L’arte di genere è la rappresentazione pittorica in uno qualsiasi dei vari media di scene o eventi della vita quotidiana, come mercati, ambienti domestici, interni, feste, scene di inn e scene di strada. Tali rappresentazioni (chiamate anche opere di genere, scene di genere o viste di genere) possono essere realistiche, immaginate o romanticizzate dall’artista. Alcune varianti del termine genere arte specificano il tipo o il tipo di lavoro visivo, come nella pittura di genere, nelle stampe di genere, nelle fotografie di genere e così via.

Un’arte di genere è un genere di belle arti, dedicato alla vita quotidiana, privata e pubblica, di solito ad un artista moderno. L’arte di genere comprende la pittura (genere) di tutti i giorni, la grafica e la scultura, per lo più di piccole dimensioni. L’arte di genere, conosciuta fin dall’antichità, spiccava in un genere di arte separato solo nell’era feudale. Il fiorire del genere dell’era moderna è associato alla crescita di tendenze artistiche democratiche e realistiche, con l’appello degli artisti alla vita delle persone e all’attività lavorativa delle persone comuni, con la formulazione di importanti questioni sociali nell’arte.

Le opere di genere includono: sculture, dipinti, opere grafiche che rappresentano il lavoro della vita quotidiana, di solito gli strati sociali più bassi, i costumi, le vacanze. Le figure sono tipizzate, trasmesse anonimamente. Il genere domestico può essere didattico, satirico, umoristico, sentimentale. Le immagini delle dimore erano nell’antico Egitto, nell’antichità (vasi greci, rilievi romani, mosaici), nell’arte medievale (sculture, miniature). Il genere della famiglia cominciò a svilupparsi durante il periodo di lutto del Rinascimento, divenne popolare nel 19 ° secolo. – Pr del XX secolo nel lavoro creativo di vari campi e gruppi (realismo, naturalismo, impressionismo, medici di famiglia). L’arte lituana apparve nel XVIII secolo.

Il significato normale del genere, che copre ogni particolare combinazione di un mezzo artistico e un tipo di argomento (come, per esempio, nel romanzo rosa), è anche usato nelle arti visive. Così, il genere funziona, specialmente quando si fa riferimento alla pittura dell’età dell’oro olandese e della pittura barocca fiamminga – i grandi periodi delle opere di genere – può anche essere usato come un termine generico per dipingere in varie categorie specializzate come la natura morta, la pittura marina , pittura architettonica e pittura animale, così come scene di genere proprie dove l’accento è posto sulle figure umane. La pittura era divisa in una gerarchia di generi, con la pittura di storia ai vertici, come la pittura più difficile e quindi prestigiosa, ancora in vita e architettonica in fondo. Ma i dipinti di storia sono un genere nella pittura, non nel genere.

Il seguente si concentra sulla pittura, ma i motivi di genere erano anche estremamente popolari in molte forme delle arti decorative, specialmente dal Rococò degli inizi del XVIII secolo in poi. Singole figure o piccoli gruppi hanno decorato una grande varietà di oggetti come porcellana, mobili, carta da parati e tessuti.

Arte visiva:
Il termine genere arte è molto usato nella storia e nella critica dell’arte visiva, ma nella storia dell’arte ha significati che si sovrappongono in modo piuttosto confuso. La pittura di genere è un termine per dipinti in cui il soggetto principale presenta figure umane a cui non si attribuisce un’identità specifica – in altre parole, le figure non sono ritratti, personaggi di una storia o personificazioni allegoriche. Questi sono distinti dal personale: figure accidentali in quello che è principalmente un paesaggio o una pittura architettonica. La pittura di genere può anche essere usata come un termine più ampio che copre la pittura di genere propriamente detta, e altri tipi specializzati di dipinti come nature morte, paesaggi, pitture marine e dipinti di animali.

Il concetto di “gerarchia dei generi” era potente nella teoria artistica, specialmente tra il XVII e il XIX secolo. Era il più forte in Francia, dove era associato all’Académie française che aveva un ruolo centrale nell’arte accademica. I generi in ordine gerarchico sono:

La pittura di storia, compresi i soggetti narrativi religiosi mitologici e allegorici
Ritratto dipinto
Pittura di genere o scene di vita quotidiana
Paesaggio (i paesaggisti erano i “comuni servi dell’esercito dell’Arte” secondo il teorico olandese Samuel van Hoogstraten) e il paesaggio urbano
Pittura animale
Natura morta

origini
Il genere della vita quotidiana sorse nell’era dell’antichità europea. Ma molto prima che le scene della vita quotidiana della Grecia antica fossero riprodotte in Africa e nell’antico Egitto. I dipinti murali nei magazzini funebri del faraone hanno spesso immagini di scene quotidiane, che occupano un posto aggiuntivo, subordinato, dopo scene religiose. Già nell’arte dell’Antico Egitto, le scene di tutti i giorni si trovano nella pittura, nella scultura e persino nei frammenti di vasi in ceramica, la cui superficie gli antichi artisti egizi usavano per creare schizzi.

Greco antico
I laboratori di scene di genere sono stati creati dagli artisti dell’Antica Grecia nei vasi. Il genere è stato sviluppato anche nella pittura di allora, ma fino ad ora i nostri campioni casuali l’hanno raggiunto. L’ampio uso del vaso-pittura rifletteva in parte le scene quotidiane incontrate nella pittura e creava i suoi campioni (maestro Eufronio, pellicano “Guarda, inghiotti!”, Hermitage, maestro Ekseky, “Dioniso su una barca pirata”, maestro Evfimid , “La campagna dei raduni del guerriero”, Monaco). L’osservazione della vita quotidiana dei contemporanei e il coraggio nella riproduzione delle scene quotidiane hanno portato alla straordinaria varietà di scene create dai pittori vass: dal canto ispirato dell’attore nel ruolo di Apollo alle scene erotiche e alle spiacevoli conseguenze dell’ubriachezza alla festa recente (Master Brig, Kilix, Wurzburg, University Museum).

Cina
Il genere è anche noto nell’arte dei paesi dell’Est. I primi schizzi di tutti i giorni sono comparsi nel quadro della Cina del IV secolo. n. e., sebbene avessero un carattere istruttivo e didattico all’interno di idee religiose e filosofiche. Nel periodo di Tang (VII-X secolo DC), si formarono scuole di pittura di genere cinese. Ci sono anche artisti noti del genere (Yan Li-ban, Han Huang, Zhou Fan), anche se nelle loro opere prevalevano scene di genere della corte imperiale. Durante il periodo della Canzone (X-XIII secoli dC), i pittori di genere cinese (Li Tan, Su Han-chen) creano scene di vita popolare in dipinti che sono interessanti per la loro colorazione divertente o l’atteggiamento rispettoso. Più o meno lo stesso è stato lo sviluppo del genere della pittura domestica in Giappone e Corea, la cui arte ha avuto un impatto significativo sulla pittura cinese e sui suoi campioni.

Medio Oriente
Il genere quotidiano era anche diffuso nell’arte dei paesi di lingua araba del Medioevo, che si basava su una potente cultura locale dei popoli. Prima di tutto, riguardava l’Egitto, l’India e la Persia (Iran). I maestri di questi paesi hanno deciso di ignorare parzialmente il divieto musulmano alla creazione di immagini figurative.

India
Alcuni dei manoscritti medievali di quel tempo erano decorati con miniature, il cui valore artistico era alto. La miniatura medievale persiana indiana era anche audace nella riproduzione di entrambe le scene mitologiche e religiose (miniature per Shahnameh, Iskander e l’imperatore cinese, il matrimonio dei figli di Faridun con le figlie di Emen, miniature per i trattati di Avicenna, miniature per il manoscritto di Alisher Navoi “Meraviglie dell’Infanzia” – il poeta ascolta i musicisti insieme agli amici, le miniature alle leggende su Baidar con un musicista, una miniatura “Scienziato in una conferenza con alunni” dal manoscritto “Makamat” del 13 ° secolo). Gli artisti disegnano non solo scene di vita di corte, anche se spesso costretti a lavorare per i tiranni orientali.

Nell’Europa medievale:
Il genere di genere stava prendendo il potere nell’Europa medievale. I suoi campioni si trovano in miniature, rilievi e alcuni esempi di pittura (miniature francesi con scene di costruzione di cattedrali gotiche, vetrate, rilievi tedeschi nella cattedrale di Naumburg, miniature dei fratelli Limburg, ecc.).

Lo sviluppo dell’arte di genere si è basato sull’autenticazione fattuale della vita quotidiana dal significato interno dei fenomeni della vita quotidiana e dalla scoperta psicologica del contenuto storico-pubblico. L’arte di genere è conosciuta fin dai tempi antichi (scene primordiali, di caccia, orientali), ma come un particolare genere di arte è stato separato dall’era feudale (Estremo Oriente) e durante la formazione della società borghese (Europa).

Nel Medioevo, le scene di genere si intrecciano spesso con composizioni religiose e allegoriche. Nel VII-XIII secolo, le scuole di pittura di genere furono formate e funzionate in Cina.

Rinascimento italiano:
Con l’avvento del Rinascimento in Europa, prima in Italia (Giotto, Lorentzetti – XIV secolo), e poi nei Paesi Bassi (Jan van Eyck, Barche, Gertgen i Sint Jans – XV secolo.) E in altri paesi europei, scene religiose in la pittura ha cominciato a saturare i dettagli del genere. Nel XV secolo apparvero le immagini della vita popolare laburista in miniatura (fratelli Limburg in Francia), incisioni (Schongauer in Germania), dipinti secolari (Cossa in Italia). Nella pittura italiana del XVI secolo, il genere di tutti i giorni cominciò gradualmente a separarsi dai generi religiosi (veneziani – Carracci, Giorgione, Bassano).

In Italia, una “scuola” di pittura di genere fu stimolata dall’arrivo a Roma del pittore olandese Pieter van Laer nel 1625. Acquistò il soprannome “Il Bamboccio” ei suoi seguaci furono chiamati i Bamboccianti, i cui lavori avrebbero ispirato Giacomo Ceruti, Antonio Cifrondi e Giuseppe Maria Crespi tra molti altri.

Cinque secoli del famoso sviluppo della cultura e delle arti in Italia fino al XVII secolo hanno portato a una rigida gerarchia di generi. Il livello più alto era occupato da immagini bibliche e mitologiche, il più basso e il più prestigioso – paesaggio e genere quotidiano. Gli italiani percepivano ancora le loro immagini dei caravagisti di Utrecht con scene di piccoli banchetti con musicisti e li comprarono (Gerrit van Hoonthorst, “Conversazione col menestrello”, la Galleria degli Uffizi, Firenze, “Il Concerto”, la Galleria Borghese, Roma) , mentre altri causano spiacevoli sorprese e rifiuti. Anche nel moderno spettatore le trame di maestri del genere olandese del XVII secolo. può causare noia, e un sorriso, e sorpresa, e risate.

XVII secolo:
Età dell’oro olandese:
I Paesi Bassi dominarono il campo fino al XVIII secolo, e nel 17 ° secolo sia la pittura barocca fiamminga che la pittura olandese Golden Age produssero numerosi specialisti che per lo più dipinsero scene di genere. Nel secolo precedente, il pittore fiammingo rinascimentale Jan Sanders van Hemessen dipinse scene di genere su larga scala innovative, a volte includendo un tema morale o una scena religiosa sullo sfondo nella prima metà del 16 ° secolo. Questi erano parte di un modello di “inversione manierista” nella pittura di Anversa, dando elementi “bassi” precedentemente nello sfondo decorativo delle immagini di rilievo. Joachim Patinir ha ampliato i suoi paesaggi, rendendo le figure un piccolo elemento, e Pieter Aertsen ha dipinto opere dominate da diffusioni di nature morte e figure di genere di cuochi o venditori di mercato, con piccole scene religiose in spazi sullo sfondo. Pieter Brueghel il Vecchio fece dei contadini e delle loro attività, trattati in modo molto naturalistico, il soggetto di molti dei suoi dipinti, e la pittura di genere doveva prosperare nel nord Europa nella scia di Brueghel.

Diverse circostanze hanno contribuito a questo:
La diffusione nel paese del protestantesimo di varie direzioni con il rifiuto di dipinti religiosi
Debole posizione del cattolicesimo nel paese, principale cliente della pittura religiosa
La riduzione degli ordini per i dipinti religiosi del modello cattolico ha contribuito allo sviluppo di altri generi – (ritratto, paesaggio e pittura di genere).

Gli artisti olandesi non erano scoraggiati dai bassi e monotoni paesaggi del paese, dall’assenza dei resti di antichi edifici in essa contenuti, né dal prestigio dei ritratti di marinai e pescherecci, contadini e bestiame o immagini della sonnolenta vita dei piccoli città, quartieri disabitati, strade e vicoli tranquilli e angoli del cortile. Un certo numero di maestri olandesi si sono rivolti al genere domestico – dai più dotati (Frans Huls, Jan Vermeer, Matthias Stom) a semi-professionisti, provinciali e non professionisti, che non sono stati portati alle corporazioni d’arte e ai quali è stato vietato vendere le loro foto produzione propria.

Adriaen e Isaac van Ostade, Jan Steen, Adriaan Brouwer, David Teniers, Aelbert Cuyp, Johannes Vermeer e Pieter de Hooch sono stati tra i molti pittori specializzati in materie di genere nei Paesi Bassi durante il 17 ° secolo. Le dimensioni generalmente ridotte dei dipinti di questi artisti erano appropriate per la loro esposizione nelle case degli acquirenti della classe media. Spesso il soggetto di un dipinto di genere era basato su un emblema popolare tratto da un libro dell’Emblema. Questo può dare al dipinto un duplice significato, come nel libro di Gabriel Metsu The Poultry, 1662, che mostra un vecchio che offre un gallo in una posa simbolica basata su un’incisione oscura di Gillis van Breen (1595-1622), con il stessa scena. L’allegra compagnia ha mostrato un gruppo di personaggi a una festa, sia che si facesse musica a casa o semplicemente si bevesse in una taverna. Altri tipi comuni di scene hanno mostrato mercati o fiere, feste paesane (“kermesse”) o soldati nel campo.

XVIII secolo:
Francia
Gli aristocratici francesi spesso collezionano dipinti non tanto per amore dell’arte, ma per moda e prestigio. Nel 1768, l’ex segretario del re Luigi XV, de Genya, morì e le sue collezioni furono messe all’asta, dove iniziò l’eccitazione. Denis Diderot scrive entusiasta di questo: “È morto, questa persona straordinaria che ha collezionato così tante belle opere in letteratura, quasi senza alcuna inclinazione a leggere, così tante opere d’arte, capendole come cieche … È impossibile perdere un minuto se non vogliamo scontrarci con una folla di concorrenti nazionali o stranieri. “Ma c’erano veri intenditori d’arte, coraggiosi nella ricerca e poco dipendenti dalla moda, tra i quali c’era Pierre Crozet, a cui importava del malato Watteau, di Rosalbe Carriera e comprò alcuni artisti che avevano bisogno delle opere di artisti fuori moda.

L’atteggiamento verso il genere domestico sta gradualmente cambiando. E nel XVIII secolo appaiono come suoi sostenitori tra gli artisti e i primi significativi collezionisti. Il legislatore nei modi e nell’arte diventa la Francia. Tra gli artisti francesi che lavorano nel genere domestico:

A seconda del talento e delle istruzioni a cui l’artista aderisce, il genere quotidiano viene interpretato come falso-idealizzato e purificato artificialmente (Francois Boucher), poi in qualche modo fantastico e poetico (Antoine Watteau), quindi con un tocco di istruzione, didattica, sentimentalismo ( Jean Baptiste Gröze), poi come scene tratte dalla realtà (schizzi di Fragonard). Il genere degli elementi rococò (Antoine Watteau, Jacques de Lajoux, Francisco Goya) porta nel genere della vita quotidiana, si rivolgono a varie tecniche (dipinti ad olio, pastelli, disegni, porcellane, incisioni). C’è una rivalutazione di opere e artisti olandesi del 17 ° secolo. E alle aste di Parigi si stanno svolgendo vere e proprie battaglie per il diritto di possedere immagini di maestri del genere domestico.

Louis le Nain fu un importante esponente della pittura di genere nella Francia del XVII secolo, dipingendo gruppi di contadini in patria, dove il XVIII secolo avrebbe portato un maggiore interesse nella rappresentazione della vita di tutti i giorni, sia attraverso i dipinti romantici di Watteau e Fragonard, o l’attento realismo di Chardin. Jean-Baptiste Greuze (1725-1805) e altri dipinsero gruppi dettagliati e piuttosto sentimentali o singoli ritratti di contadini che dovevano essere influenti sulla pittura del XIX secolo.

Inghilterra
In Inghilterra, William Hogarth (1697-1764) trasmetteva commedie, critiche sociali e lezioni morali attraverso tele che raccontavano storie di gente comune piene di dettagli narrativi (aiutati da lunghi sottotitoli), spesso in forma seriale, come nel suo A Rake’s Progress , dipinto per la prima volta nel 1732-33, poi inciso e pubblicato in forma di stampa nel 1735.

Spagna
La Spagna aveva una tradizione che precede il Libro del Buon Amore dell’osservazione sociale e del commento basato sulla tradizione latina dell’Antico Romano, praticata da molti dei suoi pittori e illuminatori. All’apice dell’Impero spagnolo e all’inizio del suo lento declino, molte scene pittoriche di genere pittoresco della vita di strada – così come le scene in cucina note come bodegones – furono dipinte dagli artisti di The Golden Age spagnolo, in particolare Velázquez (1599-1660 ) e Murillo (1617-82). Più di un secolo dopo, l’artista spagnolo Francisco de Goya (1746-1828) utilizzò scene di genere in pittura e incisione come mezzo per commenti oscuri sulla condizione umana. I suoi The Disasters of War, una serie di 82 episodi di genere della Guerra Peninsulare, hanno portato l’arte di genere a livelli di espressività senza precedenti.

Con il declino della pittura religiosa e storica nel 19 ° secolo, gli artisti hanno trovato sempre più la loro materia nella vita che li circonda. Realisti come Gustave Courbet (1819-1877) hanno stravolto le aspettative dipingendo scene di tutti i giorni in enormi dipinti – alla scala tradizionalmente riservata a soggetti “importanti” – confondendo così il confine che aveva definito la pittura di genere come una categoria “minore”. La pittura di storia si è spostata dalla rappresentazione esclusiva di eventi di grande importanza pubblica alla rappresentazione di scene di genere in tempi storici, sia i momenti privati ​​di grandi figure, sia la vita quotidiana della gente comune. Nell’arte francese questo era conosciuto come lo stile dei Troubador. Questa tendenza, già evidente nel 1817 quando Ingres dipinse Henri IV Playing with His Children, culminò nella più fervida arte degli accademici francesi come Jean-Léon Gérôme (1824-1904) e Jean-Louis-Ernest Meissonier (1815-91). Nella seconda metà del secolo l’interesse per le scene di genere, spesso in contesti storici o con commenti sociali o morali, è aumentato notevolmente in tutta Europa.

William Powell Frith (1819-1909) fu forse il più famoso pittore di genere inglese dell’epoca vittoriana, dipingendo scene grandi ed estremamente affollate; l’espansione delle dimensioni e dell’ambizione nella pittura di genere del XIX secolo era una tendenza comune. Altri pittori del genere inglese del XIX secolo includono Augustus Leopold Egg, George Elgar Hicks, William Holman Hunt e John Everett Millais. La Scozia ha prodotto due influenti pittori di genere, David Allan (1744-96) e Sir David Wilkie (1785-1841). Il Cottar’s Saturday Night (1837) di Wilkie ha ispirato un’opera importante del pittore francese Gustave Courbet, After Dinner at Ornans (1849). Famosi pittori realisti russi come Pavel Fedotov, Vasily Perov e Ilya Repin hanno anche prodotto dipinti di genere.

Germania
In Germania, Carl Spitzweg (1808-85) si specializzò in scene di genere delicatamente umoristiche, e in Italia Gerolamo Induno (1825-90) dipinse scene di vita militare. Successivamente gli impressionisti, così come artisti del XX secolo come Pierre Bonnard, Itshak Holtz, Edward Hopper e David Park hanno dipinto scene di vita quotidiana. Ma nel contesto dell’arte moderna il termine “pittura di genere” è venuto ad essere associato principalmente con la pittura di una natura particolarmente aneddotica o sentimentale, dipinta in una tecnica tradizionalmente realistica.

Il primo vero pittore di genere negli Stati Uniti è stato l’immigrato tedesco John Lewis Krimmel, che apprendendo da Wilkie e Hogarth, ha prodotto scene di vita delicatamente umoristiche a Philadelphia dal 1812-21. Altri noti pittori del genere del XIX secolo provenienti dagli Stati Uniti comprendono George Caleb Bingham, William Sidney Mount e Eastman Johnson. Harry Roseland si concentrò su scene di poveri afroamericani nella guerra civile post-americana del Sud, e John Rogers (1829-1904) fu uno scultore il cui piccolo genere di opere, prodotto in serie in gesso, era immensamente popolare in America. Le opere del pittore americano Ernie Barnes (1938-2009) e quelle dell’illustratore Norman Rockwell (1894-1978) potrebbero esemplificare un tipo più moderno di pittura di genere.

Giappone
Le stampe ukiyo-e giapponesi sono ricche di raffigurazioni di persone a piacimento e al lavoro, così come le pitture coreane, in particolare quelle create nel XVIII secolo.

XIX secolo:
Nonostante il monopolio degli aristocratici per l’arte, conservato nel XIX secolo, è instancabilmente democratizzato. Ma questa democratizzazione ha un carattere un po ‘diverso da quello degli olandesi nel XVII secolo, quando attrassero situazioni prosaiche, quotidiane e divertenti (Jan Sten, Autoritratto con la moglie sotto Hop, Karel Fabricius, Guardia del sonno). Nell’arte del XIX secolo. escono eroi a tutto tondo emarginati, ammalati, mendicanti abbandonati, storpi, schiavi, prigionieri o prigionieri di guerra, persone del fondo sociale. Li hanno ignorati per secoli, non hanno notato l’arte. Prigionieri e schiavi tornarono nell’arte del barocco, ma sono trattati lì come un dettaglio decorativo della vita del monarca, un segno delle sue vittorie, della gloria militare, della capacità di conquistare.

Nei dipinti di maestri del XIX secolo. i diseredati e gli schiavi perdono la loro decoratività, soffrono francamente, senza nascondere la loro confusione, il loro dolore e il loro desiderio. Niente di decorativo, poesia nella vita dei tessitori olandesi, pescatori europei e americani, poveri cittadini del Giappone, nella vita dei contadini dagli angoli degli orsi di Francia, Russia o Nord Italia del 19 ° secolo. I problemi sociali irrisolti stanno esplodendo da una rivolta, poi da una guerra di liberazione nazionale, da una rivoluzione. Un’ondata dell’abolizione della schiavitù e della schiavitù ha travolto il mondo – ma senza migliorare significativamente la situazione di milioni di persone.

Nel XIX secolo. il genere quotidiano sta vivendo un altro sviluppo in paesi diversi, dove le scene della vita di tutti i giorni sono rappresentate già in un modo molto realistico, estremamente veritiero, con una maggiore o minore condivisione di atteggiamenti ideologici. Tra gli artisti – sostenitori del genere domestico:

Un posto speciale nell’arte del XIX secolo. e le opere del francese Francois Millet, dell’italiano Giovanni Segantini, dell’olandese Vincent van Gogh, di Winslow Homer (USA) hanno preso l’arte del genere. E senza accenni vaghi e simboli oscuri, le immagini di questi maestri diventano un simbolo dell’esistenza estenuante dei rappresentanti del popolo, della vita rurale severa in generale, la cui riproduzione vera è stata raramente osata dall’arte dell’intero XIX secolo a causa delle posizioni dominanti del mondo accademico, l’arte del salone, a causa del fermo supporto ufficiale della superficiale arte borghese.

XX secolo:
L’aggravarsi significativo dei problemi sociali e delle contraddizioni in tutte le sfere della vita nel 20 ° secolo, guerre, rivoluzioni, disimpegno sociale, movimenti di liberazione nazionale, rivoluzioni industriali e scientifiche, sviluppo esplosivo della tecnologia, urbanizzazione, tutto questo ha decisamente cambiato la vita di milioni di persone di persone, impartito impulsività ad esso, instabilità. Estremamente aumentata mancanza di spiritualità, confusione delle persone prima dei cambiamenti momentanei, il pericolo dei regimi politici, la disumanizzazione della scienza, l’incertezza del proprio futuro. Ha risposto a questi cambiamenti e al genere quotidiano, gli artisti dei quali si sono impegnati ad analizzare ed esplorare tutti gli angoli della vita personale e sociale, i suoi difetti, le sofferenze di una persona ordinaria dalla folla, la sua solitudine, speranze, resistenza, disponibilità a lottare per proteggere se stessa e i bambini.

tipi:
Pittura di genere:
La pittura di genere, detta anche scena di genere o genere petit, raffigura aspetti della vita di tutti i giorni raffigurando persone comuni impegnate in attività comuni. Una definizione comune di una scena di genere è che mostra figure a cui nessuna identità può essere attaccata né individualmente né collettivamente, distinguendo così il genere petit dai dipinti storici (chiamati anche grandi classici) e ritratti. Un’opera sarebbe spesso considerata un’opera di genere anche se si potesse dimostrare che l’artista aveva usato una persona conosciuta – un membro della sua famiglia, per esempio – come modello. In questo caso dipenderebbe dal fatto che il lavoro sia stato probabilmente voluto dall’artista per essere percepito come un ritratto – a volte una domanda soggettiva. Le rappresentazioni possono essere realistiche, immaginate o romanticizzate dall’artista. A causa del loro argomento familiare e spesso sentimentale, i dipinti di genere si sono spesso dimostrati popolari con la borghesia o la borghesia. I temi di genere compaiono in quasi tutte le tradizioni artistiche. Decorazioni dipinte in antiche tombe egiziane spesso raffigurano banchetti, attività ricreative e scene agrarie, e Peiraikos è citato da Plinio il Vecchio come un pittore ellenistico di soggetti “bassi”, come sopravvivere in versioni a mosaico e pitture murali provinciali a Pompei: ” barbieri, bancarelle, asini, commestibili e soggetti simili “. I manoscritti medievali illuminati spesso illustravano scene della vita contadina di tutti i giorni, specialmente nelle Feste dei Mesi nella sezione del calendario dei libri d’ore, la più famosa Les Tres Riches Heures du Duc de Berry.

Fotografia di genere:
Mentre la pittura di genere iniziò, nel XVII secolo, con rappresentazioni da parte di europei della vita europea, l’invenzione e il primo sviluppo della fotografia coincisero con l’era più espansiva e aggressiva dell’imperialismo europeo, verso la metà del XIX secolo, e così genere le fotografie, tipicamente realizzate in prossimità di spedizioni militari, scientifiche e commerciali, spesso raffigurano anche le persone di altre culture incontrate dagli europei in tutto il mondo.

Sebbene le distinzioni non siano chiare, le opere di genere dovrebbero essere distinte dagli studi etnografici, che sono rappresentazioni pittoriche derivanti dall’osservazione diretta e dallo studio descrittivo della cultura e del modo di vita di particolari società e che costituiscono una classe di prodotti di discipline come l’antropologia e le scienze comportamentali.

Lo sviluppo della tecnologia fotografica per rendere le videocamere portatili e le esposizioni istantanee che consentono ai fotografi di avventurarsi oltre lo studio per seguire altre forme d’arte nella rappresentazione della vita quotidiana. Questa categoria è diventata nota come fotografia di strada.