La mostra “Game Changers: Reinventing the 20th Century Silhouette” analizza l’opera innovativa dello stilista Cristóbal Balenciaga, le cui innovazioni nella metà del XX secolo hanno creato una silhouette radicalmente nuova, dando al corpo libertà di movimento e costruendo volumi architettonici per creare un spazio intorno ad esso.

Insieme ai pionieri dell’alta moda degli anni ’20 e ’30 e, in seguito, dei designer degli anni ’80 e ’90, Balenciaga si è dimostrata un’alternativa per la silhouette costruttiva a clessidra prevalente. Questi “Game Changer” hanno guardato alla moda del 20 ° secolo da una nuova prospettiva.

Indumenti influenti dal Giappone, come il kimono, donne liberate dai loro corsetti stretti all’inizio del 20 ° secolo. Stilisti come Madeleine Vionnet, Paul Poiret e Coco Chanel hanno dato forma a questa libertà negli anni ’20 e ’30 con innovazioni tecniche e idee moderne sulla femminilità. Alla fine del XX secolo, i confini della silhouette femminile sono ulteriormente esplorati da designer giapponesi e belgi come Issey Miyake, Yohji Yamamoto, Comme des Garçons, Ann Demeulemeester e Martin Margiela. Hanno aperto la strada a nuove forme del corpo e silhouette astratte e hanno dato una nuova interpretazione di ciò che potrebbe essere considerato come la moda.

La figura centrale della mostra è lo stilista basco Cristóbal Balenciaga (1895-1972), considerato la figura cardine tra i due periodi, l’architetto dell’innovazione. I suoi modelli e il lavoro sono l’asse centrale della mostra. Ognuno dei designer ha lavorato a modo suo su idee altrettanto innovative e ha spostato i confini della classica silhouette femminile.

In questo modo, la moda diventa più di una sequenza di tendenze; la moda è un modo per modellare il corpo, lo spazio e il movimento. La collezione SS 1997 di Ray Kawakubo “Body Meets Dress, Dress Meets Body” mostra come queste nuove forme siano diventate parte del vocabolario della moda.

La mostra unisce 100 sartorialità uniche e silhouettes prêt-à-porter di Cristobal Balenciaga, Paul Poiret, Madeleine Vionet, Gabrielle Chanel, ma anche Issey Miyake, Ann Demeulemeester, Yohji Yamamoto, Comme des Garçons, Maison Martin Margiela. Con prestiti da prestigiose collezioni del museo del Fashion Technology Institute di New York, dal V & A, dal MUDE di Lisbona e dal Museo Galliera.

Scopri i designer che cambiano il gioco e che hanno radicalmente innovato la silhouette del 20 ° secolo.

La fiera Game Changers ha avuto luogo a MoMu da marzo 2016 ad agosto 2016. Lo spettacolo consisteva di oltre 130 sagome di designer che cambiano il gioco, con Cristóbal Balenciaga come protagonista.

La mostra ha riunito opere d’archivio MoMu con prestiti da Palais Galliera, V & A, FIT, gli archivi Balenciaga a Parigi, SAIC Chicago, Gemeentemuseum Den Haag, Groninger Museum, MKG Hamburg, Kunstgewerbemuseum Berlin, Modemuseum Hasselt.

Lo spettacolo è stato curato da Miren Arzalluz e Karen Van Godtsenhoven.

Il salto della tigre
Guardando indietro verso il futuro

Il tema introduttivo alla mostra si chiama “Il salto della tigre” e consiste in due sagome che cambiano il gioco, una di Cristóbal Balenciaga e una di Rei Kawakubo.

La frase “salto della tigre” deriva dal concetto tedesco “Tigersprung” del filosofo Walter Benjamin, che descrive la moda come qualcosa orientato verso il futuro, ma al tempo stesso guarda al passato per trovare ispirazione: l’innovazione attraverso la rivisitazione del passato il passato è un principio guida in tutta la mostra.

L’iconica silhouette primavera / estate 1997 imbottita di Rei Kawakubo, “Body Meets Dress, Dress Meets Body” di Rei Kawakubo, mostra come la silhouette occidentale della clessidra sia sfidata dai designer del XX secolo, aprendo la strada a nuove forme, curve e costellazioni nel XXI secolo.

MoMu ha acquistato questo abito nell’asta couture di Didier Ludot del luglio 2015. MoMu colleziona design belgi e designer internazionali d’avanguardia come Comme des Garçons di Rei Kawakubo.

Come potete vedere in questo abito taffettà asimmetrico della collezione Autunno / Inverno 1953 di Balenciaga, l’uso di forme e innovazioni storicistiche fa del suo lavoro un esempio del principio del salto della tigre.

Icone di Balenciaga
Le sagome più iconiche di Cristóbal Balenciaga

Le sagome più iconiche di Balenciaga si staccano dall’ideale clessidra prevalente nella moda del XX secolo: la linea della canna, l’aspetto semi-montato (1951), la tunica (1955), il vestito a sacco (1957), l’abito a quattro angoli (1968) e la bambolina trapezoidale del 1958 che segna l’inizio della sua fase più astratta, dove capi progressivamente concettuali di qualità architettonica rivestivano un corpo libero e senza restrizioni.

Nel 1942, durante il periodo restrittivo dell’occupazione nazista di Parigi, Balenciaga intraprese un processo di sperimentazione della forma con risultati senza precedenti.

Lo stesso anno (1947) Christian Dior ha affascinato il mondo con il “New Look”, Balenciaga ha presentato una nuova silhouette di linee fluide e curve che avvolgono piuttosto
che costretto il corpo.

Questo abito gazar di seta a quattro angoli del 1967 è stato una delle creazioni scultoree più astratte di Balenciaga alla fine della sua carriera e rimane uno dei suoi abiti più iconici.

Il vestito a sacco si staccò dalle silhouette strutturate e attente al corpo della couture degli anni ’50 e liberò il corpo in modo elegante e confortevole.

Il capo ampio era un’evoluzione scioccante che annunciava la silhouette semplice e minimale degli anni ’60.

chimono
“Ho imparato dallo spazio tra il corpo e il tessuto dal tradizionale kimono … non lo stile, ma lo spazio.” – Issey Miyake

Questo gruppo esamina l’adozione dei principi del kimono nella moda occidentale.

Un elemento importante del cambiamento e dell’innovazione nella moda occidentale del XX secolo, deriva dalle nozioni orientali dell’abbigliamento, e in particolare del giapponese. Il Giappone aprì le sue porte all’Occidente solo nella seconda metà del 19 ° secolo: ne seguì una diffusa mania per le arti decorative giapponesi chiamata japonismo. In opposizione alle mode europee che sono intricate e tagliate vicino al corpo, modellando le curve di una donna, le nozioni orientali del vestito si concentrano su pezzi rettangolari di tessuto che sono avvolti attorno al corpo, creando un “abito più gentile”.

La couturière francese Madeleine Vionnet è diventata una appassionata collezionista di kimono e stampe ukiyo-e che avrebbero influenzato profondamente il suo lavoro.

Ha detto: “Il vestito non deve essere appeso al corpo ma seguire le sue linee. Deve accompagnare chi lo indossa e quando una donna sorride, il vestito deve sorridere con lei “.

L’innovazione tecnica ispirata al kimono di Vionnet e l’assimilazione estetica avrebbero avuto un impatto fondamentale sul lavoro di Cristóbal Balenciaga, che si trovava al centro della sua visione alternativa della silhouette negli anni ’50 e ’60.

I designer giapponesi della fine del 20 ° secolo come Rei Kawakubo, Yohji Yamamoto e Issey Miyake creano mode internazionali che vengono presentate a Parigi.

L’influenza dell’estetica giapponese come il wabi-sabi e il principio del kimono, l’idea di avvolgere il tessuto attorno al corpo sono presenti nel loro lavoro e sono stati ripresi da molti contemporanei.

Il fotografo Peter Lindbergh ha catturato alcuni degli abiti più iconici di Rei Kawakubo in questa serie del 1983 (vedi anche la prossima foto).

Volumi sovradimensionati
Le versioni blow-up della Maison Martin Margiela di capi archetipici realizzati in una taglia 78 italiana, decostruiscono le nozioni di haute couture (su misura) e prêt-à-porter (prêt-à-porter): non si adattano al corpo di chi le indossa e non entrare in dimensioni commerciali predefinite.

I capi oversize di Margiela decostruiscono il sistema moda, in cui vengono prodotti indumenti industriali prefabbricati per una moltitudine di tipi di corpo diversi in taglie standard: questi indumenti cancellano l’idea di un tipo di corpo standard con la premessa di una (over) taglia adatta tutti’.

La linea retta
Questo gruppo mostra come in epoche diverse nel XX secolo, negli anni ’20 e ’60, la sagoma curva a forma di S ha lasciato il posto a una linea più lineare e moderna.

La silhouette sinuosa e alla moda del tardo XIX secolo e dell’inizio del XX secolo, al culmine del Liberty e caratterizzata da una vita estremamente sottile e un ampio seno, gradualmente lasciò il posto alle linee più diritte degli abiti della riforma all’inizio del XX secolo.

La garçonne portava i capelli corti, gli abiti chemisi e aveva una figura da ragazzo.

Chanel non solo ha “liberato” la nuova donna, ma ha anche imposto un nuovo sottile ideale di bellezza, di cui oggi si possono ancora sentire gli echi.

Gli sportswear hanno influenzato l’haute couture, e stilisti come Chanel, Jean Patou, Madeleine Vionnet si sono occupati della nuova donna liberata, sportiva e alla moda.

Balenciaga ha reinterpretato la linea retta nella sua celebre silhouette a “tunica” del 1955, un semplice indumento al ginocchio indossato su una gonna dritta e più lunga. L’outfit suggerisce il profilo della silhouette mentre lo spazio tra il corpo di chi lo indossa e l’indumento offre libertà di movimento. La sua elegante semplicità assicurava successo e impatto immediati.

La rivisitazione della tunica di Balenciaga divenne presto un nuovo classico nel suo lavoro e riapparve in ogni collezione Balenciaga, dal febbraio del 1955 all’ultimo nel febbraio 1968.

Lo spirito rivoluzionario degli anni ’20 è risuonato negli anni ’60 con sagome ugualmente dritte, simboli di libertà e modernità per la generazione dell’Era Spaziale. Il ‘youthquake’ e gli stilisti futuristi degli anni ’60 hanno eliminato la vita degli anni ’50 e hanno presentato, ancora una volta, una silhouette di gamine. André Courrèges e Paco Rabanne sono stati coinvolti nell’apprendistato o hanno lavorato per l’etichetta di Balenciaga e hanno assunto le sue forme geometriche pure.

Il fotografo francese Peter Knapp fu uno stretto collaboratore di André Courrèges e creò alcune delle più straordinarie immagini dell’Era Spaziale negli anni ’60.

Ripensare il corpo
Dress Meets Body, Body Meets Dress e Become One, Rei Kawakubo P / E 1997

Il corpo, una volta rilasciato dal corsetto, era pronto per assumere un nuovo ruolo per quanto riguarda il capo alla fine del 20 ° secolo.

Nella primavera / estate 1997, Rei Kawakubo ha preso l’idea di “ripensare il corpo” un passo avanti e ha lanciato la sua famosa collezione “Lumps ‘n Bumps”, chiamata “Dress Meets Body, Body Meets Dress e Become One”: una collezione che forme organiche imbottite integrate, quindi destrutturano il corpo umano.

Kawakubo lo definì semplicemente “ripensare il corpo”, mentre la stampa soprannominò la collezione Quasimodo, o peggio “la più brutta collezione dell’anno”.

“Non quello che è stato visto prima, non quello che è stato ripetuto, invece, nuove scoperte che guardano al futuro, che sono liberate e vive”.
– Comunicato stampa Comme des Garçons 1997

Il coreografo Merce Cunningham, che ha lavorato con la collezione nella sua produzione Scenario, afferma semplicemente: “i grumi sono forme familiari che possiamo vedere ogni giorno, un messaggero in bici con una borsa a tracolla, un turista con marsupio, un bambino su una madre braccio.”

Allo stesso modo, il lavoro di Georgina Godley, artista e stilista britannica, sfugge alla rappresentazione del corpo femminile come sexy / asessuato: ha optato invece per la “terza via”, adorando il corpo femminile, ispirato ad
le dee della fertilità e le donne di Vermeer.

Martin Margiela decostruisce scherzosamente l’idea occidentale della donna come una “bambola vivente”, o la bambola come una versione più perfetta della donna: le sue collezioni con manichini sartoriali trasformati in gilet (Primavera / Estate 1997, Autunno? Inverno 1997-98), e una giacca finta adattabile del filo metallico degli anni ’50 (autunno-inverno 1989-90).
Vestendo il corpo reale e vivente in un manichino, che funge da versione feticizzata del corpo femminile, mostra quanto estraneo sia il manichino standardizzato al vero corpo vivente.

“Bambole … questo è quello che molti uomini vogliono che le donne siano … solo bambole”.
– Yohji Yamamoto

Per mettere il corpo al centro della scena, MoMu ha creato un video olografico, diretto dal fotografo Daniel Sannwald (diplomato all’Accademia reale delle belle arti di Anversa). In una coreografia di Sidi Larbi Cherkaoui (Eastman) e con una selezione di pezzi di archivio Balenciaga selezionati da Demna Gvasalia, attuale direttore artistico della casa di Balenciaga – e laureata del dipartimento moda della Royal Academy of Fine Arts.

Questi pezzi d’archivio sono accompagnati da progetti di modifica del gioco di Issey Miyake, Ann Demeulemeester, Maison Martin Margiela, Comme des Garçons e l’etichetta Vêtements di Gvasalia.

In un’evocazione della fase pre-linguistica della vita umana (13 mesi), in cui non c’è alcun “io” e nessuna distinzione tra il corpo del bambino, il corpo della madre e il mondo esterno, gli indumenti astratti ei corpi viventi si fondono in nuove costellazioni.

Visto da dietro
“Posso vedere solo una donna come una persona che passa, una persona che scompare. Penso che i vestiti dovrebbero essere fatti dalla parte posteriore, e non dal davanti.” – Yohji Yamamoto

La parte posteriore della silhouette femminile divenne un punto focale nel lavoro di Cristóbal Balenciaga. La scollatura che ricadeva con garbo sulla nuca, o in basso sul dorso, formava un drappeggio caratteristico.

Balenciaga è stato ispirato dalla tradizionale scollatura a kimono, incorporando colletti tagliati fuori dal collo che espongono delicatamente la nuca nei suoi tailleur e abiti da giorno.

In Giappone, la nuca è considerata una delle più belle caratteristiche del corpo di una donna.

Pertanto, la parte posteriore del colletto del kimono è immersa per esporre la nuca e farla sembrare più lunga.

In contrasto con le linee fluide del colletto, il kimono è fissato saldamente attorno al petto ed è adornato con altri accessori di spicco sul retro, come l’ingombrante obi nodo e l’alta pettinatura a chignon decorata con pettini.

Balenciaga incorporerà anche la sua interpretazione personale di questi elementi nei suoi disegni più celebri degli anni ’60, come l’abito da sera rosa della sua collezione Autunno / Inverno 1965, anch’esso esposto in questa mostra.

Il babydoll
La strada per l’astrazione

L’abito chemise o baby doll, che prende il nome dalla trascurata vestaglia degli anni ’50, è stato introdotto per la prima volta da Balenciaga nella sua collezione Winter 1957.

Era un cocktail design a forma trapezoidale realizzato in pizzo e indossato sopra un vestito attillato che delineava la vera forma del corpo di chi lo indossa, risultando in un compromesso tra un’espressione della vita e la sua negazione.

Nella successiva collezione Summer 1958, Cristóbal Balenciaga ha fatto un passo in più e ha esagerato il volume in abiti interi, dove ogni riferimento al corpo è stato eliminato radicalmente.

Vita, fianchi e seno passarono inosservati nel nuovo spazio vuoto che mediava tra corpo e indumento.

La baby doll può essere considerata l’ultimo dei punti di riferimento nella sperimentazione di Balenciaga con la forma durante gli anni ’50.

La forma trapezoidale del babydoll è un punto di partenza riconoscente per i designer contemporanei.

Astrazione finale
La fase finale

Nel 1968, Cristóbal Balenciaga chiuse la sua casa, dopo aver dato al mondo i suoi disegni più creativi e puri negli anni ’60, il che portò ad una massima astrazione del corpo, come si può vedere nel suo Le Chou Noir o nel suo iconico abito a quattro angoli, entrambi parte della sua collezione Winter 1967.

Il lavoro tardo couture di Balenciaga è stato definito “fuori dal mondo” con il boom del prêt-à-porter degli anni ’60, ma in realtà la sua progressiva astrazione del corpo e le sue linee pure si ritrovano nelle creazioni delle generazioni che lo hanno seguito, tra cui Pierre Cardin (a volte rimproverato per le sue forme di funghi e l’astrazione), Issey Miyake e le successive generazioni di designer internazionali tra cui Sybilla (Spagna), Hussein Chalayan (Cipro), Junya Watanabe (Giappone) e gli abiti stampati in 3D di Iris van Herpen (Paesi Bassi ).

Spingono la moda più avanti in una tradizione di innovazione proprio come i loro predecessori. In questo modo, le idee del passato entrano in collisione con le forme del futuro in un eterno Tiger’s Leap.

La silhouette di chiusura proviene da “Horn of Plenty” di Alexander McQueen, questa collezione è l’ultima collezione che McQueen ha creato “prima che fosse pronto”, secondo le sue stesse parole, “occuparsi della storia della moda e potrebbe iniziare come designer maturo”.

Evoca stilisti emblematici del XX secolo, come Chanel, Dior e Balenciaga, e mette il proprio marchio su di essi. I motivi tipici pied-de-poule di Chanel e Dior cambiano su questo vestito in un uccello stampato, firma di McQueen.

L’abito a forma di bruco di Balenciaga si trasforma in un volume esplosivo drammatico.

Museo della moda Anversa, Belgio

MoMu (Mode Museum) è il museo della moda della Provincia di Anversa, in Belgio. Fondato il 21 settembre 2002, il museo raccoglie, conserva, studia ed espone la moda belga. Il museo si concentra in particolare sui designer di moda contemporanei belgi a causa del sorgere di un gruppo di fashion designer di Anversa negli anni Ottanta e Novanta (Martin Margiela, Dries Van Noten, Ann Demeulemeester, Walter Van Beirendonck, Dirk Van Saene, AF Vandevorst, eccetera.). Il primo direttore del museo fu Linda Loppa, che fu anche la fondatrice e la direttrice della scuola di moda della Royal Academy of Fine Arts (Anversa). L’attuale regista è Kaat Debo.

Collezione
MoMu ha una collezione di oltre 33.000 articoli: abbigliamento, scarpe, tessuti, accessori, pizzi, …. L’abbigliamento e gli accessori sono il cuore della collezione che nasce dagli acquisti, ma anche da donazioni di privati, designer e moda case e attraverso una serie di prestiti a lungo termine. Ad esempio, i primi regali di Linda Loppa e Christine Matthijs hanno dato il via alla collezione di designer di MoMu. Questa sotto-collezione è stata arricchita con generose donazioni, tra cui Dries Van Noten e Bernhard Willhelm. Ma anche con prestiti a lungo termine, tra cui 100 sagome di Walter Van Beirendonckin 2012, alcune dozzine di scarpe firmate e oltre 100 cappelli del designer inglese Stephen Jones dei collezionisti e fondatori del negozio di scarpe Coccodrillo di Antwerp, Geert Bruloot e Eddy Michiels. La collezione del museo è stata ampliata di alcune centinaia di pezzi nel 2012 attraverso la donazione e l’acquisto parziale della collezione di moda storica dai collezionisti olandesi Jacoba de Jonge. Insieme alle ex collezioni dell’ex Museo del Tessuto e dei costumi Vrieselhof, MoMu gestisce oggi una collezione di circa 33.000 oggetti che sono in gran parte tenuti in casa.

La collezione comprende abbigliamento, accessori e tessuti, oltre a pezzi inaspettati come strumenti, macchine per la produzione tessile, modelli e inviti alla sfilata di moda.

La politica di raccolta di MoMu si concentra sul lavoro di designer e alunni belgi del Dipartimento Moda della Royal Academy of Fine Arts di Anversa. Nella collezione sono rappresentati anche nomi prestigiosi del mondo della moda internazionale contemporanea.

La collezione cresce ogni anno attraverso acquisizioni, prestiti e numerose donazioni, e ora comprende oltre 33.000 pezzi. Questo rende la collezione MoMu la più grande e importante collezione di moda belga contemporanea nel mondo. Il museo riceve continuamente richieste di prestito internazionali per pezzi della sua collezione di designer.

La collezione storica di MoMu di costumi e tessuti dell’Europa occidentale è una continuazione della collezione dell’ex Museo del costume e del tessuto Vrieselhof.

Nel 2011, la collezione storica è stata ampliata con un’importante acquisizione. Oltre 2000 oggetti della XVIII, XIX e prima metà del XX secolo sono stati acquistati dalla collezione privata della signora Jacoba de Jonge, a complemento della collezione MoMu esistente.

Oltre alla collezione di moda e costumi, il museo ospita anche una vasta collezione di biblioteche. La biblioteca MoMu è una biblioteca accademica per la moda storica e contemporanea, i tessuti e il costume etnico. Con oltre 15.000 libri, un archivio ricco di preziose opere di consultazione, centinaia di riviste contemporanee e storiche e un database digitale in rapida crescita di immagini, la biblioteca MoMu è una delle migliori nel suo settore in tutto il mondo.

Nel 2017, la collezione di studio è stata aggiunta alla collezione del museo. La collezione di studio è una collezione separata destinata ad insegnare ai visitatori la moda permettendo loro di studiare da vicino gli oggetti. La collezione di studio può essere utilizzata per la ricerca accademica, come materiale didattico o per l’ispirazione. Potrà essere consultato dall’autunno 2018.

La collezione di studio comprende abbigliamento, frammenti e campioni storici, contemporanei ed etnici. Questa raccolta più accessibile consiste in una donazione della signora Jacoba de Jonge, un prestito a lungo termine del Dipartimento di Conservazione-Restauro dell’Università di Anversa e pezzi di MoMu.