Il Louvre è il museo più visitato al mondo e un punto di riferimento storico a Parigi, in Francia. Il Museo del Louvre è un museo parigino di arte e archeologia ospitato nell’ex palazzo reale del Louvre. Inaugurato nel 1793, è uno dei musei più grandi e ricchi del mondo, ma anche il più frequentato con quasi 9 milioni di visitatori all’anno. È la casa di alcune delle opere d’arte più famose, tra cui la Gioconda e la Venere di Milo.

Il Palazzo del Louvre ospita il più grande museo del mondo. Il Musée du Louvre contiene più di 380.000 oggetti ed espone 35.000 opere d’arte in otto dipartimenti curatoriali con oltre 60.600 metri quadrati dedicati alla collezione permanente. Il Louvre espone sculture, oggetti d’arte, dipinti, disegni e reperti archeologici. Il Museo del Louvre presenta collezioni molto variegate, con un’ampia parte dedicata all’arte e alle civiltà dell’Antichità: Mesopotamia, Egitto, Grecia e RomeLogo indicando le tariffe da citare che esse; Anche l’Europa medievale e la Francia napoleonica sono ampiamente rappresentate.

Il museo è ospitato nel Palazzo del Louvre, originariamente costruito tra la fine del XII e il XIII secolo sotto Filippo II. I resti della fortezza medievale del Louvre sono visibili nel seminterrato del museo. La fortezza del XII secolo è stata ampliata e ristrutturata più volte nel corso dei secoli. Prima che venisse aperto come museo, il re Carlo V e Filippo II scelsero questo palazzo come loro residenza, decorandolo con le loro collezioni d’arte in continua crescita.

A causa dell’espansione urbanistica, la fortezza perse infine la sua funzione difensiva e nel 1546 Francesco I la convertì nella residenza principale dei re di Francia. L’edificio fu ampliato più volte per formare l’attuale Palazzo del Louvre. Con la collezione d’arte del monarca francese e il risultato del saccheggio compiuto durante l’impero di Napoleone, il Museo del Louvre è stato aperto nel 1793. Fin dalla sua inaugurazione, il museo era gratuito per il pubblico per alcuni giorni alla settimana ed era considerato rivoluzionario per la sua volta.

Il Louvre ha una lunga storia di conservazione artistica e storica, dall’Ancien Régime ai giorni nostri. Dopo la partenza di Luigi XIV per la Reggia di Versailles alla fine del XVII secolo, vi sono conservate parte delle collezioni reali di dipinti e sculture antiche. Dopo aver ospitato per un secolo diverse accademie, tra cui quella di pittura e scultura, oltre a vari artisti ospitati dal re, l’ex palazzo reale fu veramente trasformato durante la Rivoluzione in un “Museo Centrale delle Arti della Repubblica”. Apre nel 1793, esponendo circa 660 opere, principalmente provenienti da collezioni reali o confiscate a nobili emigranti o da chiese. Successivamente le collezioni continueranno ad arricchirsi di bottini bellici, acquisizioni, sponsorizzazioni, lasciti, donazioni,

Nel 1981, nell’ambito di un vasto progetto che sarebbe durato fino al 1997 (Le Grand Louvre), l’architetto cino-americano Ieoh Ming Pei è stato incaricato di progettare una nuova area di accoglienza e migliorare l’accesso al museo. Costruita con le stesse proporzioni della piramide di Cheope, tutta acciaio e vetro, è la porta d’ingresso principale e ufficiale del Louvre. Pyramid è stata ufficialmente aperta il 30 maggio 1989 in occasione del bicentenario della Rivoluzione francese.

Il Louvre è così vasto che si potrebbero facilmente trascorrere diversi giorni esplorando le sue mostre. I visitatori avranno bisogno di almeno mezza giornata per avere un’idea generale del Louvre e vedere i dipinti, le sculture e altri tipi di arte più importanti. Il museo del Louvre offre agli ospiti un’audioguida con informazioni su ogni pezzo della galleria.

Dipartimenti
Il Museo del Louvre comprende varie collezioni molto ricche di opere d’arte di diverse civiltà, culture ed epoche. L’enorme collezione è organizzata per temi in vari dipartimenti: un dipartimento di antichità orientali, un dipartimento di antichità egizie, un dipartimento di antichità greche e un dipartimento romano ed etrusco. Il museo comprende anche una parte sulla storia dell’attuale palazzo, tra cui il Louvre durante il Medioevo, l’arte islamica, dipinti, sculture e arti grafiche. Tra le opere più famose ci sono La Gioconda, La Venere di Milo, Lo scriba accovacciato, La vittoria di Samotracia e Il codice di Hammurabi.

Dipartimento di Antichità Orientali

Il Dipartimento di Antichità Orientali del Museo del Louvre di Parigi, risale al 1881 e presenta una panoramica della prima civiltà del Vicino Oriente e dei “primi insediamenti”, prima dell’arrivo dell’Islam. Il Dipartimento delle Antichità Orientali conserva oggetti provenienti da una regione situata tra l’attuale India e il Mar Mediterraneo (Turchia, Siria, Iraq, Libano, Israele, Giordania, Arabia Saudita, Iran, Afghanistan…).

È una delle tre collezioni più importanti al mondo (insieme a quelle del British Museum e del Pergamon Museum) con oltre 150.000 oggetti. Il dipartimento presenta 6.500 opere in una trentina di stanze, tra cui capolavori universali come il Codice di Hammurabi o l’imponente Lamassus del palazzo di Khorsabad.

Offre un panorama quasi completo delle antiche civiltà del Vicino e Medio Oriente. Lo sviluppo della collezione corrisponde a lavori archeologici come la spedizione del 1843 di Paul-Émile Botta a Khorsabad e la scoperta del palazzo di Sargon II. Questi reperti costituirono la base del museo assiro, precursore dell’odierno dipartimento.

Il museo contiene reperti di Sumer e della città di Akkad, con monumenti come la Stele degli avvoltoi del principe di Lagash del 2450 a.C. e la stele eretta da Naram-Sin, re di Akkad, per celebrare una vittoria sui barbari nei Monti Zagros . Il Codice di Hammurabi di 2,25 metri (7,38 piedi), scoperto nel 1901, mostra le leggi babilonesi in primo piano, in modo che nessun uomo potesse far valere la loro ignoranza. Nel museo sono esposti anche il murale del 18° secolo a.C. dell’Investitura di Zimrilim e la statua di Ebih-Il del 25° secolo a.C. trovata nell’antica città-stato di Mari.

La parte persiana del Louvre contiene opere del periodo arcaico, come la testa funeraria e gli arcieri persiani di Dario I. Questa sezione contiene anche oggetti rari di Persepoli che sono stati anche prestati al British Museum per la sua mostra sull’antica Persia nel 2005.

Il Museo Assiro del Louvre, inaugurato nel 1847 e poi annesso al Dipartimento delle Antichità, è il primo museo al mondo dedicato alle antichità orientali. Il Dipartimento delle Antichità Orientali viene ufficialmente istituito con decreto del 20 agosto 1881, a seguito degli scavi di Tello e dei notevoli progressi nella riscoperta dell’antichità orientale a cui la sezione del museo assiro ha contribuito attivamente. Per tutto il XIX secolo e durante la prima metà del XX secolo, le collezioni si sono sviluppate grazie alle esplorazioni e agli scavi effettuati da diplomatici e archeologi francesi nel Vicino e Medio Oriente, in particolare sui siti di Khorsabad, Tello, Susa, Mari , Ugarit o anche Byblos.

Punti salienti della collezione
Con oltre 150.000 oggetti, il Dipartimento di Antichità Orientali del Museo del Louvre presenta una delle collezioni più importanti al mondo, che permette di offrire uno dei panorami più completi della storia antica del Vicino e Medio Oriente. L’attuale presentazione del Dipartimento di Antichità Orientali si articola intorno a tre principali aree di collezioni, distribuite per gruppi geografici e culturali: Mesopotamia; Antico Iran (Elam, Persia…) e Asia Centrale; Pays du Levante.

Queste opere coprono circa 8.000 anni di storia su un territorio immenso che va per certi periodi dall’Asia centrale alla Spagna e dal Mar Nero all’Oceano Indiano. Fin dal Neolitico molte culture e civiltà si sono succedute in questa regione, dove vediamo in particolare la comparsa di un’amministrazione politica, militare e religiosa, o la nascita dello Stato secondo una formula comune. È anche la culla della scrittura, apparsa intorno al -3300 a Uruk, in Mesopotamia.

Cortile di Khorsabad
Il cortile di Khorsabad presenta i resti di una gigantesca città costruita in appena dieci anni, alla fine dell’VIII secolo a.C. A quel tempo, il nord dell’attuale Iraq apparteneva al potente impero assiro. Il re Sargon II decide di costruire una nuova capitale a Khorsabad, vicino a Mosul. Ma alla morte del suo fondatore, la città perse lo status di capitale. Non è stato fino al 19° secolo che gli archeologi francesi hanno riscoperto i resti del sito. Nasce così al Louvre il primo museo assiro al mondo.

Nell’VIII secolo aC, il re Sargon II regnò sull’impero assiro. Verso -713, prende una decisione forte che deve stabilire la sua autorità: fondare una nuova capitale. Scelse un vasto sito ai piedi del Monte, nel nord dell’attuale Iraq. Questa sarà Dûr-Sharrukin, la “fortezza di Sargon”. Il re intraprese la costruzione di questa nuova città che doveva essere commisurata alla sua onnipotenza. Le sue dimensioni superano le più grandi città del mondo antico. Il suo palazzo da solo ha 200 stanze e cortili.

Ma alla morte di Sargon II nel -705, suo figlio e successore, il re Sennacherib, abbandonò l’opera della città ancora incompiuta per trasferire la capitale a Ninive. Sargon II fu ucciso in una feroce battaglia. Il sito gradualmente dimenticato fu ritrovato solo nel 1843, durante gli scavi pionieristici intrapresi da Paul-Émile Botta, vice console di Francia a Mosul. Questo è l’inizio dell’archeologia mesopotamica e più in generale orientale. Con questa scoperta riappaiono le vestigia di una civiltà dimenticata.

Sotto la copertura in vetro del cortile, la luce gioca sulle grandi lastre scolpite. In origine, molti di questi rilievi si trovavano anche in un cortile ma all’aperto. Molti ornavano la grande corte d’onore che dava accesso alla sala del trono nel gigantesco palazzo di Sargon II. Queste lastre di alabastro coprivano la base delle pareti di mattoni di fango ed erano accentate con colori intensi, tra cui blu e rosso. Ne possiamo ancora vedere alcune tracce, in particolare sulla tiara (corona reale) indossata da Sargon II. I bassorilievi rappresentano varie scene (caccia con l’arco, cortei di dignitari) che evocano la vita alla corte di Sargon II e glorificano il re. Diversi pannelli sembrano mostrare il trasporto di legno di cedro dal Libano per costruire la nuova capitale.

Questo sontuoso decoro aveva anche una funzione magica. Questo è particolarmente il caso degli spiriti protettivi scolpiti sulle pareti: dovevano vegliare sulla città e sul suo palazzo. Sono quindi rappresentati in luoghi che richiedono una protezione speciale, come le porte. Per questo i passaggi sono incorniciati da monumentali tori alati. Ciascuno è stato scolpito da un unico gigantesco blocco di alabastro e pesa circa 28 tonnellate. Queste creature fantastiche, chiamate aladlammû o lamassu, hanno il corpo e le orecchie di tori, le ali di un’aquila e un volto umano che indossa un’alta tiara, simile alle rappresentazioni di Sargon II. Questa natura ibrida così come le doppie o triple corna sono segni della loro divinità nel mondo mesopotamico. Combinando i poteri di questi diversi esseri, il loro potere protegge la città e il suo palazzo in modo benefico.

Galleria Angoulême
Nella fila di cinque sale con decoro neoclassico sono esposte le collezioni di Antichità Orientali ed in particolare opere del Levante e dell’antico Iran. Ma queste stanze avevano altre funzioni prima di essere trasformate in sale museali. Tra i 100.000 oggetti della collezione di Antichità orientali, la galleria Angoulême presenta opere del Levante, cioè dell’odierna Siria, Libano, Israele, Giordania e Cipro. Alcune di queste opere risalgono al 7000 aC. Sono tra le più antiche nelle collezioni del museo.

Scoperte per la maggior parte durante le campagne archeologiche francesi, testimoniano la raffinatezza artistica di questa zona di scambio tra il Mediterraneo e l’Asia dove si intersecano molteplici influenze. Questo crocevia tra Egitto, Mesopotamia, Anatolia e il mondo egeo vide lo sviluppo di città prospere come Byblos e Ugarit. Statue, stele e testi mitologici evocano il mondo religioso di questi regni di cui la Bibbia ci ha trasmesso la memoria. Le scatole d’avorio, le coppe d’oro ei gioielli ne rivelano la ricchezza e l’abbondanza artistica.

Dipartimento di Arti Islamiche

Il dipartimento di arti islamiche del Louvre, costituito nell’agosto 2003, riunisce collezioni che coprono l’intero mondo islamico (area geografica tra la Spagna e l’India) dall’Egira al XIX secolo. La collezione d’arte islamica, la più recente del museo, abbraccia “tredici secoli e tre continenti”. Queste mostre, di ceramica, vetro, oggetti in metallo, legno, avorio, tappeti, tessuti e miniature, comprendono più di 5.000 opere e 1.000 frammenti.

Originariamente parte del dipartimento di arti decorative, i possedimenti si sono separati nel 2003. Tra le opere ci sono la Pyxide d’al-Mughira, una scatola d’avorio dell’Andalusia del X secolo; il Battistero di Saint-Louis, un bacino in ottone inciso del periodo mamelucco del XIII o XIV secolo; e la Sindone di Saint-Josse del X secolo dall’Iran. La raccolta contiene tre pagine dello Shahnameh, un libro epico di poesie di Ferdowsi in persiano e un lavoro in metallo siriano chiamato Vaso Barberini.

Questo dipartimento riunisce diversi gioielli dell’arte islamica: la pisside di al-Mughira, una scatola d’avorio spagnola datata 968, il piatto di pavone, importanti ceramiche ottomane e soprattutto il battistero di Saint Louis, uno dei pezzi più famosi. e la più enigmatica di tutta l’arte islamica, creata da Muhammad ibn al-Zayn all’inizio del XIV secolo. Notevole anche per l’importante materiale proveniente dagli scavi di Susa (l’attuale Iran), a cui il museo prese parte.

Dal 22 settembre 2012 le arti dell’Islam sono esposte al Louvre in Cour Visconti. Questo spazio permette l’esposizione di 3.000 opere, provenienti dalle collezioni del Louvre, ma anche dal museo delle arti decorative. La Cour Visconti è ricoperta da un velo aereo costituito da una vetrata di 1.600 triangoli, sovrapposta a due strati di alluminio di diverso spessore. È la più grande collezione di oggetti islamici al mondo con quella del Metropolitan di New York.

Nel settembre 2019, la principessa Lamia bint Majed Al Saud ha aperto un dipartimento di arte islamica nuovo e migliorato. Il nuovo dipartimento espone 3.000 pezzi sono stati raccolti dalla Spagna all’India attraverso la penisola arabica dal VII al XIX secolo.

Punti salienti della collezione
La collezione comprende 16.500 opere (di cui 3.500 depositate dal Musée des Arts Décoratifs), che la rendono una delle più grandi al mondo con quella del Metropolitan Museum di New York (12.000 o 13.000 opere), e quelle del British Museum, il V&A Museum e il Museo Islamico di Berlino.

Le arti dell’Islam sono presenti nelle collezioni francesi da secoli. Nel 2002, il presidente Jacques Chirac chiede la creazione di un dipartimento indipendente di arti islamiche al Museo del Louvre. Questo dipartimento è istituito con decreto del 1 agosto 2003. Nel 2003 è stato lanciato un concorso per la creazione degli spazi necessari. Il 23 settembre 2005 sono stati annunciati i vincitori del concorso: Mario Bellini e Rudy Ricciotti, associati a Renaud Piérard . L’involucro architettonico è stato completato nel 2011.

Le nuove sale sono state inaugurate il 18 settembre 2012. In totale, 3.000 opere sono esposte in 3 sale che coprono 3.000 m² di superficie espositiva (4.000 m² per il MET). Dalle finestre di alcune stanze del palazzo si vede, nel cuore di uno dei cortili interni, una stupefacente maglia ondulata di metallo dorato. Dal 2012 è qui, in un’architettura di vetro e luce, che puoi venire ad ammirare la collezione di Arti Islamiche del Louvre.

Questa struttura in vetro e metallo è opera degli architetti Rudy Ricciotti e Mario Bellini e dello scenografo Renaud Piérard. Si inserisce nella Cour Visconti, un tempo aperta al cielo. Ma questa è solo la parte visibile: le collezioni si sviluppano su due livelli, con due diverse atmosfere luminose. Il livello superiore si apre come una scatola di vetro posta nel cortile, sotto una stupefacente copertura in lamiera grecata. Dune di sabbia o mashrabiya, ognuno può dare libero sfogo alla propria immaginazione. Qui le opere sono inondate di luce naturale, ma protette dai raggi solari dalla struttura metallica.

Al livello inferiore, invece, è il regno della misteriosa scoperta di tesori in un’atmosfera sommessa degna di una grotta di Ali Baba. Le opere brillano con i loro materiali preziosi e i loro mille colori. Ci trasportano in molteplici viaggi in Oriente, tra Cordoba, Il Cairo, Damasco, Baghdad, Aleppo, Mosul, Istanbul, Isfahan e Agra in India.

Scopri la varietà e il lusso di questi oggetti appartenuti a califfi, sultani o principi. Il Museo del Louvre scopri l’inventiva e l’eccellenza degli artisti attraverso le ceramiche lucide, a volte con riflessi dorati o in blu cinese, i bacini e vasi in metallo tempestati di oro e argento, gli avori delicatamente intagliati. Il Museo del Louvre ci immergia anche nell’affascinante mondo dei paesaggi, dei giardini, delle scene di vita nei palazzi, attraverso i capolavori della pittura in miniatura, delle sete o dei tappeti. Le superbe lampade in vetro smaltato ci portano alle moschee del Cairo e alle piastrelle colorate delle ceramiche di Iznik, ai monumenti di Istanbul o Ispahan.

Dipartimento di Antichità Egizie

Il Dipartimento delle Antichità Egizie del Louvre è un dipartimento del Louvre responsabile dei manufatti delle civiltà del Nilo che risalgono dal 4.000 a.C. al 4° secolo. La collezione, che comprende oltre 50.000 pezzi, è tra le più grandi al mondo e offre una panoramica della vita egiziana che abbraccia l’antico Egitto, il Medio Regno, il Nuovo Regno, l’arte copta e i periodi romano, tolemaico e bizantino. Il Dipartimento di Antichità Egizie del Museo del Louvre conserva una delle principali collezioni egittologiche del mondo fuori dal territorio egiziano, insieme al Museo Egizio di Torino e al British Museum e, in Egitto, al Museo Egizio del Cairo.

Le origini del dipartimento risiedono nella collezione reale, ma fu ampliata dal viaggio di spedizione di Napoleone nel 1798 con Dominique Vivant, il futuro direttore del Louvre. Dopo che Jean-François Champollion tradusse la Stele di Rosetta, Carlo X decretò la creazione di un dipartimento di antichità egizie. Champollion consigliò l’acquisto di tre collezioni, formate da Edmé-Antoine Durand, Henry Salt e Bernardino Drovet; queste aggiunte hanno aggiunto 7.000 opere. La crescita è proseguita grazie alle acquisizioni di Auguste Mariette, fondatore del Museo Egizio del Cairo. Mariette, dopo gli scavi a Menfi, rispedì casse di reperti archeologici tra cui Lo scriba seduto.

Custodita dalla Sfinge Grande (2000 aC circa), la collezione è ospitata in circa 30 stanze. I possedimenti includono arte, rotoli di papiro, mummie, strumenti, vestiti, gioielli, giochi, strumenti musicali e armi. I pezzi del periodo antico includono il coltello Gebel el-Arak del 3400 a.C., lo scriba seduto e la testa del re Djedefre. L’arte del Medio Regno, “nota per i suoi lavori in oro e le sue statue”, passò dal realismo all’idealizzazione; questo è esemplificato dalla statua in scisto di Amenemhatankh e dal Portatore di offerte in legno. Le sezioni del Nuovo Regno e dell’Egitto copto sono profonde, ma la statua della dea Nefti e la rappresentazione in pietra calcarea della dea Hathor dimostrano il sentimento e la ricchezza del Nuovo Regno.

La collezione copre tutte le epoche dell’antica civiltà egizia, dal tempo di Nagada all’Egitto romano e copto. Attualmente, le Antichità Egizie sono distribuite su tre piani dell’ala Sully del museo, per un totale di una trentina di stanze: al piano rialzato troviamo l’Egitto romano e l’Egitto copto; al piano terra e al primo piano, l’Egitto faraonico.

Le collezioni egiziane si estendono su 2 piani. Nella prima, una presentazione della vita quotidiana degli egizi attraverso sale tematiche, nella seconda, una presentazione cronologica dell’antico Egitto dal periodo predinastico al periodo tolemaico. Le sale del Museo Carlo X ospitano in particolare la fine della presentazione cronologica delle antichità egizie del Louvre: il Nuovo Impero, il Terzo Periodo Intermedio, il Tardo Periodo e il Periodo Tolemaico.

Punti salienti della collezione
Attualmente, le Antichità Egizie sono distribuite su tre piani: al piano rialzato, l’Egitto romano e l’Egitto copto; al piano terra e al primo piano, l’Egitto faraonico. Tra i reperti più famosi ci sono il coltello Gebel el-Arak e la tavolozza da caccia del periodo Nagada. Il pezzo principale che illustra l’arte del periodo Thinite è la stele del Re Serpente.

L’arte dell’Antico Regno comprende capolavori come le tre statue di Sepa e sua moglie Nesa risalenti alla Terza Dinastia, il famoso Scriba accovacciato, probabilmente risalente alla IV Dinastia, nonché la statuetta in calcare dipinto che rappresenta Raherka e sua moglie Merseânkh . La cappella della mastaba di Akhethotep, smantellata dalla sua sede originaria a Saqqara e rimontata in una delle stanze al piano terra, è un esempio di architettura funeraria risalente alla V Dinastia.

Il Medio Regno si estende da -2033 a -1786 circa, corrispondenti all’XI dinastia (da -2106 a -1963), che vide il paese riunificato intorno al -2033 da Montouhotep II e alla XII dinastia (da -1963 a -1786) , età d’oro del Regno di Mezzo. Questo periodo è rappresentato al Louvre principalmente da opere risalenti alla XII dinastia. Per il Medio Regno c’è la grande statua lignea rappresentante il Cancelliere Nakhti oltre al suo sarcofago, bellissimo portatore di offerte in legno stuccato e dipinto, un grande architrave in pietra calcarea scolpito a rilievo nell’incavo e proveniente dal tempio di Montou a Médamoud, la sfinge di Amenemhat II (opere tutte risalenti alla XII dinastia).

Per il Nuovo Impero si segnalano il busto di Akhenaton risalente alla XVIII dinastia e la statuetta policroma che lo rappresenta con la moglie Nefertiti, opere che illustrano le particolarità dell’arte di Amarna; sono inoltre presenti diverse grandi opere della XIX e XX dinastia (che sono quelle dei Ramessidi) con in particolare il rilievo dipinto raffigurante Hathor che accoglie Seti I e proveniente dalla tomba del faraone nella Valle dei Re, l’anello del cavallo e la vasca del sarcofago di Ramses III.

Del periodo tardo e del periodo tolemaico, il museo espone in particolare il ciondolo con il nome di Osorkon II, capolavoro dell’oreficeria antica, la statuetta di Taharqa e del dio Hémen (bronzo, grovacca e oro), la statuetta in bronzo con intarsi raffigurante il divino adoratore di Amon Karomama, una statua in bronzo di Horus, il famoso zodiaco di Dendera e diversi ritratti del Fayoum di epoca romana.

Cripta della sfinge
Una strana creatura, metà umana metà animale, sembra custodire l’ingresso delle collezioni egiziane. Dal profondo della sua cripta, corpo di leone e volto di re, la grande sfinge di Tanis accoglie il visitatore con la sua enigmatica figura. Annuncia un vasto viaggio di oltre 6.000 opere che coprono quasi 5.000 anni di storia egiziana.

Al piano terra dell’ala Sully, diciannove sale compongono il percorso tematico. Al primo piano dell’ala Sully, undici sale compongono il percorso cronologico, con una divisione tra lo spazio per l’esposizione delle opere principali e gallerie di studio più fitte.

Le prime sale rievocano gli aspetti principali della civiltà egizia come l’importanza del Nilo e la sua alluvione annuale che permette l’agricoltura. La cappella della mastaba di Akhethotep permette di vedere la monumentalità dell’architettura egizia. Una stanza è dedicata ai geroglifici e poi scopriamo la vita quotidiana degli egizi, i loro mestieri, i loro mobili, i loro ornamenti e i loro vestiti. La sala del tempio, poi la collezione di sarcofagi, ricordano il luogo centrale della religione e dei riti funerari nella civiltà egizia.

Al primo piano viene offerto un approccio storico e artistico a questa civiltà. Questa volta si tratta di scoprire l’evoluzione cronologica dell’arte egizia in quasi 5000 anni. Il visitatore incrocia in particolare il famoso sguardo dello Scriba accovacciato o può ammirare le statue di re e regine come Sesostri III, Ahmes Nefertari, Hatshepsout, Amenophis III, Nefertiti e Akhenaton o Ramses II.

L’Egitto ci è noto oggi, soprattutto grazie alle sue tombe, alla loro decorazione e ai loro mobili. Sotto l’Antico Regno (2700-2200 aC), l’entourage del re fu autorizzato a costruire ricche sepolture chiamate mastaba. Questi imponenti edifici includono una camera funeraria in fondo a un pozzo dove è riposta la mummia del defunto nel suo sarcofago. Sopra questo pozzo, nella sovrastruttura, si trova una cappella in cui si svolgeva il culto funerario.

Acquistata dal governo egiziano nel 1903, la cappella mastaba di un certo Akhethetep fu ricostruita pietra per pietra nel museo. All’interno, scopriamo i bassorilievi dipinti e titolati con iscrizioni geroglifiche. Una vera miniera di informazioni sulla vita quotidiana degli antichi egizi, la vita contadina nella Valle del Nilo, il lavoro nei campi secondo le stagioni. Tra i reperti più famosi ci sono il coltello Gebel el-Arak e la tavolozza da caccia del periodo Nagada. Il pezzo principale che illustra l’arte dell’era Thinite è la Stele del Re Serpente.

Dipartimento di Antichità Greche, Etrusche e Romane

Il dipartimento si sviluppa su tre piani: sul mezzanino della Grecia preclassica; al piano terra la Grecia classica ed ellenistica, oltre alle antichità romane; al primo piano, a cui si accede dallo scalone Daru dove siede la Vittoria Alata di Samotracia, le collezioni etrusche (sale 660, 662, 663), le ceramiche greche esposte nella Galleria Campana, le statuine in terracotta, i bronzi e gli oggetti di valore .

La Collezione dell’Antica Grecia
Dopo importanti lavori di ristrutturazione, il Museo del Louvre apre al pubblico nuove sale dedicate all’arte greca classica ed ellenistica (-450/-430). Come risultato di questo lavoro, la Venere di Milo, una delle opere più note del museo, si trova al piano terra dell’angolo sud-ovest della Cour Carrée (ala Sully).

Tra le opere più famose esposte nel dipartimento vi sono, per la Grecia, la Dame d’Auxerre, il cavaliere Rampin, i dinosauri del Pittore di Gorgone, le metope del tempio di Zeus ad Olimpia, la Venere di Milo, la Vittoria di Samotracia , numerose copie romane da originali greci perduti, come l’Apollo Sauroctoniano di Prassitele, la Venere di Arles, l’Ares Borghese, la Cacciatrice Diana detta Diana di Versailles o il Gladiatore Borghese. Nella ceramica troviamo in particolare vasi importanti firmati dai pittori Exekias ed Euphronios.

Per l’arte etrusca i pezzi maggiori sono la fibula ei baldacchini d’oro di Chiusi, il sarcofago degli Sposi di Cerveteri e le pinache dipinte dette “piastre campane”. Per l’arte romana troviamo la base del gruppo statuario di Domizio Enobarbo, l’Apollo di Piombino, il Vaso Borghese, la statua funeraria di Marcello in Ermete, il ritratto di Agrippa del tipo di Gabbio, numerosi ritratti di imperatori, in particolare di Augusto, Traiano, Adriano e Settimio Severo, il sarcofago di Salonicco e il tesoro di Boscoreale.

La collezione d’arte greca appartiene al dipartimento delle Antichità Greche, Etrusche e Romane, che si sviluppa su tre piani: al piano rialzato la Grecia preclassica; al piano terra la Grecia classica ed ellenistica, oltre alle antichità romane; al primo piano, a cui si accede dallo scalone Daru dove siede la Vittoria Alata di Samotracia, le collezioni etrusche (sale 660, 662, 663), le ceramiche greche esposte nella Galleria Campana, le statuine in terracotta, i bronzi e gli oggetti di valore .

Il dipartimento greco, etrusco e romano espone reperti del bacino del Mediterraneo dal Neolitico al VI secolo. La collezione spazia dal periodo delle Cicladi al declino dell’Impero Romano. Questo dipartimento è uno dei più antichi del museo; iniziò con l’appropriazione dell’arte reale, parte della quale fu acquisita sotto Francesco I. Inizialmente, la collezione si concentrava su sculture in marmo, come la Venere di Milo’. Opere come l’Apollo Belvedere arrivarono durante le guerre napoleoniche, ma questi pezzi furono restituiti dopo la caduta di Napoleone I nel 1815. Nel XIX secolo il Louvre acquisì opere tra cui vasi della collezione Durand, bronzi come il Vaso Borghese dalla Bibliothèque nationale .

L’arcaico è testimoniato da gioielli e pezzi come la Madonna di Auxerre, in pietra calcarea, del 640 aC; e l’Era cilindrica di Samo, c. 570–560 a.C. Dopo il IV secolo aC, l’attenzione alla forma umana aumentò, esemplificata dal Gladiatore Borghese. Il Louvre custodisce capolavori dell’era ellenistica, tra cui La Vittoria alata di Samotracia (190 aC) e la Venere di Milo, simbolo dell’arte classica. La lunga Galerie Campana espone una straordinaria collezione di oltre mille ceramiche greche. Nelle gallerie parallele alla Senna è esposta gran parte della scultura romana del museo. La ritrattistica romana è rappresentativa di quel genere; esempi includono i ritratti di Agrippa e Annius Verus; tra i bronzi il greco Apollo di Piombino.

La collezione di antichità della Grecia
L’inizio dell’arte della Grecia preclassica è rappresentato essenzialmente nel dipartimento da figurine in terracotta del periodo neolitico (6500-3200 aC) prodotte in Tessaglia. L’arcipelago delle Cicladi, in particolare a Kéros, Naxos (varietà nota come “di Spedos”), è rappresentato da statuette e vasi in marmo della prima età del bronzo (3200-2000 aC).

Alcuni pezzi testimoniano la civiltà minoica ((2000 – 1400 a.C.) tra cui un frammento di affresco (testa femminile di profilo, Festo) che ricorda le decorazioni sontuose dell’epoca a Cnosso. La civiltà micenea (2000 -1050 a.C.) è essenzialmente rappresentata qui da materiale funerario tra cui un carro in terracotta (grande) che testimonia l’uso di carri da combattimento da parte dei guerrieri micenei.

Il periodo della Grecia geometrica, che va dal 900 al 700 aC circa, è qui rappresentato da ceramiche con motivi geometrici che possono includere figure umane o rappresentazioni stilizzate di animali. Poi verranno i periodi orientalizzanti e arcaici.

Collezione Grecia classica ed ellenistica
Questa sezione raccoglie la Venere di Milo, la Vittoria Alata di Samotracia e numerose copie romane da originali greci perduti, come l’Apollo Sauroctoniano di Prassitele, la Venere di Arles, l’Ares Borghese, la Diana cacciatrice detta Diana di Versailles o la Borghese Gladiatore.

Il governo francese organizzò la spedizione della Morea nel 1828. Ispirandosi alla spedizione scientifica della campagna d’Egitto del 1798, si decise di aggiungere all’invio delle truppe un gruppo di studiosi. Il Senato greco, riunitosi ad Argo nel 1829, donò alla Francia elementi di sei metope del Tempio di Zeus ad Olimpia.

Collezione di ceramiche greche
Con oltre 13.000 opere, è la collezione più ricca del mondo. In ceramica, in particolare vasi importanti firmati dai pittori Exekias ed Euphronios.

La Galleria dell’Antiquariato
Al posto degli ex appartamenti reali, la Galerie des Antiques del Louvre accoglie i visitatori alla ricerca di capolavori della scultura greca, forse il più famoso dei quali è la Venere di Milo. Insieme alla Gioconda e alla Vittoria di Samotracia, è una delle tre grandi dame del Museo del Louvre. Il suo nome deriva dall’isola greca di Milo dove fu scoperto nel 1820. Acquistato quasi subito dal marchese de Rivière, allora ambasciatore francese in Grecia, fu poi offerto al re Luigi XVIII. Il sovrano a sua volta lo offrì al Louvre nel marzo 1821.

Come nel caso di alcune statue antiche, la Venere di Milo è composta da diversi blocchi di marmo di Paro. Il suo corpo è stato scolpito in due parti: il raccordo tra il busto e le gambe è appena visibile ai fianchi, perché celato nel drappo. Furono scolpite anche le braccia e poi raccordate al busto, come testimonia il foro di fissaggio a livello della spalla sinistra. Altre sculture presenti nella sala mostrano il sistema di collegamento dei blocchi scolpiti separatamente e poi assemblati.

Al momento della sua introduzione al Louvre, si prevedeva di restaurare le armi mancanti. Ma l’idea viene finalmente abbandonata per non snaturare il lavoro. Questa assenza di armi rende difficile l’identificazione della statua: le divinità greche sono spesso riconoscibili da oggetti o elementi naturali, detti attributi, che tengono tra le mani. Al momento della sua scoperta, quindi, esita sull’identità della dea.

Si ritiene che la Venere di Milo rappresenti Afrodite, la dea greca dell’amore, la cui controparte romana era Venere. La scultura è talvolta chiamata Afrodite de Milos, a causa dell’imprecisione di intitolare la scultura greca a una divinità romana (Venere). Alcuni studiosi ipotizzano che la statua rappresenti effettivamente la dea del mare Anfitrite, venerata nell’isola in cui è stata trovata la statua.

Quando la Venere di Milo entrò al Louvre nel 1821, fu l’inizio di una serie di numerosi spostamenti. Logicamente, fu collocato per la prima volta nella Galleria delle Antichità, nella stanza che occupa oggi. Si può venire ad ammirare la Venere di Milo in una grande stanza dove è quasi sola, al termine di una lunga fila. Il ricco decoro in marmo rosso risale all’epoca di Napoleone I all’inizio del XIX secolo.

Scale Daru
In cima alla scalinata di Daru svetta la Vittoria di Samotracia, una delle statue più famose conservate nel Museo del Louvre. Questa cornice spettacolare è stata attentamente pensata per mettere in risalto questo capolavoro dell’arte greca ellenistica. Scultura antica e architettura moderna fanno di questa scala uno dei luoghi emblematici del museo.

Sembra che stia fluttuando nell’aria! La Vittoria di Samotracia è una delle rare statue greche di cui si conosce con precisione l’ubicazione originaria. Fu fatto come offerta agli dei per il santuario sull’isola greca di Samotracia. Posto in altezza, dovrebbe essere in grado di vederlo da lontano. Questo è ciò che vuole evocare questa messa in scena in cima alle scale di Daru. Nike, la dea alata della Vittoria, è presa nel momento in cui atterra sulla nave.

La Vittoria Alata di Samotracia, o Nike di Samotracia, è un monumento votivo originariamente trovato sull’isola di Samotracia, a nord del Mar Egeo. È un capolavoro della scultura greca di epoca ellenistica, risalente all’inizio del II secolo a.C. È composto da una statua rappresentante la dea Niké (Vittoria), a cui mancano la testa e le braccia, e la sua base a forma di prua di una nave.

L’altezza totale del monumento è di 5,57 metri compreso lo zoccolo; la statua da sola misura 2,75 metri. La scultura è una delle poche grandi statue ellenistiche sopravvissute nell’originale, piuttosto che nelle copie romane. La Vittoria Alata è esposta al Museo del Louvre di Parigi, in cima allo scalone principale, dal 1884. La statua, in marmo bianco pario, raffigura una donna alata, la dea della Vittoria (Nikè), che si posa sulla prua di un nave da guerra.

La Nike è vestita con una lunga tunica (chitôn) in tessuto finissimo, con patta ripiegata e cinturata sotto il petto. Era attaccato alle spalle da due sottili cinghie (il restauro non è accurato). La parte inferiore del corpo è parzialmente coperta da uno spesso mantello arrotolato in vita. vola liberamente nella parte posteriore. Il mantello sta cadendo e solo la forza del vento lo tiene sulla sua gamba destra. Lo scultore ha moltiplicato gli effetti dei drappeggi, tra i luoghi in cui il tessuto è placcato contro il corpo rivelandone le forme, soprattutto sul ventre, e quelli in cui si accumula in pieghe profondamente scavate gettando una forte ombra, come tra le gambe.

La dea avanza, appoggiandosi sulla gamba destra. La dea non cammina, stava finendo il suo volo, le sue grandi ali ancora spiegate all’indietro. Le braccia sono scomparse, ma la spalla destra sollevata indica che il braccio destro era sollevato di lato. Con il gomito piegato, la dea fece della sua mano un gesto vittorioso di salvezza. L’intero corpo è inscritto in un triangolo rettangolare, una figura geometrica semplice ma molto solida: era necessario sostenere sia le forme compiute della dea, l’accumulo di drappeggi, sia l’energia del movimento.

La collezione di antichità romane
Le antichità romane al primo piano, a cui si accede dalla scalinata Daru dove svetta la Vittoria Alata di Samotracia, le raccolte etrusche (sale 660, 662, 663), le ceramiche greche esposte nella Galleria Campana, le statuine in terracotta, le bronzi e oggetti di valore. La lunga Galerie Campana espone una straordinaria collezione di oltre mille ceramiche greche. Nelle gallerie parallele alla Senna è esposta gran parte della scultura romana del museo. La ritrattistica romana è rappresentativa di quel genere; esempi includono i ritratti di Agrippa e Annius Verus; tra i bronzi il greco Apollo di Piombino.

Le antichità romane appartengono al Dipartimento di antichità greche, etrusche e romane del Louvre, uno degli otto dipartimenti del Museo del Louvre. Ospita una delle più grandi e famose collezioni di arte antica del mondo. Il dipartimento greco, etrusco e romano espone reperti del bacino del Mediterraneo dal Neolitico al VI secolo. La collezione spazia dal periodo delle Cicladi al declino dell’Impero Romano.

Questo dipartimento è uno dei più antichi del museo; iniziò con l’appropriazione dell’arte reale, parte della quale fu acquisita sotto Francesco I. Inizialmente, la collezione si concentrava su sculture in marmo, come la Venere di Milo. Opere come l’Apollo Belvedere arrivarono durante le guerre napoleoniche, ma questi pezzi furono restituiti dopo la caduta di Napoleone I nel 1815. Nel XIX secolo il Louvre acquisì opere tra cui vasi della collezione Durand, bronzi come il Vaso Borghese dalla Bibliothèque nationale .

Il dipartimento ospita oltre 80.000 opere dell’antichità etrusca, greca e romana, rendendola una delle collezioni più ricche al mondo. In particolare sono presenti più di 5.000 sculture antiche e più di 13.000 ceramiche greche. In totale, 6.000 opere sono presentate in 50 sale e 9.400 m2.

Al Louvre furono progressivamente installate le collezioni di antichità greche e romane. Luigi XIV collocò per la prima volta parte della sua collezione nella Salle des Cariatides nel 1692. Nel 1798 arrivarono nuovi oggetti d’antiquariato in seguito alle campagne d’Italia. La Galerie des Antiques è stata quindi creata negli ex appartamenti di Anna d’Austria. Successivamente, nel 1807, Napoleone I acquistò la collezione del cognato, il principe Camille Borghese. L’imperatore fece poi ampliare la Galleria delle Antichità utilizzando le sale attigue che oggi ospitano, tra gli altri capolavori, la Venere di Milo.

Quando il Primo Impero cadde nel 1815, molte statue furono restituite al loro paese di origine. Ma in queste sale cerimoniali oggi dedicate alle collezioni romane sono ancora esposti capolavori antichi: statue e rilievi prima in marmo o bronzo, poi dipinti murali di Pompei. Qui si possono ammirare opere dalla fine della Repubblica Romana, con il cosiddetto rilievo di Domizio Enobarbo, agli imperatori filosofi del II secolo, Adriano e Marco Aurelio.

Gli appartamenti di Anna d’Austria
Le collezioni di antichità romane situate nei primi appartamenti estivi di Anna d’Austria, madre di Luigi XIV. poi Galleria d’Antiquariato per volontà di Napoleone Bonaparte nel 1800, queste stanze hanno conservato i soffitti originali. La regina Anna d’Austria, madre di Luigi XIV, alla morte del marito Luigi XIII nel 1643, assunse per un certo periodo la reggenza. Viene poi ospitata nell’appartamento che è stato quello delle regine sin da Caterina de’ Medici nel XVI secolo.

I lavori del risplendente furono affidati all’architetto Louis Le Vau. Si dedicò alla Reggia di Versailles. L’arredamento è opera del pittore Giovanni Francesco Romanelli e dello scultore Michel Anguier. I due artisti si ispirano ai palazzi italiani, come Palazzo Farnese a Roma, o Palazzo Pitti a Firenze. Antichi dei e dee si mescolano con allegorie delle stagioni, elementi, stelle e virtù e personaggi biblici per celebrare la regina madre.

Dopo la Rivoluzione francese del 1789, gli ex appartamenti reali furono gradualmente trasformati in un museo. Questo appartamento è ideale per ospitare tutte le collezioni di sculture antiche portate dall’Italia. L’architetto Jean-Arnaud Raymond diresse i lavori della nuova “Galerie des Antiques” dal 1798 al 1800. Abbatté pareti e porte per aprire le stanze l’una all’altra e creò portici di colonne e grandi arcate per dare ancora più maestosità alla lunga fila.

Dipartimento di Sculture

Il dipartimento di scultura è uno degli otto dipartimenti del Museo del Louvre. Ospita una delle collezioni di sculture più importanti del mondo e la più ricca collezione di opere francesi. Il dipartimento di scultura ospita più di 6.000 opere, inclusa la più grande collezione al mondo di scultura francese. In tutto, più di 2.000 opere sono presentate in 67 sale distribuite su due cortili (8.500 mq complessivi).

Il Louvre è stato un deposito di materiale scolpito sin dai suoi tempi come palazzo; tuttavia fino al 1824 fu esposta solo l’architettura antica. Il reparto di scultura è costituito da opere realizzate prima del 1850 non appartenenti al reparto etrusco, greco e romano. All’inizio il museo esponeva solo sculture antiche, con l’unica eccezione delle due statue di schiavi di Michelangelo. La galleria Angoulême è stata aperta nel 1824, con cinque sale dedicate a opere che vanno dal Rinascimento al XVIII secolo. Dal 1850 si aggiunse la scultura medievale, ma fu solo nel 1893 che il Dipartimento di Scultura divenne autonomo e cessò di essere annesso a quello di Antichità.

Inizialmente la collezione comprendeva solo 100 pezzi, il resto della collezione di sculture reali era a Versailles. Rimase piccolo fino al 1847, quando Léon Laborde ottenne il controllo del dipartimento. Laborde sviluppò la sezione medievale e acquistò le prime statue e sculture di questo tipo nella collezione, rispettivamente Re Childeberto e Porta Stanga. La collezione faceva parte del Dipartimento delle Antichità ma ottenne l’autonomia nel 1871 sotto Louis Courajod, un direttore che organizzò una più ampia rappresentazione delle opere francesi. 

Nel 1986, tutte le opere successive al 1850 furono trasferite nel nuovo Musée d’Orsay. Il progetto del Grand Louvre ha separato il dipartimento in due spazi espositivi; la collezione francese è esposta nell’ala Richelieu e le opere straniere nell’ala Denon. Tra le recenti modifiche, il raggruppamento di tutte le statue realizzate per il parco del castello di Marly, in particolare le grandi statue equestri dovute ad Antoine Coysevox e Guillaume Coustou. La scultura francese, articolata in numerosi ambienti attorno a due cortili coperti, si trova nell’ala Richelieu, mentre la scultura italiana e spagnola, oltre a quella delle scuole settentrionali, è esposta nell’ala Denon, al piano terra.

Punti salienti della collezione
La panoramica della collezione della scultura francese contiene opere romaniche come il Daniele nella fossa dei leoni dell’XI secolo e la Vergine d’Alvernia del XII secolo. Nel XVI secolo, l’influenza rinascimentale fece sì che la scultura francese diventasse più contenuta, come si vede nei bassorilievi di Jean Goujon e nella Discesa dalla croce e nella Resurrezione di Cristo di Germain Pilon. Il XVII e il XVIII secolo sono rappresentati dal Busto del cardinale Richelieu di Gian Lorenzo Bernini del 1640, da Donna in bagno e Amour menaçant di Étienne Maurice Falconet e dagli obelischi di François Anguier. Le opere neoclassiche includono Psiche ravvivata dal bacio di Cupido (1787) di Antonio Canova. Il XVIII e il XIX secolo sono rappresentati da scultori francesi come Alfred Barye ed Émile Guillemin.

Tra gli artisti esposti, oltre ai moltissimi anonimi (soprattutto per il medioevo), si segnalano, per la scultura francese, grandi opere di Jean Goujon, Germain Pilon, Pierre Bontemps, Pierre Puget, Antoine Coysevox, François Girardon, i fratelli Coustou, Jean-Baptiste Pigalle, Edmé Bouchardon, Etienne-Maurice Falconet, Augustin Pajou, Jean-Antoine Houdon, François Rude, David d’Angers, James Pradier, Antoine-Louis Barye, per la scultura italiana, anche ben rappresentata, si segnalano opere di Donatello, Desiderio da Settignano, Francesco Laurana, Andrea della Robbia, Michelangelo, Benvenuto Cellini, Giambologna, Le Bernin e Antonio Canova oltre a François Duquesnoy per le Fiandre.

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Il cortile di Marly
Sotto i tetti di vetro di Cours Marly e Puget, si trovano i capolavori della scultura francese. Le statue raccolte al Louvre erano spesso progettate per l’esterno, in particolare per i giardini dei palazzi di Versailles o delle Tuileries. Il castello di Marly fu la residenza di piacere del re Luigi XIV, il castello di Marly e il suo parco sono ormai scomparsi, alcune delle sue sculture sono state conservate. Dopo un soggiorno in vari spazi pubblici parigini, ora sono ben riparati, sotto il tetto di vetro della Cour Marly.

L’ala Richelieu (ala nord che confina con rue de Rivoli) è la più recente nella lunga storia della costruzione del Louvre. Fu costruito sotto Napoleone III e ospitò per più di un secolo, dal 1871 al 1989, il Ministero delle Finanze. Dopo che il ministero partì per Bercy, a est di Parigi, le stanze furono assegnate al museo e inaugurate nel 1993.

Quando gli architetti Ieoh Ming Pei e Michel Macary iniziarono i lavori di ammodernamento del Museo del Louvre, i due cortili erano ancora aperti al cielo. Gli architetti lo videro come il luogo ideale per ospitare le sculture che adornavano giardini o piazze pubbliche. Un sistema di terrazze mette in risalto le opere su diversi livelli e offre diverse prospettive, mentre i lucernari forniscono un’illuminazione ottimale. Un ingegnoso sistema di brise-soleil in alluminio funge da regolatore di luce, acustico e termico.

In cima al cortile svettano le opere più emblematiche, i Cavalli di Marly. Antoine Coysevox, uno degli scultori preferiti di Luigi XIV, creò questi due gruppi monumentali in onore del Re Sole. Pegaso, il cavallo alato della mitologia greco-romana, è cavalcato dall’allegoria della Fama, che proclama le vittorie militari del re, e da Mercurio, il dio romano del commercio, che incarna la prosperità. Vent’anni dopo, Luigi XV si stabilì a sua volta a Marly e commissionò nuove opere a Guillaume Coustou per sostituire quelle che erano state rimosse. Lo scultore fa a gara con il suo predecessore per dare ancora più dinamismo a questi vivaci cavalli.

Il cortile del Puget
La Cour Puget prende il nome da Pierre Puget, uno dei grandi scultori del regno di Luigi XIV e custodisce i suoi capolavori, Perseo e Andromeda e Milo di Crotone, realizzati per i giardini di Versailles. L’espressività, il dinamismo e la forza drammatica di queste sculture sono caratteristiche dell’arte barocca. La Cour Puget permette di viaggiare attraverso i secoli e vedere l’evoluzione della scultura, dal XVII al XIX secolo.

Le sculture del XVII secolo provengono da monumenti reali in gran parte distrutti. Adornavano le grandi piazze reali come Place Vendôme o Place des Victoires a Parigi e proclamavano la gloria del sovrano. Le opere del 18° secolo provengono da giardini. A quei tempi amavamo i soggetti leggeri trattati con uno stile delicato ed elegante, come la Marchesa de Pompadour, prediletta di Luigi XV, rappresentata come un’allegoria dell’Amicizia. Infine, la Cour Puget presenta un panorama di scultura all’aperto della prima metà dell’Ottocento, dalle opere neoclassiche prodotte sotto Napoleone I a statue romantiche come il furioso Roland di Duseigneur, in uno stile lirico e focoso.

Galleria Michel-Ange
Sotto le ampie volte della Galleria sono conservati capolavori della scultura italiana, tra cui i famosi Schiavi di Michelangelo. Per quasi tre secoli, gli scultori hanno gareggiato ingegnosamente per portare alla luce i sentimenti dell’anima umana. Costruita tra il 1854 e il 1857, questa galleria ha soprattutto una funzione pratica: è l’accesso ufficiale alla Salle des Etats dove si tenevano le principali sessioni legislative sotto il Secondo Impero. È anche il luogo dell’esposizione delle sculture del Salon, questo grande evento artistico dell’epoca che presentava l’opera di artisti viventi.

Hector Lefuel si ispira al lavoro del suo predecessore, l’architetto Pierre Fontaine. Quest’ultimo ha lavorato al Louvre sui diversi regimi politici, per tutta la prima metà del XIX secolo. I suoi layout nella Salle des Cariatides e nella Galerie d’Angoulême hanno ispirato Lefuel con le ampie volte delle gallerie Michelangelo e Daru, nonché la pavimentazione in marmo del pavimento in diversi colori. Qui la luce è naturale. Proviene dalle ampie campate aperte su entrambi i lati della galleria. Questa illuminazione, che non sarebbe adatta per i dipinti, mette in risalto in modo particolare le sculture in marmo bianco, ma anche quelle in bronzo o terracotta.

La Galleria Michelangelo presenta oggi un panorama della scultura italiana dal XVI al XIX secolo. Deve il suo nome all’artista fiorentino Michelangelo. Da lontano, ancor prima di entrare nella galleria, si può vedere l’uomo noto come Lo schiavo morente, ingrandito dal gioco di prospettiva. Alle sue spalle si erge un portale monumentale, decorato con le figure di Ercole e Perseo, che proviene dal palazzo Stanga di Castelnuovo a Cremona. La sua forma ricorda l’antico modello dell’Arco di Trionfo.

Poi viene Flying Mercury di Jean Bologna, detto il Giambologna, scultore nato nelle Fiandre che ebbe successo a Firenze. Possiamo anche vedere Mercurio che rapisce Psiche dal suo allievo Adriaen de Vries. Prima di lasciare la galleria, i visitatori possono ammirare Psiche ravvivata dal bacio di Cupido del Canova. Quest’opera è un esempio particolarmente virtuoso di lavorazione del marmo. L’artista restituisce perfettamente la morbidezza della carne e lo slancio.

La Sala delle Cariatidi
La Sala delle Cariatidi è probabilmente una delle più belle testimonianze architettoniche del Louvre rinascimentale. 1528. Il re Francesco I decide di scegliere il Louvre per farne la sua residenza principale a Parigi. Ma per dare a questo antico castello difensivo lo splendore e il lusso che ha potuto ammirare nei palazzi italiani. Nel 1546 nominò l’architetto Pierre Lescot a capo di questo colossale sito. La sala da ballo dei re di Francia segna l’inizio di questo nuovo stile artistico a Parigi. E dal XVII secolo ospita sotto le sue ampie volte una prestigiosa collezione di sculture antiche.

Le quattro cariatidi che sorreggono la tribuna dei musicisti le hanno dato il nome. Queste colonne a forma di figure femminili sono opera dello scultore Jean Goujon, nel 1550. Quest’opera è completamente in linea con le preoccupazioni del Rinascimento che si ispira all’Antichità. Qui l’artista reinterpreta un monumento del II secolo aC: il foro dell’imperatore Augusto a Roma. La sala delle Cariatidi ha avuto molteplici funzioni ed in particolare quella di sala da ballo. Fu anche teatro di grandi eventi storici, come la cerimonia funebre in seguito all’assassinio di Enrico IV nel 1610. Fu ancora qui che Molière si esibì per la prima volta prima di Luigi XIV che dona a Le Dépit amour, poi L’Etourdi e Les Précieuses Ridicolo.

Dal 1692 vi furono esposte sculture della collezione di Luigi XIV. Viene poi chiamata la stanza degli Antichi. Nel 1806 Napoleone I lo fece annettere alla Galerie des Antiques, che fece sistemare nelle stanze adiacenti dagli architetti Charles Percier e Pierre Fontaine (vedi Salle de la Vénus de Milo e Appartements d’Anne d’Ecosse). Questi ultimi dirigono il completamento della decorazione della stanza delle Cariatidi: gli archi della volta sono scolpiti e il camino ricostruito attorno alle due figure allegoriche di Jean Goujon.

Oggi la Sala delle Cariatidi custodisce capolavori delle collezioni di sculture greche, e più in particolare rappresentazioni di dei, dee ed eroi della mitologia. Alcune delle opere qui mostrate sono in realtà copie romane in marmo da un originale greco in bronzo. Questo è particolarmente il caso della graziosa Artemide con una cerva, al centro della stanza. Questo marmo risale al II secolo d.C. e utilizza un modello realizzato intorno al 330 a.C. È anche chiamata la Diana di Versailles perché ha adornato a lungo la Sala degli Specchi della Reggia di Versailles.

Al Louvre furono progressivamente installate le collezioni di antichità greche e romane. Luigi XIV fece installare per la prima volta parte della sua collezione nella Salle des Cariatides nel 1692. Dal 1798 arrivarono nuovi oggetti d’antiquariato in seguito alle campagne d’Italia. La Galerie des Antiques è stata quindi creata negli ex appartamenti di Anna d’Austria. Successivamente, nel 1807, Napoleone I acquistò la collezione del cognato, il principe Camille Borghese. L’imperatore fece poi ampliare la Galleria delle Antichità utilizzando le sale attigue che oggi ospitano, tra gli altri capolavori, la Venere di Milo.

Dipartimento di arti decorative

Il Dipartimento di Oggetti d’arte del Museo del Louvre è uno dei dipartimenti più ricchi del museo, costantemente ampliato da donazioni e acquisti. Ci sono gioielli, statuette e bigiotteria, ma anche mobili e arazzi. Gli oggetti coprono un periodo che va dall’alto medioevo alla metà del XIX secolo. La collezione, una delle più belle al mondo, comprende in totale oltre 24.163 opere, di cui 8.500 esposte in 96 sale, alcune delle quali sono capolavori in sé (Galerie d’Apollon, Appartements Napoléon III).

Questo dipartimento è stato creato nel 1893, quando è stato separato da quello delle Sculture. La collezione di Oggetti d’arte spazia dal Medioevo alla metà del XIX secolo. Il dipartimento iniziò come un sottoinsieme del dipartimento di scultura, basato sulla proprietà reale e sul trasferimento di opere dalla Basilique Saint-Denis, il cimitero dei monarchi francesi che deteneva la spada dell’incoronazione dei re di Francia. Di eccezionale valore, questi oggetti e mobili provengono dalle collezioni reali, dagli antichi tesori di Saint-Denis e dall’Ordine dello Spirito Santo, nonché dal trasferimento al Louvre, nel 1901, dell’ex Musée du Mobilier National.

A questo si sono aggiunte, sin dall’inizio, molteplici donazioni e acquisti. Tra le opere più pregiate della collezione in erba c’erano vasi di pietre dure e bronzi. L’acquisizione del 1825 della collezione Durand aggiunse “ceramiche, smalti e vetrate” e 800 pezzi furono donati da Pierre Révoil. L’inizio del Romanticismo riaccese l’interesse per le opere d’arte rinascimentali e medievali e la donazione Sauvageot ampliò il dipartimento con 1.500 opere medievali e in maiolica. Nel 1862 la collezione Campana aggiunse gioielli in oro e maioliche, principalmente del XV e XVI secolo.

Le collezioni del dipartimento delle opere d’arte si trovano al 1° piano del museo, nell’ala Richelieu, nelle ali nord e nord-ovest della Cour Carrée, nonché al 1° piano dell’ala Denon (galleria dell’Apollo) . L’ala Richelieu precedentemente ospitava il Ministero delle Finanze, trasferitosi a Bercy, è stata trasformata in sale espositive e inaugurata il 18 novembre 1993. La Galleria Apollo al primo piano dell’ala Richelieu, intitolata dal pittore Charles Le Brun, su commissione di Luigi XIV (il Re Sole) per decorare lo spazio a tema solare.

La collezione medievale contiene la corona dell’incoronazione di Luigi XIV, lo scettro di Carlo V e il vaso in porfido del XII secolo. Il patrimonio d’arte rinascimentale comprende il bronzo Nesso e Deianira del Giambologna e l’arazzo La caccia di Massimiliano. Di periodi successivi, i punti salienti includono la collezione di vasi Sèvres di Madame de Pompadour e gli appartamenti di Napoleone III.

Nel gennaio 2000, negli ex uffici del Ministero delle Finanze di Napoleone III, aprono le porte nuove sale dedicate alle opere d’arte dell’Ottocento, portando a 20.000 il numero degli oggetti inventariati nel dipartimento. Nel settembre 2000, il Museo del Louvre ha dedicato la Gilbert Chagoury e la Rose-Marie Chagoury Gallery all’esposizione di arazzi donati dai Chagoury, inclusa una suite di arazzi in sei parti del XVI secolo, cucita con fili d’oro e d’argento che rappresentano divinità marine, che è stata commissionata in Parigi per Colbert de Seignelay, Segretario di Stato per la Marina.

Nel 2005 la sezione del dipartimento Oggetti d’arte del Louvre dedicata al regno di Luigi XIV e al XVIII secolo è stata chiusa per lavori di ristrutturazione, originariamente per una questione di aggiornamento dell’impianto elettrico che doveva durare 2 anni. 6 giugno 2014, dopo 9 anni e un budget di 26 milioni di euro, sono state riaperte 33 nuove stanze contenenti più di 2000 oggetti, gran parte delle quali sono state progettate come stanze d’epoca che presentano mobili francesi dal regno di Luigi XIV a quello di Luigi XVI.

La collezione d’arte è stata ricostituita grazie ai contributi del Palazzo delle Tuileries e del Castello di Saint-Cloud sotto forma di mobili e altri oggetti decorativi, seguiti dal Mobilier national di capolavori di ebanisteria e arazzi di origine reale.

Punti salienti della collezione
Nel dipartimento sono presenti 4 gruppi di raccolte: le raccolte del Medioevo, le raccolte del Rinascimento e della prima metà del XVII secolo, le raccolte della seconda metà del XVII e XVIII secolo e le raccolte del XIX secolo . secolo (compresi gli appartamenti di Napoleone III).

La presentazione nelle sale delle collezioni della seconda metà del Seicento e del Settecento è stata suddivisa in tre principali sequenze cronologiche e stilistiche: 1660-1725: il regno personale di Luigi XIV e la Reggenza (sale da 601 a 606); 1725-1755: lo sbocciare dello stile rococò (sale 605, da 607 a 615); 1755-1790: il ritorno al classicismo e il regno di Luigi XVI (sale da 616 a 632).

Questa nuova presentazione delle collezioni permette di mostrare la lavorazione del legno di diversi saloni di ville private, di rimontare la cupola dei Petits-Appartements dell’Hôtel du Prince de Condé realizzata da Antoine-François Callet nel 1774 e di presentare mobili di André – Charles Boulle, Martin Carlin, Mathieu Criaerd, Alexandre-Jean Oppenord.

Il soffitto della sala del padiglione del Beauvais (sala 605) è stato dipinto da Carolus Duran. Durante la ristrutturazione del 2006-2014 è stato installato un soffitto dipinto da Giovanni Scajario, la cupola della Toilette de Vénus di Antoine-François Callet è stata rimontata dal Palais-Bourbon e sono stati apposti arazzi di Noël Coypel. Le camere sono arredate con mobili Boulle, che richiedono un’intensa manutenzione e ristrutturazione.

Al tempo del re Luigi XIV, poi Luigi XV e Luigi XVI, si sviluppò lo stile di vita francese. Le residenze reali videro cambiare la loro disposizione. Dal 1682 la Corte è ufficialmente insediata a Versailles. Ma il Re Sole continua a muoversi tra Fontainebleau, Compiègne o Marly. E in ogni residenza, l’arredamento e gli arredi devono essere all’altezza degli standard dei suoi prestigiosi occupanti.

Era il periodo in cui le grandi fabbriche erano in piena espansione: Les Gobelins e Beauvais per gli arazzi, Sèvres per le porcellane, La Savonnerie per i tappeti, ma anche i tanti laboratori di Lione specializzati nella lavorazione della seta… Ebanisti divennero famosi, come Cressent, Carlin, Oeben o Riesener. Per soddisfare la forte domanda, fabbriche e laboratori realizzarono per la Corte mobili preziosi, grandi servizi cerimoniali, raffinati strumenti scientifici, anche piccoli oggetti di uso quotidiano.

Immersi nell’atmosfera unica che regnava nelle grandi residenze del 18° secolo, parigine o provinciali, reali o private. La maggior parte delle stanze si basa sulla combinazione di decorazioni, mobili e oggetti provenienti da diversi castelli o dimore. I visitatori possono riunire più elementi dello stesso set, come nel caso del grande salone del castello d’Abondan, quello dell’hotel del finanziere Marquet de Peyre a Parigi o del gabinetto Turk del conte d’ Artois, fratello di Luigi XVI, alla Reggia di Versailles.

Galleria Apollo
Fu nella Galerie d’Apollon che Luigi XIV associò per la prima volta il suo potere regio alla divinità del sole. Per realizzare questo capolavoro di decorazione architettonica, unendo pittura, scultura e doratura, si circondò dei più grandi artisti che lavorarono, pochi anni dopo, alla Reggia di Versailles, nella Sala degli Specchi. Oggi la Galleria di Apollo ospita la collezione reale di gemme e diamanti della Corona.

Il 6 febbraio 1661 le fiamme devastarono la sontuosa Petite Galerie che risaliva al regno di Enrico IV. Suo nipote, Luigi XIV, si accinse subito a ricostruire una galleria ancora più bella e affidò i lavori all’architetto Louis Le Vau. A 23 anni, il giovane re ha appena scelto il sole come suo emblema. Sarà dunque questo il tema della nuova galleria che porta il nome del dio greco della luce e delle arti, Apollo. La Galleria Apollo è il primo esempio di galleria reale, la Galerie d’Apollon divenne sede di sperimentazioni estetiche e architettoniche. Vent’anni dopo, servirà da modello per uno dei simboli del classicismo francese: la Sala degli Specchi della Reggia di Versailles.

Il primo pittore del re, Charles Le Brun, fu responsabile della progettazione dell’arredamento e si circondò dei migliori artisti per crearlo. Al Louvre, Charles Le Brun adorna la volta della galleria con dipinti che rappresentano la corsa di Apollo sul suo carro attraverso il cielo. Il viaggio del dio sole scandisce così i diversi momenti della giornata, dall’alba alla notte. Attorno a questo asse centrale, le rappresentazioni e i simboli di tutto ciò che è influenzato dalle variazioni della luce e dal calore benefico della stella solare (le ore, i giorni, i mesi, le stagioni, ma anche i segni dello zodiaco o il continenti) formano un tutto cosmico. Questo ambiente brulicante di dipinti e sculture materializza il potere del sole che governa l’intero universo. Attraverso Apollo, la galleria esalta la gloria del Re Sole.

La galleria è incompiuta fino a due secoli dopo, nel 1850, quando la decorazione fu terminata, sotto la direzione di Félix Duban. Eugène Delacroix fu incaricato di realizzare un’opera di 12 metri di larghezza per adornare il centro del soffitto, Apollo che conquista il serpente Pitone, un vero e proprio manifesto pittorico del romanticismo. L’arredamento si completa anche sulle pareti dove gli arazzi mostrano i ritratti di 28 sovrani e artisti che, nel corso dei secoli, hanno costruito e abbellito il palazzo.

Nel Louvre, poi divenuto museo, la Galleria Apollo presenta la sontuosa collezione di gemme raccolte dai re di Francia. Queste opere scolpite in minerali preziosi (agata, ametista, lapislazzuli, giada, sardonia o cristallo di rocca) e impreziosite da ambientazioni solitamente spettacolari sono oggetti di grande lusso, apprezzati fin dall’antichità. Luigi XIV aveva una vera passione per le gemme: la sua collezione contava circa 800 pezzi.

Il tesoro dei re di Francia è costituito anche dai famosi diamanti della Corona. La pietra più antica è il cosiddetto spinello della Côte-de-Bretagne, entrato nel tesoro grazie alla regina Anna di Bretagna. Tre diamanti storici, il Reggente, il Sancy e l’Ortensia, hanno adornato le vesti o le corone dei sovrani. Si conservano anche spettacolari ornamenti creati nel XIX secolo, come quelli in smeraldi e diamanti dell’imperatrice Maria Luisa.

Appartamenti Napoleone III
Durante il Secondo Impero, il Louvre era un palazzo, l’atmosfera cambia completamente. Dorate, velluti, dipinti e stucchi adornano i salotti e le sale da pranzo per fornire un ambiente sontuoso per ogni tipo di ricevimento. Cene sociali o balli in maschera, le feste facevano parte dello stile di vita dell’alta società del Secondo Impero. E al Ministro di Stato, non è raro vedere la coppia imperiale tra gli ospiti.

L’imperatore Napoleone III riservò al suo ministro una parte della nuovissima ala Richelieu: il primo piano, lato Cour Napoléon. Il Ministro dispone di piccoli appartamenti dove risiede con la sua famiglia: stanze di modeste dimensioni, che evocano gli interni di un ricco borghese. Questa parte privata disadorna è seguita da ampi appartamenti cerimoniali.

Il Grand Salon è di gran lunga la stanza più spettacolare degli appartamenti. Si chiama sala del teatro, e per una buona ragione: può essere trasformata in un palcoscenico teatrale. Il Grand Salon è stato quindi riorganizzato per ospitare fino a 250 ospiti. E se lo spettacolo richiede musicisti, una piccola tribuna è appositamente allestita sopra il palco per accoglierli.

Dopo il Ministro di Stato sotto il Secondo Impero (1852-1870), questi appartamenti furono assegnati al Ministero delle Finanze. Sarà così fino al 1989. È in questa data che il Palazzo del Louvre diventa interamente un museo. Dal 1993 queste sale sono aperte al pubblico. Ammira queste decorazioni conservate quasi intatte per quasi 150 anni.

Dipartimento di Pittura

Il Dipartimento di Pittura conta attualmente circa 7.500 dipinti (di cui 3.400 in esposizione), che coprono un periodo che va dal Medioevo al 1848 (data dell’inizio della Seconda Repubblica). Compresi i depositi, la collezione è, con 12.660 opere, la più grande collezione di dipinti antichi del mondo. Salvo rare eccezioni, le opere successive al 1848 furono trasferite al Musée d’Orsay quando fu creato nel 1986.

Scuola di pittura francese
Gran parte dei dipinti custoditi nel museo sono opere di pittori francesi, il che fa del Louvre una sorta di tempio della pittura francese fino al XIX secolo: ogni secolo è rappresentato da opere maggiori e molto spesso uniche. La collezione di dipinti francesi appartiene al Dipartimento di Pittura, che è uno degli otto dipartimenti che compongono il Museo del Louvre. Gran parte dei dipinti custoditi nel museo, ed è una delle collezioni più grandi e famose al mondo.

Un esempio della scuola francese sono la prima Pietà di Avignone di Enguerrand Quarton; il dipinto anonimo del re Jean le Bon (1360 circa), forse il più antico ritratto indipendente della pittura occidentale sopravvissuto dell’era postclassica; Luigi XIV di Hyacinthe Rigaud; L’incoronazione di Napoleone di Jacques-Louis David; La zattera della Medusa di Théodore Géricault; e La libertà che guida il popolo di Eugène Delacroix. Nicolas Poussin, i fratelli Le Nain, Philippe de Champaigne, Le Brun, La Tour, Watteau, Fragonard, Ingres, Corot e Delacroix sono ben rappresentati.

Le collezioni provengono dalla collezione dei re di Francia, iniziata a Fontainebleau da Francesco I. Durante l’Ancien Régime si arricchirono costantemente di acquisti e donazioni, e rimasero tali sotto la Rivoluzione e l’Impero (sequestri rivoluzionari, conquiste napoleoniche) , mentre il Museo del Louvre fu creato nel 1793. Così, i dipinti francesi dell’Accademia reale di pittura e scultura, principalmente i pezzi di accoglienza degli artisti, furono sequestrati già durante la Rivoluzione prima di tornare al Louvre diversi anni dopo.

Esposti dapprima nella Grande Galerie e nel Salon Carré, i dipinti furono poi più ampiamente esposti nella Cour Carrée, nelle immediate vicinanze degli alloggi degli artisti. Nel XIX secolo gli incrementi derivano da acquisti da collezioni private (collezione del Marchese de Campana) e da donazioni (collezione del dottor La Caze, 1869). Nel 1986, con l’apertura del Museo d’Orsay, le collezioni successive al 1848 lasciano il dipartimento. La Collezione di pittura francese ora si trova principalmente nell’ala Denon, i dipinti sono presentati in ordine cronologico.

Il Louvre è il tempio della pittura francese, la conservazione di un gran numero di dipinti famosi comprende epoche e generi diversi fino al XIX secolo. Ogni secolo è rappresentato da opere importanti e molto spesso significative per la storia dell’arte. È il caso del Ritratto di Giovanni II il Buono, della metà del XIV secolo, il più antico ritratto indipendente conservato dall’antichità. Dal XV secolo il museo conserva in particolare la Pietà de Villeneuve-lès-Avignon di Enguerrand Quarton e il Ritratto di Carlo VII di Jean Fouquet, primo ritratto in cui il soggetto è dipinto frontalmente e non più di profilo. Per il XVI secolo è molto presente nelle collezioni la Scuola di Fontainebleau, che allora dominò il panorama artistico,

Il Seicento o Grand Siècle, periodo di crescita ed emancipazione della pittura francese, presenta un’immensa collezione costellata da diversi capolavori come L’Enlèvement des Sabines e Et in Arcadia ego di Poussin, pittore di cui sono presentate quaranta opere, Il Imbroglia con l’asso di quadri di Georges de La Tour o il Ritratto di Luigi XIV di Hyacinthe Rigaud. Oltre a questi pittori, sono particolarmente ben rappresentati anche Valentin de Boulogne, Simon Vouet, i fratelli Le Nain, Philippe de Champaigne, Claude Lorrain, Eustache Le Sueur, Laurent de La Hyre, Sébastien Bourdon e Charles Le Brun.

Per il XVIII secolo, il museo conserva ben tredici opere di Antoine Watteau, tra cui Pierrot e Le Pèlerinage à l’île de Cythère, venticinque dipinti di Fragonard (tra cui Le Verrou), trenta di Chardin (tra cui La Raie), ventidue di François Boucher o addirittura ventisei dipinti di Hubert Robert. Ci sono anche, per questo periodo, molte opere di Nicolas de Largillierre, Nicolas Lancret, Jean-Baptiste Oudry, Jean-Marc Nattier, Claude Joseph Vernet, Jean-Baptiste Greuze, Élisabeth Vigée Le Brun e Pierre-Henri de Valenciennes.

Infine, il periodo napoleonico e la prima metà dell’Ottocento costituiscono il gioiello per eccellenza della collezione: troviamo per questi periodi capolavori come Le Sacre de Napoléon di David, Le Radeau de la Méduse di Géricault, La Libertà che guida il popolo di Delacroix o La Grande Odalisque di Ingres. Il museo espone anche un gran numero di grandi opere di questi pittori.

Il museo conserva anche opere di Pierre-Paul Prud’hon, Girodet-Trioson, François Gérard, Antoine-Jean Gros, Louis-Léopold Boilly, Alexandre-Gabriel Decamps, Eugène Isabey, Théodore Chassériau, Hippolyte Flandrin, Théodore Rousseau, Jean-Francois Millet e la più grande collezione al mondo di dipinti di Camille Corot con circa 81 dipinti.

La stanza di Mollien
Il colore delle pareti ha dato il nome a queste enormi sale che ospitano le tele più grandi del Louvre: si possono ammirare alcuni dei capolavori della pittura francese dell’Ottocento, da David a Delacroix. Jacques-Louis David, Théodore Géricault, Eugène Delacroix… I più grandi nomi della pittura francese si incontrano su queste pareti.

In origine, le Stanze Rosse furono costruite durante i grandi lavori di ampliamento del Louvre effettuati da Napoleone III. La decorazione rossa e dorata, caratteristica dello splendore che l’imperatore volle conferire al museo, fu realizzata nel 1863 dal pittore Alexandre Dominique Denuelle. Il colore rosso fa risaltare i dipinti dove spesso predominano i toni marroni. Prima di tutto, vi sono appese le opere dei maestri francesi del XVII e XVIII secolo. I grandi formati del 19 non faranno il loro ingresso lì se non più tardi.

Accanto a ritratti famosi, come Madame Récamier di David o Mademoiselle Rivière di Ingres, i dipinti sono soprattutto dipinti storici. Fin dal XVII secolo, questo genere pittorico è considerato il più importante e prestigioso di Francia. Le opere servono la storia, moderna (Les Batailles de Napoléon, di Gros), antica, mitologica (Aurore et Céphale, di Guérin) o biblica (Le Déluge, di Girodet). Alcuni artisti scelgono temi considerati esotici, La morte di Sardanapalus, di Delacroix, o anche, più raramente, attualità la cui portata è solo apparentemente aneddotica, come La zattera della Medusa di Géricault.

Jacques-Louis David dipinse l’incoronazione dell’imperatore Napoleone I e l’incoronazione dell’imperatrice Giuseppina nella cattedrale di Notre-Dame de Paris il 2 dicembre 1804. Con 6 metri di altezza, la tela è lunga quasi 10 metri, lo spettatore sarà impressionato e l’illusione di partecipare alla cerimonia di persona. Questo è l’effetto prodotto dai grandi formati, questi giganteschi dipinti storici. Anche Napoleone I esclamò “Camminiamo in questo quadro” davanti al quadro dell’Incoronazione dipinto da David.

Liberty Leading the People è l’opera più famosa di Delacroix. Il soggetto: “Les Trois Glorieuses”, questi tre giorni rivoluzionari del luglio 1830 durante i quali il popolo parigino insorse contro il re Carlo X. Questo dipinto che unisce allegoria ed evento storico è noto, è oggi un modello di libertà e di lotte per la libertà. Delacroix rappresenta il popolo di Parigi che attraversa una barricata. Al vertice della sua composizione accampa una donna, metà dea antica, metà donna del popolo, che guida la folla brandendo la bandiera tricolore. È libertà. La combinazione dei colori blu, bianco e rosso viene ripetuta più volte nella tabella.

La Galleria Medici
Nella Galerie Médicis è esposta una delle più grandi decorazioni pittoriche di un palazzo parigino. Questa vasta sala è stata appositamente progettata per ospitare i grandi dipinti di Rubens che formano il Ciclo di Marie de Médicis. Restituisce gli splendori alla galleria cerimoniale che la regina, di ritorno dall’esilio, aveva allestito nel suo Palazzo del Lussemburgo.

La serie di dipinti di Maria de Medici era appesa in una galleria molto più ristretta di questa. Lo stile è barocco, con composizioni varie e abbondanti. Dai tendaggi alle nuvole, tutto è passione e movimento. I corpi dei personaggi, tondi e pieni, dalla carnagione perlacea, sembrano vorticare in un tumulto di colori. E nonostante questa profusione e questa varietà, tutti i dipinti rimangono armoniosi.

Percorsa da un respiro barocco, il ciclo mescola con grande libertà scene storiche e figure allegoriche, il realismo dei ritratti e l’inventiva di personaggi mitologici. Evoca divinità greco-romane e riferimenti cristiani per glorificare la regina. In L’Instruction de la Reine, ad esempio, Minerva, la dea delle arti e delle scienze, e Mercurio, messaggero degli dei, prendono parte alla sua educazione come futura sovrana.

Scuola Italiana di Pittura
Notevole la collezione di pittura italiana, in particolare la collezione rinascimentale. La collezione di pittura italiana appartiene al Dipartimento di Pittura, che è uno degli otto dipartimenti che compongono il Museo del Louvre. È una delle collezioni più grandi e famose al mondo. Le collezioni del dipartimento di pittura sono specializzate nell’arte europea dal XIII alla fine del XIX secolo.

I dipinti italiani compongono la maggior parte dei resti delle collezioni di Francesco I e Luigi XIV, altri sono opere d’arte dell’era napoleonica non restituite e alcuni sono stati acquistati. La collezione di dipinti italiani iniziò con Francesco, che acquistò opere da maestri italiani come Raffaello e Michelangelo e portò Leonardo da Vinci alla sua corte. Le opere comprendono i Calvari di Andrea Mantegna e Giovanni Bellini, che riflettono realismo e dettagli “destinati a rappresentare gli eventi significativi di un mondo spirituale più grande”.

La pittura italiana è abbondantemente rappresentata, con circa 1.100 opere, di cui 600 in esposizione permanente. Tra questi ci sono molti capolavori dei più grandi pittori, tra cui quello che è probabilmente il dipinto più famoso al mondo, La Gioconda di Leonardo da Vinci. Il Louvre conserva anche altre quattro opere della mano del grande maestro rinascimentale, in particolare il suo San Giovanni Battista e La Vergine, il Bambino Gesù e Sant’Anna.

La collezione dell’Alto Rinascimento comprende la Gioconda, la Vergine col Bambino e Sant’Anna, San Giovanni Battista e la Madonna delle Rocce di Leonardo da Vinci. La collezione barocca comprende La Continenza di Scipione, Susanna e i Vecchioni di Giambattista Pittoni, Bacco e Arianna, Marte e Venere, e altri Caravaggio è rappresentato da L’indovino e Morte della Vergine. Dalla Venezia del XVI secolo, il Louvre espone Le Concert Champetre di Tiziano, La deposizione e L’incoronazione di spine.

La collezione di pittura rinascimentale italiana comprende opere di Cimabue (Maestà), Lorenzo Monaco (Le Christ au jardin des Oliviers), Giotto di Bondone, Beato Angelico, Paolo Uccello, Piero della Francesca, Pisanello, Filippo Lippi, Sandro Botticelli (soprattutto gli affreschi di Villa Lemmi), Luca Signorelli, Antonello da Messina (soprattutto Il condottiero), Vittore Carpaccio, Giovanni Bellini, Domenico Ghirlandaio, Andrea Mantegna, sette dipinti di Pérugin…

Dieci di Raffaello, tra cui il Ritratto di Baldassarre Castiglione, quattordici di Tiziano, tra cui Il Concerto campestre, una quindicina di dipinti del Veronese, tra cui le Nozze di Cana, altri del Tintoret (tra cui il suo Autoritratto), di Sebastiano del Piombo, Andrea del Sarto, Lorenzo Lotto, Il Corrège, Pontormo, Agnolo Bronzino, Parmigianino, Arcimboldo o Federico Barocci.

Per il XVII secolo sono presenti opere di tutti i maggiori pittori, a cominciare da Caravaggio, di cui tre dipinti sono conservati nel museo (L’indovina, La morte della Vergine e il Ritratto di Alof de Wignacourt), diversi Annibale Carracci, oltre a Guido Reni, Guercino, Dominiquin, Pierre de Cortona, Salvator Rosa e Luca Giordano.

Anche il Settecento italiano è ben rappresentato nella sua diversità, con un posto importante dato alle scuole venete e romane. La sezione comprende opere di pittori quali Giambattista Pittoni (Bacco e Arianna, La Continenza di Scipione, Cristo che dà le chiavi del Paradiso a San Pietro, Marte e Venere, Polissena davanti alla Tomba di Achille, Susanna e i Vecchioni, Tomba allegorica dell’Arcivescovo John Tillotson), vedute di Canaletto e Francesco Guardi, dipinti di Giambattista Tiepolo et de son fils Giandomenico, Sebastiano Ricci, Francesco Solimena, Giovanni Paolo Pannini.

Sala degli Etats
Costruita tra il 1855 e il 1857 dall’architetto Hector Lefuel, la Salle des Etats ospitò le principali sessioni legislative durante il Secondo Impero. Da qui deriva il suo nome. L’arredamento voluto da Napoleone III è imponente e sontuoso, con le volte dipinte che proclamano la gloria dell’Impero. Dopo la caduta dell’imperatore, la sala fu trasferita al Museo del Louvre per ospitare la pittura francese del XIX secolo. All’inizio della Terza Repubblica, l’architetto Edmond Guillaume trasformò la stanza per adattarla a questa nuova funzione: le finestre furono chiuse per lasciare più spazio ai dipinti e un tetto di vetro fu trafitto nel soffitto per fornire un’illuminazione ambientale che limitato le riflessioni. Dopo la seconda guerra mondiale, i dipinti di pittori francesi furono sostituiti alle pareti da dipinti veneziani.

Tiziano, Tintoretto, Veronese… I più grandi pittori veneziani si sfidano con le loro opere smaglianti. Il monumentale Matrimonio di Cana del Veronese occupa l’intera parete prospiciente la Gioconda. Lo circondano altri celebri dipinti: Il Concerto campestre di Tiziano e il suo Uomo con il guanto, lo schizzo infuocato realizzato dal Tintoretto per L’Incoronazione della Vergine detta anche Paradiso, un progetto per un vasto arredo nella sala del Gran Consiglio di Palazzo Ducale, ritratti sublimi, come Une patricienne de Venise, detta La Belle Nani dal Veronese… e tanti altri. Colori e luci testimoniano il virtuosismo degli artisti veneziani del Rinascimento.

È nella Salle des Etats che è esposto il dipinto più famoso del mondo: La Gioconda. Questa vasta sala, la più grande del museo, può ospitare moltissimi visitatori. Dal 2005 la Gioconda siede da sola al centro della stanza, dietro una finestra che la protegge. Questa presentazione eccezionale soddisfa i requisiti di sicurezza, ma anche le esigenze di conservazione. Il famoso enigmatico sorriso di Monna Lisa non smette di sedurre da secoli. Uno dei suoi primi ammiratori fu il re Francesco I. Quest’ultimo, che invitò Leonardo da Vinci in Francia, acquistò da lui il dipinto nel 1518. Fu così che l’opera entrò nelle collezioni reali che sono state esposte al Louvre sin dalla Rivoluzione.

È il ritratto più famoso al mondo, quello di Monna Lisa, moglie del mercante di tessuti fiorentino Francesco del Giocondo, soprannominato la “Gioconda” francesizzata La Joconde. Dipinta davanti a un paesaggio lontano, la Gioconda ci guarda, il suo sorriso leggendario sulle labbra. Ma oltre alla sua espressione, è la tecnica dello sfumato che gli conferisce questa particolare presenza: Leonardo da Vinci sovrappone sottili strati di pittura per creare forme attenuando contorni e contrasti. L’artista cattura il momento in cui Monna Lisa si gira verso lo spettatore. È questo movimento così naturale che dà un’impressione di vita al dipinto.

Qui vengono presentate anche altre note opere della scuola veneta, come Le Nozze di Cana del Veronese. Quest’opera fu realizzata dal Veronese per il refettorio del monastero di San Giorgio Maggiore a Venezia, da dove fu prelevata dalle truppe del generale Napoleone Bonaparte nel 1798. Caduto l’Impero nel 1815, la maggior parte dei dipinti sequestrati tornò in Italia, ma si temeva che il viaggio di ritorno lo danneggiasse: fu quindi scambiato con un dipinto di Le Brun, La Maddalena e il fariseo. Nonostante tutto, le avventure delle Nozze di Cana non si fermano qui, poiché la tela verrà evacuata due volte per essere al riparo dalle guerre che colpiscono Parigi, nel 1870 e poi nel 1939.

La Grande Galleria
La Grande Galerie è uno dei luoghi più emblematici del Louvre dalla trasformazione del palazzo in museo. I visitatori possono ora scoprire la ricchissima collezione di dipinti italiani del museo, una delle più importanti al mondo. Decine e decine di dipinti che si susseguono a perdita d’occhio lungo una galleria dalle architetture maestose… Oggi, sulle pareti della Grande Galerie, ci sono capolavori dei più grandi maestri della pittura italiana: Mantegna, Raffaello, Leonardo da Vinci, Arcimboldo, Caravaggio… e tanti altri.

Per offrire le condizioni ottimali per venire ad ammirare questa straordinaria collezione, si è scelto di installare l’illuminazione zenitale, cioè da lucernari a soffitto che diffondono la luce naturale. L’architetto di Napoleone III, Hector Lefuel, perfora la volta per creare finestre. La luce, uguale e naturale, evita così i riflessi sui dipinti.

Scuole del Nord (Fiandre, Paesi Bassi, Germania)
Il Museo del Louvre ha anche una delle più grandi collezioni di dipinti del nord Europa con 1130 dipinti (Fiandre, Paesi Bassi e Germania). Le scuole fiamminga e olandese sono le meglio rappresentate. Per i primitivi fiamminghi si segnalano opere in primo piano come La Vergine del Cancelliere Rolin di Jan van Eyck, Il Trittico della famiglia Braque di Rogier van der Weyden, La navata dei folli di Jérôme Bosch, Le nozze di Cana di Gérard David e Le nozze Moneylender e sua moglie di Quentin Metsys. Sono conservate anche opere di Dirk Bouts, diversi Hans Memling, Joos van Cleve, Joachim Patinier, Bernard van Orley, Jan Gossaert dit Mabuse, Lucas de Leyde e Pieter Brueghel il Vecchio.

L’età d’oro olandese e fiamminga (XVII secolo) è illustrata con quindici dipinti di Rembrandt, tra cui Betsabea nel bagno che tiene la lettera di David e I pellegrini a Emmaus, diversi Frans Hal, diciannove di Van Dyck, cinquantuno di Rubens, tra cui i ventuno dipinti del Ciclo di Maria de’ Medici, oltre a due tele di Vermeer, La merlettaia e L’astronomo. Paesaggi brulicanti di figure di Jan Brueghel il Vecchio, scene di interni intimi di Pieter de Hooch e Gerard ter Borch, dipinti di interni di chiese di Pieter Saenredam, scene di genere di Jan Steen e David Teniers le Jeune, nonché i paesaggi di Jacob van Ruisdael sono anche raffigurato.

Per la pittura tedesca troviamo opere del XV secolo come la Pietà di Saint-Germain-des-Prés, dipinti di Albrecht Dürer, di Lucas Cranach il Vecchio o anche diversi ritratti di Hans Holbein il Giovane, così come, per il 19° secolo, dipinti del romantico Caspar David Friedrich. Infine, una sala espone dipinti barocchi austriaci del XVIII secolo. secolo mentre un altro espone dipinti scandinavi della prima metà del XIX secolo, in particolare paesaggi trattati in vena romantica.

Altre scuole
La collezione spagnola (circa centotrenta dipinti di cui una sessantina in mostra), più piccola delle precedenti, presenta tuttavia un’interessante selezione di opere dai nomi rari. Ma soprattutto ci sono tutti i grandi artisti del Secolo d’Oro come El Greco, Velasquez, Murillo, Ribera e Zurbarán. Inoltre, il Louvre ha diversi dipinti di Goya.

La British and American Paintings Collection (circa centoventi dipinti), è composta da opere significative di maestri del XVIII e XIX secolo come William Hogarth, Thomas Gainsborough, Joshua Reynolds, Thomas Lawrence, John Constable, Richard Parkes Bonington, JMW Turner e Gilbert Stuart.

Sono presenti dipinti di scuola scandinava (circa 50 opere), russa (circa 35 opere), austriaca, belga, svizzera, greca, polacca e portoghese nonostante una collezione ridotta.

Dipartimento di Arti Grafiche

Il Dipartimento di Arti Grafiche vanta oggi più di 225.000 pezzi. Conserva disegni, pastelli, miniature, stampe, libri, manoscritti, autografi, oltre a xilografie, lastre di rame e pietre litografiche. Riunisce tre diversi fondi:

il Gabinetto dei Disegni, originariamente costituito dall’antica collezione dei re di Francia, in seguito costantemente ampliato grazie a sequestri e donazioni; la collezione Edmond de Rothschild, donata al Louvre nel 1936, con circa 40.000 stampe, 3.000 disegni e 500 libri illustrati; la Calcografia, che conserva circa 14.000 lastre di rame incise, in particolare le lastre di rame del Gabinetto delle lastre incise del re. Le stampe su carta ottenute con il rame originale possono essere ordinate per quasi 600 lastre.

Dato il numero di pezzi e la fragilità della carta alla luce, è impossibile esporre permanentemente tutti i documenti. Questi possono essere visti sia nelle mostre temporanee (che non durano mai più di tre mesi per non indebolire le opere), sia nella sala di consultazione del dipartimento. Tuttavia, una selezione di pastelli e cartoni arazzi, meno fragili, è esposta all’interno del percorso del reparto di pittura. Negli ultimi anni è stato compiuto un grande sforzo di digitalizzazione e il database del dipartimento contiene attualmente più di 140.000 file di lavoro e 4.500 file di artisti.

Giardino delle Tuileries

Il Giardino delle Tuileries è un giardino pubblico situato tra il Louvre e Place de la Concorde nel 1° arrondissement di Parigi. È il più importante e il più antico giardino alla francese della capitale, un tempo quello del Palazzo delle Tuileries, antica residenza reale e imperiale, oggi scomparsa. Il Giardino delle Tuileries è classificato monumento storico dal 1914, all’interno di un sito registrato e incluso nella protezione del patrimonio mondiale dell’UNESCO riguardante le rive della Senna. Il giardino fa ora parte del dominio nazionale del Louvre e delle Tuileries.

Creato da Caterina de’ Medici come giardino del Palazzo delle Tuileries nel 1564, fu aperto al pubblico nel 1667 e divenne parco pubblico dopo la Rivoluzione francese. L’area del giardino è di 25,5 ettari, molto paragonabile a quella dei Giardini del Lussemburgo. È delimitato dal Palazzo del Louvre a sud-est, rue de Rivoli a nord-est, Place de la Concorde a nord-ovest e la Senna a sud-ovest. Nel 19°, 20° e 21° secolo, era un luogo in cui i parigini festeggiavano, si incontravano, passeggiavano e si rilassavano. Ospita diversi eventi come il Rendez-vous aux jardins e la Fiera Internazionale d’Arte Contemporanea.

Nel centro di Parigi, questo giardino respira da quasi cinque secoli nel cuore della capitale. Nel 1564 quando la regina Caterina de’ Medici, vedova del re Enrico II, nostalgica dei palazzi fiorentini della sua infanzia, fece costruire una residenza di campagna con giardino. Il terreno prescelto si trova fuori le mura di Parigi, dove si sono stabiliti i piastrellisti fin dal medioevo. Da qui il nome “Tuileries”.

Dal 1664 il giardino fu completamente ridisegnato da André Le Nôtre, giardiniere del re Luigi XIV. Il giardino viene quindi aperto a un pubblico selezionato. Più volte modificato e parzialmente privatizzato, in particolare da Napoleone I e poi da suo nipote Napoleone III, è stato interamente aperto a tutti i visitatori dal 1871. Il giardino era il parco giochi di re e principi. Il giovane re Luigi XIII vi cacciava quaglie e corvi. L’Aiglon, figlio di Napoleone I, giocava nei suoi vicoli…

Nel 1871, durante la Comune di Parigi, il Palazzo delle Tuileries, simbolo del potere reale e imperiale, fu incendiato dai rivoltosi, rimane solo il giardino. Nel 1990 è stato bandito un concorso per la sua ristrutturazione. I paesaggisti Pascal Cribier e Louis Benech vengono scelti e gli portano innovazioni contemporanee.

Dal 2005 il Museo del Louvre si occupa della gestione e della valorizzazione del Giardino delle Tuileries. Ogni anno i giardinieri immaginano nuovi fiori, in primavera e poi in estate, a seconda del programma culturale del museo. I parterre, quindi, sono sempre nei colori delle mostre o dei grandi eventi del momento. Le Tuileries sono adornate con i colori del Louvre. Ogni anno, i giardinieri d’arte del Domaine national du Louvre e delle Tuileries competono nella creatività traendo ispirazione dai momenti salienti della vita del museo.

Dal 2014 il Louvre ha una sottodirezione specificatamente dedicata ai giardini. Svolge progetti di ricerca sulla storia dei giardini del Domaine national du Louvre e delle Tuileries, sui suoi mestieri e sulla sua collezione di sculture all’aperto. La ricerca e il lavoro rafforzano la storia del giardino come disciplina che fa ormai parte a pieno titolo degli orientamenti dell’istituto.

I giardini del Domaine national du Louvre e le Tuileries sono un vero e proprio museo di scultura a cielo aperto. Le prime statue ancora esistenti giunsero durante la Reggenza del 1716, provenienti da Versailles e Marly, e alcune risalgono alla fine del XVII secolo. Da allora, in ondate successive, la scultura ha continuato a investire le Tuileries e il Carrousel, nonché i giardini situati ad est (Oratorio, Raffet e Infante). A parte i vasi in giardino, il resto dei mobili, sedili, lampioni, pannelli, ecc., ha chiaramente un carattere storico.

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