Storia della fotografia a colori
La fotografia a colori è la fotografia che utilizza supporti in grado di riprodurre i colori. Al contrario, la fotografia in bianco e nero (monocromatica) registra solo un singolo canale di luminanza (luminosità) e utilizza supporti in grado di mostrare solo sfumature di grigio.
Nella fotografia a colori, i sensori elettronici o le sostanze chimiche sensibili alla luce registrano le informazioni sul colore al momento dell’esposizione. Questo di solito viene fatto analizzando lo spettro dei colori in tre canali di informazione, uno dominato dal rosso, l’altro dal verde e il terzo dal blu, a imitazione del modo in cui il normale occhio umano percepisce il colore. Le informazioni registrate vengono quindi utilizzate per riprodurre i colori originali mescolando varie proporzioni di luce rossa, verde e blu (colore RGB, utilizzato da schermi video, proiettori digitali e alcuni processi fotografici storici) o utilizzando coloranti o pigmenti per rimuovere varie proporzioni di rosso, verde e blu presenti nella luce bianca (colore CMY, utilizzato per stampe su carta e trasparenze su pellicola).
Le immagini monocromatiche che sono state “colorate” colorando aree selezionate manualmente o meccanicamente o con l’ausilio di un computer sono “fotografie a colori”, non “fotografie a colori”. I loro colori non dipendono dai colori reali degli oggetti fotografati e possono essere molto imprecisi o completamente arbitrari.
Alla base di praticamente tutti i processi di colore pratici, il metodo a tre colori fu proposto per la prima volta in un documento del 1855 dal fisico scozzese James Clerk Maxwell, con la prima fotografia a colori prodotta da Thomas Sutton per una conferenza di Maxwell nel 1861. La fotografia a colori è stata la dominante forma di fotografia dagli anni ’70, con la fotografia monocromatica per lo più relegata in mercati di nicchia come la fotografia d’arte.
Storia
Primi esperimenti
La fotografia a colori è stata tentata a partire dagli anni Quaranta dell’Ottocento. I primi esperimenti furono diretti a trovare una “sostanza camaleontica” che avrebbe assunto il colore della luce che cadeva su di essa. Alcuni primi risultati incoraggianti, tipicamente ottenuti proiettando uno spettro solare direttamente sulla superficie sensibile, sembravano promettere il successo finale, ma l’immagine relativamente scura formata in una fotocamera richiedeva esposizioni che duravano ore o persino giorni. La qualità e la gamma del colore erano talvolta severamente limitate principalmente ai colori primari, come nel processo “Hillotype” chimicamente complicato inventato dal dagherrotipista americano Levi Hill intorno al 1850. Altri sperimentatori, come Edmond Becquerel, ottennero risultati migliori ma non trovarono alcun modo per evitare che i colori si sbiadiscano rapidamente quando le immagini sono state esposte alla luce per la visualizzazione. Nei decenni successivi, esperimenti rinnovati su queste linee periodicamente sollevarono speranze e poi le trassero, non apportando nulla di valore pratico.
Un approccio completamente diverso al colore
Gabriel Lippmann è ricordato come l’inventore di un metodo per riprodurre i colori attraverso la fotografia, basato sul fenomeno dell’interferenza, che gli è valso il premio Nobel per la fisica per il 1908.
Nel 1886 l’interesse di Lippmann si era trasformato in un metodo per fissare i colori dello spettro solare su una lastra fotografica. Il 2 febbraio 1891, annunciò all’Accademia delle scienze: “Sono riuscito a ottenere l’immagine dello spettro con i suoi colori su una lastra fotografica per cui l’immagine rimane fissa e può rimanere alla luce del giorno senza deterioramento”. Nell’aprile 1892, fu in grado di riferire che era riuscito a produrre immagini a colori di una vetrata, un gruppo di bandiere, una ciotola di arance sormontata da un papavero rosso e un pappagallo multicolore. Presentò la sua teoria della fotografia a colori usando il metodo dell’interferenza in due documenti all’Accademia, uno nel 1894, l’altro nel 1906.
Processi a tre colori
Il metodo a tre colori, che è il fondamento di praticamente tutti i processi di colore pratici, sia chimici che elettronici, è stato inizialmente proposto in un documento del 1855 sulla visione a colori del fisico scozzese James Clerk Maxwell.
Si basa sulla teoria di Young-Helmholtz secondo la quale il normale occhio umano vede il colore perché la sua superficie interna è ricoperta da milioni di cellule di coni intrecciate di tre tipi: in teoria, un tipo è più sensibile alla fine dello spettro che chiamiamo “rosso” “, un altro è più sensibile alla regione centrale o” verde “, e un terzo che è fortemente stimolato dal” blu “. I colori nominati sono divisioni alquanto arbitrarie imposte allo spettro continuo della luce visibile, e la teoria non è una descrizione del tutto precisa della sensibilità del cono. Ma la semplice descrizione di questi tre colori coincide abbastanza con le sensazioni esperite dall’occhio che quando questi tre colori sono usati i tre tipi di coni sono stimolati adeguatamente e in modo non equo per formare l’illusione di varie lunghezze d’onda intermedie di luce.
Nei suoi studi di visione a colori, Maxwell ha mostrato, usando un disco rotante con il quale poteva alterare le proporzioni, che qualsiasi tonalità visibile o tonalità grigia poteva essere fatta mescolando solo tre colori puri di luce – rosso, verde e blu – in proporzioni ciò stimolerebbe i tre tipi di cellule allo stesso grado in particolari condizioni di illuminazione. Per sottolineare che ogni tipo di cellula da sola non vedeva il colore ma era semplicemente più o meno stimolato, ha disegnato un’analogia con la fotografia in bianco e nero: se tre fotografie incolori della stessa scena erano state prese in rosso, verde e blu i filtri e le trasparenze (“diapositive”) create da essi sono stati proiettati attraverso gli stessi filtri e sovrapposti a uno schermo, il risultato sarebbe un’immagine che riproduce non solo il rosso, il verde e il blu, ma tutti i colori nella scena originale.
La prima fotografia a colori realizzata secondo la prescrizione di Maxwell, un insieme di tre “separazioni di colore” monocromatiche, fu scattata da Thomas Sutton nel 1861 per essere utilizzata per illustrare una lezione sul colore di Maxwell, in cui veniva mostrata a colori con il metodo della tripla proiezione. Il soggetto del test era un fiocco di nastro con strisce di vari colori, apparentemente incluso rosso e verde. Durante la conferenza, che riguardava la fisica e la fisiologia, non la fotografia, Maxwell ha commentato l’inadeguatezza dei risultati e la necessità di un materiale fotografico più sensibile alla luce rossa e verde. Un secolo dopo, gli storici erano sconcertati dalla riproduzione di qualsiasi rosso, perché il processo fotografico utilizzato da Sutton era per tutti gli scopi pratici insensibili alla luce rossa e solo marginalmente sensibili al verde. Nel 1961, i ricercatori hanno scoperto che molti coloranti rossi riflettono anche la luce ultravioletta, trasmessa per coincidenza dal filtro rosso di Sutton, e hanno ipotizzato che le tre immagini fossero probabilmente dovute a lunghezze d’onda ultraviolette, blu-verdi e blu, piuttosto che a rosso, verde e blu .
Colore additivo
La creazione di colori miscelando luci colorate (in genere rosso, verde e blu) in varie proporzioni è il metodo aggiuntivo di riproduzione del colore. I display a colori LCD, LED, plasma e CRT (picture tube) utilizzano tutti questo metodo. Se uno di questi display viene esaminato con un ingranditore sufficientemente forte, si vedrà che ciascun pixel è in realtà composto da subpixel rossi, verdi e blu che si fondono a distanze di visualizzazione normali, riproducendo una vasta gamma di colori, oltre che bianco e sfumature di grigio. Questo è anche noto come il modello di colore RGB.
Colore sottrattivo
Le stesse tre immagini prese attraverso i filtri rosso, verde e blu che sono usati per la sintesi del colore additivo possono anche essere usate per produrre stampe a colori e trasparenze con il metodo sottrattivo, in cui i colori vengono sottratti alla luce bianca da coloranti o pigmenti. Nella fotografia, i colori della tintura sono normalmente ciano, un blu verdastro che assorbe il rosso; magenta, un rosa-porpora che assorbe il verde; e giallo, che assorbe il blu. L’immagine filtrata in rosso viene utilizzata per creare un’immagine colorante cian, l’immagine filtrata in verde per creare un’immagine colorante magenta e l’immagine filtrata blu per creare un’immagine colorante gialla. Quando le tre tinte si sovrappongono, formano un’immagine a colori completa.
Questo è anche noto come il modello di colore CMYK. La “K” è un componente nero normalmente aggiunto nei processi di stampa ink-jet e altri processi di stampa meccanica per compensare le imperfezioni degli inchiostri colorati utilizzati, che idealmente dovrebbe assorbire o trasmettere varie parti dello spettro ma non riflettere alcun colore e migliorare definizione dell’immagine
Inizialmente può sembrare che ogni immagine debba essere stampata nel colore del filtro utilizzato per realizzarla, ma seguendo un dato colore attraverso il processo la ragione per stampare in colori complementari dovrebbe diventare evidente. Un oggetto rosso, per esempio, sarà molto pallido nell’immagine filtrata in rosso, ma molto scuro nelle altre due immagini, quindi il risultato sarà un’area con solo una traccia di ciano, che assorbe solo un po ‘di luce rossa, ma un una grande quantità di magenta e di giallo, che assorbono la maggior parte della luce verde e blu, lasciando principalmente la luce rossa a essere riflessa dal foglio bianco nel caso di una stampa, o trasmessa attraverso un supporto chiaro nel caso di una trasparenza.
Prima delle innovazioni tecniche degli anni dal 1935 al 1942, l’unico modo per creare una stampa a colori sottrattiva o la trasparenza era attraverso una delle numerose procedure laboriose e lunghe. Più comunemente, tre immagini dei pigmenti sono state inizialmente create separatamente dal cosiddetto processo del carbonio e quindi accuratamente combinate nel registro. Talvolta venivano utilizzati processi correlati per realizzare tre matrici di gelatina tinte e assemblate o utilizzate per trasferire le tre immagini colorate in un unico strato di gelatina rivestito su un supporto finale. Il viraggio chimico potrebbe essere utilizzato per convertire tre immagini in bianco e nero in immagini ciano, magenta e giallo che sono state poi assemblate. In alcuni processi, le tre immagini sono state create l’una sull’altra con ripetute operazioni di rivestimento o ri-sensibilizzazione, registrazione negativa, esposizione e sviluppo. Un certo numero di varianti furono ideate e commercializzate durante la prima metà del 20 ° secolo, alcune delle quali di breve durata, altre, come il processo di Trichrome Carbro, che durarono per diversi decenni. Poiché alcuni di questi processi consentono di utilizzare materiali coloranti molto stabili e leggeri, producendo immagini che possono rimanere praticamente immutate per secoli, non sono ancora del tutto estinti.
La produzione di stampe fotografiche tricolore su carta fu introdotta da Louis Ducos du Hauron, il cui completo brevetto francese del 1868 includeva anche i concetti di base della maggior parte dei processi fotografici a colori che furono successivamente sviluppati. Per rendere necessari i tre negativi a colori filtrati, era in grado di sviluppare materiali e metodi che non erano completamente ciechi rispetto alla luce rossa e verde come quelli usati da Thomas Sutton nel 1861, ma erano ancora molto insensibili a quei colori. I tempi di esposizione erano imprecisamente lunghi, il negativo rosso o arancione filtrato richiedeva ore di esposizione nella fotocamera. Le sue prime stampe a colori superstiti sono “stampe solari” di fiori e foglie pressati, ognuno dei tre negativi è stato realizzato senza fotocamera esponendo la superficie fotosensibile alla luce solare diretta passando prima attraverso un filtro colorato e poi attraverso la vegetazione. I suoi primi tentativi si basavano sui colori rosso-giallo-blu usati per i pigmenti, senza inversione di colore. Successivamente ha usato i colori primari della luce con inversione di colore.
Sensibilizzazione del colore
Fintanto che i materiali fotografici erano utilmente sensibili solo al blu-verde, al blu, al viola e all’ultravioletto, la fotografia a tre colori non sarebbe mai stata pratica. Nel 1873 il chimico tedesco Hermann Wilhelm Vogel scoprì che l’aggiunta di piccole quantità di certi coloranti all’anilina a un’emulsione fotografica poteva aggiungere la sensibilità ai colori assorbiti dai coloranti. Individuò i coloranti che variamente sensibilizzati per tutti i colori precedentemente inefficaci eccetto il vero rosso, a cui si poteva aggiungere solo una traccia marginale di sensibilità. L’anno successivo, Edmond Becquerel scoprì che la clorofilla era un buon sensibilizzatore per il rosso. Anche se ci sarebbero voluti molti anni prima che questi sensibilizzatori (e quelli migliori sviluppati in seguito) trovassero molto uso oltre le applicazioni scientifiche come la spettrografia, furono rapidamente e avidamente adottati da Louis Ducos du Hauron, Charles Cros e altri pionieri della fotografia a colori. Ora i tempi di esposizione per i colori “problematici” potrebbero essere ridotti da ore a minuti. Poiché le emulsioni di gelatina sempre più sensibili hanno sostituito i vecchi processi a collodio secco e umido, i minuti sono diventati secondi. Nuove coloranti sensibilizzanti introdotte all’inizio del 20 ° secolo hanno reso possibili le cosiddette esposizioni di colore “istantanee”.
Telecamere a colori
Effettuare separazioni di colore ricaricando la fotocamera e cambiando il filtro tra le esposizioni è stato scomodo, ha aggiunto ritardi ai già lunghi tempi di esposizione e potrebbe comportare il cambiamento accidentale della fotocamera fuori posizione. Per migliorare l’immagine attuale, un certo numero di sperimentatori ha progettato una o più fotocamere speciali per la fotografia a colori. Di solito erano di due tipi principali.
Il primo tipo utilizzava un sistema di superfici parzialmente riflettenti per dividere la luce proveniente dalla lente in tre parti, ciascuna delle quali passava attraverso un filtro di colore diverso e formando un’immagine separata, in modo che le tre immagini potessero essere fotografate contemporaneamente su tre lastre (pellicola flessibile non aveva ancora sostituito lastre di vetro come supporto per l’emulsione) o diverse aree di una lastra. Più tardi conosciute come telecamere “one-shot”, le versioni raffinate continuarono ad essere utilizzate fino agli anni ’50 per scopi speciali come la fotografia commerciale per la pubblicazione, in cui era necessario un set di separazioni di colore per preparare le lastre di stampa.
Il secondo tipo, conosciuto variamente come un dorso multiplo, ripetendo la fotocamera posteriore o posteriore, esponeva ancora le immagini una alla volta, ma utilizzava un supporto scorrevole per i filtri e le lastre che consentiva a ciascun filtro e alla corrispondente area non esposta di emulsione di essere rapidamente spostato in posizione. Il professore di fotochimica tedesco Adolf Miethe progettò una macchina fotografica di alta qualità di questo tipo che fu commercializzata da Bermpohl nel 1903. Probabilmente era questa fotocamera Miethe-Bermpohl che fu usata dall’allievo di Miethe Sergei Mikhailovich Prokudin-Gorskii per realizzare il suo ormai celebre colore fotografico indagini sulla Russia prima della rivoluzione del 1917. Una variante sofisticata, brevettata da Frederic Eugene Ives nel 1897, era guidata da un meccanismo a orologeria e poteva essere regolata in modo da rendere automaticamente ciascuna delle esposizioni per un diverso periodo di tempo in base alle particolari sensibilità cromatiche dell’emulsione utilizzata.
Altrimenti sono state provate telecamere semplici con più lenti colorate, ma a meno che tutto nella scena non fosse a una grande distanza, o tutto in un piano alla stessa distanza, la differenza tra i punti di vista delle lenti (parallasse) rendeva impossibile completamente “registra” tutte le parti delle immagini risultanti allo stesso tempo.
La fotografia a colori lascia il laboratorio
Prima della fine degli anni novanta del XIX secolo la fotografia a colori era strettamente dominio di pochi intrepidi sperimentatori disposti a costruire le proprie attrezzature, a fare il proprio colore sensibilizzando le emulsioni fotografiche, a fabbricare e testare i propri filtri colore e dedicando altrimenti una grande quantità di tempo e sforzo per i loro inseguimenti. C’erano molte opportunità che qualcosa andasse storto durante la serie di operazioni richieste e risultati senza problemi erano rari. La maggior parte dei fotografi considerava ancora l’idea della fotografia a colori come un sogno irrealizzabile, qualcosa che solo i matti e gli imbroglioni avrebbero affermato di aver compiuto.
Nel 1898, tuttavia, fu possibile acquistare l’attrezzatura e le forniture necessarie già pronte. Due lastre fotografiche adeguatamente sensibili al rosso erano già sul mercato e due sistemi molto diversi di fotografia a colori con cui usarli, descritti in modo stimolante in riviste fotografiche per diversi anni, erano finalmente disponibili al pubblico.
Il più esteso e costoso dei due era il sistema “Kromskop” (pronunciato “chrome-scope”) sviluppato da Frederic Eugene Ives. Si trattava di un semplice sistema additivo e i suoi elementi essenziali erano stati descritti molto prima da James Clerk Maxwell, Louis Ducos du Hauron e Charles Cros, ma Ives ha investito anni di lavoro attento e ingegnosità nel perfezionamento dei metodi e dei materiali per ottimizzare la qualità del colore, nel superare problemi inerenti ai sistemi ottici coinvolti e semplificare l’apparato per ridurre i costi di produzione commerciale. Le immagini a colori, soprannominate “Kromograms”, erano in forma di serie di tre trasparenze in bianco e nero su vetro, montate su speciali telai di cartone a tripla cerniera in tessuto-nastro. Per vedere un Kromogram a colori è stato necessario inserirlo in un “Kromskop” (nome generico “chromoscope” o “photochromoscope”), un dispositivo di visualizzazione che utilizzava una disposizione di filtri in vetro colorato per illuminare ogni diapositiva con il giusto colore di luce e riflettori trasparenti per combinarli visivamente in un’unica immagine a colori. Il modello più popolare era stereoscopico. Guardando attraverso il suo paio di lenti, è stata vista un’immagine in pieno colore naturale e in 3-D, una sorprendente novità della tarda età vittoriana.
I risultati hanno ricevuto apprezzamenti quasi universali per eccellenza e realismo. Durante le dimostrazioni, Ives a volte colloca uno spettatore che visualizza un soggetto di natura morta accanto agli oggetti reali fotografati, invitando il confronto diretto. Una “lanterna” tripla di Kromskop poteva essere utilizzata per proiettare le tre immagini, montate in uno speciale telaio di metallo o legno, attraverso filtri come aveva fatto Maxwell nel 1861. Preparati Kromograms di soggetti di natura morta, paesaggi, edifici famosi e opere l’arte era venduta e questi erano i soliti foraggi del visore di Kromskop, ma un “multipleback” per la fotocamera e un set di tre filtri colorati appositamente adattati potevano essere acquistati dai “Kromskopists” che desideravano creare i loro Kromograms.
Kromskops e Kromograms pronti sono stati acquistati da istituti scolastici per il loro valore nell’insegnamento del colore e della visione dei colori, e da individui che erano in grado di pagare una somma considerevole per un intrigante giocattolo ottico. Alcune persone, infatti, hanno creato i loro Kromograms. Sfortunatamente per Ives, questo non è stato sufficiente per sostenere le attività che erano state create per sfruttare il sistema e presto fallirono, ma gli spettatori, i proiettori, i Kromograms e diverse varietà di fotocamere e accessori Kromskop continuarono a essere disponibili attraverso il negozio scientifico a Chicago nel 1907.
L’era della piastra di schermo
L’alternativa più semplice e più economica era il processo Joly Screen. Ciò non ha richiesto alcuna telecamera o visore speciale, solo uno speciale filtro di compensazione del colore per l’obiettivo della fotocamera e un supporto speciale per le lastre fotografiche. Il titolare conteneva il cuore del sistema: una lastra di vetro trasparente su cui erano state regolate linee molto sottili di tre colori in un motivo ripetitivo regolare, coprendo completamente la sua superficie. L’idea era che invece di scattare tre fotografie complete separate attraverso tre filtri colorati, i filtri potevano essere sotto forma di un gran numero di strisce molto strette (le linee colorate) che consentono di registrare le informazioni necessarie sul colore in una singola immagine composta. Dopo che il negativo è stato sviluppato, è stata stampata una trasparenza positiva e uno schermo di visualizzazione con linee rosse, verdi e blu nello stesso modello delle linee dello schermo è stato applicato e accuratamente allineato. I colori poi sono apparsi come per magia. La trasparenza e lo schermo erano molto simili allo strato di elementi monocromatici a cristalli liquidi e alla sovrapposizione di strisce filtranti di colore rosso, verde e blu sottilissime che creano l’immagine a colori in un tipico display LCD. Questa fu l’invenzione dello scienziato irlandese John Joly, anche se lui, come tanti altri inventori, alla fine scoprì che il suo concetto di base era stato anticipato nel brevetto di Louis Ducos du Hauron da tempo scaduto nel 1868.
Il processo di Joly Screen ha avuto alcuni problemi. Prima di tutto, anche se le linee colorate erano ragionevolmente fini (circa 75 serie di tre linee colorate al pollice) erano ancora disturbanti visibili a normali distanze di visione e quasi intollerabili quando ingrandite dalla proiezione. Questo problema è stato esacerbato dal fatto che ogni schermo era regolato individualmente su una macchina che utilizzava tre penne per applicare gli inchiostri colorati trasparenti, con conseguenti irregolarità, alti tassi di scarto e costi elevati. Il vetro utilizzato per le lastre fotografiche al momento non era perfettamente piatto, e la mancanza di un buon contatto uniforme tra lo schermo e l’immagine ha dato origine a aree di colore degradato. Uno scarso contatto ha anche causato la comparsa di falsi colori se il sandwich è stato visto ad angolo. Sebbene molto più semplice del sistema di Kromskop, il sistema Joly non era economico. Lo starter kit di portatarga, filtro di compensazione, uno schermo di cattura e uno schermo di visualizzazione costava $ 30 (l’equivalente di almeno $ 750 nel 2010 dollari) e schermi di visualizzazione aggiuntivi erano $ 1 ciascuno (l’equivalente di almeno $ 25 nel 2010 dollari). Anche questo sistema morì presto di abbandono, sebbene in realtà indicasse la via per il futuro.
La fotografia di Lippmann è un modo di fare una fotografia a colori che si affida ai piani di riflessione di Bragg nell’emulsione per creare i colori. È simile all’utilizzo dei colori delle bolle di sapone per creare un’immagine. Gabriel Jonas Lippmann ha vinto il premio Nobel per la fisica nel 1908 per la creazione del primo processo fotografico a colori usando un’unica emulsione. La fedeltà del colore è estremamente elevata ma le immagini non possono essere riprodotte e la visualizzazione richiede condizioni di illuminazione molto specifiche. Lo sviluppo del processo Autochrome ha reso rapidamente ridondante il metodo Lippmann. Il metodo è ancora utilizzato per creare immagini singolari che non possono essere copiate per scopi di sicurezza.
Il primo processo cromatico di successo commerciale, il Lumière Autochrome, inventato dai fratelli Lumière francesi, raggiunse il mercato nel 1907. Si basava su un filtro a piastre a reticella irregolare fatto di grani tinti di amido di patate che erano troppo piccoli per essere individualmente visibili. L’emulsione sensibile alla luce è stata applicata direttamente sullo schermo, eliminando i problemi dovuti al contatto imperfetto tra lo schermo e l’immagine. L’elaborazione di inversione è stata utilizzata per convertire l’immagine negativa inizialmente prodotta in un’immagine positiva, quindi non era richiesta la stampa o la registrazione dello schermo. Le carenze del processo Autocromatico erano la spesa (una lastra costava circa una dozzina di lastre in bianco e nero della stessa dimensione), i tempi di esposizione relativamente lunghi che rendevano impraticabili “istantanee” e fotografie di soggetti in movimento e la densità dell’immagine finita a causa della presenza dello schermo a colori che assorbe la luce.
Visto in condizioni ottimali e alla luce del giorno come previsto, un Autochrome ben fatto e ben conservato può sembrare sorprendentemente fresco e vivace. Sfortunatamente, le moderne pellicole e le copie digitali sono di solito realizzate con una sorgente di luce altamente diffusa, che causa la perdita di saturazione del colore e altri effetti negativi dovuti alla dispersione di luce all’interno della struttura dello schermo e dell’emulsione e alla luce fluorescente o artificiale che altera la luce bilanciamento del colore. Le capacità del processo non dovrebbero essere giudicate dalle riproduzioni opache, sbiadite, di colori strani che si vedono comunemente.
Milioni di piastre autocromatiche sono state prodotte e utilizzate durante il quarto di secolo prima che le lastre fossero sostituite da versioni cinematografiche negli anni ’30. L’ultima versione cinematografica, denominata Alticolor, portò il processo Autochrome negli anni ’50 ma fu interrotta nel 1955. Molti prodotti a colori a colori additivi furono disponibili tra il 1890 e il 1950, ma nessuno, con la possibile eccezione di Dufaycolor, fu presentato come film per ancora fotografia nel 1935, era popolare o di successo come l’autocromatica Lumière. L’uso più recente del processo di schermo additivo per la fotografia non digitale era in Polachrome, una pellicola per diapositive “istantanea” da 35 mm introdotta nel 1983 e interrotta circa vent’anni dopo.
Tripacks
Louis Ducos du Hauron aveva suggerito di utilizzare un sandwich di tre emulsioni che registravano colori diversi su supporti trasparenti che potevano essere esposti insieme in una normale fotocamera, poi smontati e usati come qualsiasi altro set di separazioni a tre colori. Il problema era che sebbene due delle emulsioni potessero essere in contatto faccia a faccia, la terza dovrebbe essere separata dallo spessore di uno strato di supporto trasparente. Poiché tutte le emulsioni agli alogenuri d’argento sono intrinsecamente sensibili al blu, lo strato di registrazione blu dovrebbe essere in cima e avere uno strato di filtro giallo blu-bloccante dietro di esso. Questo strato di registrazione blu, utilizzato per rendere la stampa gialla che poteva permettersi di essere più “morbido”, avrebbe finito per produrre l’immagine più nitida. I due strati dietro di esso, uno sensibilizzato al rosso ma non al verde e l’altro al verde ma non al rosso, soffrirebbero di dispersione della luce mentre passava attraverso l’emulsione più alta, e uno o entrambi soffrirebbero ulteriormente essendo distanziati da esso .
Nonostante queste limitazioni, alcuni “tripack” sono stati prodotti commercialmente, come il “Hiblock” di Hess-Ives che ha inserito un’emulsione su pellicola tra le emulsioni rivestite su lastre di vetro. Per un breve periodo all’inizio degli anni ’30, la società americana Agfa-Ansco produsse Colorol, un tripack cinematografico per fotocamere istantanee. Le tre emulsioni erano su basi di film insolitamente sottili. Dopo l’esposizione, il rotolo è stato inviato ad Agfa-Ansco per la lavorazione e il triplo negativo è stato restituito al cliente con un set di stampe a colori. Le immagini non erano nitide e il colore non era molto buono, ma erano autentiche istantanee di “colore naturale”.
Film a colori dagli anni ’30
Nel 1935, l’americano Eastman Kodak introdusse il primo moderno film a colori “tripack integrale” e lo chiamò Kodachrome, un nome riciclato da un precedente e completamente diverso processo a due colori. Il suo sviluppo è stato guidato dall’improbabile team di Leopold Mannes e Leopold Godowsky, Jr. (soprannominato “Man” e “God”), due musicisti classici molto apprezzati che hanno iniziato a armeggiare con i processi fotografici a colori e hanno finito per lavorare con i laboratori di ricerca Kodak. . Kodachrome aveva tre strati di emulsione rivestiti su un’unica base, ciascuno dei quali registrava uno dei tre primitivi additivi, rosso, verde e blu. In linea con il vecchio slogan “si preme il pulsante, facciamo il resto” di Kodak, il film è stato semplicemente caricato nella fotocamera, esposto nel modo ordinario, quindi inviato a Kodak per l’elaborazione. La parte complicata, se le complessità della produzione del film sono ignorate, è stata l’elaborazione, che ha coinvolto la penetrazione controllata delle sostanze chimiche nei tre strati di emulsione. Solo una descrizione semplificata del processo è appropriata in una breve storia: dato che ogni strato è stato sviluppato in un’immagine in bianco e nero, un “accoppiatore di colorante” aggiunto durante quella fase di sviluppo ha causato un colorante ciano, magenta o giallo a essere creato insieme ad esso. Le immagini argentate sono state rimosse chimicamente, lasciando solo i tre strati di immagini colorate nel film finito.
Inizialmente, Kodachrome era disponibile solo come film da 16 mm per i film a casa, ma nel 1936 fu introdotto anche come film per l’home cinema da 8 mm e brevi filmati da 35 mm per la fotografia. Nel 1938 furono introdotte pellicole in varie dimensioni per fotografi professionisti, furono apportate alcune modifiche per curare i primi problemi con colori instabili e fu istituito un metodo di elaborazione un po ‘semplificato.
Nel 1936, l’Agfa tedesca seguì con il proprio film tripack integrale, Agfacolor Neu, che era generalmente simile al Kodachrome ma aveva un importante vantaggio: Agfa aveva trovato un modo per incorporare i copulanti negli strati di emulsione durante la produzione, consentendo a tutti e tre gli strati da sviluppare allo stesso tempo e semplificare notevolmente l’elaborazione. La maggior parte delle moderne pellicole a colori, ad eccezione del Kodachrome ormai fuori produzione, usa la tecnica dell’incorporatore di colori incorporata, ma dagli anni ’70 quasi tutti hanno utilizzato una modifica sviluppata da Kodak piuttosto che dalla versione originale di Agfa.
Nel 1941, Kodak rese possibile ordinare stampe da diapositive Kodachrome. La “carta” di stampa era in realtà una plastica bianca rivestita con un’emulsione multistrato simile a quella del film. Queste sono state le prime stampe a colori disponibili in commercio create con il metodo del copulante cromogeno. L’anno successivo fu presentato il film Kodacolor. A differenza di Kodachrome, è stato progettato per essere trasformato in un’immagine negativa che mostrava non solo i colori chiaro e scuro invertiti, ma anche quelli complementari. L’uso di un simile negativo per realizzare stampe su carta ha semplificato l’elaborazione delle stampe, riducendo il loro costo.
La spesa del film a colori rispetto al bianco e nero e la difficoltà di utilizzarlo con l’illuminazione interna combinata per ritardare la sua adozione diffusa da parte dei dilettanti. Nel 1950, le istantanee in bianco e nero erano ancora la norma. Nel 1960, il colore era molto più comune, ma tendeva ancora ad essere riservato per le foto di viaggio e le occasioni speciali. Le pellicole a colori e le stampe a colori costano ancora parecchie volte tanto quanto il bianco e nero, e scattare istantanee a colori in ombra o in interni richiedeva l’uso di flash, un inconveniente e una spesa aggiuntiva. Nel 1970, i prezzi stavano diminuendo, la sensibilità del film era stata migliorata, le unità flash elettroniche stavano sostituendo i flash, e nella maggior parte delle famiglie il colore era diventato la norma per l’acquisizione di istantanee. Il film in bianco e nero continuava ad essere utilizzato da alcuni fotografi che lo preferivano per ragioni estetiche o che volevano scattare foto con la luce esistente in condizioni di scarsa illuminazione, cosa ancora difficile da fare con i film a colori. Di solito hanno sviluppato e stampato da soli. Nel 1980, la pellicola in bianco e nero nei formati utilizzati dalle tipiche macchine fotografiche di istantanee, così come lo sviluppo commerciale e il servizio di stampa per esso, era quasi scomparsa.
La pellicola a colori istantanea è stata introdotta da Polaroid nel 1963. Come il contemporaneo film in bianco e nero istantaneo di Polaroid, il loro primo prodotto a colori è stato un processo peel-apart negativo che ha prodotto una stampa su carta unica. Il negativo non può essere riutilizzato ed è stato scartato. La perversione creata dai negretti Polaroid carichi di polvere caustica e scartati, che tendevano ad accumularsi più pesantemente nei luoghi più belli, più belli da fotografare, inorriditi dal fondatore Polaroid Edwin Land e lo spinsero a sviluppare il successivo sistema SX-70, che non produceva separare il negativo da scartare.
Alcune pellicole a colori attualmente disponibili sono progettate per produrre trasparenze positive da utilizzare in un proiettore per diapositive o in un visualizzatore di ingrandimenti, anche se è possibile realizzare anche stampe su carta. I trasparenti sono preferiti da alcuni fotografi professionisti che usano la pellicola perché possono essere giudicati senza doverli stampare prima. I lucidi sono anche in grado di offrire una gamma dinamica più ampia, e quindi di un maggiore grado di realismo, rispetto al più conveniente mezzo di stampa su carta. La popolarità iniziale delle “diapositive” di colore tra i radioamatori è andata in declino dopo l’introduzione delle apparecchiature di stampa automatizzate che hanno iniziato a migliorare la qualità di stampa ei prezzi.
Altri film attualmente disponibili sono progettati per produrre negativi a colori da utilizzare nella creazione di stampe positive ingrandite su carta fotografica a colori. I negativi a colori possono anche essere digitalizzati digitalmente e quindi stampati con mezzi non fotografici o visti come positivi elettronicamente. A differenza dei processi di trasparenza del film di inversione, i processi negativi positivi sono, entro certi limiti, perdonanti per esposizione errata e scarsa illuminazione del colore, poiché al momento della stampa è possibile un notevole grado di correzione. La pellicola negativa è quindi più adatta all’uso casuale da parte di amatori. Praticamente tutte le fotocamere monouso utilizzano un film negativo. Le trasparenze fotografiche possono essere fatte da negativi stampandoli su speciali “film positivi”, ma questo è sempre stato insolito al di fuori dell’industria cinematografica e il servizio commerciale per farlo per immagini statiche potrebbe non essere più disponibile. Le pellicole negative e le stampe su carta sono di gran lunga la forma più comune di fotografia a colori oggi.
Fotografia digitale
Dopo un periodo di transizione centrato attorno al 1995-2005, la pellicola a colori è stata relegata in una nicchia di mercato da fotocamere digitali multi-megapixel economiche che possono riprendere sia in bianco e nero che a colori. Il film continua ad essere la preferenza di alcuni fotografi per il suo “look” distintivo e il suo amore per il formato.