L’architettura del Rinascimento francese è una denominazione storiografica che designa la produzione architettonica della prima età moderna in quella che è oggi la Francia, per lo più nel regno di Francia, sebbene anche parti delle Fiandre, della Lorena, dell’Alsazia, della Savoia, della Cerdagna, della Bretagna e della Provenza.

Corrisponde all’architettura francese in epoca rinascimentale – che gradualmente sostituì l’architettura gotica – che era nata nel paese nel 12 ° secolo – dall’importazione e l’adattamento dei modelli del Rinascimento italiano. Apparve all’inizio del XVI secolo, più di mezzo secolo dopo che in Italia, in diverse regioni francesi, specialmente nella Valle della Loira e nell’Ile de France, e continuò fino all’inizio del diciassettesimo, quando andò a essere è riuscito con l’architettura barocca.

Periodizzazione: le quattro fasi del Rinascimento francese
Il Rinascimento in Francia è comunemente considerato diviso in quattro parti. Il primo atto corrisponde allo stile Luis XII -1495-1530 circa -, che costituisce la transizione tra il gotico e il Rinascimento. Questo primo stile fiorisce dal 1515, in particolare nella Valle della Loira, dove la piena accettazione del Rinascimento italiano fu avvertita con maggiore rapidità. Come in Italia, anche se in seguito, tre fasi seguiranno in seguito fino all’inizio del 17 ° secolo, un primo e un secondo Rinascimento che finiscono nel Manierismo.

In ogni fase del suo sviluppo, l’arte del Rinascimento francese è rimasta come un’arte originale, nata dall’incontro tra modelli italiani, artisti del flamenco e peculiarità francesi. I modelli, tuttavia, cambiarono notevolmente tra il 1495 e il 1610, poiché i francesi ammirarono in seguito l’arte finale del Quattrocento, dell’Alto Rinascimento e successivamente del Manierismo. Da questi incontri successivi è nata una produzione artistica abbondante, disordinata e talvolta difficile da comprendere. Quando si fa il bilancio, emergono due fatti fondamentali: l’arte moderna francese ha preso forma attraverso le grandi opere della metà del XVI secolo, mentre vicino al palazzo reale di Fontainebleau, «vera nuova Roma», nacque sotto la volontà del re Francesco I Era un importante centro artistico, che era l’unico in Europa in grado di competere con i grandi centri italiani e che sarà chiamato la scuola di Fontainebleau.

La nuova situazione così creata ha controllato il futuro: annunciando l’affermazione di uno stile nazionale già a metà del XVII secolo e il ruolo futuro di Versailles.

Lo stile di Luigi XII: transizione tra il gotico e il primo rinascimento (1495-1525 / 1530)
Lo stile di Luigi XII (1495-1525 / 1530), è uno stile di transizione, un passaggio molto breve tra due periodi luminosi, il periodo gotico e il Rinascimento. Descrive un momento in cui le arti decorative a partire dall’arco ogivale e il naturalismo gotico si muoveranno verso l’arco a metà punto e le forme morbide e arrotondate si mescolano con i vecchi motivi stilizzati tipici del primo Rinascimento: c’è ancora una grande quantità di gotico nel castello di Blois, e non c’è nulla nella tomba di San Luigi XII a Saint-Denis.

Dal 1495, una colonia di artisti italiani fu installata ad Amboise e lavorò in collaborazione con maestri francesi. Questa data è generalmente considerata come il punto di partenza di questo nuovo movimento artistico. In generale, l’edificio rimane francese e solo la decorazione cambia e diventa italiana. Sarebbe quindi inadeguato determinare questo stile con l’unico contributo dell’Italia: le relazioni esistenti tra la produzione architettonica francese e quella dell’architettura spagnola plateresca, e l’influenza del Nord, in particolare di Anversa, anche loro sono notati nelle arti decorative così come nel vetro scolpito.

I limiti dello stile Luis XII sono piuttosto variabili, specialmente quando si tratta delle regioni al di fuori della valle della Loira. Oltre ai diciassette anni del regno di Luigi XII (1498-1515), questo periodo include il regno di Carlo VIII e l’inizio di quello di Francesc I, dando inizio al movimento artistico nel 1495 per farla terminare nel 1525/1530: nel 1530 corrisponde a un vero cambiamento stilistico, che, dopo la creazione di Francesc I della Scuola di Fontainebleau, è generalmente considerato come la piena accettazione dello stile rinascimentale.

Nell’architettura, l’uso del “mattone e della pietra”, ancora presente negli edifici del XIV secolo, tende a generalizzarsi. Alti soffitti francesi con torri angolari e facciate con scale elicoidali fanno sì che la tradizione si perpetui, ma il sistematico sovrapporsi dei vuoti, la rottura degli attici e l’aspetto delle logge influenzate dalla villa di Poggioreale e dal Castell Nou de Naples è il manifesto di un nuovo decorativo arte dove l’edificio rimane profondamente gotico. La propagazione del vocabolario ornamentale arrivato da Pavia e Milano ha avuto un ruolo importante nell’essere percepiti come l’arrivo di una certa modernità.

In questa arte in piena mutazione, i giardini divennero importanti quanto la stessa architettura. L’arrivo ad Amboise di artisti italiani, come Pacello da Mercogliano, fu originariamente sotto Carlo VIII per la creazione dei più grandi giardini del Rinascimento francese grazie alle nuove creazioni paesaggistiche, all’installazione di una ménagerie (collezione di animali selvatici) e il lavoro di acclimatazione agronomica svolto dal 1496 nei “Jardins du Roy”, allora situato nel dominio reale di Château-Gaillard. Nel 1499, Luigi XII affidò la realizzazione dei giardini del castello di Blois alla stessa squadra che fu poi ingaggiata da Georges d’Amboise per parterre a diversi livelli nel suo castello di Gaillon.

In conclusione, lo stile di Luigi XII mostra che voleva sorprendere sia il francese che l’italiano: era dalla fantasia con la quale le novità italiane venivano incorporate in edifici che erano ancora tutti medievali francesi dato che sarebbe nato intorno al 1515/1520 il Primo Rinascimento o primo Rinascimento.

Primo Rinascimento (1515-1530/1540)
Come nel periodo precedente, la manifestazione più evidente del primo Rinascimento in Francia è espressa dalla costruzione di castelli residenziali, non solo nella valle della Loira e nell’Ile de France, ma in alcune province, ma a sud come Berry, il Carcí e il Perigord – Castell d’Assier e Montal – che, dopo essersi ripreso dalle conseguenze della guerra centenaria, videro le loro grandi famiglie indebitate per diverse generazioni per modernizzare gli edifici medievali preesistenti.

Se, dalla fine del XV secolo, il processo transitorio dello stile di Luigi XII impose gradualmente le forme del Primo Rinascimento, dagli anni 1515/1520, l’arrivo di una nuova ondata di “artisti italiani, più numerosi di prima , avrà una grande influenza sull’arte francese, creando una vera rottura: le forme gotiche, infine, gradualmente diluiscono la dignità italiana.Questa evoluzione è particolarmente sensibile nel portale della chiesa di Saint-Maurille de Vouziers, dove un ornamento classico mascherato un edificio ancora gotico.

A differenza del periodo precedente, il protagonista principale non era più in giro ma il re stesso Re Francesco I, che si comportava come un monarca umanista diventa uno degli attori principali di questa evoluzione stilistica, imponendo – Essere nelle arti, come patroni e guida del suo persone e del cristianesimo, senza rinunciare al suo ruolo militare. Ecco perché ha attratto artisti italiani per costruire i loro castelli. Questi abili artigiani avranno quindi una grande aura per i maestri delle opere francesi: il presunto architetto di Chambord, Domenico Bernabei da Cortona (1465/1470 – 1549 circa) sarebbe stato detto in italiano “Boccador”, nell’Io che ha parlato con “parole d’oro”.

Tuttavia, durante il primo Rinascimento francese, la pianta degli edifici continuerà ad essere tradizionale e gli elementi architettonici saranno liberamente ispirati alla nuova arte che arriva dalla Lombardia. Mai, forse, l’architettura francese avrà mostrato più eleganza, leggerezza e fantasia che in questo periodo artistico. C’è un gusto speciale negli edifici della Valle della Loira, dove i maestri francesi tradizionali, pieni di eloquenza, accettano non più della nuova architettura accettando sempre la costruzione con la forma appropriata delle sagome audaci e pittoresche del Medioevo con il Arredamento italiano rinascimentale. Per questo motivo nella tradizione dello stile Luis XII le tradizioni nazionali sono conservate per tutto il periodo, come i soffitti alti – solo il castello di Saint-Germain-in-Fangui era coperto da terrazze. Sebbene il progresso dell’artiglieria avesse restituito qualsiasi dispositivo di difesa inutile – fossero torri, fessure o cortine di castelli -, erano ancora tradizionalmente conservati, ma essendo vuoti di contenuto da trasformare in molti altri elementi decorativi Così, in molti edifici, come i castelli di Chenonceau, La Rochefoucauld, Villandry o, come nel caso di Azay-le-Rideau – restaurato nel diciannovesimo secolo – la permanenza della donjonit era giustificata più che dal maestoso simbolo che rappresentava; La sua funzione militare fu poi sostituita da quella di prestigio e apparato.

In questo movimento, le torri di avvistamento dei castelli medievali diventano, in Azay-le-Rideau, in graziose torrette angolari che escono, mentre le merlature dei rotondi percorsi si trasformano in piccole finestre, trasformando questo spazio in una piacevole galleria di circolazione. lo stile di Luigi XII, le finestre delle facciate hanno il loro “chambranle”, che collegano da pavimento a pavimento, formando una specie di tratto completato in lucernario lavorato. Questa griglia, che si trova nel castello di Blois o nel castello di Chambord, dà origine a una sensazione di regolarità, spesso “fittizia”, ​​sottolineando orizzontalmente e verticalmente, mentre la proliferazione di camini e pinnacoli sembra formare una corona nell’edificio , essendo un ultimo riflesso della magia medievale.

Questa interpretazione dei risultati del Bramante, anche se non rispetta in alcun modo i vecchi ordini, si trova nella sovrapposizione di archi incorniciati da pilastri che adornano i cortili del castello di La Rochefoucauld e poi quello di Chambord. Prima esecuzione Ex nihilo, il castello di Chambord è un luogo d’incontro per la caccia e le celebrazioni della corte, concepito come un sito di teatro disabitato. La presenza di Leonardo da Vinci e Domenico da Cortona (Boccador), fanno domande sul castello in francese a contatto con il Rinascimento italiano. Mentre le torri del Medioevo non avevano altre volte più delle finestre degli arcieri, una sovrapposizione di finestre con pilastri viene qui per illuminare l’edificio estesamente, mentre la corona in rovina scompare per la prima volta.

La decorazione lussureggiante è quindi legata soprattutto ai tetti di camini, lucernari e torrette, tutti decorati con lastre o dischi di ardesia, tabernacoli e pinguini trattati a piacimento del Nord Italia, sempre rievocando il rivestimento in marmo nero della Certosa di Pavia, dove Francesc Ero stato un prigioniero. Se lo sviluppo di appartamenti simmetrici con destino residenziale era una novità, l’organizzazione della pianta era ancora tradizionale, ricordando il castello di Vincennes, con un castello circondato da un muro dove si trovano il patio e le dipendenze comuni.3 Il progetto iniziale del 1519 tuttavia, dal 1526 fu modificato per trasferire l’appartamento del re in un’ala laterale: il molo centrato è incompatibile con il nuovo rituale della corte che richiedeva un appartamento reale di fila. Come in Villa Mèdici, ogni livello ora ha i suoi appartamenti sparsi attorno a un asse centrale per la doppia scala, progettato in collaborazione con Leonardo da Vinci. Tuttavia, il lavoro fu rallentato: dopo la sconfitta di Pavia, Francesc I fu costretto a tornare a Parigi.

Al suo ritorno dalla prigionia, nel 1527, sebbene il patrocinio dell’ambiente reale continuasse ad essere importante, il re non fu meno il protagonista degli sviluppi stilistici nel suo paese, a causa dei cambiamenti che fece a un’intera serie di castelli vicino al capitale a Villers-cotterêt e La Muette. Mentre nell’isola della Francia emergevano nuove innovazioni, la valle della Loira divenne il conservatorio del primo Rinascimento.

Il castello di Madrid, ora distrutto, riflette questa evoluzione: il Palacio de los Vargas de la Casa de Campo, la residenza di un grande finanziere spagnolo situato di fronte a dove era la prigione di Francesc I a Madrid, ispirò la realizzazione di questo palazzo senza fossa la pianta raccolta che è contro la tradizione francese. Realizzati come una nuova residenza per vacanze, gli appartamenti simmetrici sono organizzati nei pressi di una sala da ballo centrale, mentre due piani di logge formano la torre dell’edificio, presentando una decorazione inedita di ceramica smaltata realizzata da Della Robbia. L’altezza del castello era segnata dai padiglioni avanzati, che sostituivano qui le torri medievali di Chambord, il cui nuovo ritmo era ottenuto separando l’attico. L’uso di una pianta geometrica e la presenza di logge, che annunciano il Palazzo Farnese, sono un lontano riflesso di Poggio Reale a Napoli e della Villa medica.

Subito dopo, un evento di grande importanza ebbe luogo nel castello di Fontainebleau, convertito tra il 1530 e il 1540 nella residenza principale del sovrano. Sebbene esista un grande contrasto tra la qualità media dell’architettura e lo splendore della decorazione d’interni, le realizzazioni di Gilles le Breton segnano un profondo cambiamento che evidenzia la fine del periodo. Sebbene il mastio del XII secolo sia conservato, il patio ovale corrispondente all’antica fortezza medievale fu adornato da Rosso e Serliowith, un portico che si apre su una scala a doppio scarico. Il “padiglione della porta d’oro”, costruito per l’occasione, riprende le disposizioni osservate dal 1509 nel castello di Gaillon. Ma contrariamente a quanto si osserva nella Valle della Loira, in futuro si sceglierà un’austera architettura basata su pietre in muratura e pietre rivestite. Se sovrapponenti pilastri delle facciate, ma nulla comanda rispetto nelle antiche logge sovrapposte, i livelli di scansione di frontoni triangolari e rettangolari sui tetti tagliano un’impressione classica trasformando questa architettura, in un’entrata trionfale, come nel Castel Nuovo di Napoli. Ma prima che gli edifici del nuovo castello fossero completati, Francesc I portò un grande gruppo di artisti italiani ad abbellire il palazzo. Crea secondo i suoi desideri, una sorta di “nuova Roma”, che si chiamerà Scuola di Fontainebleau, con un influente circolo intellettuale e artistico. Fino alla sua morte, avvenuta nel 1540, Rosso è protagonista di quello che sta succedendo a Francesco Primaticcio: la decorazione della Galleria Francesc I, un vasto complesso dedicato all’esaltazione della monarchia francese, è l’espressione più bella. Negli anni successivi, l’acquisizione della successiva abbazia dei Trinitari, ha permesso di lasciare il cuore medievale del castello e di creare un moderno ex nihilo attorno a un imponente cortile d’onore. Ispirato alla Medical Villa, l’unione con il vecchio castello è stata realizzata attraverso una nuova ala porticata, che ha permesso il completamento della Galleria Francesc I, sovrapposta a lussuosi appartamenti con bagno privato. Per quanto riguarda il corpo centrale con i padiglioni quadrati della nuova ala del palazzo, fu ispirato dal castello di Bury, che scrisse, con la sua pianta rettilinea e i suoi lucernari con frontoni triangolari purificati, l’evoluzione classicista che segnò il Secondo Rinascimento

Alto Rinascimento
L’arte del periodo tra il regno di Francesco I e Enrico IV fu pesantemente influenzata dal Cinquecento italiano, già nella sua fase manierista, associata a pittori come Michelangelo o Parmigianino. Il manierismo mostra una retorica visiva caratterizzata da forme allungate ed eleganti, essendo la pittura storica considerata il genere più importante nella gerarchia dei generi. Spiccano i pittori Jean Clouet e il loro figlio François Clouet e gli italiani Rosso Fiorentino, Francesco Primaticcio e Niccolò dell’Abbate – la cosiddetta Scuola di Fontainebleau del 1531. Leonardo da VinciVisse in Francia negli ultimi anni (1516-1519) con il patrocinio di Francesc I, ma, fatta eccezione per i lavori che svolgeva, non eseguì alcuna commissione per il monarca. In architettura, sottolinea la presenza (tra il 1496-1508) di Giovanni Giocondo che, richiesto da Carlo VIII, condizionò e riabilitò diverse costruzioni (Pont Nôtre-Dame); così come quello di Sebastiano Serlio, sia per le sue costruzioni che per il suo trattato, I sette libri dell’architettura (1537-1551), che condizionerà i più importanti architetti francesi, come Philibert de l’Orme e Pierre Lescot.

Nella scultura, Benvenuto Cellini (Saler de Francesc I di Francia, 1539-1543) lascerà un’influenza classicista che rimase fino al XVII secolo. Tra gli scultori locali spiccavano Jean Goujon e Germain Pilon.

Mentre lavorava nei castelli della Loira, a Parigi l’antica fortezza del Louvre fu ricostruita come un palazzo urbano sotto la direzione di Pierre Lescot. A ovest del Louvre, Caterina de Mèdici costruì il Palazzo delle Tulleries con ampi giardini e una grotta.

Le guerre di religione hanno eclissato la produzione artistica, ma hanno fomentato la riflessione intellettuale e la propaganda religiosa e politica.

Sotto il Rinascimento
L’ascesa al trono di Enrico IV ha portato a un periodo di intenso sviluppo urbano a Parigi, che comprendeva la costruzione del Pont Neuf, la Place Dauphine 19, il Palais des Vosges, il Palais Royal e parti del Louvre. Lo stesso re ha riunito gli artisti della cosiddetta Second School of Fontainebleau: Toussaint Dubreuil, Martin Fréminet e Ambroise Dubois. Maria de ‘Medici, sua seconda moglie e reggente di Francia alla sua morte, chiamò Rubens, che dipinse opere di grandi dimensioni per il Palazzo del Lussemburgo. Un altro pittore di flamenco che lavorava per la sua corte era Frans Pourbus el Vell.

Alla corte dei duchi di Lorena – in quel tempo fuori dal regno di Francia – si sviluppò un tardo manierismo molto differenziato: artisti come Jacques Bellange, Claude Deruet e Jacques Callot, eccellenti incisori, con un leggero contatto con gli artisti francesi di il periodo, caratterizzato da uno stile intenso ed estremo, spesso erotico, tra scene notturne e immagini di incubi.

The Second Renaissance: Classicism (1540-1559/1564)
Il secondo Rinascimento segna dal 1540 la maturazione dello stile apparso all’inizio del secolo e la sua naturalizzazione, mentre la Valle della Loira finisce relegato come un conservatorio delle forme del primo Rinascimento. Questo nuovo periodo si sviluppò più tardi, principalmente durante i regni di Enric II, Francesc II e Carlos IX, da completare solo intorno al 1559-1564, nel momento in cui le guerre religiose in Francia, che saranno segnate dal massacro di San Bartolomeo e la controriforme cattolica.

Sebbene il primo Rinascimento sia stato gradualmente accettato nelle province, a Ille-de-France si fa tutta una serie di innovazioni. Dal 1540 il classicismo progredisce, dopo l’arrivo in Francia di Serlio (1475-1555): sebbene la sua opera architettonica fosse limitata, la sua influenza fu notevole per la pubblicazione di Sette libri dell’architettura (1537 -1551). Grazie alle sue opere registrate, fu tra i primi a iniziare altri artisti nella bellezza dei monumenti antichi, contribuendo a far evolvere piante e decorazioni verso una maggiore sobrietà e regolarità.

Gli architetti che, al tempo dello stile di Luigi XII e del Primo Rinascimento, erano maestri tradizionali e eloquenti di maestri, diventano poi studiosi e studiosi, facendo alcuni di loro studiando in Italia. Tuttavia, l’architettura francese continua a mantenere le proprie caratteristiche che seducono lo stesso Serlio: ci sono grossi ornamenti per edifici commemorativi commemorativi [sono grandi ornamenti per edifici come una corona] e le grandi soffitte sono ricoperte di ardesia blu da choses très plaisantes et nobles [ cose molto belle e nobili].

Segnando un vero cambiamento di stile, questa nuova generazione di artisti opera una sintesi originale tra le lezioni dell’antichità, quella del Rinascimento italiano e le tradizioni nazionali. Tra i più famosi, Philibert Delorme è l’autore dell’Hôtel Bullioud di Lione, i castelli di Saint-Maur-des-Fossés e Anet e la cappella di Villers-Cotterêts; Pierre Lescot costruì l’ala rinascimentale del Palazzo del Louvre e l’Hôtel de Jacques de Ligneris (Museo Carnavalet); Jean Bullant costruì i castelli di Ecouen e Fère-en-Tardenois e il loro piccolo castello di Chantilly.

Questi architetti collaborarono strettamente con gli scultori e definirono un’architettura e una decorazione studiate, preferendo la bellezza delle linee alla ricchezza dell’ornamentazione: Cellini scolpito per la Porta d’oro, il rilievo in bronzo della Ninfa di Fontainebleau; Il suo lavoro normalmente “manierista” suscitò una grande impressione in Francia e probabilmente influenzò Jean Goujon, autore della Sorgente degli Innocenti e la decorazione della facciata del Louvre. L’influenza manierista permea anche l’opera di Pierre Bontemps, responsabile della tomba di Francesco I a Saint-Denis, e il monumento al cuore di Francesco I.

In Borgogna, il castello di Ancy-le-Franc (1538-1546) fu uno dei primi progetti a rispondere a questo nuovo ideale. Progettato dall’architetto Serlio, questo castello costruito da Antoine III de Clermont, dal 1538 al 1546, segna un’evoluzione verso il classicismo in Francia. Con questo edificio, l’architettura modulare è stata nominata sul terreno francese. Solo qui ci sono i frontoni chiari delle finestre del primo piano, ricordano il Primo Rinascimento. Al di fuori di questo, nulla distoglie l’uniforme disposizione degli spazi vuoti in arcate o finestre, separati da una sezione di pilastri gemelli, chiudendo una nicchia e montati su uno stile elevato. Questa alternanza di un vuoto principale e di un vuoto secondario – simulato qui in seguito rappresentato da una nicchia – incorniciata da pilastri rappresenta uno dei primi esempi in Francia del tratto ritmico trattato con franchezza e rigore.

L’ala del Lescot du Louvre, una compagnia che inizia nel 1546, fu il capolavoro del Secondo Rinascimento. Questo lavoro di Pierre Lescot, un architetto antiquario, è stato decorato da Jean Goujon. La scala originariamente progettata al centro del corpo del Logis fu spostata su richiesta di Enric II per creare una grande stanza dove le cariatidi greche, libere su richiesta di Jean Goujon, dell’Erette sull’Acropoli di Atene. Alla maniera di un manifesto in stile francese predicato da Lescot, la facciata presenta una sovrapposizione di nuovi ordini classici senza raggiungere la regolarità italiana: man mano che cresce, le proporzioni stanno diventando sempre più belle e l’idea di incoronare i due ordini sovrapposti con una larga fascia decorata , dedicato all’acclimatazione in Francia, il piano attico così apprezzato in Italia, utilizzando per la prima volta le soffitte spaccate in Francia, per dare l’illusione di una soffitta dritta. Nonostante la sua piccola uscita, i grandi avamposti, l’ultimo ricordo delle torri medievali, sono sufficienti per “incoraggiare” la facciata. Le ammirevoli sculture di Goujon contribuiscono a rendere questo edificio un’opera unica. Al piano terra, gli archetti a punta centrale incorniciati da pilastri determinano l’accentuazione della verticale e dell’orizzontale mentre il gioco di sostegni doppi che incorniciano una nicchia decorata con una medaglia, rappresenta una disposizione che diventerà tipica dell’architettura francese.

Un altro importante risultato di questo periodo, il castello di Anet, fu diretto da Philibert Delorme, a spese del re, per Diana de Poitiers, l’amante di Enric II. Distrutto durante la rivoluzione francese, oggi non è conservato senza alterazioni più della cappella e dei tre ordini sovrapposti conservati nell’École des Beaux-Arts di Parigi. Convertito in tipico del Secondo Rinascimento, la pianta quadrangolare ha un logis situato di fronte all’ingresso. Piazzole fortificate, come Écouen, hanno cannoni per l’apparato e le parti. L’ingresso di una forma piramidale è una reminiscenza italiana che rappresenta un arco di trionfo interpretato da Delorme. Quattro colonne ioniche sostengono un arco che cade su un architrave, mentre le colonne dei passaggi laterali sono ispirate al Palazzo del Sangallo el Jove di Antonio Fornese. Sotto il taglio delle balaustre, un gioco di policromia di materiali, incornicia la Ninfa di Fontainebleau fatta da Cellini attraverso la porta d’oro di Fontainebleau. In cima, un gruppo di robot, scomparendo, segnava le ore. Philibert Delorme esprime il suo gusto per le strane invenzioni ispirate ai capricci di Michelangelo, ovunque: la cappella del castello di Anet è il successo più innovativo. Questa è stata la prima volta che la centrale è stata utilizzata in Francia. Se il taglio di nicchia circondato da pilastri è influenzato dalle realizzazioni contemporanee di Bramante e Miquel Àngel, il fregio che la corona è ispirata al Sangallo. Le sculture sono, forse, di Jean Goujon. L’edificio funge da gioiello dello smalto di Francesc I e degli apostoli di Scibec de Carpi. La volta della cupolaSi sviluppa una decorazione che comprende un fascio di cerchi che si riflettono, ottagonali, sul pavimento del pavimento. Questo motivo, ispirato dagli elementi che si trovano frequentemente nei mosaici romani, mostra il desiderio di superare il modello italiano riferendosi direttamente alle conquiste antiche, al fine di creare un’architettura originale nel francese.

Insieme a questi importanti progetti reali, le principali residenze della città partecipano alla naturalizzazione di questo nuovo stile: sotto l’impulso del Secondo Rinascimento, tutte le sontuose decorazioni di foglie e medaglioni squisiti che ornavano la Galleria dell ‘”Hotel de Chabouillé” de Moret-sur-Loing, scomparire di fronte al sistema di “proporzioni modulari”, rigorosamente applicato all’apertura della casa di Jean d’Alibert a Orleans, dove le parentesi curve, ispirate alla Scuola di Fontainebleau, superano le finestre.

Manierismo (1559/1564 – inizi del XVII secolo)
Formando un’ultima eco del Rinascimento e dell’umanesimo in Francia, quest’ultima fase è deviata dagli anni 1559/1564, del classicismo atmosferico dalla sua fantasia creativa, che può giustificare per questo stile il nome di manierista. Proprio quando iniziano le guerre religiose, segnate dal massacro di San Bartolomeo, il pessimismo e lo scetticismo hanno invaso uomini e artisti di semplice formazione umanista. I vecchi pensatori di riferimento saranno gli stoici, preferibilmente Platone. Se l’umanesimo sopravvive, la sua filosofia profonda si evolve, ripresa e ripensata dalla controriforme cattolica.

Dalla chiarezza delle forme e dal classicismo del secondo Rinascimento, c’è un’architettura manierista. Emergendo di nuovo con una forza rinnovata, il gioco di volumi e ricerche su luci e ombre, già barocche, si mescola a frontoni frammentati, pilastri, grottesche, pergamene o altre maschere, uscite dalla cultura rinascimentale. Finestre e soffitte invadono spesso la trabeazione: questo è noto come passerelle. Così all’Hôtel d’Angoulême Lamoignon di Parigi, intorno al 1584, un ordine colossale fu grande come nel Palacio Valmarana di Andrea Palladio, la trabeazione si spezzò con i solai che scendevano all’architrave. Gli architetti hanno una predilezione caratterizzata dalle colonne back to back, striate, ornate, essendo le più spettacolari colonne francesi di tronchi curvi inventati da Philibert Delorme e apparsi nel periodo precedente. Questa invenzione è parte di un gusto generale per ornamento, che si manifesta anche in abbigliamento, gioielli e ricami. È quindi un’espressione della nuova maturità nell’architettura francese. Delorme lo giustifica: “Se agli antichi architetti di vari paesi e nazioni è stato permesso di inventare nuove colonne (…), chi imporrà nuovi francesi, invenzioni, quelques-unites et appelions françaises”.

Nonostante una significativa caduta del patronato reale, legata alla situazione politica, Caterina de Mèdici e le élite sociali continuarono a commissionare opere ad artisti: Philibert Delorme fu incaricato dal 1564 di completare il castello di Saint-Maur e di costruire il palazzo di le Tulleries, costruzioni che proseguiranno in seguito da Jean Bullant, un architetto che incoronerà anche il ponte del castello di Chenonceau con una galleria (1576-1577). Per collegare il nuovo palazzo delle Tulleries con il vecchio Louvre, Jacques II Androuet du Cerceau inizia, intorno al 1594, la costruzione di quella della galleria d’acqua, completata successivamente da Louis Métezeau mentre si esibisce in parallelo a Diana de France, l’Hôtel Lamoignon .

La grande costruzione di questo tempo, il palazzo delle Tulleries iniziato da Delorme ha dovuto articolare attorno a tre patii con padiglioni coronati da cupole e con la creazione di giardini. Nella parte che si affaccia sul parco, il padiglione centrale affiancato da due ali longitudinali uniformi ha un’altezza solo di un piano terra che è completato da un impianto con solai sul tetto. Il padiglione centrale offre un ritmo fatto da colonne ben decorate, che ospita una scala elicoidale nei pressi di un grande vuoto pieno di colonne, completo solo sotto Enrico IV. È il lavoro più manierista di Delorme legato alle ultime produzioni di Florentines e Miquel Àngel. Ma Delorme morì nel 1570. Bullant, il suo successore, non riuscì a finire più di una parte. Questo lavoro è una testimonianza dell’architettura “francese”.

L’ala della “Bella Chimenea” del castello di Fontainebleau è rappresentativa del risultato del Rinascimento francese, anche se macchiata dal manierismo italiano. Progettato in modo grandioso da Francesco Primaticcio, intorno al 1565-1570, ha la particolarità di avere due rampe in rampe divergenti che ingrandiscono l’ingresso agli appartamenti di Carlo IX. Il Primaticcio potrebbe aver trovato l’idea delle due scale sulla rampa destra nelle grandi conquiste del Bramante in Vaticano o di Michelangelo in Campidoglio, invertendo il senso delle rampe. La facciata è decorata con grandi bronzi di temi mitologici, eseguiti tra il 1541 e il 1543 dal Primaticcio, inviato a Roma su richiesta di Francesc I, per fare copie di gesso ottenute sulle sculture di marmo che vi erano conservate. Un laboratorio di fonderia installato nel castello di Fontainebleau, nel cortile del Cavallo Bianco, ha permesso di eseguire il lavoro di fusione sotto la direzione dell’architetto italiano Jacopo Vignola.

Allo stesso tempo, per quanto riguarda uno “scambio forzato” con Diana de Poitiers, Caterina de Mèdici, nuova proprietaria del castello di Chenonceau, ha costruito sul “ponte di Diana” due gallerie sovrapposte che formano una reception unica al mondo dando al castello l’aspetto attuale, i lavori iniziarono nel 1576 e furono completati nel 1581. La galleria è probabilmente il lavoro di Bullant che sostituì Delorme nel favore reale. This new construction forms two superimposed spaces 60 m long and 5.85 m wide, illuminated by 18 windows. The ground floor consists of a succession of turrets in the middle of the moon, inspired by the exedrals of the terms of antiquity, which will compress the point of the platform carvings. These turrets end up in a balcony on the noble floor, the first one, with the most ornate walls on the ground floor. Typical of this Mannerist architecture, The facades have tall windows that are finished with wide curved pediments, connected by horizontal divisions with molded frames. Caterina de Mèdici also wanted to have a more classic finish with this castle that was still too gothic for its taste. It was with this intention that the central section, at the entrance to the castle, was decorated with two busts and that four new windows were pierced in the lateral sections; to accommodate the four caryatids inspired by the achievements of Giulio Romano, which is now conserved in the garden.

Marking a last artistic evolution of this late Renaissance, Pierre Lescot developed the castle of Vallery (1562), in which French rustic style can be named: constructed from 1548 for Marshal Jacques d’Albon de Saint -André, the building is characterized by a system of brick walls and toothed stone chains marking the angles of the building bodies and framing the sections of windows, cut by one or two bands of stone. The low cost, and also the charm of the polychrome of this “three-shaped” architecture, probably explains its success since the reign of Enric III and was developed widely at the beginning of the seventeenth century, in which it goes say the Louis XIII style:Wideville castle (1580-1584) in the Yvelines, the abbey palace of Saint-Germain-des-Prés or the castle of Rosny-sur-Seine (1595-1606).

Religious architecture
In religious domination in France, churches built in the Renaissance are less numerous than civil buildings, but a good name is still preserved. Even Gothic architecture continued to be widely used during the first part of the century as in the royal monastery of Brou. Some significant examples of Renaissance architecture are found in the Church of Saint Eustache in Paris – which marked the beginning of the transition between Gothic and Renaissance – and in the church of Saint-Étienne-du-Mont, in Paris, in the church of Sant Acceul d’Ecouen, in the church of Sant Miquel de Dijon, in the Abbey of Fontevraud -especially in the cloister and the chapter room-, in the cathedral of Sant Lluís de Blois and in the cathedral of Le Havre. Finally, there is a specific peculiarity of many churches built in the 16th century west of Brittany and that are surrounded by what is called the parochial enclosure, the enclosure that it incorporates in general, besides the church, a triumphal door, a bush, an ordeal and a built in a local Renaissance but very rich.

French Renaissance Revival styles
Châteauesque
Napoleon III style
Second Empire (architecture)

Other French Revival styles
Empire style (neoclassical)