La scultura francese del XIX secolo è la scultura statuaria e scultorea in Francia tra il 1801 e il 1901. È caratterizzata dalla diversità di correnti e stili, dal neoclassicismo del primo secolo, nell’Art Nouveau e nel Modernismo della fine del secolo.
La scultura francese dell’Ottocento è contrassegnata da una produzione molto importante indotta da ordini ufficiali relativi alle trasformazioni urbane e alla secolarizzazione della vita pubblica: le città e i governi, in particolare con Napoleone III e la Terza Repubblica, competono in quest’area. campo. L’ascesa di una ricca borghesia partecipa anche alla voga dello statuario con monumenti funerari privati e il gusto per le piccole monete di bronzo che molti scultori di animali fanno una specialità.
Grandi artisti segnano il secolo come François Rude, David d’Angers, James Pradier, Antoine-Louis Barye, Albert-Ernest Carrier-Belleuse, Jean-Baptiste Carpeaux, Auguste Bartholdi, Jules Dalou, Auguste Rodin e Camille Claudel.
Diversi pittori hanno anche praticato la scultura, tra cui Honoré Daumier, Gustave Dore, Jean-Leon Gerome, Edgar Degas e Paul Gauguin. Alcune sculture di questo secolo hanno fatto scandalo nelle loro mostre, Satiro e Baccante di Pradier nel 1834 Uccisione di Préault nello stesso anno, Donna morsa da un serpente di Auguste Clésinger nel 1847, Gorilla che rimuove una donna nera di Emmanuel Frémiet nel 1859, The Carpeaux Danza nel 1869, il ballerino di Degas di quattordici anni nel 1881, e il Monumento a Balzac de Rodin nel 1897.
Il fenomeno della scultura francese del 19 ° secolo
Il fenomeno della scultura francese del 19 ° secolo. ha attratto i contemporanei. La lotta con i metodi obsoleti e le immagini di accademismo e classicismo nella scultura del paese non si è mai conclusa con una vittoria da parte delle più nuove correnti stilistiche, sebbene abbia dato una drammaticità storica. L’accademismo è stato sostenuto attivamente e materialmente dai governi e dall’Accademia delle arti di Parigi, che ha alimentato la sua esistenza per cento anni e reclutato nei suoi ranghi un esercito di artisti di vario talento. Il sostegno dello stato per lo sviluppo della scultura ha creato condizioni favorevoli per esso, che non era in nessuno dei paesi allora. L’impulso per esso era una campagna per la costruzione di edifici trionfanti e socialmente significativi, il rapido sviluppo del commercio capitalista nonostante la guerra e la rivoluzione, la pratica delle esposizioni mondiali, decisa dalla borghesia, è convinta del proprio potere.
Così, lo scultore Eugène Guillaume eseguì nel 1867 un ordine per sette seno di Napoleone Bonaparte, presentato in vari periodi della sua vita dalla sua giovinezza alla sconfitta nella sua carriera politica. È chiaro che una tale serie di sculture era anacronistica e necessaria solo per il regolare regime monarchico. Scultura di Francia XIX secolo. c’era una censura tangibile e una pressione politica.
Un dizionario enciclopedico di Broccuza e Efron ha anche dato una lista delle sculture più importanti create dopo un secolo. Nella lista cadde –
“Jeanne d’Arc sente la voce di Dio” – bronzo, sc. Henry Chapa
“Psiche abbandonata da Eroth” – marmo, Carre Bellaz Albert-Ernest
“La fonte della poesia” – marmo, sc. Eugene Guillaume
“Ragazza al pozzo” – marmo, sk. Shaneverk
“Sogno” – marmo, sk. Maturen Moro
«Gloria victis» – bronzo, Regno Unito. Antonin Mercier,
“Ritirato” (gladiatore con una griglia e un tridente) Antony Noel
Le Allegorie di Fede, Amore, Coraggio dei Soldati e Virtù Civica sono quattro sculture in bronzo eseguite da Paul Dubois per la lapide del generale LaMorisier nella cattedrale di Nantes.
L’elenco di sculture eccezionali includeva la “Marsiglia” di Ryuda (la migliore in termini di sculture del secolo), ma con i nomi di tutti i giorni “La chiamata alla battaglia” o “Discorso alla campagna di volontari nel 1792”, che neutralizzò la sua contenuto rivoluzionario e tradotto in una famiglia e politicamente sicuro.
Una volta al centro del distretto aristocratico di Parigi, “Marsiglia” Francois Rhuda si trovava l’esame e centrale nella capitale francese, e l’esame è a volte. Il rilievo divenne l’opera centrale dello stesso scultore e una significativa opera monumentale della plastica francese di tutto il XIX secolo. Tutto questo – in contrasto con la maggior parte delle volte prodotti scultorei.
Tuttavia, le stime elevate di questa lista di sculture hanno perso da tempo la loro rilevanza a causa della censura del dizionario e della piccola qualità artistica delle opere stesse. Dizionario pateticamente notato –
… il livello generale della scultura francese durante gli anni del secondo impero era alto, e rimane su di esso fino ai giorni nostri (all’inizio del XX secolo). Dato che il governo è quasi l’unico, ma un attivo mecenate di questo ramo d’arte, così come l’esistenza dell’accademia francese a Roma, la Francia ha ancora una scuola di scultori, con la quale nessuna delle scuole di altri paesi possono competere per quanto riguarda la solidità della conoscenza, lo stile di continuità nella composizione e nelle prestazioni, la diversità e la forza del talento.
Tuttavia, tale valutazione era semplicemente una rappresentazione di quella desiderata. La valutazione sarà respinta e radicalmente rivista nel 20 ° secolo.
Periodi e stili
Neoclassicismo
Jean-Antoine Houdon ultimo grande rappresentante della scultura del 18 ° secolo, facendo il nesso tra classicismo e neoclassicismo, continua la sua attività fino al 1814 dedicandosi principalmente a ritratti di busti, tra cui quello dell’imperatore Napoleone I al Museo di Belle Arti di Digione. All’inizio del secolo, l’era napoleonica vide consolidare il neoclassicismo influenzato dall’italiano Antonio Canova. In questo momento i principali rappresentanti sono Antoine-Denis Chaudet, Pierre Cartellier, Francois Joseph Bosio e Joseph Chinard. Questa corrente si esprime principalmente con gli ordini ufficiali del regime napoleonico, in bassorilievi, busti, colonne nazionali e archi di trionfo. Continua dopo il primo impero con lo scultore James Pradier più alla moda sotto la monarchia di luglio e che, con il suo stile pieno di sensualità e ispirazioni orientali, tenta una sintesi tra classicismo e romanticismo 1. Con il tardo neoclassicismo, questa corrente si estende al secondo Impero, con Eugène Guillaume, Pierre-Jules Cavelier e Gabriel-Jules Thomas.
Joseph Chinard, L’imperatrice Giuseppina (1808), Londra, Victoria and Albert Museum.
Antoine-Denis Chaudet, Busto di Napoleone I (1811), Parigi, Museo del Louvre.
François Joseph Bosio, Hercules (1824), Parigi, Museo del Louvre.
James Pradier, Le tre Grazie (1831), Parigi, Museo del Louvre.
Eugène Guillaume, Instrumental Music (1874), Parigi, opera Garnier.
La scultura romantica
David d’Angers e François Rude sono i principali rappresentanti del romanticismo nella scultura. Questo stile è caratterizzato dal suo senso del movimento e dalla sua irruenza, illustrato dal famoso altorilievo dell’Arco di Trionfo. La partenza dei volontari del 1792 (detta anche la Marsigliese) elaborata da Rude dal 1833 al 1836. David d’Angers in particolare si distingue attraverso i suoi ritratti scolpiti, 500 medaglioni in bassorilievo e numerosi busti di cui il monumentale di Goethe è rappresentativo. Antoine-Louis Barye nelle sue sculture animali come Il leone che schiaccia un serpente, è paragonabile a Delacroix con le sue scene di caccia 3. La scultura romantica emerge davvero al Salon del 1831, che è particolarmente esposto all’Orlando Furioso di Jehan Duseigneur, che si occupa di il tema romantico per eccellenza dell’amore porta alla pazzia con una forte espressività di ricerca. Al Salon del 1834 Auguste Préault provoca uno scandalo artistico con il suo bassorilievo Tuerie. Henry de Triqueti e Félicie de Fauveau fanno rivivere il Rinascimento italiano per il primo e il Gotico per il secondo, in questa passione per la storia antica hanno svelato i riferimenti classici all’antico, un’altra caratteristica del romanticismo.
David d’Angers, The Great Condé (1817), Angers, David d’Angers Gallery.
François Rude, The Departure of the Volunteers del 1792 (1836), Parigi, Arco del trionfo della stella.
Auguste Préault, Tuerie (1834), Museum of Fine Arts, Chartres.
Antoine-Louis Barye, Theseus e il Minotauro, Museo d’arte della contea di Los Angeles.
Eclettismo
L’eclettismo è lo stile in voga sotto il Secondo Impero e la Terza Repubblica. Come in architettura, è caratterizzato dal prestito di diversi stili del passato, Medioevo, Rinascimento, neoclassicismo, neo-barocco. Il suo rappresentante più famoso è Jean-Baptiste Carpeaux che sintetizza lo spirito rinascimentale e lo spirito neo-barocco la cui prima testimonianza è il suo pescatore con la conchiglia. Il suo gruppo danza per la facciata dell’Opera Garnier, per il suo scandalo di naturalismo ed è stato ritenuto indecente 6. Charles Cordier con i suoi bustientalisti vuole introdurre uno “studio delle razze” da ritratti di popolazione del Sudan o del Darfur.
Charles Cordier, negro del Sudan (1857), Parigi, museo d’Orsay.
Alexandre Falguière, Tarsisius, martire cristiano, (1868), Parigi, museo d’Orsay.
Albert-Ernest Carrier-Belleuse, Sleeping Hebe (1869), Parigi, Museo d’Orsay.
Jean-Baptiste Carpeaux, The Dance (1874), Parigi, opera Garnier.
Louis-Ernest Barrias, Natura che svela a Science (1899), Parigi, Musée d’Orsay.
accademismo
Adatto per statue monumentali e decorazioni architettoniche, la scultura accademica è caratterizzata dalla scelta di soggetti allegorici e patriottici e il cui stile si avvicina al tardo neoclassicismo. Henri Chapu, allievo di Pradier, è rappresentante dell’accademismo allegorico. Un altro rappresentante di questa tendenza, Georges Récipon, la cui armonia trionfante di discordia del Grand Palais è anche caratteristica del movimento neobarocco.
La cosiddetta corrente neo-fiorentina, che apparve negli anni 1860 e creò una scultura canonica elegante, raffinata ed elegante, fu incarnata da Paul Dubois e Toulousans Alexandre Falguière, Antonin Mercié e Laurent Marqueste.
Nato a Colmar e segnato dalla guerra franco-prussiana, Frédéric-Auguste Bartholdi ha prodotto una statua dedicata ai soggetti patriottici, Il leone di Belfort e Vercingetorige di Clermont-Ferrand. Diventa universalmente famoso con la Statua della Libertà. Altri scultori di monumenti patriottici, Georges Diebolt creatore dello Zouave e Grenadier del Pont de l’Alma e Emmanuel Frémiet, scultore della Giovanna d’Arco del sito delle Piramidi, la statua equestre di Napoleone, a Laffrey, e l’equestre Statua di Duguesclin a Dinan.
Jean-Léon Gérôme è stato uno dei pittori accademici (con Ernest Meissonier), ad aver anche avvicinato la scultura. Le sue opere di ispirazione antica o orientale usano, per alcuni di loro, la policromia (The Bowler, Bust of Sarah Bernhardt).
Henri Chapu, Giovanna d’Arco (1872), Parigi, Museo d’Orsay.
Emmanuel Frémiet, Monumento a Giovanna d’Arco (1874), Parigi, Place des Pyramides.
Auguste Bartholdi, Statua della libertà (1886), New York.
Georges Récipon, Harmony trionfa su discord (1900), Parigi, Grand Palais.
Jean-Léon Gérôme, The Ball Player (1902), Vesoul, Georges-Garret Museum.
Realismo
Il vignettista e pittore Honoré Daumier con la serie Celebrities of the Juste Milieu di busti in creta di personaggi politici della monarchia di luglio e Ratapoil, la statuetta anti-bonapartista del 1851 prefigura il realismo nella scultura.
Nel 1847, Auguste Clésinger fece notizia presentando al Salon la sua Donna punita da un serpente. L’arte di questo scultore era in linea con il tardo Romanticismo, ma il trattamento realistico senza compromessi del corpo rappresentato in tutti i suoi dettagli, arrivando fino a riprodurre la cellulite nella parte superiore delle cosce, era stato ottenuto per stampaggio diretto. del corpo della modella Apollonie Sabatier, mezzo-socialite in vista nella società del tempo. Il realismo della scultura, la tecnica utilizzata e l’identità del modello hanno contribuito allo scandalo del lavoro.
Il principale rappresentante della scultura realistica è Jules Dalou con opere monumentali sul mondo del lavoro in cui dimostra i suoi impegni repubblicani e Communards. Ha lasciato molti studi per un progetto di Monumento dei lavoratori non finiti (Musée du Petit Palais e Musée d’Orsay) che rendono omaggio al mondo del lavoro e dei contadini. Un altro scultore rappresentante di questa corrente, il belga Constantin Meunier, la cui maggior parte della sua carriera si svolge in Belgio, si è fatto conoscere a Parigi esponendo al Salon del 1886 il suo martello. Il suo bassorilievo La Glèbe tra le collezioni del Musée du Luxembourg nel 1892, e lo lascia come monumento al lavoro postumo.
Auguste Clésinger, donna punita da un serpente (1847), Parigi, museo d’Orsay.
Honoré Daumier, Ratapoil (1850-1851), Baltimora, Walters Art Museum.
Constantin Meunier, The Puddler (1886), Leuven, M Museum.
Jules Dalou, Monumento a Boussingault (1895), La Plaine Saint-Denis, Conservatorio nazionale di arti e mestieri.
Storia
A cavallo tra il XVIII e il XIX secolo
La situazione nell’industria scultorea della Francia alla fine del XVIII secolo. fu complicato dai tragici eventi della Rivoluzione francese del 1789 – 1793. La scultura monumentale si riferisce a forme d’arte ad alta intensità di capitale e di solito non è praticabile durante i periodi di disordini popolari o rivoluzioni. La famiglia reale della Francia durante la rivoluzione fu isolata dalla vita politica e artistica, così come la ricca aristocrazia che emigrò dal paese, salvando la propria vita. Erano loro i principali clienti e consumatori della scultura in Francia.
Il paese ha un numero di scultori che continuano a lavorare, ma lentamente nelle aree non monumentali. Questo è Simon Louis Bouazzo (1743-1809), ex capo della Manifattura scultorea di Sevres, Claudion (1738-1814), autore di allegorie, phanus, nicchie e baccanti nello stile del rococò e scultore Jean-Antoine Goodon (1741-1828 ). Tutti hanno visto con i loro occhi il corso dei tragici eventi della rivoluzione, il terrore, gli arresti dei dittatori della rivoluzione, la direzione, il sequestro del potere da parte dell’ambizioso generale, Napoleone Bonaparte.
Un posto speciale fu occupato dallo scultore Jean-Antoine Gudon (1741-18228). Durante la sua vita (come ritrattista) lavorò anche agli ordini degli aristocratici (la figlia di Luigi XVI, la principessa di Adelaide, 1777, il Louvre, i graffiti de Sabran, il Museo della Turingia), e secondo gli ordini di alcune figure della rivoluzione (busto di Dumurie, 1792, Angers, busto di Mirabeau) e per ordine della nuova aristocrazia militare di Napoleone I Bonaparte (busto di Napoleone, Museo, Digione). Goodon nel suo lavoro spezzò fortemente i legami con il giocoso rococò dell’aristocrazia francese e passò alla posizione di realismo e coraggiosa limitazione del classicismo con la sua aspirazione all’illuminazione, al servizio pubblico e all’eroismo. Sfortunatamente, il lavoro creativo dello scultore rimane non sistemato e sparsi in diversi continenti [2]. Solo la creatività di Goodon sarà un ponte che ha collegato le migliori realizzazioni della scultura francese del secolo precedente con la scultura del primo 19 ° secolo.
Inizio del XIX secolo
L’inizio del 19 ° secolo. fu caratterizzato da un aumento della pressione ufficiale sugli scultori da parte di Napoleone e della sua nuova aristocrazia militare. L’impero fu introdotto nella pratica artistica della forza. L’impero napoleonico è uno stile rigido, patetico e cool, ufficiale, più simbolico nel ritratto frontale e nella scultura. Si differenziava nettamente dal classicismo del tardo 18 ° secolo, che è stato liberamente scelto e ripreso dagli artisti francesi nella metà del secolo. Napoleone, come l’usurpatore del potere, cercò attivamente la grandezza e l’aureola del potere degli antichi imperatori romani. Ecco perché agli artisti di Francia fu ordinato di assumere i modelli di arte non repubblicana di Roma, ma a Roma, l’era degli imperatori: ufficiale, moderata e fredda maestosa. Non vi fu alcun impero e un più alto grado di sviluppo del classicismo, poiché l’impero impose a Napoleone dall’Impero, il classicismo nel paese fu restaurato e, poco dopo, rinacque nell’accademia del XIX secolo.
In modo ufficiale, Antoine-Denis Schode (1763-1810), Pierre Cartelle (1757-1831), Joseph Schinard (1756-1813) e altri lavorano. Questo stile ufficiale fu pienamente supportato dallo scultore Francois Joseph Boziio (1768-1745), che aveva circa diciassette anni in Italia e godeva del consiglio dello scultore Antonio Canova. Bogio arrivò a Parigi solo nel 1807.
Gli scultori ricevono ordini per la creazione di archi trionfali, busti dell’aristocrazia militare e numerosi ritratti ufficiali del dittatore Napoleone. La scultura è arrivata con uno stereotipo, la figura è stata alimentata in pieno svolgimento con segni di grandezza e avvolto nella maniera dell’antica epoca romana. Poteva ugualmente decorare la sala del palazzo o la lapide, cioè, ha perso la sua destinazione locale (legislatore di Napoleone, conte Francesco Boseau Boseau, Tomba di Casimir Pierre). La dimensione di Napoleone (piccola di altezza e incline al peso superfluo) nella scultura perse completamente i segni della realtà e acquisì i tratti di un simbolo irrealistico, per la creazione di queste sculture che l’imperatore non pubblicò (Antonio Canova, “Pace Napoleone” “, Accademia di Brera, Milano – alta, magra, completamente nuda e con una lancia in mano alla maniera degli antichi tiranni).
La falsità e il carattere decorativo generalizzato passano anche nel sollievo dell’impero (cfr Antoine-Denis Schode, “Omero”)
Questa linea di scultura ufficiale non è interrotta né dal rovesciamento dell’impero di Napoleone nel 1814 (il cosiddetto Primo Impero), né dalla restaurazione della monarchia. Durante questo periodo, Jean-Jacques Pradieux (1790-1852) lavorò come francese di origine svizzera. I temi delle sue opere – i soggetti dell’antichità, i ritratti, le figure leggendarie del Medioevo.
Un altro vivente Francois Joseph Bozo con la stessa diligenza eseguirà il seno restaurato sul trono reale di Carlo X nel 1825 e l'”Apoteosi della rivoluzione di Luigi XVI”, 1826, che simboleggiava il ritorno al Medioevo, ignorando cambiamenti significativi nelle menti dei francesi e cambiamenti nelle leggi della Francia, introdotti dalla rivoluzione e dall’era delle avventure militari di Napoleone Bonaparte.
Scultori del periodo del romanticismo
Le posizioni più coerenti del romanticismo furono fatte dagli artisti di Francia. Fu lì che il divario acutamente doloroso tra l’ideale umanistico e la realtà crudele del paese che guidava le guerre senza fine, soffriva del livellamento della personalità e della distruzione pratica delle nuove generazioni nelle avventure militari di Napoleone, delusione per i frequenti cambiamenti politici potere e la mancanza di prospettive di stabilità. Il romanticismo della Francia (al contrario di altre scuole nazionali) aveva anche una componente patriottica e sociale che è stata completamente incarnata da Theodore Gericco nel film “Il coniglio della Medusa” e Eugène Delacroix nei dipinti “La libertà del capo” e ” Sterminio dei greci da parte dei turchi di Chios “(” Chopping on Chios “). Il singolare fenomeno del romanticismo francese ed europeo fu il “bassorilievo” di Marsiglia sull’Arco di Trionfo a Parigi (scultore – Francois Ruid).
Solo con il tempo, la componente patriottica del romanticismo francese divenne nulla e gli artisti si spostarono nella posizione di resistenza individuale alla brutale realtà borghese (Eugène Delacroix, Alfred Musset, George Sand, Stendhal, Victor Hugo, in Gran Bretagna – George Gordon Byron , eccetera.).
Una posizione intermedia tra romanticismo e tardo classicismo fu presa dallo scultore David d’Ange (1788-1856). Le preferenze politiche repubblicane lo costrinsero a trascorrere parte della sua vita in emigrazione nel Regno Unito. Lo scultore è stato anche riconosciuto a Parigi dopo il suo ritorno a casa. I tentativi di domare l’artista e hanno fatto il governo monarchico della Francia. David d’Ange ha ricevuto una richiesta per un monumento al principe Conde, comandante del cortile di Versailles. Ha lavorato sodo come maestro dei plastici commemorativi e creato una serie di lapidi artistiche. La sua reputazione di scultore di talento rafforzò anche l’Ordine della Legion d’onore, che concesse al potere nel 1825. 1826 Durante l’anno divenne membro dell’Istituto di Francia.
Tra le famose opere di Parigi è un gruppo scultoreo per il frontone del Pantheon, che ha trasformato la Chiesa dell’Impero di Santa Genoveffa. La stilistica fredda e empirica dell’architettura del Pantheon costrinse l’artista a volgersi a un’immagine allegorica. Ha creato le allegorie allegorie allegorie della storia tra Francia e libertà. Nello stile rigoglioso ma formalista dell’accademismo francese, le figure realistiche degli eroi del passato furono compromesse e ingiustificabili, che divennero un’altra indicazione della profonda crisi dell’accademismo francese nella metà del XIX secolo.
Il romanticismo ha portato alla scultura un interesse nel nord-est dell’individuo, le sue aspirazioni e le sue emozioni. In tutte le capitali europee, ci sono numerosi monumenti di grandi connazionali, sia passati che presenti. Tuttavia, nel campo della scultura monumentale, c’è un esercito di artisti dotati che possono offrire soluzioni e composizioni lussuriose, ma banali. Il valore artistico di numerosi monumenti è basso e le eccezioni sono poche. La scultura monumentale è diventata un lungo periodo di declino della qualità e del declino artistico. In generale, la scultura dell’Europa occidentale, che era quasi interamente dipendente da gusti ufficiali e fondi pubblici, era significativamente in ritardo nello sviluppo e nel significato artistico della pittura contemporanea.
Monarchia e scultura di luglio
La monarchia di luglio (1830-1848) è un governo che ha preso il potere in Francia dopo la rivoluzione di luglio del 1830. Vlad è stato giustamente definito il “regno dei banchieri”, poiché solo la borghesia faceva parte del governo. Il bilancio statale è diventato una fonte di reddito solo per i banchieri-finanzieri, che hanno ricevuto enormi prestiti e sussidi attraverso di lui. I banchieri, usando stretti legami con il nuovo governo, insieme al re, hanno giocato con successo sul mercato azionario, speculando su titoli di stato e azioni di società private. Cercarono in tutti i modi di interferire con i difensori francesi della monarchia della dinastia dei Borboni, perché insistettero insistentemente per il ritorno del potere e della ricchezza.
Per questo periodo ci fu la creazione di una serie scultorea “Regina di Francia e donne glorificate”. Significavano solo la regina e le gloriose donne di Francia. La serie aveva venti sculture in marmo di piena altezza. Luigi Filippo I, l’ultimo monarca con il titolo di re sul trono francese, fece una scelta degna di una serie di persone. Sorprendentemente, Zhanna d’Arc, un contadino, arrivò alla lista delle regine e dei santi.
Regole sotto il titolo del francese dal 1830 al 1848. Era un rappresentante della dinastia degli Orléans, dopo che la rivoluzione di luglio, che lo portò al potere, si definì un “re-cittadino” per mantenersi al potere. Ha fornito finanziamenti per la passeggiata. Un certo numero di persone medievali arrivò alla lista delle sculture create, i cui ritratti realistici non esistevano e non potevano essere creati durante il Medioevo. Gli scultori francesi hanno creato personaggi fantastici a loro discrezione. Monotono e decorativo, sculture delle Regine di Francia e donne celebri decorarono il parterre e lo stagno figurato di fronte alla facciata del Palazzo del Lussemburgo, che allora serviva per il lavoro del Senato. La maggior parte delle figure pseudo-storiche furono create intorno al 1843, ognuna delle quali costò al tesoro statale 12.000. La rivolta e la rivoluzione del 1848 costrinsero il “re-cittadino” a rinunciare al trono. Il resto della vita ha vissuto Louis-Philippe I in esilio nel Regno Unito.
Declino nella seconda metà del 19 ° secolo
Il declino delle idee nella scultura fu particolarmente evidente a metà del secolo. Significative somme di denaro spese dai governi per gli ordini scultorei contribuirono alle condizioni in cui una folla di artisti dotati, avidi di denaro e segni esteriori di successo borghese si precipitavano nelle sculture. Differenti sistemi stilistici potrebbero essere utilizzati nell’opera scultorea: tardo classicismo, accademismo, tratti del realismo, fatti dall’osservazione attenta della realtà. Wrapped up mix artistico, noto come eclettismo.
Tra i patroni e clienti dello scultore, Antoine Bari è il principe Ferdinando Filippo d’Orleans. La vicinanza alle antiche famiglie monarchiche di Francia portò alla ricezione da parte dello scultore degli ordini per il monumento a Napoleone Bonaparte (un modello conservato al Museo d’Orsa), la scultura equestre di Napoleone III per la porta del Louvre, ordinando quattro sculture allegoriche (“Pace”, “Guerra”, “Forza”, “Ordine”) per la decorazione del nuovo Palazzo del Louvre. La sua maniera artistica si è formata sull’osservazione della realtà, ha avuto una direzione puramente realistica, che ha rotto il suo legame con l’accademismo allora dominante.
Il declino della scultura attira l’attenzione degli artigiani che sono diventati famosi in altri campi. Tra questi c’è l’artista e grafico Gustav Dore (1832-1883).
Gustave Dora divenne l’esempio perfetto di maestria scultorea della scultura da gabinetto “Il parco e l’amore di Eroth” o “L’amore nelle mani del destino”. Un disegnatore virtuoso con una immaginazione artistica sviluppata, ha sopportato tutte le abilità nel ricreare le figure allegoriche di Parks ed Eroth. Nella scultura Dore ha archiviato solo l’ultimo parco, che tiene minacciosamente l’avviso delle forbici. Insieme ad Eroth, guardano in una direzione, come se guardassero la prossima vittima. La mano di Erota poteva essere stata armata con un arco, perché una faretra con frecce giaceva ai piedi di una dea. L’artista ha ricreato con cura la faccia del vecchio. Parchi con guance cadenti e collo rugoso, che contrastano con la gioventù di un adolescente alato. Immagini ispirate e figure allegoriche riprodotte con cura e dettagli del gruppo scultoreo (il pesante impermeabile Parchi che ricordano il Mantello della morte, la faretra di frecce, il dio distruttivo orologio Chronos) portarono il gruppo accademico stilisticamente scultoreo al livello di veri capolavori che erano rari.
Scultura impressionista
L’impressionismo funziona essenzialmente pittorico, trova equivalenze nella scultura, dalla tecnica della modellazione e dal trattamento superficiale spontaneo. Due artisti del dipinto rappresentano questa tendenza nella scultura, Edgar Degas e Auguste Renoir. Degas ha creato polemiche con la sua piccola ballerina quattordicenne il cui realismo ha scioccato i contemporanei. Solo la scultura per essere esposta, lascia dopo la sua morte una serie di cerimonie rappresentanti studi di moto, che sono stati espressi in bronzo. Un altro rappresentante di questa tendenza, il francese naturalizzato italiano Medardo Rosso le cui sculture prendono il titolo: Impression of woman under a umbrella, o Impression in omnibus. Il suo lavoro avrebbe potuto influenzare Rodin quando stava lavorando al suo Balzac
Edgar Degas, Great Arabesque, Museo d’arte della contea di Los Angeles.
Edgar Degas, Little Dancer di quattordici anni, Copenhagen, Ny Carlsberg Glyptotek.
Medardo Rosso, Child’s Head (1892-1893), Buenos Aires, Museo Nazionale di Belle Arti dell’Argentina.
Auguste Renoir, Busto di Coco (1908), Frankfurt-am-Main, Museo Städel.
Simbolismo
Origine artistica di origine letteraria, il simbolismo ha trovato nella scultura anche un modo di esprimersi. Lo stile intriso di libertà, è principalmente con gli alti e bassorilievi che si esprime pienamente. Si trova in particolare, nei monumenti funerari. Albert Bartholome lascia molte opere rappresentative, tra cui il cimitero commemorativo di guerra Pere Lachaise, e maschere di bronzo ispirate all’arte giapponese 18. Influenzato dall’arte giapponese, attraverso le sue maschere in ceramica, Jean Carriès ha segnato il 1881 vivendo con la sua testa decapitata di Carlo I in bronzo. Con la Porte de l’enfer Auguste Rodin come per lui, realizza il monumento del simbolismo nella scultura. Altri rappresentanti, Pierre Roche ha fatto la transizione dal simbolismo dei suoi temi, e Art Nouveau in grande stile.
Albert Bartholomew, War Memorial (1899), Parigi, Cimitero Père-Lachaise.
Jean Carriès, Maschera dell’orrore, Parigi, Petit Palais.
Auguste Rodin, La porta dell’inferno, Parigi, Musée Rodin.
Pierre Roche, lo sforzo (intorno al 1900), Parigi, giardino lussemburghese.
Art Nouveau
La fine estrema del secolo coincide con l’apparizione dell’Art Nouveau, le cui principali espressioni nella scultura in Francia sono principalmente decorative, con artisti come Raoul Larche, Agathon Leonard o François-Rupert Carabin.
Raoul Larche, Loie Fuller (1896 circa), Dayton Art Institute.
Pierre Roche, Loie Fuller (circa 1901), Museo delle arti decorative di Parigi.
Leonard Agathon, Scarf Dancer (circa 1900), Rijksmuseum Amsterdam.
François-Rupert Carabin, Piano (1900), Museo delle arti decorative di Parigi.
Scultura moderna
Auguste Rodin, uno scultore che ha affrontato il neo-barocco, il simbolismo e il realismo, è considerato l’inventore della scultura moderna. Con il suo monumento a Balzac ha esposto il suo manifesto di modernità nella scultura e ha causato uno scandalo durante la sua presentazione pubblica. I suoi discepoli Camille Claudel e Antoine Bourdelle, in particolare con Hercules l’Archer (1910), assicurano il passaggio al 20 °
Auguste Rodin, Il borghese di Calais (1889), Parigi, Musée Rodin.
Auguste Rodin, Monumento a Balzac (1898), Parigi, Musée Rodin.
Antoine Bourdelle Grande guerriero di Montauban (1898-1900), dipartimento del giardino museo Bourdelle d’Egreville.
Camille Claudel, The Wall Age (1899), Parigi, musée Rodin.