Espressionismo tedesco

L’espressionismo tedesco consisteva in una serie di movimenti creativi collegati in Germania prima della prima guerra mondiale che raggiunse il culmine a Berlino negli anni ’20. Questi sviluppi in Germania facevano parte di un più ampio movimento espressionista nella cultura del nord e dell’Europa centrale in campi come l’architettura, la danza, la pittura, la scultura e il cinema. Questo articolo si occupa principalmente degli sviluppi nel cinema espressionista tedesco prima e immediatamente dopo la prima guerra mondiale.

Storia

1910s-1930s
Tra i primi film espressionisti, The Student of Prague (1913), The Cabinet of Dr. Caligari (1920), From Morn to Midnight (1920), The Golem: How He Cine in the World (1920), Destiny (1922), Nosferatu (1922), Phantom (1922), Schatten (1923) e The Last Laugh (1924) erano altamente simbolici e stilizzati.

Il movimento espressionista tedesco fu inizialmente confinato in Germania a causa dell’isolamento del paese vissuto durante la prima guerra mondiale. Nel 1916, il governo aveva bandito i film stranieri. La richiesta da parte dei teatri di generare film ha portato ad un aumento della produzione nazionale di film da 24 film nel 1914 a 130 film nel 1918. Con l’inflazione anche in aumento, i tedeschi stavano assistendo i film più liberamente perché sapevano che il valore dei loro soldi era in costante diminuzione.

Oltre alla popolarità dei film in Germania, nel 1922 il pubblico internazionale aveva iniziato ad apprezzare il cinema tedesco, in parte a causa di un calo del sentimento anti-tedesco dopo la fine della prima guerra mondiale. Quando il divieto di importazione del 1916 fu abolito, la Germania era diventato una parte dell’industria cinematografica internazionale.

Diverse culture europee degli anni ’20 hanno abbracciato un’etica del cambiamento e la volontà di guardare al futuro sperimentando idee nuove e audaci e stili artistici. I primi film espressionisti compensavano la mancanza di budget abbondanti usando scenografie con angoli selvaggimente non realistici, geometricamente assurdi, insieme a disegni dipinti su pareti e pavimenti per rappresentare luci, ombre e oggetti. Le trame e le storie dei film espressionisti spesso riguardavano la follia, la follia, il tradimento e altri argomenti “intellettuali” innescati dalle esperienze della prima guerra mondiale (in contrasto con i film d’azione-avventura e romantici). I film successivi spesso classificati come parte della breve storia dell’espressionismo tedesco includono Metropolis (1927) e M (1931), entrambi diretti da Fritz Lang. Questa tendenza è stata una reazione diretta contro il realismo. I suoi praticanti usavano distorsioni estreme nell’espressione per mostrare una realtà emotiva interiore piuttosto che ciò che era in superficie.

L’estremo anti-realismo dell’Espressionismo fu di breve durata, svanendo dopo pochi anni. Tuttavia, i temi dell’Espressionismo furono integrati nei film successivi degli anni ’20 e ’30, dando come risultato un controllo artistico sulla collocazione di paesaggi, luce, ecc. Per migliorare l’atmosfera di un film. Questa oscura e lunatica scuola di cinema è stata portata negli Stati Uniti quando i nazisti hanno conquistato il potere e alcuni registi tedeschi sono emigrati a Hollywood. Questi registi tedeschi hanno trovato gli studi cinematografici statunitensi disposti ad abbracciarli, e molti registi e cameramen tedeschi sono cresciuti lì, producendo un repertorio di film hollywoodiani che ha avuto un profondo effetto sul film nel suo insieme. Il teorico del cinema nazista Fritz Hippler, tuttavia, era un sostenitore dell’espressionismo. Altri due film prodotti nella Germania nazista utilizzando lo stile espressionista furono “Das Stahltier” (L’animale dell’acciaio) nel 1935 da Willy Zielke e “Michelangelo. Das Leben eines Titanen “(Michelangelo. La vita di un titano) nel 1940 di Curt Oertel.

Due generi che sono stati particolarmente influenzati dall’espressionismo sono film horror e film noir. Carl Laemmle e gli Universal Studios si sono fatti un nome producendo film horror così famosi dell’era del muto come Il fantasma dell’opera di Lon Chaney. I cineasti tedeschi come Karl Freund (il direttore della fotografia di Dracula nel 1931) hanno creato lo stile e l’atmosfera dei film dei mostri universali degli anni ’30 con i loro set scuri e disegnati artisticamente, fornendo un modello per le future generazioni di film dell’orrore. Registi come Fritz Lang, Billy Wilder, Otto Preminger, Alfred Hitchcock, Orson Welles, Carol Reed e Michael Curtiz hanno introdotto lo stile espressionista nei drammi criminali degli anni ’40, espandendo l’influenza dell’espressionismo nel cinema moderno.

Influenza e eredità
Il cinema muto tedesco era probabilmente molto più avanti di Hollywood durante lo stesso periodo. Il cinema al di fuori della Germania ha beneficiato sia dell’emigrazione dei registi tedeschi sia degli sviluppi espressionisti tedeschi in termini di stile e tecnica che apparivano sullo schermo. Il nuovo aspetto e le tecniche hanno colpito altri registi, artisti e cineasti contemporanei e hanno iniziato a incorporare il nuovo stile nel loro lavoro.

Nel 1924, Alfred Hitchcock fu inviato dalla Gainsborough Pictures per lavorare come assistente alla regia e art director presso gli UFA Babelsberg Studios di Berlino sul film The Blackguard. L’effetto immediato dell’ambiente di lavoro in Germania può essere visto nei suoi set scenografici espressionistici per quel film. In seguito Hitchcock ha dichiarato: “Ho … acquisito una forte influenza tedesca lavorando negli studi UFA di Berlino”.

L’espressionismo tedesco avrebbe continuato a influenzare Hitchcock nel corso della sua carriera. Nel suo terzo film, The Lodger, Hitchcock ha introdotto scenografie espressioniste, tecniche di illuminazione e trucchetti per il pubblico britannico contro i desideri del suo studio. La sua sperimentazione visiva includeva l’uso di un’immagine di un uomo che camminava attraverso un pavimento di vetro sparato dal basso, un concetto che rappresentava qualcuno che camminava al piano di sopra. Questa influenza continuò attraverso il film di grande successo Psycho nel 1960, in cui l’immagine sfocata di Norman Bates, vista attraverso una tenda da doccia, ricorda quella di Nosferatu mostrata attraverso la sua ombra. Il film di Hitchcock, a sua volta, ha influenzato molti altri cineasti, e così è stato uno dei veicoli che ha spinto l’uso continuato delle tecniche espressioniste tedesche, anche se meno frequentemente.

Il film di Werner Herzog del 1979 Nosferatu: Phantom der Nacht è stato un omaggio al film di F. W. Murnau del 1922. Il film usa tecniche espressioniste di recitazione e eventi simbolici altamente simbolici per raccontare la sua storia. Il film del 1998 Dark City ha usato il contrasto netto, i movimenti rigidi e gli elementi fantastici.

Elementi stilistici presi dall’espressionismo tedesco sono oggi comuni nei film che non hanno bisogno di riferimenti al realismo contemporaneo, come i film di fantascienza (ad esempio, il film di Ridley Scott del 1982, Blade Runner, a sua volta influenzato da Metropolis). Il film di Woody Allen del 1991, Shadows and Fog, è un omaggio ai cineasti espressionisti tedeschi Fritz Lang, Georg Wilhelm Pabst e F. W. Murnau.

Ambiziosi adattamenti dello stile sono rappresentati nella filmografia contemporanea del regista Tim Burton. Il suo film del 1992 Batman Returns è spesso citato come un moderno tentativo di catturare l’essenza dell’espressionismo tedesco. I disegni costruttivi angolari e le piazze cittadine di Gotham City dall’aspetto severo evocano il telaio e la minaccia presenti nella metropoli di Lang. Le influenze espressionistiche di Burton sono più evidenti nel paesaggio suburbano fiabesco di Edward mani di forbice. L’aspetto del titolo di Edward mani di forbice (non per caso) riflette il servo sonnambulo di Caligari. Burton getta inquietudine nel suo sobborgo color caramello, e la tensione viene visivamente smascherata attraverso Edward e il suo castello gotico, un’ultima conquista del passato alla fine di una strada di periferia. Burton sovverte l’incubo di Caligari con una narrativa ispirata, trasformando Edward, l’estraneo, come l’eroe e gli abitanti del villaggio come i cattivi. Allo stesso modo, il Dr. Caligari è stato l’ispirazione per l’aspetto grottesco e simile a un uccello del film di Batman nel 1992 di Burton, Batman Returns. L’aspetto familiare del personaggio principale di Caligari può essere visto anche nel film The Crow. Con il tight, il vestito nero, il trucco bianco e gli occhi scuri, il personaggio di Brandon Lee è un parente stretto sia di Cesare, sia del film di Edward Edward Scissorhands di Burton. Burton è stato anche influenzato dai film muti e dall’espressionismo tedesco per il suo adattamento cinematografico del musical Sweeney Todd: The Demon Barber di Fleet Street, descrivendo il musical come un “film muto con musica”.

Cinema e architettura
Molti critici vedono un legame diretto tra cinema e architettura del tempo, affermando che gli scenografie e le scene d’arte dei film espressionisti spesso rivelano edifici dagli angoli acuti, altezze elevate e ambienti affollati, come la Torre di Babele spesso mostrata nel Metropolis di Fritz Lang .

Elementi forti del monumentalismo e del modernismo appaiono in tutto il canone dell’Espressionismo tedesco. Un eccellente esempio di ciò è Metropolis, come dimostrano l’enorme centrale elettrica e gli scorci della massiccia e purissima città “superiore”.

I pittori espressionisti tedeschi respingevano la rappresentazione naturalistica della realtà oggettiva, spesso raffigurando figure distorte, edifici e paesaggi in un modo disorientante che ignorava le convenzioni di prospettiva e proporzione. Questo approccio, unito a forme frastagliate e stilizzate ea colori aspri e innaturali, era usato per trasmettere emozioni soggettive.

Un certo numero di artisti e artigiani che lavoravano nel teatro di Berlino hanno portato lo stile visivo espressionista alla progettazione di scenografie teatrali. Questo, a sua volta, ha avuto un’eventuale influenza sui film che si occupano di fantasy e horror.

Il primo esempio è il film onirico di Robert Wiene The Cabinet of Dr. Caligari (1920), universalmente riconosciuto come uno dei primi classici del cinema espressionista. Hermann Warm, l’art director del film, ha collaborato con i pittori e scenografi Walter Reimann e Walter Röhrig per creare fantastici set da incubo con strutture contorte e paesaggi con forme appuntite e linee oblique e curve. Alcuni di questi disegni erano costruzioni, altri erano dipinti direttamente su tele.

I film espressionisti tedeschi prodotti nella Repubblica di Weimar subito dopo la prima guerra mondiale non solo incapsulano i contesti sociopolitici in cui sono stati creati, ma rielaborano anche i problemi intrinsecamente moderni di autoriflessività, spettacolo e identità.

Seguendo le apprezzate critiche di Siegfried Kracauer e Lotte Eisner, questi film sono ora visti come una sorta di coscienza collettiva, così intrinsecamente legati al loro ambiente sociale. Brevemente menzionato da J. P. Telotte nella sua analisi del film tedesco, “Espressionismo tedesco: un problema cinematografico / culturale”, l’espressionismo si concentra sul “potere degli spettacoli” e offre al pubblico “una sorta di immagine metonimica della propria situazione”.

Questo movimento cinematografico ha paragonato la pittura e il teatro espressionista al rifiuto del realismo. I creatori del periodo di Weimar cercarono di trasmettere l’esperienza interiore soggettiva attraverso mezzi esterni e oggettivi. I loro film erano caratterizzati da scenografie e recitazioni altamente stilizzate; hanno usato un nuovo stile visivo che incorpora un contrasto elevato e un montaggio semplice. I film sono stati girati in studio dove potevano impiegare luci volutamente esagerate e drammatiche e angoli di ripresa per enfatizzare alcuni aspetti particolari: paura, orrore, dolore. Gli aspetti delle tecniche espressioniste furono successivamente adattati da registi come Alfred Hitchcock e Orson Welles e furono incorporati in molti film di gangster e horror americani. Alcuni dei maggiori cineasti di questo periodo erano F. W. Murnau, Erich Pommer e Fritz Lang. Il movimento si è concluso dopo che la valuta si è stabilizzata, rendendo meno costoso comprare film all’estero. L’UFA crollò finanziariamente e gli studi tedeschi iniziarono a trattare con studi italiani che portarono alla loro influenza in stile horror e film noir. L’influenza americana sull’industria del cinema avrebbe anche portato alcuni registi a continuare la loro carriera negli Stati Uniti. L’ultimo film degli UFA fu Der Blaue Engel (1930), considerato un capolavoro dell’Espressionismo tedesco.

Interpretazione
Due opere dell’epoca sono The Haunted Screen di Lotte Eisner e Da Caligari di Sigfried Kracauer a Hitler. Kracauer esamina il cinema tedesco dall’era Silent / Golden e alla fine conclude che i film tedeschi realizzati prima del rilevamento di Hitler e l’ascesa del Terzo Reich lasciano intravedere l’inevitabilità della Germania nazista. Per Eisner, il cinema espressionista tedesco è una manifestazione visiva di ideali romantici. Esamina attentamente la messa in scena, la cinematografia, la recitazione, gli scenari e altri elementi cinematografici nei film di Pabst, Lubitsch, Lang (il suo preferito preferito), Riefenstahl, Harbou e Murnau. Più recenti studiosi espressionisti tedeschi esaminano elementi storici dell’espressionismo tedesco, come inflazione / economia, UFA, Erich Pommer, Nordisk e Hollywood.

Film espressionista
Il film espressionista è stato scritto principalmente in Germania, soprattutto nella sua “capitale del cinema”, Berlino, nell’era silenziosa della prima metà degli anni ’20. Questo è il motivo per cui le persone parlano spesso di espressionismo tedesco. Ma anche negli anni precedenti i primi elementi espressionisti apparivano nelle produzioni austriache – i cosiddetti film “pre-espressionisti”, sviluppati dagli amatissimi adattamenti cinematografici popolari.

Il cinema espressionista tedesco è il nome dato a un gruppo di produzioni cinematografiche con alcuni aspetti in comune. Questo stile di cinema ha la sua corrispondenza con l’espressionista corrente, chiamato in contrasto con l’attuale impressionista del XIX secolo in pittura, cioè con quel tipo di pittura in cui premium “espressione soggettiva” sulla rappresentazione dell’oggettività. Questo dipinto ha fatto ricorso a colori offensivi e ritmi lineari molto forti. Fondamentalmente ha messo radici in Germania, dove è nato il movimento Die Brücke (il ponte), fondato nel 1905 da studenti di architettura.

È sul bilancio della critica e dell’opposizione al positivismo che vengono proiettate molte delle linee di forza degli espressionisti. Per questi, la realtà era qualcosa che doveva essere sperimentato dall’interiorità più profonda, e quindi si appellava al corpo e alle esperienze emotive del mondo piuttosto che alla sua cattura a occhio nudo. L’artista espressionista ha cercato di rappresentare l’esperienza emotiva nella sua forma più completa, senza preoccuparsi della realtà esterna ma della sua natura interna.

Il cinema arriva, in ritardo e si verifica in parte, a seguito delle misure organizzative adottate dalle autorità tedesche. L’origine di queste misure può essere assegnata a due osservazioni: in primo luogo, il popolo tedesco prende coscienza dell’influenza esercitata dai film anti-tedeschi in paesi stranieri. In secondo luogo, riconoscono l’insufficienza della produzione locale e soddisfano quella domanda, produzioni di qualità inferiore, in relazione a paesi stranieri, inondano il mercato.

Consapevoli di questa situazione pericolosa, le autorità tedesche sono intervenute direttamente nella produzione del film. Nel 1916, il governo, con il sostegno di associazioni che promuovevano obiettivi culturali, politici ed economici, fondò la Deulig (Deutsche Liehtspiel Gesellschaft), una compagnia cinematografica che, attraverso appropriati film documentari, si sarebbe dedicata alla pubblicità del paese. all’estero come nella stessa Germania.

All’inizio del 1917, la Fondazione Bufa (Bild- und Filmamt) continuò; fondata come semplice agenzia governativa, forniva le truppe, sui fronti di battaglia, con sale di proiezione, ed era anche responsabile del compito di fornire documentari che registravano le attività militari.

Il numero di aziende passò da 28 nel 1913 a 245 nel 1919, pochi anni in cui si consolidò una potente industria.

Questo era qualcosa, ma non abbastanza. Dopo l’ingresso degli Stati Uniti in guerra, i film di questo paese si diffusero in tutto il mondo, inculcando con forza incompatibile l’odio per la Germania, tanto nei neutrali quanto nei nemici. I leader tedeschi giunsero alla conclusione che solo una grande organizzazione poteva contrattaccare quella campagna. La Gerenal Ludendorff prese l’iniziativa, raccomandando l’unione delle principali compagnie cinematografiche in modo che le loro energie, precedentemente diffuse, potessero essere canalizzate nell’interesse nazionale. I suoi suggerimenti erano ordini. Attraverso una risoluzione dell’Alto Comando tedesco del novembre 1917, in stretto contatto con importanti finanzieri, industriali e armatori, la Mitter Film, l’Unione di Davidson e le società controllate da Nordisk – con il supporto di un gruppo di banche – si fusero in un nuova società: Ufa (Universum Film AG).

Il compito ufficiale dell’Ufa era di fare propaganda in favore della Germania, in conformità con le linee guida del governo. Questa organizzazione servì come trampolino di lancio per il successo sul suolo tedesco di cineasti tedeschi come Ernst Lubitsch, Fritz Lang, Robert Wiene, Friedrich Murnau, tra cui alcuni che facevano parte del movimento espressionista che aveva un ottimo rapporto tra estetica e tema con l’opera grafica e pittorica proposta dai suoi fondatori prima e dopo la guerra, un evento che ha lasciato la Germania in bancarotta, e che ha influenzato gli espressionisti, che esternalizzavano le loro emozioni e la loro psicologia, oltre a distorcere la realtà e mostrare il simbolismo per aggiungere più profondità alle i film.

Tendenze contemporanee
Negli anni ’20, il movimento dada provocò una rivoluzione nel mondo artistico e le diverse culture europee sostenevano un cambiamento e il desiderio di considerare il futuro sperimentando idee e stili nuovi e rivoluzionari. L’espressionismo è anche contemporaneo al surrealismo in Francia.

Influenza dell’espressionismo cinematografico
Due generi sono stati particolarmente influenzati dall’espressionismo: il film noir e il film horror. Carl Laemmle e Universal Studios si sono fatti un nome producendo famosi film horror durante l’era muta, come The Phantom of the Opera (Lon Chaney, 1925). Gli emigranti tedeschi hanno ispirato lo stile e l’atmosfera dei film mostruosi degli Universal Studios negli anni ’30, con background artistici molto oscuri, diventando così un riferimento per le successive generazioni di film horror.

Dopo Fritz Lang (Fury) negli anni ’30, altri registi di origine germanica come Otto Preminger (Laura), Robert Siodmak (The Killers) o Billy Wilder (Insurance on Death) introdussero lo stile espressionista nei film polizieschi degli anni ’40 e influenzarono in seguito generazioni di cineasti, facendo sopravvivere l’espressionismo.

“Il cinema del dopoguerra sembrava insistere nell’accentuare il suo carattere enigmatico, macabro, sinistro, morboso e riflette il processo di ritiro” nella profondità dell’anima “condotto dalla popolazione durante questo periodo di incertezza”, afferma Sigfrid Kracauer, specialista nel periodo tedesco.

Le origini di questo movimento cinematografico, che ha avuto il suo momento migliore nel decennio degli anni ’20, risalgono all’inizio del XX secolo, quando l’espressionismo è emerso come un riflesso della realtà. Alcuni registi hanno assimilato le teorie e le proposte di questo fenomeno artistico. Uno dei film pionieristici è stato il Gabinetto del dottor Caligari, un film ispirato a una serie di crimini avvenuti ad Amburgo, in Germania. Raccontava i crimini scioccanti commessi da Cesare, sotto gli ordini ipnotici del dottor Caligari, che visitava le fiere delle città tedesche esibendo il suo sonnambulo. L’idea degli scrittori era di denunciare le prestazioni dello stato tedesco durante la guerra.

Ma Robert Wiene, che lo dirigerà, aggiungerà due nuove scene alla sceneggiatura, una all’inizio e una alla fine, che cambierà l’intero senso della storia, perché diventa la storia immaginaria di un pazzo che crede vede il direttore dell’ospedale psichiatrico in cui si trova il terribile dottor Caligari.

L’attrattiva principale del film risiede nella sua anormalità scenografica, con camini obliqui, reminiscenze cubiste e finestre a forma di freccia, il tutto con una funzione semplicemente drammatica e psicologica, e non come qualcosa di decorativo. È vero che la possibilità contribuirà a migliorare quel dramma, perché, a causa della limitata illuminazione dello studio in cui è stato girato, è stato deciso di dipingere i set con luci e ombre.

Un’altra caratteristica da sottolineare sarà il trucco degli attori e la loro interpretazione. Il gabinetto del dottor Caligari otterrà un grande successo. Sarà, accanto al personaggio di Charlot, il primo grande mito della storia del cinema. La critica francese ha coniato la parola caligarismo per designare i film tedeschi della nuova estetica. Wiene dirigerà molti altri lavori negli anni successivi, ma non realizzerà mai il successo o la qualità artistica di Caligari. Con l’arrivo dei nazisti al potere, decise di andare in esilio e morì a Parigi nel 1938.

L’espressionismo si evolverà con una nuova corrente che sostituirà i tessuti dipinti dagli insiemi, lasciando il posto a un’illuminazione più complessa come mezzo espressivo. Questo dà origine a una nuova corrente che sarà conosciuta come Kammerspielfilm o Camera Theater, che possiede la sua origine nelle esperienze realistiche del cinema di Max Reinhardt, famoso regista teatrale dell’epoca.

Questa proposta è stata guidata, in larga misura, dal lavoro dello sceneggiatore Carl Mayer, i cui drammi erano a volte semplicistici e alquanto teatrali. Importanti registi sono stati attratti da questa corrente, in cui hanno contribuito al cinema tedesco alcune delle loro più grandi opere cinematografiche.

Stylistic
Caratteristici sono i contesti grottescamente distorti, fortemente influenzati dalla pittura espressionista e dall’illuminazione contrastante, ulteriormente accentuata dalle ombre dipinte. Una messa in scena surreale e simbolica crea forti stati d’animo e livelli più profondi di significato.

Inoltre, è soprattutto lo stile gestuale enfatizzato enfatizzato degli attori, che caratterizza l’espressionista di questo flusso cinematografico. È preso in prestito dal precursore artistico, dall’espressionismo scenico.

L’estetica del Kammerspielfilm abbandona i temi fantastici e le scenografie espressioniste, per provare un approccio al dramma quotidiano di personaggi semplici, estratti dalla vita reale, immersi in un piccolo spazio, la dimora modesta, che, senza ulteriori attributi, acquisisce qui un carattere claustrofobico. Si basa su un rispetto, anche se non totale, delle unità di tempo, luogo e azione, in una grande linearità e semplicità argomentativa, che rende superfluo l’inserimento di etichette esplicative e nella sobrietà interpretativa. La drammatica semplicità e il rispetto delle unità consentono di creare atmosfere chiuse e opprimenti, in cui i protagonisti si muoveranno. La traiettoria di questa corrente sembra dominata principalmente da tre cineasti:

Friedrich Wilhelm Murnau
Friedrich Wilhelm Murnau fondò la propria compagnia di produzione nel 1919, cominciando a dirigere film in cui tenterà di esprimere la sua soggettività nel massimo rispetto per le vere forme del mondo. Nosferatu (1922) è un esempio di questo, un film che racconta il mito del vampiro e sarà uno dei suoi capolavori. Per riprenderlo, ricorrerà a scenari naturali, di fronte alla preferenza espressionista di filmare le scene in studio. Con l’introduzione di elementi reali in una storia fantastica, riesce a migliorare la sua veridicità. Userà anche l’accelerato e il minimo, e l’uso del film negativo per segnare il passaggio dal mondo reale a quello ultrareal.

Dopo Nosferatu, dirigerà El último (Der letze Mann), la storia del portiere di un hotel di lusso che viene trasferito da un lavoro a causa della sua età. L’uomo non è soddisfatto della perdita della sua uniforme e lo ruba ogni giorno per tornare con lui a casa sua, finché non viene scoperto. Questo lavoro rappresenta la chiara transizione dall’espressionismo al realismo sociale, sebbene sia narrato in un linguaggio plastico pieno di prototipi espressionisti. Per dare agilità alla trama, Murnau e il suo operatore, Karl Freund, useranno una macchina fotografica molto dinamica, legata al petto di quest’ultimo, per rendere i percorsi personali circolari, e imitare i movimenti di una gru, ponendo la fotocamera alla fine di una scala antincendio

Murnau realizzerà molte altre opere, sempre con un’alta qualità tecnica, negli anni successivi, come gli adattamenti di Faust e Moliere Tartufo, per finire con l’accettare un allettante contratto a Hollywood, dove vincerà un Oscar e morirà in un incidente stradale in 1931.

Fritz Lang
Insieme a Murnau, l’austriaco Fritz Lang è un altro insegnante della scuola espressionista. Il film più antico sopravvissuto della sua lunga carriera è Die Spinnen del 1919, ma raggiunse il successo e il riconoscimento con Der müde Tod (La morte stanca o Le tre luci), nel 1921, che narra la lotta tra amore e morte. Questo lavoro avrà un impatto molto importante, e sarà quello che deciderà la vocazione del regista spagnolo Luis Buñuel. Nel suo prossimo lavoro, Los nibelungos, avrai la possibilità di dimostrare tutta la tua maturità. Questa esaltazione ariana, in cui gli Unni sono presentati come esseri di razza inferiore, sembra premonitrice dei tempi a venire.

Metropolis, 1927, sarà la sua opera definitiva. In esso, gioca con spazi, volumi e chiaroscuri. In Metropolis Lang otterrà immagini che passeranno alla storia del cinema e che lo spettatore non potrà dimenticare: il suo opprimente mondo sotterraneo, il passaggio degli operai, l’inondazione, il panico nella città, ecc. rappresentano l’apogeo dell’espressionismo dell’ordine architettonico, come Caligari era nel pittorico.

Nel 1933, Lang realizzerà il testamento del Dr. Mabuse, un film che fu bandito in Germania all’epoca. Un po ‘più tardi fuggirà negli Stati Uniti dove continuerà con il suo lavoro e scomparirà nel 1976.

Georg Wilhelm Pabst
L’ultimo grande produttore di estetica espressionista tedesca era Georg Wilhelm Pabst. Dopo aver debuttato come attore teatrale, ha fondato la sua società di produzione cinematografica, nella quale ha realizzato il suo primo film nel 1923, un’opera minore chiamata Der Schat. Divenne noto fino a due anni dopo con il film Under the Mask of Pleasure, un dramma di miseria, interpretato da Greta Garbo, ambientato in un momento storico e reale. Di uno stile puramente realistico, questo lavoro è stato girato interamente in studio, il che fa perdere parte della sua forza a causa della falsità dei suoi set, ma il suo merito sta nel presentare per la prima volta la situazione della borghesia tedesca dopo la guerra, rovinato e in crisi.

Pabst è stato il primo cineasta ad incorporare la psicoanalisi in uno dei suoi film, coadiuvato da due discepoli di Sigmund Freud, che conduceva uno studio sull’impotenza nel 1926. I suoi lavori seguenti affrontarono i problemi della psicologia femminile in una trilogia: Abwege, La caja di Pandora e Tre pagine di un diario, dove attraverso la vita delle sue protagoniste femminili ha fatto un’acuta critica alla Germania del suo tempo. Erano i due motori che muovevano il lavoro di Pabst: i sentimenti e la realtà sociale del suo paese.

Pabst mise il cinema tedesco sulla strada del realismo sociale, e la trilogia femminile seguì film più impegnati socialmente e politicamente, che furono banditi nel 1933 dopo l’ascesa al potere del nazionalsocialismo. Fuggì in Francia, dove continuò con il suo lavoro, per tornare nel suo paese, dove ha filmato nel decennio degli anni ’50 un’accusa contro il nazismo. Morì a Vienna nel 1967.

Film importanti
The Student of Prague (1913, direttore: Stellan Rye)
The Serpent of Passion (1918, diretto da Jakob e Luise Fleck)
Opium (1919, diretto da Robert Reinert)
Nervi (1919, diretto da Robert Reinert)
Il gabinetto del dott. Ing. Caligari (1920, regista: Robert Wiene)
Dalla mattina alla mezzanotte (1920, direttore: Karlheinz Martin)
Genuino (1920, regista: Robert Wiene)
Algol (1920, regista: Hans Werckmeister)
Il Golem, How He Entered the World (1920, Regista: Paul Wegener)
The Tired Death (1921, diretto da Fritz Lang)
The Mountain Cat (1921, Director: Ernst Lubitsch – Expressionism parody)
Dr. Mabuse, the Player (1922, Director: Fritz Lang)
Nosferatu, una sinfonia dell’orrore (1922, regista: Friedrich Wilhelm Murnau)
Vanina (1922, regista: Arthur von Gerlach)
Phantom (1922, direttore: Friedrich Wilhelm Murnau)
Shadow (1923, Director: Arthur Robison)
Raskolnikov (1923, regista: Robert Wiene)
The Street (1923, diretto da Karl Grune)
Aelita (1924, regista: Yakov Protasanov)
Orlac’s Hands (1924, regista: Robert Wiene)
La città senza ebrei (1924, direttore: Hans Karl Breslauer)
The Wax Museum (1924, Direttore: Paul Leni)
The Last Man (1924, regista: Friedrich Wilhelm Murnau)
On the Chronicle of Grieshuus (1925, diretto da Arthur von Gerlach)
Faust – una leggenda popolare tedesca (1926, regista: Friedrich Wilhelm Murnau)
The Coat (1926, diretto da Grigori Kosinzew e Leonid Trauberg)
Metropolis (1927, regista: Fritz Lang)
M (1931, direttore: Fritz Lang)

vita dell’aldilà
La breve epoca del film espressionista era già finita a metà degli anni ’20. Quando, dopo il sequestro del potere da parte dei nazisti nel 1933, molti degli ex protagonisti lasciarono la Germania per Hollywood, solo lì si sentivano gli effetti collaterali. Soprattutto due generi sono stati influenzati da esso e possono essere considerati come “eredi” dell’espressionismo del film: l’horror e il film noir.

Oggi, il lavoro di David Lynch sembra essere ispirato dall’espressionista (Fritz Lang: M) e dal film surrealista (Luis Buñuel, Salvador Dalí: An Andalusian Dog). Werner Herzog ha girato nel 1979 come tributo a un remake di Nosferatu con Klaus Kinski nel ruolo principale. Allo stesso modo un remake con il suono di un famoso film muto espressionista, il regista americano David Lee Fisher ha girato il 2006 con lo stesso film in bianco e nero The Cabinet of Dr. Caligari, in cui gli attori di oggi recitano sullo schermo blu di fronte alle scene del film originale.

Tim Burton spesso costruisce scene bizzarre nei suoi film. Ad esempio, gli sfondi nel mondo degli spiriti di Beetlejuice, o “Halloweentown” in Nightmare Before Christmas, e le scene del film Corpse Bride – Wedding with a Dead Body sono molto influenzate dai modelli espressionisti. Lemony Snicket – Eventi enigmatici, le riprese di Lemony Snickets Una serie di eventi tristi, fortemente basati su questi film Burton e quindi fortemente basata sullo stile espressionista.