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Arte gotica

L’arte gotica era uno stile di arte medievale che si sviluppò nel nord della Francia dall’arte romanica nel XII secolo d.C., guidato dallo sviluppo concomitante dell’architettura gotica. Si diffuse in tutta l’Europa occidentale, e in gran parte dell’Europa meridionale e centrale, non cancellando mai del tutto gli stili più classici in Italia. Alla fine del 14 ° secolo, si sviluppò il sofisticato stile di corte del Gotico Internazionale, che continuò ad evolversi fino alla fine del 15 ° secolo. In molte aree, in particolare la Germania, l’arte tardogotica proseguì fino al XVI secolo, prima di essere inclusa nell’arte rinascimentale. I media primari nel periodo gotico includevano sculture, dipinti a pannelli, vetrate, affreschi e manoscritti miniati. I cambiamenti facilmente riconoscibili nell’architettura dal romanico al gotico e dal gotico al rinascimentale,

La prima arte gotica era la scultura monumentale, sulle pareti di cattedrali e abbazie. L’arte cristiana era spesso di natura tipologica (vedi allegoria medievale), mostrando fianco a fianco le storie del Nuovo Testamento e dell’Antico Testamento. Le vite dei santi erano spesso rappresentate. Le immagini della Vergine Maria cambiarono dalla forma iconica bizantina a una madre più umana e affettuosa, coccole il suo bambino, ondeggiando dalla sua anca e mostrando le raffinate maniere di una nobile aristocratica cortese signora.

L’arte secolare si è affermata in questo periodo con l’ascesa di città, la fondazione di università, l’aumento degli scambi commerciali, l’istituzione di un’economia basata sul denaro e la creazione di una classe borghese che poteva permettersi di proteggere le arti e commissionare opere che ne risultarono una proliferazione di dipinti e manoscritti miniati. L’aumentata alfabetizzazione e un crescente corpus di letteratura vernacolare secolare incoraggiarono la rappresentazione di temi secolari nell’arte. Con la crescita delle città, si formarono corporazioni commerciali e spesso agli artisti era richiesto di far parte di una corporazione di pittori – di conseguenza, a causa di una migliore tenuta dei registri, in questo periodo ci sono noti più artisti per nome di qualunque altro; alcuni artisti erano persino così audaci da firmare i loro nomi.

origini
L’arte gotica è emersa nell’Île-de-France, in Francia, all’inizio del XII secolo presso la chiesa abbaziale di St Denis costruita dall’abate Suger. Lo stile si diffuse rapidamente oltre le sue origini nell’architettura alla scultura, sia monumentale e personale per dimensioni, arte tessile e pittura, che prese una varietà di forme, tra cui affresco, vetrate, il manoscritto miniato e la pittura su tavola. Gli ordini monastici, in particolare i cistercensi e i certosini, furono importanti costruttori che diffusero lo stile e ne svilupparono varianti distintive in tutta Europa. Le variazioni regionali dell’architettura rimasero importanti, anche quando, alla fine del XIV secolo, si era evoluto uno stile universale coerente noto come Gotico internazionale, che continuò fino alla fine del XV secolo e oltre in molte aree.

Sebbene esistesse un’arte gotica molto più secolare di quanto si pensi oggi, dal momento che in genere il tasso di sopravvivenza dell’arte religiosa è stato migliore che per gli equivalenti secolari, gran parte dell’arte prodotta nel periodo era religiosa, se commissionata dalla chiesa o da i laici. L’arte gotica era spesso di natura tipologica, riflettendo la convinzione che gli eventi dell’Antico Testamento pre-figurassero quelli del Nuovo e che questo fosse davvero il loro significato principale.

Scene dell’Antico e del Nuovo Testamento sono state affiancate in opere come lo Speculum Humanae Salvationis e la decorazione delle chiese. Il periodo gotico coincise con una grande rinascita della devozione mariana, in cui le arti visive giocarono un ruolo importante. Le immagini della Vergine Maria si sono sviluppate dai tipi ieratici bizantini, attraverso l’Incoronazione della Vergine, a tipi più umani e intimi, e i cicli della Vita della Vergine erano molto popolari. Artisti come Giotto, Beato Angelico e Pietro Lorenzetti in Italia e la prima pittura dei Paesi Bassi, portarono all’arte il realismo e un’umanità più naturale. Gli artisti occidentali e i loro mecenati sono diventati molto più fiduciosi nell’iconografia innovativa e si vede molta più originalità, sebbene le formule copiate fossero ancora utilizzate dalla maggior parte degli artisti.

L’iconografia è stata influenzata dai cambiamenti nella teologia, con le raffigurazioni dell’Assunzione di Maria che stanno guadagnando terreno sulla vecchia Morte della Vergine e in pratiche devozionali come la Devotio Moderna, che ha prodotto nuovi trattamenti di Cristo in argomenti come l’Uomo Addolorato, Cristo pensieroso e Pietà, che enfatizzavano la sua sofferenza umana e la sua vulnerabilità, in un movimento parallelo a quello delle raffigurazioni della Vergine. Anche negli ultimi giudizi Cristo di solito veniva mostrato esponendo il suo petto per mostrare le ferite della sua passione. I santi venivano mostrati più frequentemente e le pale d’altare mostravano santi rilevanti per la particolare chiesa o donatore presenti a una Crocifissione o Vergine in trono e bambino, o che occupavano lo spazio centrale stesso (questo di solito per opere progettate per le cappelle laterali).

Caratterizzazione
Di fronte alle chiese e ai monasteri romanici, detto questo in generale, il gotico sorge, come opera architettonica emblematica, cattedrali prodigiose piene di luce e di grande altezza, questi sono i suoi principali contributi tecnici, che sono giustificati nella scritti di Pseudo Dionisio Aeropagita, sebbene sia stata sviluppata anche un’importante architettura civile. Un’altra delle sue caratteristiche è che altre arti plastiche, come la pittura e la scultura, hanno iniziato a diventare indipendenti dalla loro subordinazione al supporto architettonico.

Tuttavia, ci sono anche molti elementi di continuità: questa è ancora un’arte prevalentemente religiosa; Il monastero come istituzione difficilmente varia se non nei dettagli formali e nell’adattamento ai nuovi requisiti, ma il suo layout non presentava variazioni e il piano delle chiese, per lo più cattedrali, rimase prevalentemente di una croce latina con una testa absidale rivolta ad est, anche se era complicato o variabile (piante basiliche, posizionamento del transetto al centro, complicazione di navate, cappelle e ambulanze). Senza dubbio l’elemento principale della continuità è la concezione senza tempo del lavoro: nella maggior parte delle costruzioni gli stili si susseguono e si fondono al ritmo dei secoli, i contemporanei sapendo che fanno un lavoro che non vedrebbero finito, né forse il loro figli o nipoti, ma che la costruzione di questi edifici implica il lavoro di diverse generazioni. In molti di essi, anche il coraggio di iniziare una sfida tecnica o economica è valutato, a volte a causa della rivalità politica, che quando il progetto è avviato non è stato completamente pianificato, quindi non si sa come completarlo, è il caso di le cattedrali di Siena e Firenze.

La luce
I nuovi edifici religiosi sono caratterizzati dalla definizione di uno spazio che vuole portare ai fedeli, in modo esperienziale e quasi palpabile, i valori religiosi e simbolici del tempo. l’umanesimo principio liberò l’uomo dall’oscurità oscura e lo invitò alla luce. Questo fatto è legato alla diffusione delle correnti filosofiche neoplatoniche, che stabiliscono un legame tra il concetto di Dio e il campo di luce. Poiché le nuove tecniche di costruzione hanno reso le pareti praticamente inutili a vantaggio delle aperture, l’interno delle chiese è stato riempito di luce e la luce modellerà il nuovo spazio gotico. Sarà una luce fisica, non contenuta in dipinti e mosaici; luce generale e diffusa, non concentrata in punti e diretta come se fosse un fuoco; allo stesso tempo è una luce trasfigurata e colorata attraverso il gioco di vetrate e rosoni, che trasforma lo spazio in irreale e simbolico. Il colore diventerà di fondamentale importanza.

La luce è intesa come la sublimazione della divinità. La simbologia domina gli artisti dell’epoca, la scuola di Chartres considera la luce l’elemento più nobile dei fenomeni naturali, l’elemento meno materiale, l’approssimazione più vicina alla forma pura.

L’architetto gotico organizza una struttura che gli consente, attraverso l’uso della tecnica, di usare la luce, trasfigurata, che smaterializza gli elementi dell’edificio, ottenendo chiare sensazioni di elevazione e assenza di gravità.

Architettura
La novità più originale dell’architettura gotica è la scomparsa delle spesse mura tipiche dell’architettura romanica. Il peso della struttura non viene più assorbito dalle pareti, ma distribuito su pilastri e una serie di strutture secondarie poste all’esterno degli edifici. Nacquero così i muri di luce, coperti da magnifiche finestre, a cui corrispondeva all’esterno una complessa rete di elementi per liberare le forze. I contrafforti volanti, i pinnacoli, gli archi di scarico sono tutti elementi strutturali che contengono e dirigono a terra le spinte laterali del tetto, mentre le pareti di tamponamento perdono importanza, sostituite dalle finestre. La straordinaria capacità degli architetti gotici non si esaurisce nella nuova struttura statica: gli edifici, liberati dal limite delle pareti in muratura, sviluppati con slancio verticale,

In Inghilterra ci fu un ulteriore sviluppo della volta a crociera con la volta a sei segmenti e poi la volta radiale o a ventaglio: soluzioni che consentivano una distribuzione del peso ancora migliore. La cattedrale gotica fu concepita come metafora del cielo, quindi il Giudizio Universale fu spesso scolpito al suo ingresso.

Architettura tardogotica
Nel XIV e nel XV secolo, il gotico si sviluppò in nuove direzioni rispetto alle forme dei due secoli precedenti.

L’edificio dei secoli XIV e XV era caratterizzato da una navata centrale di notevole altezza e dalle due navate laterali molto più basse. Ciò significava che la luce era concentrata soprattutto a livello del clerestory.

Nel tardo gotico, invece, la disposizione interna più comune segue il modello della chiesa a sala, cioè con le navate laterali di uguale altezza rispetto a quella centrale. Ciò significava che la luce non veniva più dall’alto, ma dalle pareti laterali, illuminando in modo omogeneo l’intero ambiente. Anche la direzionalità tradizionale è stata modificata, perdendo la sua forte connotazione per gli assi precedenti, a favore di una spazialità policentrica. Questa nuova visione dello spazio è stata anche collegata alla religiosità più terrena e terrena del XV secolo.

La geografia di questa nuova sensibilità presenta una mappa diversa da quella del gotico classico: le regioni più innovative erano Germania, Boemia, Polonia, Inghilterra e area alpina.

La penisola iberica vide la costruzione di alcune grandi cattedrali dal XV al XVI secolo, ispirate ai modelli francese e tedesco dei secoli precedenti. In Portogallo una tendenza autonoma ha portato alla cosiddetta arte manuelina.

Pittura
La pittura in uno stile che può essere chiamato gotico non è apparsa fino al 1200 circa, quasi 50 anni dopo le origini dell’architettura e della scultura gotiche. Il passaggio dal romanico al gotico è molto impreciso e per nulla una chiara interruzione, e i dettagli ornamentali gotici sono spesso introdotti prima che si osservino molti cambiamenti nello stile delle figure o delle composizioni stesse. Quindi le figure diventano più animate nella posa e nell’espressione facciale, tendono ad essere più piccole rispetto allo sfondo delle scene e sono disposte più liberamente nello spazio pittorico, dove c’è spazio. Questa transizione si verifica prima in Inghilterra e in Francia intorno al 1200, in Germania intorno al 1220 e in Italia intorno al 1300. La pittura durante il periodo gotico è stata praticata su quattro mezzi primari: affreschi, dipinti a pannelli, illuminazione di manoscritti e vetrate.

La pittura in epoca gotica subì una notevole differenza di tempo rispetto ad altre arti, arrivando a un rinnovamento con un ritardo di tre o quattro decenni, grazie alla scuola italiana (in particolare toscana e forse romana). Solo nella seconda metà del XIII secolo, bruciando rapidamente i palcoscenici, il dipinto si rinnovò completamente, grazie all’opera di Giotto.

Le ragioni di questo ritardo erano probabilmente legate ai diversi modelli che la pittura e la scultura avevano: in epoca romanica la scultura era già stata rinnovata, riscoprendo in alcuni casi le opere di classicismo ancora esistenti, mentre per la pittura il principale modello di riferimento era comunque quello bizantino scuola. Con la conquista di Costantinopoli durante la quarta crociata (1204) e con la formazione dei regni latini d’Oriente, il flusso di dipinti bizantini e opere musive si era addirittura addensato.

Nella seconda metà del XIII secolo, ai tempi di Nicola Pisano, il distacco tra vivacità narrativa, resa naturalistica e forza espressiva tra scultura e pittura raggiunse l’apice, con i pittori disarmati di fronte alle straordinarie innovazioni introdotte dagli scultori. Entro due generazioni, tuttavia, i pittori furono in grado di bruciare le scene, rinnovando modelli e linguaggio, raggiungendo persino le arti pittoriche per recuperare spazialità, vivacità narrativa, figure credibili e ambientazioni architettoniche o paesaggistiche plausibili. La pittura ha anche beneficiato del rinnovamento di una clientela più ampia, a causa dei costi decisamente più economici.

Dalla pittura romanica, soprattutto nell’Italia centrale, aveva ereditato la diffusione di piatti dipinti, supportati dagli ordini mendicanti per la loro portabilità pratica. I soggetti principali non erano molti:

Crocifissi sagomati, spesi appesi all’estremità delle navate delle chiese per suscitare la confusione dei fedeli;
Madonne con il bambino, simboli dell’Ecclesia e simbolo di una relazione madre / figlio che umanizza la religione;
Raffigurazioni di santi, tra cui spiccano le nuove iconografie legate alla figura di San Francesco d’Assisi.
Tra i maestri del XIII secolo italiano c’erano Berlinghiero Berlinghieri e Margaritone d’Arezzo, entrambi ancora completamente bizantini, ma che iniziano a mostrare alcuni caratteri tipicamente occidentali. Successivamente Giunta Pisano arrivò al limite delle possibilità dell’arte bizantina, toccando la creazione di uno stile tipicamente “italiano”. Questo limite fu superato da Cimabue, il primo, secondo anche Giorgio Vasari, che si discostò dalla “stupida e non molto agile e ordinaria via greca”. Infine, un nuovo stile occidentale moderno è stato formato nel cantiere della basilica superiore di Assisi, con i famosi affreschi attribuiti a Giotto. Recenti studi hanno tuttavia parzialmente ridotto la portata innovativa della scuola italiana,

Oltre alla scuola Giotto (Taddeo Gaddi, Giottino, il Maestro della Santa Cecilia, Maso di Banco, ecc.), Anche la scuola senese con maestri come Duccio di Buoninsegna, Pietro e Ambrogio Lorenzetti e Simone Martini era di grande importanza. L’importanza della scuola romana con Pietro Cavallini, Jacopo Torriti e altri è anche abbastanza recente. Personaggi più indipendenti erano Buonamico Buffalmacco o Vitale da Bologna.

affreschi
Gli affreschi continuarono ad essere usati come principale arte narrativa pittorica sulle pareti della chiesa nell’Europa meridionale come continuazione delle tradizioni paleocristiane e romaniche. Un incidente di sopravvivenza ha dato alla Danimarca e alla Svezia i più grandi gruppi di dipinti murali di chiese sopravvissute nello stile pauperum di Biblia, che di solito si estende fino a volte a crociera di recente costruzione. Sia in Danimarca che in Svezia, furono quasi tutti coperti di lavaggio con calce dopo la Riforma che li ha conservati, ma alcuni sono rimasti intatti dalla loro creazione. Tra i migliori esempi dalla Danimarca ci sono quelli del Maestro Elmelunde dell’isola danese di Møn che decorò le chiese di Fanefjord, Keldby ed Elmelunde. Albertus Pictor è probabilmente l’artista di affreschi più famoso del periodo in Svezia.

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Vetrate
Nell’Europa settentrionale, le vetrate erano un’importante e prestigiosa forma di pittura fino al XV secolo, quando fu soppiantata dalla pittura su tavola. L’architettura gotica ha aumentato notevolmente la quantità di vetro nei grandi edifici, in parte per consentire ampie distese di vetro, come nei rosoni. Nella prima parte del periodo si usarono principalmente vernice nera e vetro trasparente o colorato, ma all’inizio del XIV secolo l’uso di composti d’argento, dipinti su vetro che fu poi sparato, permise una serie di variazioni di colore, centrate su giallo, da utilizzare con vetro trasparente in un unico pezzo. Alla fine del periodo i disegni utilizzavano sempre più grandi pezzi di vetro che venivano dipinti, con i gialli come colori dominanti e relativamente pochi pezzi di vetro più piccoli in altri colori.

Lo sviluppo della pittura tra il XII e il XIV secolo fu condizionato dalla rapida comparsa di sistemi di costruzione gotici. Nella maggior parte delle nuove cattedrali le superfici vetrate sono ora predominanti rispetto a quelle in muratura e la necessità di decorare le pareti diventa quindi sempre più marginale. È per questo motivo che le antiche e consolidate tecniche di mosaico e affresco stanno affrontando un inevitabile declino. Questo declino è accompagnato dalla raffinatezza contemporanea della pittura su vetro e della pittura su pannello, che aveva già iniziato a svilupparsi con un certo successo in epoca romana. La sua realizzazione non è subordinata ad alcun requisito architettonico e ciò consente agli artisti di esprimersi in assoluta libertà. La pittura su vetro consiste nella realizzazione di finestre colorate da applicare alle finestre e ai rosoni delle cattedrali.

Dato che nel Medioevo non si potevano ottenere grandi lastre, ogni finestra doveva essere composta da più pezzi messi insieme. Per questo motivo, è stato deciso di utilizzare vetri colorati uniti tra loro mediante cornici formate da strisce di piombo a “H”. Prima gli occhiali sono stati tagliati con punte di metallo rovente seguendo i disegni realizzati in precedenza, quindi i vari pezzi si incastrano tra le due ali della striscia di piombo. Ogni striscia è stata saldata a quella adiacente per ricomporre il disegno fornito dal cartone. Il tutto fu infine inserito in una cornice di ferro e murato. Questa tecnica ha permesso di ottenere figurazioni di grande effetto.

Per dipingere le figure era necessario disporre di colori che potessero afferrare direttamente il vetro. In Francia è stata sperimentata la grisaglia (in grisaglia italiana), una sostanza ottenuta da una miscela di polveri di vetro e ossidi di ferro macinati e miscelata con acqua e colle di animali. L’uso della grisaglia era molto semplice: si stendeva sui vari pezzi di vetro da decorare e, una volta asciutto, aveva la particolarità di renderli opachi. Quindi la grisaglia è stata graffiata con uno stilo in legno, portando alla luce la trasparenza del vetro sottostante. Per fissare il dipinto è stato necessario cuocere nuovamente i singoli bicchieri in modo che la grisaglia finisse di sciogliersi e mescolarsi nella pasta di vetro stessa. In tal modo i contorni tracciati sono diventati opachi,

Il modo di trattare i temi della pittura è influenzato dalla mutata situazione storica, sociale ed economica. La borghesia cittadina è ora animata da uno spirito di sempre maggiore concretezza e anche la sua visione del mondo e della vita cambia radicalmente.

C’è un aggiornamento progressivo delle narrazioni sacre, in cui i personaggi delle sacre scritture appaiono vestiti con abiti del tempo e i luoghi corrispondono ai luoghi esistenti.

In Italia, a differenza di Francia, Inghilterra, Germania e Paesi Bassi, l’affresco, e in parte anche il mosaico, ha continuato ad avere una diffusione molto ampia. Nei simboli religiosi, la finestra consente il passaggio della luce soprannaturale e metafisica. Le vetrate richiamano, secondo l’escatologia cristiana, gli splendori della celeste Gerusalemme dell’Apocalisse. La luce è lo spirito di Dio e la finestra è un simbolo di Maria che brilla di luce divina. Spesso il numero di vetrate ha un valore simbolico-religioso: sono in gruppi di tre (la Trinità), di quattro (gli Evangelisti), in segmenti di sette (i sette sacramenti, i sette doni dello Spirito Santo, il sette giorni di creazione secondo la Genesi).

Manoscritti e incisioni
I manoscritti miniati rappresentano la più completa documentazione della pittura gotica, fornendo una registrazione di stili in luoghi in cui nessuna opera monumentale sarebbe sopravvissuta. I primi manoscritti completi con illustrazioni gotiche francesi risalgono alla metà del 13 ° secolo. Molti di questi manoscritti miniati erano bibbie reali, sebbene i salteri includessero anche illustrazioni; il Salterio parigino di Saint Louis, risalente al 1253-1270, presenta 78 illuminazioni a tutta pagina in pittura a tempera e foglia d’oro.

Alla fine del XIII secolo, gli scribi iniziarono a creare libri di preghiera per i laici, spesso noti come libri di ore a causa del loro uso nelle ore prescritte del giorno. Il primo esempio noto sembra aver scritto per una laica sconosciuta che viveva in un piccolo villaggio vicino a Oxford nel 1240 circa. La nobiltà acquistava spesso tali testi, pagando profumatamente per le illustrazioni decorative; tra i più noti creatori di questi vi è Jean Pucelle, la cui Ore di Giovanna d’Evreux fu commissionata dal re Carlo IV in dono per la sua regina, Giovanna d’Evreux. Gli elementi del gotico francese presenti in tali opere includono l’uso di cornici decorative che ricordano l’architettura del tempo con figure allungate e dettagliate.

Dalla metà del XIV secolo, i blockbooks con testo e immagini ritagliati come intaglio in legno sembrano essere stati accessibili dai parroci nei Paesi Bassi, dove erano più popolari. Alla fine del secolo, libri stampati con illustrazioni, ancora per lo più su argomenti religiosi, stavano rapidamente diventando accessibili alla prospera classe media, così come le incisioni di alta qualità di incisori come Israhel van Meckenem e Master ES. Nel 15 ° secolo, l’introduzione di stampe a basso costo, principalmente in xilografia, rese possibile anche ai contadini di avere immagini devozionali a casa. Queste immagini, minuscole nella parte inferiore del mercato, spesso grossolanamente colorate, sono state vendute in migliaia, ma ora sono estremamente rare, molte delle quali sono state incollate sui muri.

Pala e pittura su tavola
La pittura con olio su tela non divenne popolare fino al XV e XVI secolo ed era un segno distintivo dell’arte rinascimentale. Nell’Europa settentrionale l’importante e innovativa scuola di pittura dei primi Paesi Bassi è in stile essenzialmente gotico, ma può anche essere considerata parte del Rinascimento settentrionale, poiché c’era un lungo ritardo prima che il rilancio italiano dell’interesse per il classicismo avesse un grande impatto in il Nord. Pittori come Robert Campin e Jan van Eyck, hanno usato la tecnica della pittura ad olio per creare opere minuziosamente dettagliate, corrette in prospettiva, in cui il realismo apparente era combinato con un simbolismo riccamente complesso derivante proprio dal dettaglio realistico che ora potevano includere, anche in piccoli lavori.

Nella prima pittura olandese, dalle città più ricche del Nord Europa, un nuovo realismo minuto nella pittura ad olio si unì a sottili e complesse allusioni teologiche, espresse proprio attraverso le ambientazioni altamente dettagliate delle scene religiose. La pala d’altare Mérode (1420s) di Robert Campin, e la Washington Van Eyck Annunciation o Madonna del Cancelliere Rolin (entrambi 1430s, di Jan van Eyck) ne sono esempi. Per i ricchi e piccoli dipinti a pannello, anche i polittici nella pittura ad olio stavano diventando sempre più popolari, mostrando spesso ritratti di donatori accanto, sebbene spesso molto più piccoli di, raffigurati dalla Vergine o dai santi. Questi erano di solito esposti in casa.

Scultura
La scultura gotica si è spostata dal ruolo che era stata assegnata durante il periodo romanico, cioè per decorare l’architettura ed educare i fedeli creando le cosiddette Bibbie di pietra.

A poco a poco la disposizione delle sculture nella costruzione architettonica divenne più complessa e scenografica. Gli episodi più importanti della scultura furono, come in epoca romanica, i portali delle cattedrali, dove sono solitamente rappresentati i personaggi dell’Antico Testamento e del Nuovo Testamento.

Un passaggio fondamentale è il fatto che nel periodo gotico le sculture iniziarono a non essere più completamente incorporate nello spazio architettonico (lo stipite di un portale o una capitale …), ma iniziarono a liberarsi semplicemente appoggiandosi al vari elementi portanti. Così apparvero le prime statue a tutto tondo, anche se un uso indipendente e isolato delle stesse non era ancora concepibile. Può darsi che l’eredità della lotta contro il paganesimo, che venerava le statue a tutto tondo come divinità, era ancora latente, tuttavia fino al Rinascimento italiano, le statue erano sempre poste contro i muri, nelle nicchie, sotto gli architravi o come cariatidi e telamoni .

Da un punto di vista stilistico, le caratteristiche innovative della scultura gotica sono meno evidenti di quelle introdotte nell’architettura, ma non meno ricche di conseguenze sui successivi sviluppi della storia dell’arte. Se da un lato la figura si allunga considerevolmente in lunghezza e il modello vive in giochi totalmente nuovi come il drappeggio virtuosico e talvolta improbabile, dall’altro è tornato a rappresentazioni plausibili di movimento del corpo, espressioni facciali, fisionomie individuali, con un L’attenzione dell’artista al naturalismo mai conosciuto in epoche precedenti, che nei migliori esempi (come nel portale della Cattedrale di Reims, intorno al 1250, o nelle opere di Nicola Pisano) viene paragonata alla ritrattistica romana. Ciò è tanto più importante poiché precede gli stessi risultati nel campo pittorico di alcuni decenni.

Rispetto al classicismo, tuttavia, si dovrebbe notare una diversa irrequietezza espressiva, una certa angolarità delle forme e del drappeggio, un uso irrequieto degli effetti del chiaroscuro.

Scultura monumentale
Il periodo gotico è essenzialmente definito dall’architettura gotica e non si adatta perfettamente allo sviluppo dello stile nella scultura né all’inizio né alla fine. Le facciate delle grandi chiese, specialmente attorno alle porte, continuavano ad avere grandi timpani, ma anche file di figure scolpite che si diffondevano attorno a loro.

Le statue sul portale occidentale (reale) della cattedrale di Chartres (1145 circa) mostrano un allungamento colonnare elegante ma esagerato, ma quelle sul portale del transetto sud, dal 1215 al 2020, mostrano uno stile più naturalistico e un crescente distacco dal muro dietro e una certa consapevolezza della tradizione classica. Queste tendenze sono proseguite nel portale ovest della Cattedrale di Reims di alcuni anni dopo, dove le figure sono quasi in tondo, come è diventato normale quando il gotico si è diffuso in Europa. La Cattedrale di Bamberga ha forse il più grande assemblaggio di sculture del 13 ° secolo, che culmina nel 1240 con il Bamberg Rider, la prima statua equestre a grandezza naturale nell’arte occidentale dal 6 ° secolo.

In Italia Nicola Pisano (1258-1278) e suo figlio Giovanni svilupparono uno stile che viene spesso chiamato Proto-Rinascimento, con inconfondibile influenza dei sarcofagi romani e composizioni sofisticate e affollate, inclusa una simpatica gestione della nudità, in pannelli a rilievo sul pulpito di Duomo di Siena (1265-1268), la Fontana Maggiore a Perugia e il pulpito di Giovanni a Pistoia del 1301.

Un altro risveglio dello stile classico si vede nell’opera gotica internazionale di Claus Sluter e dei suoi seguaci in Borgogna e nelle Fiandre intorno al 1400. La scultura tardogotica continuò nel Nord, con una moda per pale d’altare scolpite in legno molto grandi con intagli sempre più virtuosi e grandi numeri agitati figure espressive; la maggior parte degli esempi sopravvissuti si trova in Germania, dopo molto iconoclastia altrove. Tilman Riemenschneider, Veit Stoss e altri continuarono lo stile fino al XVI secolo, assorbendo gradualmente le influenze del Rinascimento italiano.

Le effigi di tombe a grandezza naturale in pietra o alabastro divennero popolari per i ricchi e si svilupparono grandi tombe multilivello, con le tombe scaligere di Verona così grandi che dovevano essere spostate fuori dalla chiesa. Nel XV secolo esisteva un’industria che esportava rilievi di alabastro di Nottingham in gruppi di pannelli in gran parte dell’Europa per parrocchie economiche che non potevano permettersi retabli in pietra.

Scultura portatile
Le piccole sculture, per un mercato prevalentemente laico e spesso femminile, sono diventate una notevole industria a Parigi e in altri centri. I tipi di avori includevano piccoli polittici devozionali, singole figure, in particolare della Vergine, custodie per specchi, pettini ed elaborati cofanetti con scene dei romanzi, usati come regali di fidanzamento. Le ricchissime opere di metallo gioiello e smaltato stravagantemente elaborate, sia secolari che religiose, come il Reliquiario sacro della spina del duca di Berry, fino a quando rimasero a corto di soldi, quando furono nuovamente sciolte per denaro.

Le sculture gotiche indipendenti dall’ornamento architettonico sono state create principalmente come oggetti devozionali per la casa o intese come donazioni per le chiese locali, sebbene piccoli rilievi in ​​avorio, osso e legno coprano soggetti sia religiosi che secolari, ed erano destinati alla chiesa e all’uso domestico. Tali sculture erano opera di artigiani urbani e il soggetto più tipico per le statuine tridimensionali è la Vergine Maria sola o con bambino. Parigi era il centro principale delle officine d’avorio ed era esportata nella maggior parte del nord Europa, sebbene anche l’Italia avesse una produzione considerevole.

Un esempio di queste sculture indipendenti è tra le collezioni della chiesa abbaziale di St Denis; la Madonna col Bambino in argento dorato risale al 1339 e presenta Maria avvolta in un mantello fluido che regge una figura di Cristo infantile. Sia la semplicità del mantello che la giovinezza del bambino presagiscono altre sculture trovate nel nord Europa risalenti al 14 ° secolo e all’inizio del 15 ° secolo. Tale scultura mostra un’evoluzione da un precedente stile rigido e allungato, ancora in parte romanico, a un’atmosfera spaziale e naturalistica tra la fine del XII e l’inizio del XIII secolo. Altre materie scultoree gotiche francesi includevano figure e scene della letteratura popolare dell’epoca. Le immagini della poesia dei trovatori erano particolarmente popolari tra gli artigiani delle teche e delle piccole scatole presumibilmente per l’uso da parte delle donne.

Anche i souvenir di pellegrinaggi ai santuari, come stemmi di argilla o di piombo, medaglie e ampolle stampate con immagini erano popolari ed economici. Il loro equivalente secolare, il distintivo della livrea, erano segni di lealtà o alleanza feudale e politica che venivano considerati una minaccia sociale in Inghilterra sotto il feudalesimo bastardo. Le forme più economiche a volte venivano regalate gratuitamente, come con i 13.000 distintivi ordinati nel 1483 dal re Riccardo III d’Inghilterra in fustagno con il suo emblema di cinghiale bianco per l’investitura di suo figlio Edward come Principe del Galles, un numero enorme dato il popolazione al momento. Il Dunstable Swan Jewel, interamente modellato a tutto tondo in oro smaltato, è una versione molto più esclusiva, che sarebbe stata data a qualcuno molto vicino o importante per il donatore.

La considerazione sociale dell’arte e dell’artista
La fiorente attività della lana e del tessuto, legata alle fiere e alle rotte commerciali che attraversano l’Europa da nord a sud (da Firenze, Genova e Venezia a Champagne e Fiandre, senza dimenticare Medina del Campo), produce la nascita di un’arte singolare: il tessuto arazzo, che aveva un prestigio sociale molto importante. Non per i loro autori, che non sono mai andati oltre la considerazione dei semplici artigiani, ma per i loro proprietari. Non avendo una chiara separazione tra le arti industriali e quelle che oggi consideriamo belle arti, lo stesso si potrebbe dire di maestri costruttori, pittori e scultori, che sebbene conserviamo il nome di molti di loro, non mancarono di esercitare anche uno dei mestieri vili e meccanici, nemmeno paragonabili alle professioni liberali.

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