L’Oval Hall dell’Hotel Subiz è diventato un modello di un nuovo stile – con il suo rifiuto della tettonica classica e dei pilastri colonnari, con finestre ad arco, decorazione vegetale, che si attaccava agli inserti e passava al soffitto. Gli edifici ordinari sono sostituiti da pannelli di legno, dipinti e specchi sono intessuti in strani ornamenti sinuosi, leggeri e capricciosi. Una caratteristica importante degli interni è l’arredamento leggero e confortevole, che ha soppiantato il lussureggiante e pesante arredamento barocco.

L’arte, in quanto tale, rimane aristocratica e serve i bisogni degli stati privilegiati della società. L’arte del rococò (con la sua frivolezza, il culto del piacere, il flirt) esiste come per compiacere l’aristocrazia e intrattenerla facilmente nel tempo libero. Sarebbe rimasta una delle pagine di moda, se non fosse per affrontare la stilistica del rococò di un certo numero di artisti estremamente dotati, tra cui Germain Boffran. Per la prima volta dall’era gotica, gli interni hanno rifiutato l’ordine, sostituendolo con decori vegetativi o ondulati. I cambiamenti nella moda, nelle riparazioni e nella riqualificazione dei locali in altri stili non hanno contribuito alla conservazione degli interni in stile rococò. La nozione del loro significativo valore artistico verrà dopo. Fu allora, nel 19 ° secolo, che sarebbero stati registrati in una serie di acquerelli (dipinti da Hau Edward Petrovich, interni del Grande Palazzo Gatchina), in immagini e foto del 20 ° secolo. Il notevole valore artistico delle rarità rococò nelle rocce del Regno Unito fa sì che gli storici si trasferiscano nell’arredamento unico del Norfolk Nouus Palace al Victoria and Albert Museum (Norfolk Nawas Music Hall), dove diventerà un’importante esposizione del passato.

Apogeo nel 19 ° secolo
Il primo esempio storicamente importante del ritratto interno rappresenta una piccola galleria d’arte allestita dall’imperatrice Josephine a Malmaison nel 1812. In questo acquerello di Auguste-Siméon Garneray, possiamo vedere la sua arpa, la sua collezione d’arte e il suo scialle, lasciati su una poltrona . Così appare un nuovo elemento: gli elementi psicologici dell’arredamento e una presenza umana palpabile. Si possono sentire le emozioni e i pensieri del proprietario. In questo senso, i dipinti sono veramente diventati “ritratti”.

Il diciannovesimo secolo sperimenterà una moda di queste rappresentazioni pittoriche, che è spiegato da molti fattori. Nelle alte classi sociali, il fenomeno coincide con la crescente importanza data alla casa come luogo di conforto, intimità, famiglia. Le funzioni di moneta stanno diventando sempre più specializzate: ad esempio, il concetto di sala da pranzo è ormai standard6. D’altra parte, lo sviluppo di nuove classi medie, ansioso di copiare il gusto aristocratico, aumenta il movimento: con l’avanzare del secolo, l’arredamento diventa più accessibile, grazie alle tecnologie industriali che lo producono in serie, in un’ampia varietà di scelta. Infine, le modalità decorative si rinnovano rapidamente, gli stili precedenti sono rivisitati: neo-gotico, neo-classico, neo-louis XV, ecc. È quindi comune per i proprietari di casa ordinare le viste dei loro interni per ricordare, offrire o lasciarli in eredità .

L’immensa popolarità di questi dipinti nell’Ottocento può essere spiegata da molti fattori. Tra i nuovi ricchi e la borghesia, grande importanza è stata data alla casa come luogo di conforto, intimità e famiglia. Questo periodo vide anche una specializzazione (ad esempio sale da pranzo separate) che una volta erano noti solo ai più ricchi. Queste nuove “classi medie” erano anche desiderose di copiare i gusti aristocratici e l’industrializzazione rendeva una gamma molto più ampia di mobili facilmente accessibili. Infine, gli stili decorativi venivano continuamente cambiati e fatti risorgere, così i ritratti interiori erano un modo per conservare i propri ricordi e lasciarli alla generazione successiva.

La regina Vittoria era molto affezionata a questi ritratti dato che le permettevano di dare al pubblico uno sguardo amorevole sulla sua vita familiare e le comodità di casa in modo raffinato. La mania si diffuse così in tutta la famiglia reale d’Europa. A causa del numero di palazzi lussuosamente decorati che possedevano (Il Palazzo d’Inverno, Tsarskoye Selo, Palazzo Gatchina, Palazzo di Peterhof, Palazzo di Pavlovsk …), gli zar erano tra i più entusiasti committenti di ritratti interiori. Praticamente tutte le loro stanze (tranne le più private) sono state renderizzate almeno una volta; alcune volte. Questi acquerelli sono considerati tra i migliori del loro genere.

Nelle sezioni storiche immediatamente successive, le immagini hanno conservato il loro valore di memoria privata per un po ‘, ma hanno perso il loro significato attraverso il cambiamento delle viste estetiche e delle abitudini individuali. Il desiderio di documentare le proprie quattro pareti in questo modo speciale non era più così diffuso come prima. Chiunque volesse ancora utilizzare il mezzo “moderno” della fotografia. A una distanza maggiore dalla loro creazione, tuttavia, i dipinti delle stanze Biedermeier divennero di nuovo importanti fonti di informazioni speciali sulla storia culturale.

La rinascita nel ventesimo secolo
Nel XX secolo e oggi, alcuni artisti perpetuano questa tradizione. Gli artisti perpetuano oggi l’arte della ritrattistica interiore, lavorando sull’ordine, in acquerello o olio. I proprietari di casa ordinano le vedute delle loro case per ricordarle, offrirle o trasmetterle in eredità ai loro figli, come testimonianza della felicità di vivere o di aver vissuto in un luogo amato. I decoratori usano questa arte anche per progetti che vogliono creare un’atmosfera speciale.

Artisti specializzati
In un’epoca in cui ogni giovane donna colta imparava a dipingere acquerelli, molti dipingevano le proprie stanze o quelle in cui venivano date le loro lezioni. La maggior parte degli esempi sopravvissuti sono anonimi e raramente di alta qualità, ma spesso hanno un fascino che compensa ciò di cui mancano le competenze tecniche.

Tuttavia, alcuni membri dell’aristocrazia avevano un vero talento, rasentando il professionista. Il conte polacco Artur Potocki, ad esempio, viaggiò molto, dipingendo acquerelli delle camere d’albergo e di altri luoghi in cui soggiornò, da Roma a Londra.

Tuttavia, virtualmente tutte le opere di altissima qualità sono state prodotte da professionisti con eccezionale virtuosismo negli acquerelli e una padronanza della prospettiva … specialmente la prospettiva conica, con due o tre punti di fuga, che produce un effetto inquietante fotografico per gli occhi moderni.

Con poche eccezioni, come Jean-Baptiste Isabey e Eugène Lami di Francia, l’architetto John Nash e il produttore di mobili Thomas Sheraton (entrambi in Inghilterra), pochi artisti che si sono occupati esclusivamente di questi ritratti sono ancora oggi familiari. Tra alcuni artisti degni di nota che li hanno prodotti, non menzionati in precedenza:

In Inghilterra: William Henry Hunt, Mary Ellen Best, William Henry Pyne.
In Francia: Charles Percier, Adrien Dauzats.
In Germania: Ferdinand Rothbart, Rudolf von Alt, Eduard Gaertner.
In Russia: Eduard Hau, Vasily Sadovnikov, Konstantin Ukhtomsky, Grigory Chernetsov, Nikanor Chernetsov (suo fratello), Alexander Brullov, Karl Brullov (suo fratello), Pyotr Sokolov, Orest Kiprensky, Alexey Venetsianov.
In Polonia, Aleksander Gryglewski.