La pittura fiorentina o la scuola fiorentina si riferisce ad artisti provenienti da, o influenzati dallo stile naturalistico sviluppato a Firenze nel 14 ° secolo, in gran parte attraverso gli sforzi di Giotto di Bondone e nel 15 ° secolo la principale scuola di pittura occidentale. Alcuni dei pittori più noti della precedente scuola fiorentina sono Beato Angelico, Botticelli, Filippo Lippi, la famiglia Ghirlandaio, Masolino e Masaccio.

Firenze fu la culla dell’Alto Rinascimento, ma agli inizi del XVI secolo gli artisti più importanti, tra cui Michelangelo e Raffaello, furono attratti da Roma, dove furono allora le maggiori commissioni. In parte ciò seguiva i Medici, alcuni dei quali diventarono cardinali e persino il papa. Un processo simile ha interessato poi artisti fiorentini. Nel periodo barocco, i numerosi pittori che lavoravano a Firenze erano raramente figure di spicco.

Prima del 1400
La prima arte toscana distintiva, prodotta nel 13 ° secolo a Pisa e Lucca, costituì la base per lo sviluppo successivo. Nicola Pisano ha mostrato il suo apprezzamento per le forme classiche come ha fatto suo figlio, Giovanni Pisano, che ha portato le nuove idee di scultura gotica nel vernacolo toscano, formando figure di naturalismo senza precedenti. Ciò fece eco nell’opera dei pittori pisani nei secoli XII e XIII, in particolare quella di Giunta Pisano, che a sua volta influenzò grandi talenti come Cimabue, e attraverso di lui Giotto e gli artisti fiorentini dei primi del XIV secolo.

Il più antico progetto pittorico fiorentino esistente su larga scala è la decorazione musiva degli interni della cupola del Battistero di San Giovanni, iniziata intorno al 1225. Sebbene gli artisti veneti fossero coinvolti nel progetto, gli artisti toscani hanno creato scene espressive e vivaci, che mostrano emozioni contenuto a differenza della tradizione bizantina prevalente. Si dice che Coppo di Marcovaldo sia stato responsabile della figura centrale di Cristo ed è il primo artista fiorentino coinvolto nel progetto. Come i pannelli della Vergine con il Bambino dipinti per le chiese servite di Siena e Orvieto, talvolta attribuiti a Coppo, la figura di Cristo ha un senso del volume.

Opere simili furono commissionate per le chiese fiorentine di Santa Maria Novella, Santa Trinita e Ognissanti tra la fine del XIII secolo e l’inizio del XIV secolo. Il pannello di Duccio del 1285 circa, la Madonna col Bambino in trono e sei Angeli o la Madonna dei Rucellai, per la Santa Maria Novella, ora nella Galleria degli Ufizi, mostra uno sviluppo dello spazio e della forma naturalistici e potrebbe non essere stato originariamente inteso come pale d’altare. I pannelli della Vergine furono usati in cima agli schermi, come nella Basilica di San Francesco d’Assisi, che ha il pannello nell’affresco della Verifica delle Stimmate nella vita di San Francesco. La Madonna di Santa Trinita di Cimabue e la Madonna di Rucellai di Duccio, tuttavia, mantengono il precedente stile di mostrare la luce sul drappeggio come una rete di linee.

Il senso della luce di Giotto sarebbe stato influenzato dagli affreschi che aveva visto mentre lavorava a Roma e nei suoi dipinti murali narrativi, in particolare quelli commissionati dalla famiglia Bardi, le sue figure sono collocate nello spazio naturalistico e possiedono dimensione ed espressione drammatica. Un approccio simile alla luce fu usato dai suoi contemporanei come Bernardo Daddi, la loro attenzione al naturalismo fu incoraggiata dai soggetti commissionati per le chiese francescane e domenicane del XIV secolo e influenzò i pittori fiorentini nei secoli successivi. Mentre alcune erano composizioni tradizionali come quelle relative al fondatore dell’ordine e ai primi santi, altre, come scene di eventi, persone e luoghi recenti, non avevano precedenti, che consentivano l’invenzione.

Il 13 ° secolo fu testimone di un aumento della domanda di dipinti su pannelli religiosi, in particolare di pale d’altare, sebbene la ragione di ciò fosse oscura, i pittori e falegnami toscani dei primi del 14 ° secolo crearono pale d’altare che erano pezzi più elaborati e multipanellati con una struttura complessa. I contratti dell’epoca notano che i clienti avevano spesso in mente una forma in legno quando commissionavano un artista e discutevano delle figure religiose da rappresentare con gli artisti. Il contenuto delle scene narrative nei pannelli della predella è tuttavia raramente menzionato nei contratti e potrebbe essere stato lasciato agli artisti interessati.

Chiese fiorentine commissionarono a molti artisti senesi la creazione di pale d’altare, come Ugolino di Nerio, a cui fu chiesto di dipingere un’opera su larga scala per l’altare della Basilica di Santa Croce, che potrebbe essere stato il primo polittico su un altare fiorentino. Le corporazioni, consapevoli dello stimolo portato dall’artigianato esterno, hanno reso facile per gli artisti di altre aree lavorare a Firenze. Gli scultori avevano una loro corporazione che aveva uno status minore, e nel 1316 i pittori erano membri dell’influente Arte dei Medici e Speziali. Le corporazioni stesse divennero importanti mecenate dell’arte e dall’inizio del XIV secolo varie importanti corporazioni supervisionarono il mantenimento e il miglioramento dei singoli edifici religiosi; tutte le gilde furono coinvolte nel restauro di Orsanmichele.

Il naturalismo sviluppato dai primi artisti fiorentini calò durante il terzo quarto del XIV secolo, probabilmente a causa della pestilenza. Le maggiori commissioni, come la pala d’altare per la famiglia Strozzi (risalente al 1354-57 circa) a Santa Maria Novella, furono affidate ad Andrea di Cione, il cui lavoro, e quello dei suoi fratelli, sono più iconici nel trattamento delle figure e hanno un precedente senso di spazio compresso.

Primo Rinascimento, dopo il 1400
Firenze continuò ad essere il centro più importante della pittura rinascimentale italiana. Le prime immagini veramente rinascimentali a Firenze risalgono al 1401, il primo anno del secolo noto in italiano come Quattrocento, sinonimo di primo Rinascimento; tuttavia, non sono dipinti. A quella data si tenne un concorso per trovare un artista per creare un paio di porte in bronzo per il Battistero di San Giovanni, la più antica chiesa rimasta in città. Il Battistero è un grande edificio ottagonale in stile romanico. L’interno della sua cupola è decorato con un’enorme figura a mosaico di Cristo in maestà che si pensava fosse stata progettata da Coppo di Marcovaldo. Ha tre grandi portali, quello centrale in quel momento era riempito da una serie di porte create da Andrea Pisano ottanta anni prima.

Le porte di Pisano erano divise in 28 scomparti a quadrifoglio, contenenti scene narrative della vita di Giovanni Battista. I concorrenti, di cui c’erano sette giovani artisti, dovevano ciascuno progettare un pannello di bronzo di forma e dimensioni simili, che rappresentava il sacrificio di Isacco. Sono sopravvissuti due dei pannelli, quello di Lorenzo Ghiberti e quello del Brunelleschi. Ogni pannello mostra alcuni motivi fortemente classicizzanti che indicano la direzione che arte e filosofia stavano muovendo, a quel tempo. Ghiberti ha usato la figura nuda di Isacco per creare una piccola scultura in stile classico. Si inginocchia su una tomba decorata con rotoli di acanto che sono anche un riferimento all’arte dell’antica Roma. Nel pannello del Brunelleschi, una delle figure aggiuntive incluse nella scena ricorda una famosa figura romana in bronzo di un ragazzo che estrae una spina dal suo piede. La creazione di Brunelleschi è stimolante nella sua intensità dinamica. Meno elegante di quello di Ghiberti, parla più del dramma umano e della tragedia incombente.

Ghiberti ha vinto il concorso. Il suo primo set di porte del Battistero impiegò 27 anni per essere completato, dopo di che gli fu commissionato di costruirne un altro. Nel totale dei 50 anni in cui Ghiberti ha lavorato su di loro, le porte hanno fornito un campo di allenamento per molti artisti di Firenze. Essendo narrativo in materia e impiegando non solo abilità nell’organizzare composizioni figurative ma anche l’abilità fiorente della prospettiva lineare, le porte dovevano avere un’enorme influenza sullo sviluppo dell’arte pittorica fiorentina. Sono stati un fattore unificante, una fonte di orgoglio e cameratismo sia per la città che per i suoi artisti. Michelangelo li avrebbe chiamati le Porte del Paradiso.

Cappella Brancacci
Nel 1426 due artisti iniziarono a dipingere un ciclo di affreschi della vita di San Pietro nella cappella della famiglia Brancacci, presso la chiesa carmelitana di Firenze. Entrambi furono chiamati con il nome di Tommaso e furono soprannominati Masaccio e Masolino, Slovenly Tom e Little Tom.

Più di ogni altro artista, Masaccio riconobbe le implicazioni nell’opera di Giotto. Ha portato avanti la pratica della pittura dalla natura. I suoi dipinti mostrano una comprensione dell’anatomia, dello scorcio, della prospettiva lineare, della luce e dello studio del drappeggio. Tra le sue opere, le figure di Adamo ed Eva espulse dall’Eden, dipinte sul lato dell’arco nella cappella, sono famose per la loro rappresentazione realistica della forma umana e dell’emozione umana. Sono in contrasto con le figure gentili e carine dipinte da Masolino sul lato opposto di Adamo ed Eva che ricevono il frutto proibito. Il dipinto della Cappella Brancacci fu lasciato incompleto quando Masaccio morì a 26 anni. L’opera fu in seguito terminata da Filippino Lippi. Il lavoro di Masaccio divenne fonte di ispirazione per molti pittori successivi,

Sviluppo della prospettiva lineare
Durante la prima metà del XV secolo, il raggiungimento dell’effetto dello spazio realistico in un dipinto attraverso l’impiego della prospettiva lineare è stata una delle maggiori preoccupazioni di molti pittori, così come gli architetti Brunelleschi e Alberti che entrambi hanno teorizzato sull’argomento. È noto che Brunelleschi abbia condotto numerosi studi accurati sulla piazza e sul battistero ottagonale fuori dal Duomo di Firenze e si pensa che abbia aiutato Masaccio nella creazione della sua famosa nicchia trompe l’oeil attorno alla Santissima Trinità che dipinse a Santa Maria Novella.

Secondo Vasari, Paolo Uccello era così ossessionato dalla prospettiva che pensò a poco altro e lo sperimentò in molti dipinti, il più noto dei quali furono le tre immagini della Battaglia di San Romano che usano armi rotte per terra e campi su colline lontane per dare un’impressione di prospettiva.

Nel 1450 Piero della Francesca, in dipinti come La Flagellazione di Cristo, dimostrò la sua padronanza sulla prospettiva lineare e anche sulla scienza della luce. Esiste un altro dipinto, un paesaggio urbano, di un artista sconosciuto, forse Piero della Francesca, che dimostra il tipo di esperimento che Brunelleschi stava facendo. Da questo momento la prospettiva lineare fu compresa e regolarmente impiegata, come ad esempio da Perugino nel suo Cristo che consegna le chiavi a San Pietro nella Cappella Sistina.

Comprensione della luce
Giotto ha usato la tonalità per creare forma. Taddeo Gaddi nella sua scena notturna nella Cappella Baroncelli ha dimostrato come la luce potesse essere usata per creare un dramma. Paolo Uccello, cento anni dopo, sperimentò l’effetto drammatico della luce in alcuni dei suoi affreschi quasi monocromatici. Ne fece alcune in terra verde o “terra verde”, animando le sue composizioni con tocchi di vermiglio. Il più noto è il suo ritratto equestre di John Hawkwood sul muro del Duomo di Firenze. Sia qui che sulle quattro teste dei profeti che dipinse attorno al quadrante interno della cattedrale, usò toni fortemente contrastanti, suggerendo che ogni figura fosse illuminata da una fonte di luce naturale, come se la fonte fosse una vera finestra nella cattedrale .

Piero della Francesca ha portato avanti il ​​suo studio della luce. Nella Flagellazione dimostra una conoscenza di come la luce viene diffusa proporzionalmente dal suo punto di origine. Ci sono due fonti di luce in questo dipinto, una interna a un edificio e l’altra esterna. Della sorgente interna, sebbene la luce stessa sia invisibile, la sua posizione può essere calcolata con certezza matematica. Leonardo da Vinci doveva portare avanti il ​​lavoro di Piero sulla luce.

La madonna
La Beata Vergine Maria, venerata dalla Chiesa cattolica in tutto il mondo, fu particolarmente evocata a Firenze, dove c’era una sua immagine miracolosa su una colonna nel mercato del mais e dove sia la Cattedrale di “Nostra Signora dei Fiori” che il grande domenicano la chiesa di Santa Maria Novella fu nominata in suo onore.

L’immagine miracolosa nel mercato del mais fu distrutta da un incendio, ma sostituita con una nuova immagine nel 1330 da Bernardo Daddi, incastonata in un baldacchino elaboratamente progettato e generosamente lavorato da Orcagna. Il piano inferiore aperto dell’edificio era chiuso e dedicato come Orsanmichele.

Le raffigurazioni della Madonna col Bambino erano una forma d’arte molto popolare a Firenze. Hanno preso ogni forma da piccole placche di terracotta prodotte in serie a magnifiche pale d’altare come quelle di Cimabue, Giotto e Masaccio. Le piccole madonne per la casa erano il lavoro del pane e del burro della maggior parte dei laboratori di pittura, spesso prodotti in gran parte dai membri junior seguendo un modello del maestro. Anche gli edifici pubblici e gli uffici governativi contenevano spesso questi o altri dipinti religiosi.

Tra coloro che hanno dipinto Madonne devozionali durante il primo Rinascimento ci sono Fra Angelico, Fra Filippo Lippi, Verrocchio e Davide Ghirlandaio. Successivamente il principale fornitore fu Botticelli e il suo laboratorio che produssero un gran numero di Madonne per chiese, case e anche edifici pubblici. Ha introdotto un grande formato tondo rotondo per grandi case. Le Madonne e i santi del Perugino sono noti per la loro dolcezza e un certo numero di piccole Madonne attribuite a Leonardo da Vinci, come la Madonna di Benois, sono sopravvissute. Anche Michelangelo, che era principalmente uno scultore, fu convinto a dipingere il Doni Tondo, mentre per Raffaello sono tra le sue opere più famose e numerose.

Birthing vassoi
Una specialità fiorentina era il desco da parto rotondo o a 12 facce o vassoio da parto, sul quale una nuova madre serviva dolci alle amiche che la visitavano dopo la nascita. Il resto del tempo sembrano essere stati appesi in camera da letto. Entrambi i lati sono dipinti, uno con scene per incoraggiare la madre durante la gravidanza, spesso raffigurante un bambino maschio nudo; la visione di immagini positive si riteneva promuovesse il risultato rappresentato.

Pittura e incisione
Intorno alla metà del secolo, Firenze divenne il principale centro italiano della nuova industria della stampa, poiché alcuni dei molti orafi fiorentini si dedicarono alla realizzazione di lastre per incisioni. Spesso copiarono lo stile dei pittori o i disegni forniti da loro. Botticelli fu uno dei primi a sperimentare disegni per illustrazioni di libri, nel suo caso di Dante. Antonio del Pollaiolo era orafo e tipografo e incise lui stesso la sua Battaglia degli uomini nudi; nelle sue dimensioni e raffinatezza ha portato la stampa italiana a nuovi livelli, e rimane una delle stampe più famose del Rinascimento.

Patronage and Humanism
A Firenze, nel tardo XV secolo, la maggior parte delle opere d’arte, anche quelle che venivano fatte come decorazione per le chiese, erano generalmente commissionate e pagate da mecenati privati. Gran parte del patrocinio proveniva dalla famiglia dei Medici, o da coloro che erano strettamente associati o collegati ad essi, come i Sassetti, i Ruccellai e i Tornabuoni.

Nel 1460 Cosimo de ‘Medici il Vecchio aveva stabilito Marsilio Ficino come suo filosofo umanista residente, e facilitato la sua traduzione di Platone e il suo insegnamento della filosofia platonica, che si concentrava sull’umanità come centro dell’universo naturale, sul rapporto personale di ogni persona con Dio, e sull’amore fraterno o “platonico” come il più vicino che una persona potrebbe arrivare all’emulazione o alla comprensione dell’amore di Dio.

Nel periodo medievale, tutto ciò che riguardava il periodo classico era percepito come associato al paganesimo. Nel Rinascimento divenne sempre più associato all’illuminazione. Le figure della mitologia classica iniziarono ad assumere un nuovo ruolo simbolico nell’arte cristiana e, in particolare, la Dea Venere assunse una nuova discrezione. Nata completamente formata, per una specie di miracolo, era la nuova Eva, simbolo di amore innocente o, per estensione, un simbolo della Vergine Maria stessa. Vediamo Venere in entrambi questi ruoli nei due famosi dipinti a tempera che Botticelli fece nel 1480 per il nipote di Cosimo, Pierfrancesco Medici, la Primavera e la Nascita di Venere.

Nel frattempo, Domenico Ghirlandaio, meticoloso e accurato disegnatore e uno dei più raffinati ritrattisti della sua epoca, eseguì due cicli di affreschi per gli associati dei Medici in due delle chiese più grandi di Firenze, la Cappella Sassetti a Santa Trinita e la Cappella Tornabuoni a Santa Maria Novella . In questi cicli della Vita di San Francesco e della Vita della Vergine Maria e della Vita di Giovanni Battista c’era spazio per i ritratti dei clienti e dei clienti. Grazie al patrocinio di Sassetti, c’è un ritratto dell’uomo stesso, con il suo datore di lavoro, Lorenzo il Magnifico, e i tre figli di Lorenzo con il loro tutore, il poeta e filosofo umanista Agnolo Poliziano. Nella Cappella Tornabuoni è un altro ritratto di Poliziano, accompagnato dagli altri membri influenti dell’Accademia Platonica tra cui Marsilio Ficino.

Influenza fiamminga
Dal 1450 circa, con l’arrivo in Italia del pittore fiammingo Rogier van der Weyden e forse prima, gli artisti furono introdotti al mezzo di pittura ad olio. Mentre sia la tempera che l’affresco si prestavano alla rappresentazione del motivo, nessuno dei due presentava un modo di successo per rappresentare realisticamente le trame naturali. Il mezzo altamente flessibile di oli, che può essere reso opaco o trasparente, e ha permesso alterazioni e aggiunte per giorni dopo che era stato posato, ha aperto un nuovo mondo di possibilità agli artisti italiani.

Nel 1475 arrivò a Firenze un’enorme pala dell’Adorazione dei pastori. Dipinto da Hugo van der Goes per volere della famiglia Portinari, fu spedito da Bruges e installato nella Cappella di Sant’Egidio all’ospedale di Santa Maria Nuova. La pala si illumina di rossi e verdi intensi, in contrasto con le vesti di velluto nero lucido dei donatori Portinari. In primo piano è una natura morta di fiori in contenitori a contrasto, uno di ceramica smaltata e l’altro di vetro. Il vaso di vetro da solo era abbastanza per suscitare attenzione. Ma l’aspetto più influente del trittico era la qualità estremamente naturale e realistica dei tre pastori con barbe tozze, mani logore ed espressioni che vanno dall’adorazione allo stupore fino all’incomprensione. Domenico Ghirlandaio ha prontamente dipinto la sua versione,

Commissione papale a Roma
Nel 1477 papa Sisto IV sostituì la vecchia cappella abbandonata in Vaticano in cui si svolgevano molte funzioni papali. L’interno della nuova cappella, denominata Cappella Sistina in suo onore, sembra essere stato progettato fin dall’inizio per avere una serie di 16 grandi affreschi tra i suoi pilastri a livello medio, con una serie di ritratti dipinti di papi sopra di essi.

Nel 1480 fu commissionato a un gruppo di artisti fiorentini: Botticelli, Pietro Perugino, Domenico Ghirlandaio e Cosimo Rosselli. Questo ciclo di affreschi doveva rappresentare Storie della vita di Mosè su un lato della cappella e Storie della vita di Cristo dall’altro con affreschi che si completano a vicenda nel tema. La Natività di Gesù e il ritrovamento di Mosè erano adiacenti sul muro dietro l’altare, con una pala d’altare dell’Assunzione della Vergine tra loro. Questi dipinti, tutti del Perugino, furono successivamente distrutti per dipingere il Giudizio Universale di Michelangelo.

Le restanti 12 immagini indicano il virtuosismo raggiunto da questi artisti e l’ovvia collaborazione tra individui che normalmente impiegavano stili e abilità molto diversi. I dipinti hanno dato ampio spazio alle loro capacità in quanto includevano un gran numero di figure di uomini, donne e bambini e personaggi che vanno dagli angeli guida ai faraoni infuriati e al diavolo stesso. Ogni quadro ha richiesto un paesaggio. A causa della scala delle figure su cui gli artisti concordavano, in ogni immagine, il paesaggio e il cielo occupano l’intera metà superiore della scena. A volte, come nella scena di La purificazione del lebbroso di Botticelli, ci sono ulteriori piccole narrazioni che si svolgono nel paesaggio, in questo caso Le tentazioni di Cristo.

La scena di Cristo che consegna le chiavi a San Pietro perugino è notevole per la chiarezza e la semplicità della sua composizione, la bellezza della pittura figurativa, che include un autoritratto tra gli spettatori, e in particolare il paesaggio urbano prospettico che include un riferimento al ministero di Pietro a Roma per la presenza di due archi trionfali e collocato centralmente un edificio ottagonale che potrebbe essere un battistero cristiano o un mausoleo romano.

Rinascimento
Firenze fu la culla dell’Alto Rinascimento, ma all’inizio del XVI secolo gli artisti più importanti furono attratti da Roma, dove iniziarono ad essere le maggiori commissioni. In parte ciò seguiva i Medici, alcuni dei quali diventarono cardinali e persino il papa.

Leonardo Da Vinci
Leonardo, per la portata dei suoi interessi e lo straordinario grado di talento che ha dimostrato in così tante aree diverse, è considerato l’archetipo “uomo del Rinascimento”. Ma fu prima di tutto come pittore ad essere ammirato nel suo tempo, e come pittore, attingeva alla conoscenza che aveva acquisito da tutti gli altri suoi interessi.

Leonardo era un osservatore scientifico. Ha imparato guardando le cose. Studiava e disegnava i fiori dei campi, i vortici del fiume, la forma delle rocce e delle montagne, il modo in cui la luce si rifletteva nel fogliame e scintillava in un gioiello. In particolare, ha studiato la forma umana, sezionando trenta o più cadaveri non reclamati da un ospedale per comprendere muscoli e tendini.

Più di ogni altro artista, ha avanzato lo studio dell ‘”atmosfera”. Nei suoi dipinti come la Gioconda e la Vergine delle rocce, usava la luce e l’ombra con una tale finezza che, per mancanza di una parola migliore, divenne noto come “sfumato” o “fumo” di Leonardo.

Contemporaneamente all’invito dello spettatore in un misterioso mondo di ombre mutevoli, montagne caotiche e torrenti vorticosi, Leonardo raggiunse un certo realismo nell’espressione dell’emozione umana, prefigurata da Giotto ma sconosciuta dai tempi di Adamo ed Eva di Masaccio. L’ultima cena di Leonardo, dipinta nel refettorio di un monastero di Milano, divenne il punto di riferimento per la pittura narrativa religiosa per il prossimo mezzo millennio. Molti altri artisti del Rinascimento dipinsero versioni dell’Ultima Cena, ma solo Leonardo era destinato a essere riprodotto innumerevoli volte in legno, alabastro, gesso, litografia, arazzo, uncinetto e tappeti da tavola.

Oltre all’impatto diretto delle opere stesse, gli studi di Leonardo su luce, anatomia, paesaggio ed espressione umana sono stati in parte diffusi attraverso la sua generosità a un seguito di studenti.

Michelangelo
Nel 1508 papa Giulio II riuscì a far sì che lo scultore Michelangelo accettasse di continuare lo schema decorativo della Cappella Sistina. Il soffitto della Cappella Sistina fu costruito in modo tale che c’erano dodici pendenti inclinati a sostegno della volta che formavano superfici ideali su cui dipingere i Dodici Apostoli. Michelangelo, che aveva ceduto alle esigenze del Papa con poca grazia, ben presto ideò uno schema completamente diverso, molto più complesso sia nel design che nell’iconografia. La scala del lavoro, che eseguì con una sola mano tranne che per l’assistenza manuale, fu titanica e impiegò quasi cinque anni per essere completata.

Il piano del Papa per gli Apostoli avrebbe costituito tematicamente un legame pittorico tra i racconti dell’Antico Testamento e del Nuovo Testamento sui muri e i papi nella galleria dei ritratti. Sono i dodici apostoli e il loro capo Pietro come primo vescovo di Roma, a fare quel ponte. Ma lo schema di Michelangelo è andato nella direzione opposta. Il tema del soffitto di Michelangelo non è il grande piano di Dio per la salvezza dell’umanità. Il tema riguarda la disgrazia dell’umanità. Riguarda perché l’umanità e la fede avevano bisogno di Gesù.

Superficialmente, il soffitto è una costruzione umanista. Le figure sono di dimensione sovrumana e, nel caso di Adamo, di una tale bellezza che secondo il biografo Vasari sembra davvero che Dio stesso abbia disegnato la figura, piuttosto che Michelangelo. Ma nonostante la bellezza delle singole figure, Michelangelo non ha glorificato lo stato umano e certamente non ha presentato l’ideale umanista dell’amore platonico. In effetti, gli antenati di Cristo, che ha dipinto intorno alla parte superiore del muro, dimostrano tutti gli aspetti peggiori delle relazioni familiari, mostrando disfunzione in tutte le forme diverse quante sono le famiglie.

Vasari ha elogiato i poteri apparentemente infiniti dell’invenzione di Michelangelo nel creare posture per le figure. Raffaello, a cui fu data un’anteprima dal Bramante dopo che Michelangelo aveva abbattuto il pennello e si era precipitato a Bologna con rabbia, dipinse almeno due figure a imitazione dei profeti di Michelangelo, uno nella chiesa di Sant’Agostino e l’altro in Vaticano, il suo ritratto di Michelangelo stesso nella Scuola di Atene.

Raphael
Con Leonardo da Vinci e Michelangelo, il nome di Raffaello è sinonimo di Rinascimento, anche se era più giovane di Michelangelo di 18 anni e Leonardo di quasi 30. Non si può dire di lui che ha notevolmente migliorato lo stato della pittura come i suoi due famosi contemporanei fatto. Piuttosto, il suo lavoro è stato il culmine di tutti gli sviluppi del Rinascimento.

Raffaello ebbe la fortuna di nascere figlio di un pittore, quindi il suo percorso professionale, a differenza di quello di Michelangelo che era il figlio di una nobiltà minore, fu deciso senza litigi. Alcuni anni dopo la morte di suo padre, lavorò nella bottega umbra del Perugino, un eccellente pittore e un eccellente tecnico. Il suo primo dipinto firmato e datato, eseguito all’età di 21 anni, è il fidanzamento della Vergine, che rivela immediatamente le sue origini nel Cristo del Perugino che consegna le chiavi a Pietro.

Raffaello era un personaggio spensierato che ha spudoratamente attinto alle abilità dei rinomati pittori le cui durate di vita racchiudevano la sua. Nelle sue opere vengono riunite le qualità individuali di numerosi pittori diversi. Le forme arrotondate e i colori luminosi del Perugino, la ritrattistica realistica del Ghirlandaio, il realismo e l’illuminazione di Leonardo e il potente drappeggio di Michelangelo si unirono nei dipinti di Raffaello. Nella sua breve vita eseguì una serie di grandi pale d’altare, un imponente affresco classico della ninfa del mare, Galatea, ritratti eccezionali con due papi e uno scrittore famoso tra loro, e, mentre Michelangelo stava dipingendo il soffitto della Cappella Sistina, una serie di pareti affreschi nelle camere vaticane nelle vicinanze, di cui la Scuola di Atene è straordinariamente significativa.

Questo affresco raffigura un incontro di tutti gli antichi ateniesi più colti, riuniti in una cornice classica attorno alla figura centrale di Platone, che Raffaello ha modellato notoriamente su Leonardo da Vinci. La figura meditabonda di Eraclito, che siede accanto a un grande blocco di pietra, è un ritratto di Michelangelo ed è un riferimento al dipinto di quest’ultimo del profeta Geremia nella Cappella Sistina. Il suo ritratto è a destra, accanto al suo insegnante, Perugino.

Ma la fonte principale della popolarità di Raffaello non erano le sue opere principali, ma le sue piccole immagini fiorentine della Madonna e di Gesù Bambino. Ha ripetutamente dipinto la stessa donna bionda paffuta e paffuta e la sua successione di bambini paffuti, la più famosa probabilmente è La Belle Jardinière (“La Madonna del bellissimo giardino”), ora al Louvre. La sua opera più grande, la Madonna Sistina, utilizzata come disegno per innumerevoli vetrate, è arrivata, nel 21 ° secolo, a fornire l’immagine iconica di due piccoli cherubini che è stata riprodotta su tutto, dai tovaglioli di carta agli ombrelli.

Manierismo primitivo
I primi Manieristi a Firenze, in particolare gli studenti di Andrea del Sarto come Jacopo da Pontormo e Rosso Fiorentino, sono noti per forme allungate, pose precariamente equilibrate, una prospettiva collassata, scenari irrazionali e illuminazione teatrale. Come leader della Prima Scuola di Fontainebleau, Rosso fu una delle forze maggiori nell’introduzione dello stile rinascimentale in Francia.

Parmigianino (uno studente di Correggio) e Giulio Romano (assistente di Raffaello) si stavano muovendo in direzioni estetiche similmente stilizzate a Roma. Questi artisti erano maturati sotto l’influenza dell’Alto Rinascimento e il loro stile è stato caratterizzato come una reazione o un’estensione esagerata di esso. Invece di studiare direttamente la natura, gli artisti più giovani hanno iniziato a studiare la scultura ellenistica e i dipinti del passato dei maestri. Pertanto, questo stile è spesso identificato come “anti-classico”, ma all’epoca era considerato una progressione naturale dal Rinascimento. La prima fase sperimentale del manierismo, nota per le sue forme “anti-classiche”, durò fino al 1540 circa o 1550. Marcia B. Hall, professore di storia dell’arte alla Temple University, nota nel suo libro Dopo Raffaello che Raffaello

Manierismo successivo
Il Bronzino (morto nel 1572), allievo di Pontormo, era principalmente un ritrattista di corte per la corte dei Medici, in uno stile manierista formale alquanto gelido. Nella stessa generazione, Giorgio Vasari (morto nel 1574) è ricordato molto meglio come l’autore delle Vite dei più eccellenti pittori, scultori e architetti, che ebbe un effetto enorme e duraturo nel consolidare la reputazione della scuola fiorentina. Ma era il principale pittore della pittura di storia nella corte dei Medici, anche se il suo lavoro è ora generalmente visto come teso dopo l’impatto che ha il lavoro di Michelangelo e non riesce a raggiungerlo. Questo era diventato un difetto comune nella pittura fiorentina nei decenni successivi al 1530, poiché molti pittori cercarono di emulare i giganti del Rinascimento.

Barocco
A partire dal periodo barocco, Firenze non era più il centro di pittura più importante in Italia, ma era comunque importante. Artisti di spicco nati in città e che, a differenza di altri, hanno trascorso gran parte della loro carriera lì, includono Cristofano Allori, Matteo Rosselli, Francesco Furini e Carlo Dolci. Pietro da Cortona è nato nel Granducato di Toscana e ha lavorato molto in città.