La colorazione a mano si riferisce a qualsiasi metodo per aggiungere manualmente il colore a una fotografia in bianco e nero, generalmente per aumentare il realismo della fotografia o per scopi artistici. La colorazione a mano è anche conosciuta come pittura a mano o sovraverniciatura.

Tipicamente, acquerelli, oli, pastelli o pastelli e altre vernici o coloranti vengono applicati alla superficie dell’immagine usando pennelli, dita, tamponi di cotone o aerografi. Le fotografie colorate a mano erano più popolari tra la metà e la fine del 19 ° secolo prima dell’invenzione della fotografia a colori e alcune ditte specializzate nella produzione di fotografie a colori.

Storia
Pre-1900
La fotografia monocromatica (in bianco e nero) è stata esemplificata per la prima volta dal dagherrotipo nel 1839 e successivamente migliorata con altri metodi, tra cui calotipo, ambrotipo, tintype, stampa all’albume e stampa in gelatina d’argento. La maggior parte della fotografia rimase monocromatica fino alla metà del 20 ° secolo, anche se gli esperimenti producevano fotografie a colori già nel 1855 e alcuni processi fotografici producevano immagini con un colore complessivo intrinseco come il blu dei cianotipi.

Nel tentativo di creare immagini più realistiche, fotografi e artisti avrebbero fotografato fotografie monocromatiche a colori. I primi dagherrotipi colorati a mano sono attribuiti al pittore e incisore svizzero Johann Baptist Isenring, che utilizzò una miscela di gomma arabica e pigmenti per colorare i dagherrotipi subito dopo la loro invenzione nel 1839. La polvere colorata fu fissata sulla delicata superficie del dagherrotipo dall’applicazione di calore Variazioni di questa tecnica furono brevettate in Inghilterra da Richard Beard nel 1842 e in Francia da Étienne Lecchi nel 1842 e Léotard de Leuze nel 1845. Successivamente, la colorazione a mano fu usata con successive innovazioni fotografiche, dalle albume e stampe in gelatina d’argento a diapositive e lanterne fotografia di trasparenza.

Sforzi paralleli per la produzione di immagini fotografiche colorate hanno influenzato la popolarità della colorazione a mano. Nel 1842 Daniel Davis Jr. brevettò un metodo per colorare i dagherrotipi attraverso la placcatura elettrolitica, e il suo lavoro fu perfezionato da Warren Thompson l’anno seguente. I risultati del lavoro di Davis e Thompson sono riusciti solo parzialmente a creare fotografie a colori e il metodo di elettrodeposizione è stato presto abbandonato. Nel 1850 Levi L. Hill annunciò la sua invenzione di un processo di dagherrotipo in colori naturali nel suo Trattato sul Dagherrotipo. Le vendite di dagherrotipi tradizionali incolore e colorati a mano caddero in attesa di questa nuova tecnologia. Hill ha tuttavia ritardato la pubblicazione dei dettagli del suo processo per diversi anni e le sue affermazioni sono state presto considerate fraudolente. Quando finalmente pubblicò il suo trattato nel 1856, il processo – in buona fede o meno – era certamente poco pratico e pericoloso.

La colorazione a mano è rimasta il metodo più semplice ed efficace per produrre immagini fotografiche a colori fino alla metà del 20 ° secolo, quando la Kodak americana introdusse la pellicola a colori Kodachrome.

Fotografie giapponesi colorate a mano (circa 1860-1899)
Sebbene la colorazione manuale delle fotografie fosse stata introdotta in Europa, la tecnica acquisì una notevole popolarità in Giappone, dove la pratica divenne una forma d’arte rispettata e raffinata a partire dagli anni ’60 dell’Ottocento. È possibile che il fotografo Charles Parker e il suo artista partner William Parke Andrew siano stati i primi a produrre tali opere in Giappone, ma il primo a utilizzare costantemente la colorazione a mano in campagna sono stati il ​​fotografo Felice Beato e il suo partner, The Illustrated London News. e colorista Charles Wirgman. Nello studio di Beato, le raffinate abilità degli acquarelli giapponesi e degli incisori del legno sono state applicate con successo alla fotografia europea, come evidenziato nel volume di Beato di ritratti a mano, Native Types.

Un altro noto primo fotografo in Giappone a usare la colorazione a mano era Yokoyama Matsusaburō. Yokoyama si era formato come pittore, litografo e fotografo, e approfittò del suo vasto repertorio di abilità e tecniche per creare ciò che chiamava shashin abura-e (写真 油 絵) o “dipinti ad olio fotografico”, in cui la carta il supporto di una fotografia è stato tagliato e le pitture ad olio sono state applicate all’emulsione rimanente.

Più tardi i praticanti della colorazione a mano in Giappone includevano la ditta di Stillfried & Andersen, che acquistò lo studio di Beato nel 1877 e colorò a mano molti dei suoi negativi in ​​aggiunta ai suoi. Il barone austriaco Raimund von Stillfried und Ratenitz, fotografo e colorista giapponese addestrato Kusakabe Kimbei, e insieme hanno creato immagini colorate a mano della vita quotidiana giapponese che erano molto popolari come souvenir. Anche le fotografie colorate a mano sono state prodotte da Kusakabe Kimbei, Tamamura Kozaburō, Adolfo Farsari, Uchida Kuichi, Ogawa Kazumasa e altri. Molte fotografie di alta qualità dipinte a mano continuarono ad essere realizzate in Giappone fino al ventesimo secolo.

Post-1900
La cosiddetta età dell’oro della fotografia a mano nell’emisfero occidentale avvenne tra il 1900 e il 1940. L’aumento della domanda per la fotografia paesaggistica colorata a mano all’inizio del XX secolo è attribuito al lavoro di Wallace Nutting. Nutting, un ministro del New England, ha perseguito la fotografia paesaggistica a mano come hobby fino al 1904, anno in cui ha aperto uno studio professionale. Passò i successivi 35 anni a creare fotografie a mano e divenne il fotografo più venduto di sempre.

Tra il 1915 e il 1925 le fotografie a mano erano popolari tra le classi medie degli Stati Uniti, del Canada, delle Bermuda e delle Bahamas come regali nuziali convenienti ed eleganti, regali per la doccia, regali per le feste, regali di amicizia e souvenir per le vacanze. Con l’inizio della Grande Depressione nel 1929 e la successiva diminuzione del numero della classe media, le vendite di fotografie a colori diminuirono sensibilmente.

Nonostante la loro recessione, i fotografi qualificati hanno continuato a creare meravigliose fotografie a colori. Le fotografie a mano di Hans Bellmer delle sue sculture di bambole degli anni ’30 offrono un esempio di continua colorazione a mano delle fotografie in Europa durante questo periodo. In Polonia, il Monidło è un esempio di fotografie di matrimoni popolari colorate a mano.

Un altro fotografo a colori, Luis Márquez (1899-1978), fu fotografo ufficiale e consulente artistico del padiglione messicano alla Fiera mondiale del 1939-40. Nel 1937 presentò al governatore del Texas James V. Allred una collezione di fotografie colorate a mano. L’Università Nazionale Autonoma del Messico a Città del Messico ha un vasto archivio fotografico di Luis Márquez, così come l’Università di Houston in Texas.

Negli anni Cinquanta, la disponibilità di film a colori non fece altro che fermare la produzione di fotografie a colori. L’aumento della popolarità di oggetti d’antiquariato e da collezione negli anni ’60, tuttavia, aumentò l’interesse per le fotografie colorate a mano. Dal 1970 circa c’è stata una sorta di rinascita della colorazione a mano, come si vede nel lavoro di artisti come fotografi come Elizabeth Lennard, Jan Saudek, Kathy Vargas e Rita Dibert. L’uso, da parte di Robert Rauschenberg e di altri, dei media fotografici e pittorici nella loro arte rappresenta un precursore di questo risveglio.

Nonostante la disponibilità di processi di colore di alta qualità, le fotografie colorate a mano (spesso combinate con il viraggio seppia) sono ancora popolari per motivi estetici e perché i pigmenti utilizzati hanno una grande permanenza. In molti paesi in cui la pellicola a colori era rara o costosa, o in cui la colorazione non era disponibile, la colorazione a mano continuava ad essere usata e talvolta preferita negli anni ’80. Più recentemente, l’elaborazione delle immagini digitali è stata utilizzata, in particolare nella pubblicità, per ricreare l’aspetto e gli effetti della colorazione a mano. La colorazione è ora disponibile per il fotografo amatoriale utilizzando software di manipolazione delle immagini come Adobe Photoshop.

Materiali e tecniche
coloranti
I coloranti di base sono usati nella colorazione a mano delle fotografie. I coloranti sono sostanze coloranti solubili, sia naturali che sintetiche, in una soluzione acquosa, in contrapposizione ai pigmenti che sono generalmente sostanze coloranti insolubili in una sospensione acquosa. I coloranti all’anilina, i primi coloranti prodotti sinteticamente originariamente utilizzati per la tintura dei tessuti, furono usati per colorare le stampe dell’albume e le fotografie in vetro trasparente in Germania nel 1860. Quando si colorano a mano con coloranti, si preferisce una soluzione debole di colorante in acqua, e i colori sono spesso costruiti con lavaggi ripetuti piuttosto che essere applicati tutti in una volta. L’approccio è quello di macchiare o tingere la stampa piuttosto che dipingerla, poiché troppa vernice oscurerà i dettagli fotografici. La carta assorbente viene utilizzata per controllare la quantità di colorante sulla superficie assorbendo eventuali eccessi.

Acquerelli
La pittura ad acquerello ha il pregio di essere più permanente dei coloranti, ma è meno trasparente e quindi è più probabile che oscuri i dettagli. La colorazione manuale con acquerelli richiede l’uso di un mezzo per evitare che i colori si secchino con una finitura opaca e senza vita. Prima che la vernice possa essere applicata, la superficie della stampa deve essere adescata in modo che i colori non vengano respinti. Questo spesso include la preparazione della stampa con un sottile strato di gommalacca, quindi l’aggiunta di grana prima della colorazione. La pittura ad acquerello utilizzata nella colorazione fotografica a mano è composta da quattro ingredienti: pigmenti (naturali o sintetici), un legante (gomma arabica tradizionale), additivi per migliorare la plasticità (come la glicerina) e un solvente per diluire la vernice (cioè l’acqua) che evapora quando la vernice si asciuga. La vernice viene tipicamente applicata alle stampe usando un pennello morbido. Gli acquerelli spesso “lasciano un bordo più scuro del colore ai confini dell’area dipinta”. Poiché i diversi pigmenti hanno diversi gradi di trasparenza, la scelta dei colori deve essere considerata attentamente. Sono preferiti i pigmenti più trasparenti, in quanto garantiscono una maggiore visibilità dell’immagine fotografica.

oli
La pittura ad olio contiene particelle di pigmento applicate usando un olio essiccante, come l’olio di lino. Le convenzioni e le tecniche di utilizzo degli oli richiedono una conoscenza del disegno e della pittura, quindi sono spesso utilizzate nella pratica professionale. Quando si colorano a mano con oli, l’approccio è più spesso quello di utilizzare l’immagine fotografica semplicemente come base per un’immagine dipinta. La capacità di creare ritratti di petrolio accurati usando una base fotografica si prestava al crimine artistico, con alcuni artisti che affermavano di dipingere ritratti tradizionali a olio (ad un prezzo più alto) quando effettivamente tracciavano una base fotografica in oli. Pertanto, la scelta dei colori ad olio è regolata dalla trasparenza relativa dei pigmenti per consentire l’autenticazione della base fotografica. È necessario dimensionare prima la stampa per impedire l’assorbimento dei colori nella carta. In passato, le diapositive di lanterne fotografiche erano spesso colorate dal produttore, anche se a volte dall’utente, con risultati variabili. Di solito, i colori ad olio erano usati per tali diapositive, sebbene nell’era del collodion – dal 1848 alla fine del 19 ° secolo – a volte venissero usati anche gli acquerelli.

Pastelli e pastelli
Anche l’uso di pastelli a pastello o pastello di pigmenti macinati in vari livelli di saturazione è considerato un dominio di colourist altamente qualificato, poiché richiede la conoscenza delle tecniche di disegno. Come oli, pastelli e pastelli in genere oscurano la fotografia originale, che produce ritratti più simili ai dipinti tradizionali. Il carboncino e le matite colorate sono anche usati per colorare a mano le fotografie e i termini pastello, pastello, carboncino e matita erano spesso usati in modo intercambiabile dai coloristi.

A volte le fotografie colorate a mano includono l’uso combinato di coloranti, acquerelli, oli e altri pigmenti per creare effetti diversi sull’immagine stampata. Indipendentemente dal tipo di supporto utilizzato, gli strumenti principali per applicare il colore sono il pennello e il polpastrello. Spesso il dito da tamponatura è coperto per garantire che non vengano lasciate impronte digitali sull’immagine.

Conservazione e conservazione
In generale, la conservazione delle fotografie colorate a mano è simile a quella della fotografia a colori e monocromatica. Le condizioni ottimali di conservazione includono un clima controllato dal punto di vista ambientale con bassa umidità relativa (circa 30-40% RH), temperature sotto i 68 gradi Fahrenheit (20 gradi Celsius) e una bassa concentrazione di inquinamento da particolato, come acido solforico, acido nitrico e ozono . Anche l’area di stoccaggio deve essere pulita e priva di parassiti e muffe. Poiché le fotografie colorate a mano, come le fotografie a colori, sono più sensibili alla luce e alle radiazioni UV, la conservazione dovrebbe avvenire in un luogo buio. L’area di archiviazione deve essere protetta e monitorata per le minacce interne, come cambiamenti di temperatura o umidità dovuti a malfunzionamenti HVAC, nonché minacce esterne come furto o calamità naturali. Dovrebbe essere creato e mantenuto un piano di emergenza per tutti i materiali.

Quando si gestiscono fotografie in scatola come dagherrotipi, stampe all’albumina e stampi, in particolare quelli che sono stati colorati a mano, è necessaria cautela. Sono fragili e anche gli sforzi minimi per pulirli possono danneggiare irreparabilmente l’immagine. Le fotografie con custodia colorata a mano devono essere conservate orizzontalmente, in un unico strato, preferibilmente rivolte verso il basso. I casi possono essere avvolti con carta velina alcalina o tamponata. Se la fotografia è stata separata dalla sua custodia, è possibile tagliare un pannello opaco e di supporto da un pannello da museo tamponato alcalino. Il tappetino si trova tra l’immagine e una lastra di vetro appena tagliata, mentre il pannello di supporto supporta l’immagine da dietro. Questo “sandwich” viene quindi sigillato con il nastro di Filmoplast. Detergenti per vetri commerciali non dovrebbero essere usati su lastre di vetro nuove. Tra i pannelli opachi si possono collocare dei tipi di carta di colore diverso. Se piegato, non tentare di raddrizzarli poiché ciò potrebbe causare la rottura e / o il sollevamento dell’emulsione.

Idealmente, tutte le stampe fotografiche dovrebbero essere conservate orizzontalmente, sebbene le stampe sotto 11 “x14” e su supporti stabili possano essere memorizzate in modo sicuro verticalmente. Le stampe devono anche essere conservate lontano da fonti di luce e acqua in scatole prive di acido e prive di lignina prodotte utilizzando gli standard ISO (Organizzazione) per la standardizzazione (ISO) 14523 e 10214. I materiali di stoccaggio devono anche superare il test dell’attività fotografica dell’American National Standards Institute (ANSI) (PAT), o standard simili, per garantire la qualità di archiviazione. Se una fotografia presenta emulsioni sfaldanti o scheggiature, non deve essere conservata in un involucro di plastica poiché l’elettricità statica potrebbe danneggiare ulteriormente l’immagine. Si devono indossare guanti di cotone puliti quando si maneggiano le fotografie per evitare che oli e sali della pelle danneggino le superfici.

In alcuni casi potrebbe essere necessario contattare un conservatore professionista. Negli Stati Uniti, l’American Institute for Conservation of Historic and Artistic Works (AIC) fornisce uno strumento Find a Conservator che aiuta a identificare i servizi di conservazione locali. Nel Regno Unito e in Irlanda, il Registro di conservazione fornisce uno strumento simile che ricerca per specializzazione, affari e cognome. Per individuare altri servizi di conservazione a livello internazionale, Conservation OnLine (CoOL) Resources for Conservation Professionals fornisce uno strumento che ricerca per paese.

Materiali coloranti
Coloranti e acquerelli richiedono misure di conservazione simili se applicati a fotografie colorate a mano. Come le fotografie stesse, gli acquerelli e le tinture applicate a mano alle fotografie sono suscettibili di danni alla luce e devono essere collocati in luoghi bui o esposti a luce fioca e indiretta. I comuni inquinanti particellari possono far sbiadire i pigmenti acquerello, ma la superficie della vernice può essere pulita spolverando leggermente con una spazzola morbida per rimuovere lo sporco.

La pittura ad olio veniva spesso applicata a stampi, dagherrotipi e ambrotipi. Come con tutte le fotografie, i materiali rispondono negativamente alle fonti di luce diretta, che possono far sbiadire e scurire i pigmenti e frequenti cambiamenti di umidità relativa e temperatura, che possono causare la rottura della pittura ad olio. Per le fotografie con danni sostanziali, per il trattamento potrebbe essere necessaria l’esperienza di un conservatore di pitture ad olio.

Pastelli e fotografie pastello colorate a mano hanno una superficie polverosa che deve essere protetta per scopi di conservazione. Storicamente, le fotografie a pastello e pastello sono state vendute in una cornice sotto uno strato protettivo di vetro, che spesso ha avuto successo nel ridurre la quantità di manipolazione e sbavature della superficie della fotografia. Qualsiasi lavoro di conservazione su pastello o fotografie a colori pastello deve conservare queste cornici originali e il vetro originale per mantenere l’autenticità e il valore dell’oggetto. Se la fotografia è separata dal suo involucro originale, può essere memorizzata in una cartella di archiviazione fino a quando non viene incorniciata o inserita.

Materiali ausiliari
Negli Stati Uniti, molte fotografie vendute a mano e vendute a mano sono state confezionate e incorniciate per la vendita al dettaglio. Le fotografie colorate all’inizio del 20 ° secolo erano spesso montate su cartoncino, poste dietro una cornice di vetro, e sostenute da listelli di pannelli di legno, cartone o cartone pesante. Un foglio di supporto era spesso incollato sul retro del pannello. Sfortunatamente, i prodotti di carta prodotti e usati durante la fine del XIX secolo e l’inizio del XX sono altamente acidi e causano ingiallimento, stropicciamento e degradazione delle fotografie colorate a mano. Anche le inclusioni metalliche sulla carta possono ossidarsi, cosa che potrebbe essere la causa del foxing nei materiali cartacei. Anche le doghe in legno saranno off-gas causando un ulteriore degrado delle fotografie.

La semplice conservazione di questi materiali fragili può essere effettuata dal dilettante avventuroso. Una foto colorata a mano dovrebbe essere rimossa dal telaio, mantenendo le viti oi chiodi originali che tengono insieme il telaio. I pannelli di legno, le doghe di cartone acide e la carta di supporto acido possono essere rimossi dal telaio e dalla scheda e scartati, conservando eventuali informazioni identificative come timbri o scritte sulla carta di supporto. La scheda opaca su cui è montata la fotografia, anche se di natura acida, non può essere rimossa e sostituita a causa del valore intrinseco di questo montaggio originale. Spesso la firma dell’artista e il titolo della fotografia sono incisi sul tabellone. Il miglior metodo di conservazione per promuovere un degrado limitato è quello di conservare la fotografia in un ambiente secco con bassa temperatura, bassa umidità relativa e scarsa illuminazione. La fotografia colorata a mano deve essere sostituita nella sua cornice originale, tenuta in posizione con cartoncino di carta privo di acidi di qualità archivistica e chiusa con chiodi o viti originali.

Tecniche correlate
La colorazione a mano dovrebbe essere distinta dalla colorazione, dal viraggio, dal ritocco e dal crystoleum.

Le fotografie colorate sono realizzate con carte da stampa tinte prodotte da produttori commerciali. Un unico colore complessivo è alla base dell’immagine ed è più evidente nelle alte luci e nei mezzitoni. A partire dagli anni settanta dell’Ottocento, le carte per la stampa dell’albume erano disponibili in rosa pallido o blu e, a partire dal 1890, erano disponibili carte da stampa in gelatina e argento color pallido color malva o rosa. C’erano anche altri tipi di carte colorate. Nel corso del tempo tale colorazione diventa spesso molto sbiadita.
Tonalità si riferisce a una varietà di metodi per alterare il colore complessivo dell’immagine stessa. Composti di oro, platino o altri metalli sono usati in combinazione con variazioni del tempo di sviluppo, della temperatura e di altri fattori per produrre una gamma di toni, compresi marrone caldo, viola, seppia, blu, olive, rosso-marrone e blu-nero. Un tipo ben noto di viraggio è il tono seppia. Oltre ad aggiungere colore a una stampa monocromatica, i toni spesso migliorano la stabilità dell’immagine e aumentano il contrasto.
Il ritocco utilizza molti degli stessi strumenti e tecniche della colorazione a mano, ma con l’intento di coprire danni, nascondere elementi indesiderati, dettagli accentuati o aggiungere elementi mancanti in una stampa fotografica. In un ritocco di ritratto si potrebbe usare per migliorare l’aspetto di un sitter, ad esempio rimuovendo le imperfezioni del viso e in un paesaggio con un cielo sovraesposto, le nuvole potrebbero essere dipinte nell’immagine. Colori ad acqua, inchiostri, coloranti e riduttori chimici sono utilizzati con strumenti come bisturi, pennelli a punta, aerografi e matite per ritocco.
Il crystoleum, da “crystal” + “oleum” (oil), processo era ancora un altro metodo per applicare il colore alle stampe dell’albume. La stampa è stata incollata a faccia in giù all’interno di un pezzo di vetro concavo. Una volta che l’adesivo (solitamente pasta d’amido o gelatina) era asciutto, il supporto di carta della stampa è stato cancellato via, lasciando solo l’emulsione trasparente sul vetro. L’immagine è stata poi colorata a mano. Un altro pezzo di vetro è stato aggiunto alla parte posteriore e questo potrebbe anche essere colorato a mano. Entrambi i pezzi di vetro erano legati insieme creando un’immagine dettagliata, anche se fragile.