Alla fine del XV secolo, l’invasione francese dell’Italia e la vicinanza della vivace corte della Borgogna (con le sue connessioni fiamminghe) portarono i francesi a contatto con i beni, i dipinti e lo spirito creativo del Rinascimento settentrionale e italiano, e l’iniziale i cambiamenti artistici in Francia furono spesso effettuati da artisti italiani e fiamminghi, come Jean Clouet e suo figlio François Clouet e gli italiani Rosso Fiorentino, Francesco Primaticcio e Niccolò dell’Abbate della (cosiddetta) prima Scuola di Fontainebleau (dal 1531 ).

La pittura francese è, in Francia più che in Italia, portata dal movimento di edificazione dei castelli lanciati dai principi. Così il Conestabile di Francia Anne de Montmorency, quando costruì la sua più grande casa, Castle Ecouen, ingaggiò un gran numero di artisti, famosi o sconosciuti, per creare decorazioni d’interni. Alcuni di loro vennero dagli E furono resi famosi dalle loro creazioni all’Ecou. Così, tutte le ciminiere del castello sono dipinte in uno stile molto italiano, le pareti comprendono ampi fregi e i motivi sono in faien colorati.

Molti pittori italiani e fiamminghi sono impegnati nella corte di Francesco I e dei suoi successori e partecipano alla decorazione di case reali e castelli della nobiltà. Questi artisti crearono una scuola di pittura ispirata al manierismo italiano temperato chiamato Scuola di Fontainebleau, ricordando il ruolo decisivo di questo sito di Re Francesco I, Enrico II e Enrico IV nella creazione e diffusione dello stile rinascimentale in Fran. I suoi rappresentanti più famosi sono Rosso Fiorentino, Primatice e Nicolò dell’Abbate sotto François I, poi sotto Enrico IV, Ambroise Dubois e Toussaint Dubreu.

In Francia, l’arte della ritrattistica era già nota e diffusa sin dalla metà del XV secolo, soprattutto grazie a Jean Fouquet e Jean Perreal, ma raggiunse davvero uno slancio durante il Rinascimento, nel XVI secolo, grazie a Pierre e Daniel Dumonsti. I pittori ritrattisti nominati da Re Jean Clouet e suo figlio François, nello stile di grande precisione e finezza (disegni preparatori realizzati prima dell’esecuzione di ritratti dipinti), perpetuano lo stile di Ros. Influenzano in seguito ritrattisti come Corneille de Lyon e François Quesnel, mentre Antoine Caron, ex collaboratore del Primatice, evoca sia le festività della Cour des Valois sia la violenza delle cosiddette guerre civili “religiose”, segnate dal Massacro di San Bartolomeo.

Gli italiani

Fiorentino Rosso (1494-1540)
Giovanni Battista di Iacopo (1495-1540) fu soprannominato Rosso Fiorentino, “il rosso fiorentino”, per via del colore dei capelli e della sua città natale. Educato a Firenze nello studio di Andrea del Sarto e molto influenzato dall’arte di Michelangelo, ha lavorato a Firenze, poi a Roma dal 1524 al 1527, prima di tornare in Tusca. Nel 1530, quando fu a Venezia, invitato dal drammaturgo italiano Pierre l’Aretin, ebbe la fortuna di essere presentato a François I, il quale, incantato, non impiegò molto a chiamarlo in Francia. Il suo arrivo a Parigi nell’ottobre del 1530 segnò una svolta nell’arte francese, con la piena accettazione del Rinascimento in tutti i campi artistici. È con il Primatice il creatore della scuola di Fontainebleau.

Nel mezzo del Rinascimento francese, il re Valois è un ammiratore dell’arte italiana. La corte di Francia darà quindi i mezzi al Rosso per sviluppare davvero tutti i suoi talenti di artista di corte: pittore, disegnatore, progettista di scenografie fisse ed effimere e oggetti di … 46 Sua Maestà è conquistata da questo artista colto e musicista. Lei lo riempie di generosità e gli affida la decorazione del castello di Fontaineble. È così che il Rosso ha riunito attorno a sé una squadra di artisti italiani per aiutare nella realizzazione di scenografie.

Per quasi un decennio, Le Rosso mentre creava opere indipendenti dirige la decorazione di Fontaineble. Molti degli ensemble e delle opere che ha progettato sono scomparsi. Possiamo citare il padiglione di Pomona, il padiglione di Poesles, la bassa galle. Ma è soprattutto la grande galleria François I er che collega il vecchio e il nuovo castello di Fontainebleau, realizzato principalmente tra il 1533 e il 1537, che rimane il suo capolavoro fatto di una decorazione decorata con dipinti, fregi, affreschi e modelli di pelle e stucco tagliati 46 Un motivo ricorrente della galleria è l’emblema animale del re, la salamandra. Il Rosso è ricompensato dalla sua nomina come primo pittore del re e canonico della Sainte-Chapel. L’artista partecipa quindi alla creazione di piatti suntuosi e crea per il re un bastone cantorale (scettro) con fusto fleurdelysée, sormontato da un peduncolo a colonna portante al centro una statuetta del Virg. Dell’ultimo periodo della sua vita, a parte i disegni preparatori all’attenzione degli incisori Antonio Fantuzzi, Boyvin o il maestro sconosciuto LD, ci sono solo rari dipinti di carattere religioso che vengono preservati dal suo periodo francese, come nell’esempio della Pietà visibile nel Museo del Louvre.

La fine dell’artista è oscura. L’avaro artista avrebbe accusato il suo fedele amico Francisco di Pellegrino di aver rubato i suoi risparmi. Quest’ultimo sottoposto a tortura salva la sua innocenza. Il Rosso, disperato di aver perso il suo amico, sarebbe stato distrutto da un avvelenamento alla fine dell’anno 1540. La biografia scritta da Giorgio Vasari, che si sofferma su questa tragica fine, è oggi in dubbio.

Il Primatice, suo deputato dal 1532 e sempre più autoritario rivale e visualizzato, sopprime dopo il 1540 col pretesto dell’ampliamento o la sua predilezione per il numero di sculture a piedistallo di opere decorative del sovrano rosso.

È Aretino, famoso e influente scrittore, che raccomandò il Rosso a Francesco I. A Parigi, dove era conosciuto come il maestro di Roux, l’ascesa sociale dell’artista fiorentino, sia pittore che scultore, fu estremamente veloce. Il re gli assicurò uno stipendio altissimo e, nel 1532, lo fece canonico di Sainte-Chapelle. Come tale, cinque anni dopo, il canonicato di Notre-Dame. Ma Rosso soffriva cronicamente di uno stato d’animo instabile; gli fu fatale il 14 novembre 1540, quando mise fine alla sua vita.

Con la sua influenza, il Rosso è il fondatore della prima scuola di Fontainebleau che ha lanciato il Rinascimento francese nell’arte della pittura. Questo decoratore erudito, attratto dal bizzarro e dallo spettacolare, mentre racconta una storia con diversi livelli di lettura o di emozione, sconvolge i generi affermati e rimane una fonte di evoluzione sostenibile dell’arte di ornamento delle corti principesche dell’Euro Nord.

Francesco Primatice (1504-1570)
Francesco Primaticcio dice che Primatice inizia il suo apprendistato a Bologna, sua città natale, ed è con uno studente di Raffaello, Bagnacavallo, che riceve il suo primo addestramento, poi a Mantova, vicino a un discepolo di Raffaele, Jules Romain, che realizza per Frédéric Gonzague uno dei principali edifici del tempo, il palazzo di. In un ambiente che invade le mura e le volte, tutte le risorse del Manierismo sono implementate per celebrare l’Amore evocando gli amori degli dei o suggerendo il terrore con la rappresentazione di scontri titanici.

Primatice acquisisce accanto a lui l’attitudine per trasposizioni favolose e il senso di un’arte decorativa completa in cui gli ornamenti in stucco assumono una nuova importanza. Diventa un esperto in questo campo, ma è in Francia, al castello di Fontainebleau, che sarà in grado di misurarsi.

Arrivò nel 1532, chiamato da Francesco I che vuole rendere la sua casa preferita un centro d’arte vivente e prestigioso. Fino alla sua morte, Primatice dedicherà la maggior parte della sua attività a questa ambiziosa impresa. Inizialmente collabora con un altro maestro italiano, il Rosso fiorentino, che gestisce le opere e impone il suo stile: una versione esacerbata dei manneri fiorentini.

Il lavoro del Rosso a Fontainebleau, come quello del Primatice, è stato in gran parte distrutto o sfigurato. Tuttavia, il restauro della Galerie François I er, nel XX secolo, permette di apprezzare la coerenza di uno stile ornamentale in cui il capriccio dell’invenzione, l’acutezza delle forme e dei ritmi si esprimono anche nei dipinti e negli stucchi, con rilievi accentuati, profili eleganti, modelli sorprendentemente diversificati.

Il Primatice sostituisce il Rosso nel 1540, alla morte di quest’ultimo, a capo delle imprese reali. Regna sovrano sulla moltitudine di artisti e operai che lavorano sulle decorazioni interne del castello, sulle nuove costruzioni, sul paesaggio dei giardini. Supervisiona i laboratori di arazzi e quelli dei fondatori che eseguono le statue in bronzo.

Le due missioni in Italia che gli sono state affidate dal re sono l’occasione per lui di riconnettersi con l’arte della penisola e di conoscere le formulazioni più recenti, che si adatta con facilità a modo suo. Nel 1541, Ippolito d’Este gli commissionò la produzione di affreschi per le pareti della sua cappella nell’Abbazia di Chaalis. A Fontainebleau, nella galleria di Ulisse (ora distrutta), la poesia di Omero è stata illustrata in cinquantotto pannelli distribuiti tra le finestre, e il soffitto comprendeva novantatré soggetti mitologici su uno sfondo di grottesche.

Nello stesso tempo in cui realizzò la galleria di Ulisse, la Primatice dà i progetti delle composizioni che esaltano l’Amore, l’Armonia e la Concordia, destinati alla sala da ballo, eseguiti da Nicolò dell’Abbate. L’ordine dello spettacolo è di Philibert Delorme che, sotto il regno di Enrico II, assume la direzione degli Edifici del Re.

L’avvento di Francesco II (1559) conferisce al Primatizio tutte le sue prerogative: il monumento al cuore di Enrico II, la tomba del re, tutte le sculture per la Valois rotunda (oggi distrutta) che Caterina de ‘Medici portò a Saint-Denis sui piani di Primati.

Il poliedrico genio del Primatice realizzò il sogno di Francesco I donando alla scuola di Fontainebleau, non l’effimero splendore di un edificio reale temporaneamente privilegiato, ma la radiazione di un movimento innovativo che segnò in Francia un’evoluzione così decisiva della pittura e delle arti decorative .

Primatice diventa grande maestro delle opere del re dopo la morte di Enrico. A Dampierre, in origine un palazzo divenne un principesco nel sedicesimo secolo, costruì nel padiglione d’angolo adiacente alla torre una vera sauna, tipico esempio di questo gusto all’epoca per un ritorno a uno stile di vita nell’antico.

Nicolò dell’Abbate (1509/1512 – 1571)
Niccolò dell ‘Abate era un artista nato a Modena, vicino a Bologna, che divenne molto famoso in Francia, svolgendo un ruolo fondamentale nella prima scuola di Fontaineble. Questa scuola è stata creata da artisti italiani attivi nel castello di Fontainebleau, dove hanno sviluppato uno stile che ha riverberato la sua influenza nell’arte francese e nel nord Europa.

Tutta la famiglia di Abbate, di padre in figlio, era dedita alle arti. Citiamo con onore i pittori di Modena, suo padre Jean, suo fratello Pierre-Paul, suo figlio Jules-Camille, suo nipote Ercole e il pronipote Pierre-Paul.

Formatosi a Modena, ha studiato nello studio di Alberto Fontana ed è stato uno degli studenti di Antonio Begarel.

Nel 1540 entrò al servizio dei signori di Scandiano, a 27 km da Mode. Tra il 1540 e il 1543, decorò anche la Rocca dei principi Meli Lupi a Soragna, a nord-ovest del Par.

Ha poi lavorato a Bologna tra il 1548 e il 1552, servendo una ricca clientela di ecclesiastici e banchieri.

A Bologna, il suo stile è influenzato da Correggio e Parmes. I suoi numerosi ritratti evocano quelli di Pontor.

Nel 1552, Niccolò dell’Abate fu invitato in Francia al servizio di Enrico II 55 (era spesso chiamato Nicolas Labbé). Al castello di Fontainebleau, ha collaborato alla decorazione dell’edificio reale, sotto la supervisione di Primatice (1504 – 1570), un altro artista fondamentale della Scuola di Fontainebleau, così come il pittore fiorentino Rosso (1494 – 1540). Due anni dopo, dà il disegno del progetto di decorazione in onore di Connétable Anne de Montmoren.

A Parigi, esegue affreschi sul soffitto dell’Hotel de Guise (ora estinto), secondo i disegni di Primati. L’artista riceve quindi molti comandi di natura privata, come piccoli dipinti portatili di soggetti mitologici inseriti in paesaggi.

Una buona parte della sua produzione artistica è quindi dedicata al genere di apparato decorativo effimero, realizzato in momenti importanti che hanno segnato la vita della corte reale. L’esempio principale è il ciclo di decorazioni realizzato per l’ingresso trionfale a Parigi di Carlo IX e sua moglie Elisabetta d’Austria nel 1571, l’anno della morte di Nicolò dell’Abbate in Fran.

L’eredità del pittore emiliano è principalmente costituita da paesaggi che fanno da sfondo a scene mitologiche, motivi che ispireranno artisti francesi come Claude Lorrain (1600 – 1682) e Nicolas Poussin (1594 – 1665).

I fiamminghi

Jean Clouet (noto come Janet, 1475 / 85-1540)
Jean Clouet il Giovane (nato nel 1480 a Bruxelles, morto nel 1541 a Parigi) è un ritrattista olandese dei Borgogna del XVI secolo. I suoi inizi sono poco conosciuti.

Pittore ufficiale di Francesco I, Jean Clouet è tra i valletti del re dal 1516, sotto gli ordini dei suoi colleghi Jean Perréal e Jean Bourdich. Di origine fiamminga, ha portato un nuovo stile alla pittura di ritratti cerimoniali praticando, oltre alla tradizionale miniatura (Commenti dalla Guerra Gallica), il dipinto di cavalletto eseguito dopo un disegno a matita, secondo il gusto dei pittori del Nord.

Divenne popolare molto presto al punto che gli fu conferito quasi tutti i ritratti francesi degli inizi del sedicesimo secolo. Degli unici due dipinti di lui attestati da testi, uno è conosciuto solo da un’incisione (Oronce Finé), l’altro da una riproduzione conservata al Museo di Versailles (Guillaume Budé).

Ma la celebrità Jean Clouet proviene dal gruppo di 130 disegni del Museo Condé di Chantil. I ritratti della famiglia reale sono generalmente attribuiti al pittore, e quindi agli stessi dipinti, come il famoso ritratto di Francesco I al Louvre (attorno al 1527), la cui attribuzione a Jean Clouet risale a una tradizione antica e sicura.

La reputazione di Jean Clouet non è probabilmente usurpata ed è stata riconosciuta in ogni momento, anche se il suo lavoro è stato rapidamente confuso con quello di suo figlio Franço. Jean Clouet introdusse davvero nell’arte del ritratto francese una nuova finezza e fondò infatti una scuola di ritrattisti ufficiali che, da Robert Nanteuil e Hyacinthe Rigaud, assicurarono la supremazia francese in questo campo per più di due secoli.

Corneille de Lyon (1510-1575)
Corneille de Lyon o Corneille de la Haye (nato tra il 1500 e il 1510 a L’Aia e morto nel 1575 a Lione) è un pittore reale del ritratto franco-olandese del 16 ° secolo.

Sebbene conosciuto ai suoi tempi come il Corvo dell’Aja, non sappiamo nulla della sua gioventù olandese e arrivò a Lione non più tardi di 15. Realizzando dal 1536 ritratti di diversi membri della famiglia reale, ottenne il titolo di pittore reale nel 1541 Nonostante questa funzione, rimane nella città del Rodano per tutta la vita. Sposando la figlia di un famoso tipografo, divenne parte della notabilità della città e acquisì una solida posizione sociale, vivendo nel distretto della stampa, vicino a Notre-Dame-de-Confo.

Vive il suo lavoro di pittore e sembra collaborare con altri artisti del vicinato (pittori o incisori). Il suo studio conserva una galleria di copie di dipinti delle persone più famose che ha ritratto. Ciò consente ai clienti di acquisire una nuova copia o li incoraggia a ottenere un ritratto da un famoso pittore. La sua attività sembra prospera fino alle guerre di religione, durante le quali, nonostante il suo attaccamento alla religione Riformata, non sembra vittima di aggressività o spoliazione. Diventa vincolato alla religione cattolica nel 1569.

L’arte di Corneille del piccolo ritratto senza decorazione è innovativa per l’epoca. Acquisisce un alto prestigio al punto che i dipinti di questo stile finiscono per essere designati come “corvi”. Lavorando a olio su legno, concentra il suo lavoro sul viso e sul busto. Corneille è molto preciso nella composizione delle pilosità, dei capelli, delle barbe, che a volte traccia quasi nudo. Le sue modelle indossano raramente abiti pesanti decorati, il suo stile rimane molto sobrio. Lo sfondo dei suoi dipinti è sempre semplice, senza decorazioni e sembra funzionare senza disegni preparatori.

Dopo il Rinascimento, la fama di Corneille si affievolisce, i suoi discendenti non subentrano alla realizzazione di piccoli ritratti. È stato riscoperto nel XVII secolo da François Roger de Gaignièr. Cadendo ulteriormente nel dimenticatoio, il suo nome riemerse nel diciannovesimo secolo, dalle citazioni nei testi del tempo. L’estrema difficoltà di trovare opere di riferimento causa seri problemi di attribuzione e ricostituzione del suo corpus artistico. Molti fraintendimenti e confusioni sono fatti da storici dell’arte e dilettanti. Il primo lavoro senza ambiguità è stato scoperto nel 1962. Diverse opere riproducono le conclusioni precedenti e la prima sintesi dell’artista è stata realizzata da Anne Dubois de Groër nel 1996.

Natale Bellemare (attivo tra il 1512 e il 1546)
Noël Bellemare è un pittore e illuminatore francese di origine fiamminga, attivo tra il 1512 e il 1546, ad Anversa ea Parigi. È accreditato con scatole di vetro colorato e miniature. Alcune delle sue illuminazioni sono state raggruppate sotto il nome della convenzione Getty Master of the Epistles, presumibilmente a capo di un seminario conosciuto altrove come il Workshop degli anni ’20.

Natale Bellemare è figlio di un anversa e un parigino. La sua presenza è attestata ad Anversa nel 1512, ma troviamo la sua traccia dal 1515 a Parigi, dove finisce e termina la sua carriera. È installato nella città come pittore e illuminatore sul ponte Notre-Dame, insieme ad altri artisti e venditori di libri.

Gli archivi documentano diversi ordini ufficiali a Parigi: dipinse il soffitto dell’hotel-Dieu nel 1515, decorò l’ingresso del ponte Notre-Dame nel 1531 per l’ingresso di Eleonore d’Austria nel 1531, una decorazione del Palazzo del Louvre in collaborazione con Matteo del Nassaro per l’avvento di Carlo V nel 1540. Esegue anche la doratura al castello di Fontaineble. È menzionato nel 1536 come giurato pittore-illuminatore.

Le prime opere del pittore sono influenzate dal manierismo di Anversa e dall’incisione di Albrecht Dür. Successivamente, un’influenza dei dipinti di Raffaello e Giulio Roma. Questa influenza deriva indubbiamente dalla frequentazione della Scuola di Fontainebleau che sfrega partecipando alle decorazioni del castello.

Solo un’opera è attestata dalle fonti della mano di Natale Bellemare: è il cartone di una finestra di Pentecoste della chiesa Saint-Germain-l’Auxerrois di Par. Per analogia e confronto stilistico, una serie di illuminazioni e scatole di vetro colorato sono attribuite dallo storico dell’arte Guy-Michel Lepro.

Il corpus di illuminazioni ad esso attribuito è stato a lungo chiamato la “Getty Master of the Epistles Convention”. Queste opere furono anche raggruppate per un certo periodo dallo storico dell’arte americano Myra Orth in una serie più ampia di 25 manoscritti e sotto il nome di Officina degli anni ’20. Noel Bellemare avrebbe potuto essere il capo. Tra questi, le miniature attribuite al Maestro delle Ore di Doheny potrebbero corrispondere ad un periodo più antico dello stesso pittore.

Infine, alcune delle miniature del Maestro delle Getty Epistles sono successive alla sua morte: sembra che questo stesso laboratorio sia durato qualche tempo dopo la sua scomparsa.

Grégoire Guérard (attivo intorno al 1518-1530)
Grégoire Guérard è un pittore olandese, nato a Tournus e attivo in Borgogna tra il 1512 e il 1530, nella regione di Autun, Chalon-sur-Saône e Bourg-en-Bres.

È un artista formatosi nei Paesi Bassi settentrionali e il cui modo sembra debitore a un soggiorno in Italia negli anni 1515 e 1518

Secondo le fonti, ha fornito un trittico per la chiesa carmelitana di Chalon, un altro per la chiesa di Saint-Laurent-lès-Chalon, ha lavorato al castello di Brancion e quello di Balleure per Claude de Saint-Julien de Balleure, di cui il figlio Pierre loda i “bellissimi dipinti, il lavoro singolare e squisito, i difetti della mano divinamente appresa dall’eccellente pittore Guererd Gregoire Hollandois, connazionale e genitore Erasmo da Rotterdam”.

Grégoire Guérard ha recentemente ricevuto una dozzina di pannelli datati tra il 1512 e il 1530, conservati, con alcune eccezioni, nel sud della Borgogna, in Bresse o in Franche-Com. L’elemento principale di questo ensemble è il Trittico dell’Eucaristia di Autun (1515), e al Museo di Digione, l’Arresto di Cristo e la Presentazione al Tempio di Digione (1521) ne fanno parte.

Bartholomeus Pons
Originario di Haarlem, Bartholomeus Pons è documentato precisamente nel 1518 nel laboratorio di Grégoire Guérard a Tourn. Ora può essere identificato con il Maestro di Dinteville (autore della pala d’altare della Leggenda di Sant’Eugenie a Varzy).

Godefroy il Batavian (1515-1526)
Godefroy il Batavian è un pittore / illuminatore dei Paesi Bassi settentrionali attivi in ​​Francia. È conosciuto solo per la sua attività alla corte di Francesco I.

Il suo nome deriva da un’iscrizione latina che lo identifica come pictoris batavi nel 3 ° volume della sua opera più conosciuta, i Commentari della guerra di Francia (1520, Museo Condé, Chantilly). Ha anche firmato Godefroy, una firma trovata nei Trionfi di Petrarque (circa 1524, Biblioteca dell’Arsenale, Parigi). I commenti della guerra di Francia (1520, Museo Condé, Chantilly), la Dominus illuminatio mea (1516, Museo Condé, Chantilly) e la vita di Magdalena (1517, Museo Condé, Chantilly) furono illuminati sotto la diretta supervisione del loro autore francescano , François Du Moulin o Demoulins (fl 1502-24), per la presentazione al Re e sua madre Luisa di Savoia, Contessa di Angoulême (1476-1531).

I manoscritti vernacolari, minuscoli e personalizzati forniscono uno scorcio dell’arte di corte e del gusto francese nei primi anni del Rinascimento.

Il francese
Jean Cousin: il padre (1490 circa 1560) e il figlio (1522 circa 1594)
Jean Cousin il Vecchio (Soucy, vicino a Sens, intorno al 1490 o 1500 – Parigi, dopo il 1560), è anche chiamato il padre, o il vecchio per distinguerlo da suo figlio chiamato anche Jean Cous. Questo artista non è solo un pittore, disegnatore e decoratore, ma è anche un incisore. Jean Cousin the Elder rappresenta Jean Clouet, il principale pittore francese del 16 ° secolo. Soprannominato “French Michelangelo” 60, la sua opera Eva prima Pandora conservata al Louvre rimane la sua opera più famosa.

La sua vita è poco conosciuta e molte opere sono attribuite a lui, a volte più probabilmente eseguite da suo figlio Jean Cousin il Giovane con cui è spesso confuso. Anche un altro scultore non correlato porta lo stesso nome.

È nella sua città natale di Sens, nel 1526, che Jean Cousin, il padre (1490-1560) iniziò la sua carriera come geometra, continuando la sua attività fino al 1540. Dopo aver realizzato cartoni per vetrate, la cattedrale di Sens e una pala d’altare per l’Abbazia di Vauluisant nel 1530, Jean Cousin il Padre si trasferì a Parigi nel 1540 dove compì importanti lavori.

Nel 1541 gli ordinarono le scatole per gli arazzi della Vita di Santa Genoveffa e nel 1543 realizzò per il cardinale Givry le otto scatole della Storia di San Mam. Questi arazzi, che dovevano decorare il coro della cattedrale di Langres, furono eseguiti da tessitori parigini. È allora che nel 1549 collabora con l’ingresso trionfale del re Enrico II a Parigi.

Lavora anche per vetrai e realizza vetrate nella cappella dell’ospedale di Orfèvres, un Calvario per la chiesa dei Giacobini a Parigi, varie vetrate per la chiesa di Saint Gervais (Il giudizio di Salomone, Il martirio di San Lorenzo, il La donna samaritana conversa con Cristo e la cura del paralitico), la chiesa di Moret, quelle di Saint-Patrice e Saint-Godard a Rouen 62 e il castello di Vincennes (L ‘approccio del giudizio universale, secondo il Apocalypse, L’Annunciazione della Beata Vergine) dove esegue anche i ritratti a figura intera di Francesco I ed Enrico. Jean Cousin è anche accreditato con vetrate grisaille fatte per il castello di Anet (di cui Abramo restituisce suo figlio Ismaele ad Agar, gli israeliti che conquistarono gli amalechiti sotto la guida di Mosè e Gesù Cristo che predicava nel deserto).

Solo un piccolo numero di dipinti di Jean Cousin, il padre: Eva Prima Pandora, ora al Louvre, e La Chari. Queste opere attestano, come gli arazzi della Storia di Saint Mammès, l’influenza di Rosso, ma Jean Cousin il padre ha saputo interpretare in modo molto personale l’arte della scuola di Fontainebleau.

Alcuni disegni Pénélope, Martirio di un santo e Giochi di bambini, sono attribuiti oggi a Jean Cousin il Padre di cui si hanno anche due incisioni firmate: l’Annunciazione e l’Entombme.

Teoretico, l’artista ha pubblicato due trattati illustrati di xilografie, il Prospettive Book del 1560 e il Libro di Pourtraicture completato da suo figlio nel 1571. Ristampato nel 1589, nessuna copia è stata trovata fino ad oggi. È tuttavia probabile che quest’ultima opera sia quella pubblicata poco dopo la morte di Cousin il Giovane a Parigi nel 1595 da David Leclerc, con tavole incise di Jean Le Cle. Questo trattato, che è anche un capolavoro di illustrazione anatomica, è stato ristampato più volte nel 17 ° secolo.

Jean Cousin il figlio (1522-1594) disse anche che il giovane era stato a lungo confuso con suo padre, di cui era allievo. Jean Cousin il Giovane iniziò a studiare all’Università di Parigi almeno fino al 1542, poi collaborò al lavoro di suo padre. Quando morì, prese il potere.

La sua produzione sembra essere stata importante. Nel 1563, collaborò ai preparativi per l’ingresso trionfale di Carlo. Intorno al 1565, il contributo di Cousin il padre e Cugino il figlio al monumento funerario di Philippe Chabot, ammiraglio della Francia è controverso; al figlio viene attribuita la cornice ornamentale del monumento e i quattro geni alati trattati in uno stile manierista molto brillante.

L’unico dipinto attribuito a Jean Cousin fils è il Giudizio Universale datato 1585 e conservato alla Musa del Louvre. Questo lavoro riflette sia l’influenza del manierismo fiorentino che quella del fiammingo a. Un certo numero di disegni, illustrazioni del Libro della fortuna (1568), Ovidio delle Metamorfosi (1570) e Aesop’s Fables (1582) rivelano un artista intelligente influenzato dal padre, l’ambiente di Saint-Louis e l’arte dei paesi nordici.

Antoine Caron (1521-1599)
Antoine Caron, nato nel 1521 a Beauvais e morto a Parigi nel 1599, è un maestro vetraio, illustratore e pittore manierista francese del Fontainebleau Scho.

Alla cerniera tra le due scuole di Fontainebleau, Antoine Caron è una delle maggiori personalità del francese Manneri. Uno dei pochi pittori francesi del suo tempo a possedere una spiccata personalità artistica. La sua opera riflette l’atmosfera raffinata, sebbene instabile, del cortile della casa di Valois durante le guerre di religione dal 1560 al 1598.

Lasciando Beauvais, dove dipingeva dipinti religiosi fin dall’adolescenza, Antoine Caron lavorò nella bottega di Leprince in vetrate, poi fece la sua formazione nei laboratori di Primatice e Nicolò dell’Abbate alla Scuola di Fontainebleau del 1540. nel 1550. Nel 1561, fu nominato pittore della corte di Enrico II e Caterina de ‘Medici e in seguito ne divenne il pittore designato.

La sua funzione di pittore di corte includeva la responsabilità dell’organizzazione delle rappresentazioni ufficiali. Come tale, partecipò all’organizzazione della cerimonia e all’entrata reale a Parigi per l’incoronazione di Carlo IX e il matrimonio di Enrico IV con Marguerite de Valo. Alcune delle sue illustrazioni dei festeggiamenti alla corte di Carlo IX rimangono e sono probabilmente fonti per la rappresentazione della corte negli arazzi Valois.

Le poche opere superstiti di Caron includono soggetti storici e allegorici, cerimonie di corte e scene astrologiche. È uno studioso e le sue scene erudite e sofisticate riflettono la brillante cultura sviluppata a Parigi durante il regno dell’ultimo Valois.

I suoi massacri furono compiuti verso la metà del 1560, come il suo unico dipinto datato e datato, il Massacres du Triumvirat (1566) conservato al Louvre. Evoca i massimi perpetrati durante le guerre civili civili, davanti a JC dai triumviri Antoine, Octave e Lepid. Sarebbe un’allusione ai massacri che i protestanti furono vittime durante la guerra religiosa, principalmente dal 1561, quando tre difensori del cattolicesimo, Anna di Montmorency, Jacques d’Albon di Saint-André e François de Guise formarono un triumvirato per opporsi alla politica di appeasement di Caterina de ‘Medici.

La componente essenziale del suo stile è la ripresa della figura molto allungata degli artisti italiani, anche nei ritratti come Portrait de femme (1577), un gesto eloquente, molto movimento e dinamismo. Dà un aspetto molto strano alle sue composizioni. E la vivacità dei suoi colori che contribuiscono a questo carattere spesso fantastico dato alle sue opere.

L’altro aspetto emblematico del suo lavoro è l’incorporazione di architetture fantasiose, talvolta mescolandosi con le rovine romane. Come il suo maestro Nicolò dell’Abbate, ha spesso collocato figure umane quasi insignificanti in mezzo a scene immense.

Stilisticamente, la sua adesione al Manierismo del Nord si riferisce alla tipologia dei suoi personaggi. La critica moderna lo chiama “il nonno del manierismo”.

La scarsità di documentazione della pittura francese in questo momento significa che molte delle opere a lui attribuite sono anche attribuite ad altri artisti come Henri Lerambe. La relativa notorietà di Antoine Caron contribuisce all’associazione del suo nome con opere paragonabili alla sua più conosciuta. In alcuni casi, questi dipinti, ad esempio la Sottomissione di Milano a Francesco I nel 1515 (v. 1570) 69, sono ora attribuiti allo “studio di Antoine Caron”.