Storia dell’Art Nouveau

Art Nouveau è uno stile internazionale di arte, architettura e arte applicata, in particolare le arti decorative, che è stato più popolare tra il 1890 e il 1910. Una reazione all’arte accademica del 19 ° secolo, è stato ispirato da forme e strutture naturali, in particolare il linee curve di piante e fiori.

L’inglese usa il nome francese Art Nouveau (nuova arte). Lo stile è in relazione, ma non identico, con stili che sono emersi in molti paesi europei all’incirca nello stesso periodo: in Austria è noto come Secessionsstil dopo Wiener Secession; nel modernismo spagnolo; nel modernismo catalano; in secese ceco; in danese Skønvirke o Jugendstil; in tedesco Jugendstil, Art Nouveau o Reformstil; nell’ungherese Szecesszió; in Art Nouveau italiano, Stile Liberty o Stile floreale; in Norwegian Jugendstil; in Secesja polacca; in Secesia slovacca; in ucraino e russo Модерн (moderno); in svedese e finlandese Jugend.

L’Art Nouveau è uno stile artistico totale: abbraccia una vasta gamma di belle arti decorative, tra cui architettura, pittura, arte grafica, interior design, gioielli, mobili, tessuti, ceramica, arte del vetro e lavori in metallo.

Nel 1910, l’Art Nouveau era già fuori moda. È stato sostituito come lo stile architettonico e decorativo europeo dominante prima in Art Deco e poi nel Modernismo.

Naming
L’Art Nouveau prese il nome dalla Maison de l’Art Nouveau (Casa della nuova arte), una galleria d’arte aperta nel 1895 dal commerciante d’arte franco-tedesco Siegfried Bing che presentava il nuovo stile. In Francia, l’Art Nouveau veniva anche chiamato con il termine inglese “Modern Style” per le sue radici nel movimento Arts and Crafts, Style moderne o Style 1900. A volte veniva anche chiamato Style Jules Verne, Le Style Métro (dopo Hector Ingressi in ferro e vetro della Guimard), Art Belle Époque e Art fin de siècle.

In Belgio, dove il movimento architettonico ha avuto inizio, è stato talvolta definito Style nouille (stile noodle) o Style coup de fouet (stile whiplash).

In Gran Bretagna, era conosciuto come Modern Style, o, a causa del movimento Arts and Crafts guidato da Charles Rennie Mackintosh a Glasgow, come lo stile “Glasgow”.

In Italia, a causa della popolarità dei progetti dei grandi magazzini Liberty & Co di Londra (per lo più disegnati da Archibald Knox), a volte veniva chiamato Stile Liberty (“Stile Liberty”), Stile floreale o Arte nova (New Art).

Negli Stati Uniti, grazie alla sua associazione con Louis Comfort Tiffany, veniva spesso chiamato lo “stile Tiffany”.

In Germania e in Scandinavia, uno stile correlato è emerso all’incirca nello stesso periodo; si chiamava Jugendstil, dopo la popolare rivista d’arte tedesca con quel nome. In Austria e nei paesi limitrofi, poi parte dell’Impero austro-ungarico, è emerso uno stile simile, chiamato Secessionsstil in tedesco, (ungherese: szecesszió, ceco: secese) o Wiener Jugendstil, dopo gli artisti della Secessione viennese.

In Spagna lo stile correlato era noto come Modernismo, Modernismo (in catalano), Arte joven (“giovane arte”); e in Portogallo Arte nova (nuova arte).

In Russia, si chiamava Modern (Модерн ар-нуво), e Jugendstil (Югендстиль), e Nieuwe Kunst (nuova arte) nei Paesi Bassi.

Alcuni nomi si riferiscono specificamente alle forme organiche che erano popolari tra gli artisti dell’Art Nouveau: Stile Floreal (“stile floreale”) in Francia; Paling Stijl (“stile anguilla”) nei Paesi Bassi; e Wellenstil (“stile delle onde”) e Lilienstil (“stile dei gigli”) in Germania.

Storia

origini
Il nuovo movimento artistico ebbe le sue radici in Gran Bretagna, nei disegni floreali di William Morris e nel movimento Arts and Crafts fondato dagli allievi di Morris. I primi prototipi dello stile includono la Red House of Morris (1859) e la lussuosa Peacock Room di James Abbott McNeill Whistler. Il nuovo movimento fu anche fortemente influenzato dai pittori preraffaelliti, tra cui Dante Gabriel Rossetti e Edward Burne-Jones, e in particolare dagli artisti britannici del 1880, tra cui Selwyn Image, Heywood Sumner, Walter Crane, Alfred Gilbert e soprattutto Aubrey Beardsley.

In Francia, lo stile combinava diverse tendenze. In architettura, è stato influenzato dal teorico e storico architettonico Eugène Viollet-le-Duc, un nemico dichiarato dello storico stile architettonico Beaux-Arts. Nel suo libro “Entretiens sur l’architecture” del 1872, scrisse, “usa i mezzi e la conoscenza che ci sono stati dati dai nostri tempi, senza le tradizioni intermedie che oggi non sono più praticabili, e in tal modo possiamo inaugurare una nuova architettura. funziona il suo materiale, per ogni materiale la sua forma e il suo ornamento. ” Questo libro ha influenzato una generazione di architetti, tra cui Louis Sullivan, Victor Horta, Hector Guimard e Antoni Gaudí.

I pittori francesi Maurice Denis, Pierre Bonnard e Édouard Vuillard hanno svolto un ruolo importante nell’integrazione della pittura di belle arti con la decorazione. “Credo che prima di tutto un dipinto debba decorare”, ha scritto Denis nel 1891. “La scelta dei soggetti o delle scene non è nulla, è dal valore dei toni, dalla superficie colorata e dall’armonia delle linee che posso raggiungere lo spirito e svegliare le emozioni. ” Questi pittori facevano sia pittura tradizionale che pittura decorativa su schermi, in vetro e in altri media.

Un’altra influenza importante sul nuovo stile fu il giapponismo: l’ondata di entusiasmo per la stampa giapponese su legno, in particolare le opere di Hiroshige, Hokusai e Utagawa Kunisada che furono importate in Europa a partire dagli anni ’70 dell’Ottocento. L’intraprendente Siegfried Bing fondò un giornale mensile, Le Japon artistique nel 1888, e pubblicò trentasei numeri prima che terminasse nel 1891. Influenzò sia i collezionisti che gli artisti, incluso Gustav Klimt. Le caratteristiche stilizzate delle stampe giapponesi sono apparse in grafica Art Nouveau, porcellana, gioielli e mobili.

Le nuove tecnologie nel campo della stampa e dell’editoria hanno permesso all’Art Nouveau di raggiungere rapidamente un pubblico globale. Le riviste d’arte, illustrate con fotografie e litografie a colori, hanno svolto un ruolo essenziale nella divulgazione del nuovo stile. Lo Studio in Inghilterra, Arts et idèes e Art et décoration in Francia, e Jugend in Germania hanno permesso allo stile di diffondersi rapidamente in tutti gli angoli dell’Europa. Aubrey Beardsley in Inghilterra, Eugène Grasset, Henri de Toulouse-Lautrec e Félix Vallotton hanno ottenuto riconoscimenti internazionali come illustratori.

Con i manifesti di Jules Cheret per il ballerino Loie Fuller nel 1893 e di Alphonse Mucha per l’attrice Sarah Bernhardt nel 1895, il poster divenne non solo pubblicità, ma una forma d’arte. Toulouse-Lautrec e altri artisti hanno raggiunto lo status di celebrità internazionale.

Maison de l’Art Nouveau (1895)
Il commerciante e editore d’arte franco-tedesco Siegfried Bing ha avuto un ruolo chiave nel pubblicizzare lo stile. Nel 1891, fondò una rivista dedicata all’arte giapponese, che contribuì a far conoscere il giononismo in Europa. Nel 1892 organizzò una mostra di sette artisti, tra cui Pierre Bonnard, Félix Vallotton, Édouard Vuillard, Toulouse-Lautrec e Eugène Grasset, che includeva sia la pittura moderna che il lavoro decorativo. Questa mostra fu esposta alla Société nationale des beaux-arts nel 1895. Nello stesso anno, Bing aprì una nuova galleria al 22 di rue de Provence a Parigi, la Maison de l’Art Nouveau, dedicata a nuove opere sia nel arte decorativa. Gli interni e i mobili della galleria sono stati progettati dall’architetto belga Henry Van de Velde, uno dei pionieri dell’architettura Art Nouveau. La Maison de l’Art Nouveau mostra dipinti di Georges Seurat, Paul Signac e Toulouse-Lautrec, vetri di Louis Comfort Tiffany ed Emile Gallé, gioielli di René Lalique e poster di Aubrey Beardsley. Le opere mostrate non erano affatto uniformi nello stile. Bing scrisse nel 1902: “L’Art Nouveau, al momento della sua creazione, non aspirava in alcun modo ad avere l’onore di diventare un termine generico: era semplicemente il nome di una casa aperta come punto di raccolta per tutti i giovani e artisti arditi impazienti di mostrare la modernità delle loro tendenze “.

Inizio dell’architettura Art Nouveau (1893-1898)
Le prime case in stile Art Nouveau, l’Hôtel Tassel di Victor Horta e la casa Bloemenwerf di Henry Van de Velde, furono costruite a Bruxelles nel 1893-1895. Sia Horta che Van de Velde hanno progettato non solo le case, ma anche tutta la decorazione degli interni, i mobili, i tappeti e i dettagli architettonici.

Horta, un architetto con formazione classica, progettò la residenza di un importante chimico belga, Émile Tassel, in un sito molto stretto e profondo. L’elemento centrale divenne la scala, sotto un lucernario. I pavimenti erano sostenuti da sottili colonne di ferro come i tronchi degli alberi. I pavimenti e le pareti a mosaico erano decorati con delicati arabeschi in forme floreali e vegetali, che divennero la firma più popolare dell’Art Nouveau.

Van de Velde stava formando un designer, non un architetto, e collaborò con un architetto sul piano del Bloemenwerf, la casa che aveva costruito per sé. È stato ispirato dal British Arts and Crafts Movement, in particolare dalla Red House di William Morris, e come loro ha progettato tutti gli aspetti dell’edificio, inclusi mobili, carta da parati e tappeti.

Dopo aver visitato l’Hôtel Tassel di Horta, Hector Guimard costruì il Castel Béranger, il primo edificio parigino nel nuovo stile, tra il 1895 e il 1898. I parigini si lamentavano della monotonia dell’architettura dei viali costruiti da Napoleone III da Georges-Eugène Haussmann. Hanno accolto lo stile colorato e pittoresco di Guimard; Castel Béranger è stato scelto come una delle migliori nuove facciate di Parigi, lanciando la carriera di Guimard. A Guimard è stata affidata l’incarico di progettare gli ingressi per il nuovo sistema metropolitano di Parigi, che ha portato lo stile all’attenzione dei milioni di visitatori della Exposition Universelle del 1900 a Parigi.

Paris Exposition universelle (1900)
Le Universelle Paris Exposition del 1900 segnarono il punto più alto dell’Art Nouveau. Tra aprile e novembre 1900, ha attirato quasi cinquanta milioni di visitatori da tutto il mondo e ha presentato architettura, design, oggetti in vetro, mobili e oggetti decorativi dello stile. L’architettura dell’Esposizione era spesso un misto di architettura Art Nouveau e Beaux-Arts: la principale sala espositiva, il Grand Palais aveva una facciata in stile Beaux-Arts completamente estraneo alla spettacolare scalinata Art Nouveau e alla sala espositiva dell’interno.

L’esposizione ha evidenziato in particolare i designer francesi, che hanno realizzato opere speciali per l’esposizione: il cristallo e la gioielleria di Lalique; gioielli di Henri Vever e Georges Fouquet; Vetro Daum; la Manifattura nazionale di Sèvres in porcellana; ceramiche di Alexandre Bigot; lampade e vasi in vetro scolpito di Emile Gallé e Louis Comfort Tiffany e Company dagli Stati Uniti; mobili di Édouard Colonna e Louis Majorelle; e molte altre importanti aziende artistiche e artigianali di tutta Europa e del mondo. All’Esposizione di Parigi del 1900, Siegfried Bing presentò un padiglione chiamato Art Nouveau Bing, che presentava sei diversi interni interamente decorati nello Stile.

Mentre l’Esposizione di Parigi era di gran lunga la più grande, altre esposizioni hanno fatto molto per diffondere lo stile. L’Esposizione Universale di Barcellona del 1888 segnò l’inizio dello stile modernista in Spagna, con alcuni edifici di Lluís Domènech i Montaner. L’Esposizione internazionale d’arte decorativa moderna del 1902 a Torino, in mostra, presenta designer provenienti da tutta Europa.