Rassegna della mostra nei primi anni, Museo di Arte Moderna di Stoccolma, Svezia

Il Museo di Arte Moderna (Moderna Museet) è un museo statale di arte moderna e contemporanea situato sull’isola di Skeppsholmen, un ambiente di bellezze naturali. Inaugurato nel 1958, l’edificio è stato progettato dall’architetto spagnolo Rafael Moneo. Nel 2009, il museo ha aperto una nuova filiale a Malmö, nel sud della Svezia, Moderna Museet Malmö.

Moderna Museet è un museo statale con mandato nazionale per l’arte moderna e contemporanea. La collezione è all’avanguardia nel suo genere in Europa. Il museo è un luogo d’incontro per le persone e l’arte con una solida base nella società e nel mondo in generale. Con il suo programma di mostre di livello mondiale, progetti basati su collezioni e attività educative, Moderna Museet ha una notevole presenza locale e una portata internazionale. Lo scambio con altre istituzioni d’arte in tutto il mondo è ampio.

Il Museo d’Arte Moderna di Stoccolma è un’autorità amministrativa statale sotto il Ministero della Cultura e ha, secondo le sue istruzioni, il compito di raccogliere, conservare, mostrare e comunicare l’arte del XX e XXI secolo in tutte le sue forme. Moderna Museet promuoverà i contatti internazionali attraverso la collaborazione con istituzioni al di fuori della Svezia sotto forma di mostre itineranti e sarà anche responsabile della partecipazione svedese alle biennali d’arte internazionali. Il Museo Moderno è anche un museo centrale, con responsabilità nazionale nella sua area.

Il Moderna Museet fu inaugurato nella palestra di Skeppsholmen, il 9 maggio 1958. Il Sovrintendente del Museo Nazionale, Otte Sköld, ricordava nel suo discorso inaugurale che già nel 1908 il problema dell’attuale arte locale nel Museo Nazionale era stato affrontato seriamente e l’idea di un nuovo edificio per queste collezioni. Poco prima della sua morte, Otte Sköld vide di persona il museo realizzato e il suo impegno nella creazione del nuovo museo fu decisivo. Insieme, tra gli altri, agli Amici del Museo Moderno, fondato nel 1953, ha dato la propria sede alla collezione d’arte del XX secolo del Museo Nazionale. I sovrintendenti guida del museo Pontus Hultén e Olle Granath sono venuti con i loro contatti e iniziative per perseguire queste intenzioni nei decenni successivi.

Il 14 febbraio 2004 l’edificio del museo è stato riaperto con festeggiamenti. Oltre alle riparazioni, era stata colta l’occasione per migliorare alcuni spazi, in parte per facilitare la circolazione dei visitatori all’interno del museo, in parte per utilizzare in modo più adeguato lo spazio d’ingresso superiore. Contestualmente è stato aggiornato il profilo grafico del museo. Un’altra importante novità della riapertura è stata l’introduzione di host museali: persone che hanno una varietà di competenze, dal salvataggio di vite all’essere in grado di raccontare ai visitatori le opere d’arte sia nelle mostre permanenti che in quelle temporanee. Il motivo per l’introduzione di nuovi host è stato quello di soddisfare il grande aumento del numero di visitatori da quando è stata abolita la quota di ammissione.

Nel 1901 l’architetto John Smedberg stabilì un bellissimo edificio per la centrale elettrica su Gasverksgatan 22. Oggi, la missione di trasformare l’edificio in un museo più appropriato è andata al pluripremiato studio di architetti Tham & Videgård Hansson Arkitekter. Hanno scelto di creare un nuovo annesso, un’aggiunta contemporanea all’edificio storico. E dai agli interni un ordine spaziale completamente nuovo.

La passione di Moderna Museet è mediare l’arte per le persone. Abbracciare, sfidare e ispirare le persone e siamo guidati dall’ambizione di parlare con molti. Moderna Museet inclusivo e per celebrare la diversità riconoscendo che le persone arrivano da punti di partenza diversi. Moderna Museet coinvolge un pubblico più ampio condividendo la meraviglia dell’arte.

Moderna Museet ha una lunga storia nell’ospitare artisti internazionali per mostre, spettacoli e altre presentazioni innovative, nonché attraverso la sua collezione di fama mondiale. Scopri una delle collezioni d’arte più importanti d’Europa dal XX secolo a oggi, con opere di artisti tra cui Picasso, Dalì, Derkert e Matisse.

Lo straordinario potere dell’arte è la nostra linfa vitale. L’arte nasce e riflette il proprio tempo. Consente domande che generano nuove prospettive; gli artisti sono una forza enorme e stimolano una creatività più ampia. Moderna Museet promuove l’arte perché forgia nuovi percorsi e consente una visione riflessiva sia della storia che del presente.

Moderna Museet era una piattaforma stimolante per le persone e l’arte, per essere un museo vibrante, aperto e dinamico che esiste come spirito, uno che offre al pubblico modi efficaci, coinvolgenti e diretti di incontrare l’arte in termini di parità. Moderna Museet ispira e crea spazio per nuove idee essendo una piattaforma stimolante che rende l’arte di livello mondiale accessibile a un vasto pubblico. Stabiliamo nuovi standard per i musei d’arte in tutto il mondo.

Moderna Museet raccoglie, conserva, mostra e media l’arte moderna e contemporanea. Moderna Museet gestisce il nostro patrimonio culturale in base ai più alti standard di eccellenza e genera ricerca che porta a collaborazioni e riconoscimenti internazionali di alta qualità. Moderna Museet è un’istituzione leader nel nostro campo e crediamo nella condivisione delle nostre conoscenze.

La collezione, la ricerca, le mostre, la mediazione e la comunicazione di Moderna Museet devono completarsi e fertilizzarsi a vicenda; queste attività non possono stare da sole. Moderna Museet ci definiamo in base ai contesti in cui siamo coinvolti. Il nostro obiettivo di rendere la più grande arte disponibile al maggior numero possibile di persone deve basarsi su pratiche sostenibili che tengano conto degli impatti ambientali e sociali. Moderna Museet deve essere guidato dal coraggio di sperimentare, osare spingersi oltre i confini e intraprendere nuove strade nel modo in cui gestiamo i nostri compiti.

Con una collezione d’arte che comprende più di 130 000 opere, Moderna Museet (Museo di arte moderna) è il principale museo svedese per l’arte moderna e contemporanea. Moderna Museet possiede una delle più belle collezioni d’arte moderna e contemporanea d’Europa. Le collezioni contengono pittura contemporanea, scultura, fotografia e film d’arte dal 1900 in poi, e nel caso delle fotografie anche dal 1840 circa.

Combinando capolavori internazionali di artisti come Warhol, Picasso e Dalì con mostre temporanee di artisti di spicco del XX e XXI secolo, Moderna Museet riesce ad attirare molti visitatori di ritorno per un’esperienza artistica in continua evoluzione. La collezione originale era dominata dall’arte svedese e nordica, dall’arte americana degli anni ’50 e ’60 e dal modernismo di ispirazione francese, tuttavia, la collezione è stata ampliata per includere più artisti femminili e per creare una collezione più versatile con opere provenienti da tutto il mondo.

Il Moderna Museet organizza ogni anno diverse grandi mostre sia a Stoccolma che a Malmö, una serie di mostre di medie e piccole dimensioni. Nel 2012, il museo di Stoccolma ha avuto circa 500.000 visitatori e il museo di Malmö oltre 100.000 visitatori.

Sin dall’inizio, nel 1958, il Museo è noto per la sua stretta relazione con gli artisti: Marcel Duchamp, ad esempio, ha firmato molte delle sue opere a Stoccolma verso la fine della sua vita, e Andy Warhol ha avuto la sua prima mostra personale in un museo in Europa presso Moderna Museet nel 1968.

La collezione Moderna Museet comprende ora circa 6.000 dipinti, sculture e installazioni, 25.000 acquerelli, disegni e stampe, 400 video e film d’arte e 100.000 fotografie. La collezione comprende dipinti, sculture, installazioni, film, video, disegni e stampe di artisti svedesi e internazionali del XX e XXI secolo e la fotografia dal 1840 fino ad oggi.

Grazie a mirate iniziative di collezionismo, il Museo è riuscito ad ampliare con successo l’ampiezza e la profondità della propria collezione. Nel 1963 fu lanciato Il Museo dei Nostri Desideri, trasformando immediatamente il Museo in una delle principali istituzioni artistiche europee; il governo ha contribuito con 5 milioni di corone svedesi per l’acquisizione di opere iconiche di Giacomo Balla, Francis Picabia, Kurt Schwitters, Giorgio de Chirico e molti altri. Alcuni decenni fa, l’esercizio è stato ripetuto, ma questa volta mettendo in luce solo le artiste donne: alla collezione sono state aggiunte opere di Louise Bourgeois, Dorothea Tanning, Judy Chicago, Susan Hiller e altri.

Solo una parte della collezione può essere esposta. Ma ci consente di esplorare e riformulare la narrativa storica dell’arte standard attraverso nuove intuizioni e continui cambiamenti nella mostra. Ciò include Moderna Museet Malmö, con il suo punto di vista innovativo sulla selezione e l’esposizione delle opere della collezione sin dall’apertura nel 2009.

Una grande collezione d’arte è il miglior punto di partenza possibile per esperimenti visivi e intellettuali. Moderna Museet, in quanto museo aperto e vivente, riscrive costantemente la storia standard del modernismo riorganizzando frequentemente la sua collezione in modi radicalmente nuovi. Dal 2009, il Museo ha due sedi, Stoccolma e Malmö, dove sono state presentate regolarmente selezioni innovative di opere della collezione sin dall’apertura. Alcune delle opere iconiche, come il Morocco Landscape (Acanthus) di Henri Mattisse, il Monogram di Robert Rauchenberg e la scultura Untitled di Eva Hesse, sono quasi sempre disponibili per il controllo.

Esplosione! – Dipingere come azione
Explosion esplora le ricche e complesse concimazioni incrociate e le terre di confine della pittura, della performance e dell’arte concettuale. Traccia questa idea ampliata della pittura come azione dalla fine degli anni ’40 fino ad oggi. La mostra includerà opere in diversi mezzi di circa 45 artisti provenienti da molte parti del mondo come l’importante gruppo giapponese Gutai, tra gli altri Shozo Shimamoto, Sadamasa Motonaga, Saburo Murakami e Kazuo Shiraga, insieme ad artisti come Allan Kaprow, Jackson Pollock, Niki de Saint Phalle, Yves Klein, Ana Mendieta, Alison Knowles, Rivane Neuenschwander, Yoko Ono e Lawrence Weiner.

Dopo la seconda guerra mondiale, un certo numero di pittori in diverse parti del mondo iniziò ad attaccare i presupposti fondamentali della pittura in modi che erano allo stesso tempo aggressivi e giocosi. Molti artisti attribuivano tanta importanza all’atto creativo stesso quanto al dipinto che ne risultava. In questa terra di confine tra pittura e performance, il caso o lo spettatore venivano spesso reclutati come co-creatori dell’opera. Questo atteggiamento sperimentale e concettuale nei confronti della pittura e dell’arte ha successivamente ispirato molti altri artisti. Negli ultimi anni è cresciuto l’interesse per la performance art, e con esso l’interesse per le sue radici.

Ignasi Aballì (1958)
L’opera Persones di Ignasi Aballí consiste in una lunga fila di impronte sporche lungo un muro. Sono stati realizzati dall’artista appoggiato al muro e appoggiato languidamente un piede contro di esso. L’opera funge anche da coreografia, poiché il pubblico è invitato a completarla appoggiandosi al muro e lasciando impronte sporche sulla parete del museo, normalmente immacolata e bianca. Aballí è consumato dai problemi dell’assenza e della scomparsa e dai vari modi di catturare il tempo. La sua pratica è spesso concettuale, basata sul suo background di pittore.

William Anastasi (1933)
All’inizio degli anni ’70, William Anastasi iniziò a lavorare su una serie di disegni alla cieca quando era sulla metropolitana di New York. Spesso andava da John Cage a giocare a scacchi. Con il suo taccuino in grembo e una penna in ogni mano, indossava i suoi grandi auricolari e chiudeva gli occhi per concentrarsi e raggiungere uno stato mentale meditativo. Il suo corpo si muoveva con i sobbalzi, gli arresti e le accelerazioni del treno. Come un sismografo, Anastasi registrava i cambiamenti nella sua posizione. Facendosi strumento di registrazione del movimento del treno, rinunciò alla sua paternità dei disegni. Il titolo dell’opera è l’epoca in cui è stata realizzata.

Janine Antoni (1964)
Janine Antoni usa i suoi capelli come un pennello per dipingere il pavimento della galleria con il colorante per capelli Loving Care. Antoni esplora i rituali quotidiani che eseguiamo sui nostri corpi. Prende le attività quotidiane, come mangiare, fare il bagno e lavare il pavimento, e le trasforma in processi scultorei, imitando i rituali dell’arte. Si intaglia i denti e dipinge con i capelli e le ciglia. I materiali che usa sono quelli normalmente usati sul corpo per definirlo nella società: sapone, strutto, cioccolato e tinture per capelli. Il loro particolare significato per le donne significa che le sue opere vengono interpretate in modo diverso a seconda del genere dello spettatore, afferma.

Giovanni Baldessari (1931)
Figlio di un padrone di casa, John Baldessari doveva occasionalmente ristrutturare appartamenti. Faceva finta di fare un quadro quando dipingeva un muro. Questo piacevole esercizio concettuale lo ha aiutato a superare il monotono compito. Iniziò anche a pensare alla differenza tra un tipo di pittore e l’altro. In Six Colorful Inside Jobs, Baldessari permette a una persona di ridipingere una stanza per sei giorni nei sei colori primari e secondari, filmandola tutta dall’alto. Ore di pittura diventano minuti di film. Il titolo è un gioco di parole. Inside Job allude a un film poliziesco hollywoodiano. L’orario corrisponde a sei giorni feriali lavorativi. Come Dio, il pittore si riposa il settimo giorno.

Lynda Benglis (1941)
Nella serie di opere di Lynda Benglis, Pours, la pittura viene versata da grandi tini e lasciata asciugare sul pavimento. Così, la pittura ha il carattere di una scultura, pittura essiccata senza “supporto” sotto forma di tela o pannello. A differenza di Pollock, il quadro non è appeso a una parete ma è installato direttamente sul pavimento. Oltre alle loro qualità pittoriche e scultoree, le opere di Benglis sono anche un commento a Pollock, che viene ulteriormente esaltato nelle immagini pubblicate sulla rivista americana Life nel 1970, insieme a un’immagine più piccola della pittura di Pollock.

Olle Bonnier (1925)
Olle Bonniér ha mostrato per la prima volta il suo lavoro in una leggendaria mostra collettiva a Stoccolma nel 1947. Due anni dopo, nel 1949, ha creato l’opera Plingeling, che è sia un dipinto astratto che uno spartito musicale. Questo dipinto bianco potrebbe essere visto come un universo iridescente. I punti che sorgono in questo universo hanno orbite irrazionali, occasionalmente si scontrano tra loro in modo da generare un tintinnio. Plingeling non contiene istruzioni esplicite su come dovrebbe essere suonato e il risultato è diverso ogni volta che viene eseguito. Il lavoro di Bonniér è un primo esempio di pittura performativa, un’opera creata come un dipinto ma incorpora istruzioni che possono essere trasformate in musica.

George Brecht (1926-2008)
Water Yam è un libro d’artista che Georg Brecht pubblicò originariamente nel 1963, in una scatola disegnata da George Maciunas, che scrisse il Manifesto Fluxus. Questa scatola, che a volte viene chiamata Fluxbox o Fluxkit, contiene carte di diverse dimensioni che sono punteggi di evento, o punteggi di Flux, per vari tipi di eventi. Le partiture spesso lasciano spazio al caso o alle coincidenze, costringendo l’utente, o il pubblico se la partitura è eseguita pubblicamente, a fare la propria interpretazione e diventare così co-creatori dell’opera. Brecht ha affermato che le sue partiture avevano lo scopo di garantire “che i dettagli della vita quotidiana, le costellazioni casuali di oggetti che ci circondano, smettano di passare inosservati”.

Tony Corrado (1940)
Quando Tony Conrad arrivò a New York negli anni ’60, era scettico nei confronti della scena artistica, ma scoprì la vibrante scena cinematografica, trovandola più interessante poiché era indipendente dalle istituzioni artistiche. Conrad voleva combinare il cinema con i nuovi entusiasmanti sviluppi della pittura. Una delle sue strategie era quella di realizzare film ultra lunghi. Andy Warhol aveva realizzato film che andavano avanti per 24 ore. Il lavoro di Conrad Yellow Movie è un film che va avanti da 40 anni! L’idea è che la vernice economica cambia gradualmente colore nel tempo. Nessuno può misurare il cambiamento in atto nel “film”, ma questo non ha alcuna conseguenza, poiché sta avvenendo nella tua immaginazione, dice Conrad.

Öyvind Fahlström (1928–1976)
Öyvind Fahlström è stato un artista poliedrico che ha lavorato sperimentalmente e in diverse discipline. Era un artista visivo, uno scrittore, un regista e un compositore. Il suo incontro con la pop art e la cultura dei fumetti a New York nei primi anni ’60 ha avuto un impatto radicale sulla sua arte e ha iniziato a realizzare dipinti variabili sotto forma di giochi da tavolo. I giochi erano il suo modo di illustrare le costellazioni del potere politico, sociale ed economico. Gli spettatori sono intenzionalmente invitati a spostare i marcatori e gli elementi dei dipinti per formare nuove combinazioni.

Ceal Floyer (1968)
Le principali preoccupazioni di Ceal Floyer sono luce, ombra e colore e come percepiamo e interpretiamo il mondo con i nostri sensi. Con un uso prolifico della tecnologia moderna, crea opere basate su idee che combinano l’eleganza con l’apparente semplicità. Qui, lo schermo del monitor è interamente riempito di colori intercambiabili. Si tratta infatti di primi piani di un bicchiere d’acqua, in cui sono immersi pennelli con pigmenti diversi. I pigmenti corrispondono ai colori di base della tecnologia video. Così, Floyer unisce il colore analogico e digitale.

Pinot Gallizio (1902-1964)
Nel 1959 viene pubblicato il manifesto per la pittura industriale di Pinot Gallizio. L’arte industriale doveva essere prodotta meccanicamente e resa disponibile a tutti. L’arte doveva essere fatta tra la gente, o per niente. L’idea era che migliaia di chilometri di tela sarebbero stati prodotti in serie e poi distribuiti al popolo, per liberarlo dall’arte borghese che aveva portato alla speculazione finanziaria e contribuito a perpetuare il divario di classe. Quantità e qualità diventerebbero la stessa cosa, ponendo fine allo status dell’opera d’arte come bene di lusso. Gallizio è stato anche un membro fondatore del movimento artistico di sinistra radicale noto come situazionismo, che voleva liberare l’arte dal suo ruolo di merce feticista del capitalismo.

Cai Guo Qiang (1957)
Cai Guo-Qiang usa polvere da sparo e fuochi d’artificio per disegnare immagini nell’aria. A volte queste opere durano pochi secondi, a volte le esplosioni lasciano tracce su carta o tela. Dal 1989, Guo-Qiang realizza “progetti per extraterrestri” opere esplosive monumentali direttamente a terra, in modo che possano essere viste da altri pianeti. Nel 1998 Guo-Qiang realizzò un progetto sulle acque ghiacciate tra Moderna Museet e il Museo Vasa: una scia di micce e polvere da sparo fece separare per un attimo le acque tra le due isole, come il Mar Rosso nella Bibbia, quando Mosè condusse gli ebrei nella terra promessa.

Sadaharu Horio (1939)
Sadaharu Horio ha mostrato il suo lavoro per la prima volta con Gutai nel 1966. Con più di 100 mostre e spettacoli all’anno, sottolinea che le mostre non sono una situazione separata ma un’estensione della vita, e che le attività quotidiane sono fondamentalmente una performance . Ogni momento è diverso e insostituibile. Horio si dedica alle possibilità del momento con l’apertura di un bambino. In un rituale continuo, copre ogni giorno di pittura gli oggetti quotidiani che lo circondano. Per evitare di dover scegliere i colori, si attiene all’ordine dei colori nella scatola, eludendo così ogni traccia personale. Questo rituale pittorico potrebbe essere ripreso da chiunque e perpetuato in eterno.

Yves Klein (1928-1962)
Per Yves Klein, il colore blu rappresenta il vuoto, il cielo e il mare – l’intangibile. Quasi tutti i suoi lavori sono monocromi nel suo colore distintivo, International Klein Blue. Ha usato un legante speciale che non intacca la lucentezza e il carattere intenso del pigmento. Le antropometrie di Klein sono dipinti realizzati con un pubblico, come performance. I modelli si dipingevano direttamente sui corpi l’uno dell’altro e si premevano contro la tela, o si trascinavano su di essa, come pennelli viventi. Si dice che Klein abbia avuto l’idea di dipingere come un’impronta diretta del corpo vedendo una pietra a Hiroshima con l’ombra di un essere umano bruciato dentro dalla bomba atomica. Questo spettacolo potrebbe anche aver ispirato i suoi dipinti di fuoco.

Akira Kanayama
Akira Kanayama era il segretario del gruppo Gutai. Ha detto scherzosamente che la posizione richiedeva così tanto lavoro che non aveva tempo per dipingere e invece ha lasciato che una macchinina telecomandata dipingesse per lui. Il lavoro risultante (1957) può essere visto come una critica contro i dipinti a goccia di Jackson Pollock, con i quali hanno qualche somiglianza. In Kanayama, il genio maschile che esprime i suoi sentimenti con la vernice viene soppiantato da una macchinina che sfreccia a caso sulla carta, lasciando una scia di vernice, oppure, come nell’opera Footprints, dove le suole dell’artista hanno lasciato tracce sulla carta. Kanayama ha quindi sfidato la rilevanza personale dell’artista per la qualità e l’ingegnosità dell’opera.

Paul McCarthy
The Black and White Tapes sono una raccolta di 13 prime performance degli anni ’70. Questa selezione mostra lo sviluppo in erba dei temi, la brutale corporeità e il personaggio della performance che è venuto a significare la sua opera. Come Hermann Nitsch e gli attivisti viennesi, Paul McCarthy esplora la perdita di controllo, ma senza gli elementi rituali e con legami diretti con la superficialità e l’abbondanza materiale di Hollywood. Comune sia a Nitsch che a McCarthy è che la forma liquida (vernice) non è direttamente limitata a una tela ma si riversa in modo tale da assomigliare a fluidi corporei che appaiono improvvisamente e catastroficamente dappertutto.

Ana Mendieta
All’inizio degli anni ’70, Ana Mendieta iniziò a creare sagome e “sculture di terra-corpo” principalmente di sangue, terra, fuoco e acqua. Usando il suo corpo come strumento, ha lasciato impronte umane sulla natura. Le sue esibizioni sono state documentate su pellicola. Ana Mendieta è stata la prima a combinare i due movimenti contemporanei di land-art e body-art, dando vita a opere che coinvolgono i temi della vita, della morte, del luogo e dell’appartenenza. L’uso rituale del sangue, della polvere da sparo, della terra e del fuoco da parte di Mendieta è legato anche alla religione cubana della Santería. All’età di tredici anni, Mendieta è stata inviata da Cuba negli Stati Uniti, dove è cresciuta negli orfanotrofi. La sua ricerca di identità e un senso di appartenenza permeano l’intera opera di Mendieta.

Saburo Murakami
Saburo Murakami è stato un co-fondatore del gruppo Gutai e uno dei suoi membri più importanti. Ha formulato il concetto del gruppo di mostre all’aperto e ha creato atti di performance in cui ha sfidato la pittura spostando i suoi confini ed esplorando se il genere potesse andare oltre la pittura su tela. L’opera Six Holes è un colpo letterale e teorico contro la pittura. L’artista ha praticato dei fori attraverso più strati di carta marrone tesa su un telaio, utilizzando varie parti del suo corpo. Il risultato delle sue sperimentazioni furono nuovi tipi di “quadri”, un primo tentativo artistico di rinegoziare il rapporto tra performance e oggetto.

Rivane Neuenschwander
Rivane Neuenschwander chiama la sua arte “materialismo etereo”. Usa materiali di uso quotidiano per esprimere lo scorrere del tempo, la fragilità della vita e dei rapporti umani, lasciando spesso che il caso e i processi interpretativi determinino il risultato finale, come quando chiese a due chef di creare un pasto partendo da una lista della spesa trovata sul piano di un supermercato. Nell’opera Secondary Stories (2006), cerchi di carta velina dai colori vivaci si diffondono sopra un soffitto interno con ventilatori. Di tanto in tanto, cadono casualmente sul pavimento, formando nuovi motivi come gocce di vernice.

Hermann Nitsch
Gli spettacoli di pittura teatrale e aggressiva degli Azionisti di Vienna e la body art combinavano l’arte con i rituali e la religione. Per molti aspetti, le opere di Hermann Nitsch sono come i drammi classici, con la loro lotta per la catarsi, una forma di guarigione, purificazione attraverso la sofferenza. Offrono resistenza al fatto che l’uomo occidentale moderno è così lontano dai rituali che hanno causato l’estasi con il suo effetto purificante e rigenerante. Secondo queste idee, non possiamo provare una grande gioia se non possiamo anche provare dolore, afflizione e paura. Le pratiche degli Azionisti di Vienna possono essere viste come parte della tradizione espressionista austriaca, con elementi di cattolicesimo, psicanalisi e ribellione contro l’ordine sociale borghese e gerarchico.

Niki de Saint Phalle
All’inizio degli anni ’60, Niki de Saint Phalle ha scosso alle fondamenta la scena artistica dominata dagli uomini con i suoi Shooting Pictures (Tirs). In queste opere, ha ricoperto i contenitori di vernice con spessi strati di intonaco su una tavola di legno. Ha poi sparato loro un fucile da una lunga distanza; quando il proiettile ha colpito i contenitori, la vernice è uscita a caso sull’intonaco. L’atto di sparare divenne un atto estremamente intenzionale che poteva anche essere visto come una performance. Descrivendo l’atto, Niki de Saint Phalle ha detto che stava sparando a tutti gli uomini, a suo fratello, alla società, alla Chiesa e alla scuola.

Jackson Pollock
Quando Jackson Pollock ebbe la sua svolta nel 1947, si era convertito a un modo di dipingere completamente nuovo e rivoluzionario. Posizionando grandi tele direttamente sul pavimento, ha immerso pennelli e bastoncini in barattoli di vernice liquida e ha lasciato che gocciolasse sulla tela mentre si muoveva su tutti e quattro i lati di essa, mentre ascoltava bebop ad alto volume o altra musica jazz. Questo metodo, ha detto, era legato ai dipinti di sabbia rituali dei nativi americani indiani realizzati con sabbie colorate sparse in bellissimi motivi. Per Pollock l’atto stesso della pittura era importante quanto l’opera finita. Il suo modo di dipingere si chiamava Action Painting ed è considerato uno degli espressionisti astratti seminali.

Robert Rauschenberg, Niki de Saint Phalle
Nel maggio 1961 la mostra Movimento nell’Arte si apre con una festa. Niki de Saint Phalle aveva attaccato una miriade di sacchetti pieni di vernice a un fondale teatrale, sopra il quale aveva posizionato un telo di plastica e un tappeto, per formare una pista da ballo. Quando gli ospiti hanno iniziato a ballare, le borse sono scoppiate, creando un quadro astratto. Dopo la festa, Robert Rauschenberg e Billy Klüver (fondatore di Experiments in Art and Technology, EAT) erano gli unici ospiti rimasti. Il dipinto era ancora sul palco. Lo portarono fuori e Rauschenberg suggerì di migliorare il lavoro, e magari attirare l’attenzione di un tassista, spargendolo lungo la strada. Diverse auto di passaggio hanno lasciato tracce di pneumatici sulla tela prima che un taxi si fermasse.

Carolee Schneemann
Carolee Schneemann è una pioniera della performance e dell’arte femminista. All’inizio degli anni ’60, ha usato il suo corpo come materiale artistico ed è stata la prima artista americana a lavorare con la “body art”. In Eye Body appare nuda, spalmata di vernice, grasso e gesso. Trasferendo la pittura dalla tela al suo corpo, Schneeman sfida il ruolo femminile contemporaneo e l’atteggiamento prevalente nell’arte nei confronti del corpo femminile come oggetto da raffigurare e guardare. È stata criticata per essere drastica, ma le sue opere spettacolari hanno sempre uno scopo. Come soggetto e oggetto dei suoi dipinti, rivendica il potere sul corpo femminile e sulla sessualità. Oltre alle performance, Schneemann realizza assemblaggi, film, video e installazioni.

Eclipse – L’arte in un’epoca oscura
Eclipse, un oscuramento del sole, descrive sia una situazione nella società in cui molti degli ideali dell’Illuminismo sembrano essere abbandonati, sia un approccio artistico. Gli artisti di questa mostra di arte contemporanea internazionale condividono la mancanza di fiducia in una cultura didatticamente illuminante; da qui la metafora nel titolo.

Gli artisti presenti utilizzano installazioni, sculture, performance, videoproiezioni e pittura come media per esplorare e formulare soggetti oscuri o irrazionali. Molti di loro hanno un senso speciale dell’assurdità della vita, che si traduce in un rinfrescante senso dell’umorismo. Le questioni esistenziali riguardanti la condizione dell’umanità sono il punto di partenza. La mostra persegue due filoni principali: uno cupo, mistico e laconico, l’altro più anarchico e burlesco.

Eclipse è sia una dichiarazione che una domanda sull’arte di oggi. Se gli artisti negli anni ’90 erano preoccupati per la realtà, una posizione che poteva essere espressa, ad esempio, nelle strategie documentarie e nell’estetica relazionale, molti artisti oggi sono più interessati alla speculazione, al riflesso dell’incomprensibile. Può sembrare drastico dire che stiamo vivendo in un’epoca oscura. Ma dopo l’11 settembre, in un’epoca di sconvolgimenti politici, assistiamo a un aumento dell’intolleranza. La mostra mette in luce l’arte che non è politica in modo semplicistico, ma afferma il suo diritto di dire la cosa sbagliata, l’arte che usa la licenza della finzione per sperimentare.

Michael Borremans
L’artista belga Michaël Borremans (nato nel 1963, residente a Gand), noto soprattutto per i suoi dipinti e disegni, è presente con una serie di opere nel suo caratteristico stile neo-surrealista. I soggetti sono persone che sembrano appartenere a un passato color seppia, concentrate nella concentrazione su qualche compito enigmatico. I titoli delle opere aumentano l’atmosfera di incertezza sul tipo di scene che stiamo guardando, come The Advantage, che mostra un giovane in una camicia di forza.

Anri Sala
La qualità enigmatica dei dipinti di Borremans trova corrispondenza nelle opere video di Anri Sala (nato nel 1974, residente a Berlino), spesso girate nella semioscurità. In una delle sue opere, Ghostgames, due persone sono coinvolte in un gioco su quella che potrebbe essere una spiaggia al buio, dove usano raggi di torcia per invogliare, o fare pressione, i granchi a strisciare tra le gambe dell’avversario, segnando così un goal . La mancanza di informazioni nelle immagini suggerisce domande e acuisce i sensi.

Nathalie Djurberg
Nathalie Djurberg (nata nel 1978, vive a Berlino) crea opere video ambientate in un universo grottesco di figure fatte di plastilina. Il formato dei film è come la TV per bambini, ma i personaggi – spesso donne obese in modo angosciante – sono coinvolti in brutali aggressioni. Djurberg è attualmente protagonista di una mostra personale alla Fondazione Prada di Milano.

Dana Schutz
I dipinti di Dana Schutz’ (nato nel 1976, vive a New York) evocano anche uno strano mondo, forse post-apocalittico, abitato da sopravvissuti grotteschi, come gli ‘auto-canibali’ che si eseguono interventi chirurgici l’uno sull’altro, i ‘fanatici della gravità’ ‘ o quelli che sono semplicemente ‘in Gesù’. Formalmente, naviga agilmente tra i vari stili della storia dell’arte. I suoi dipinti sono spesso basati su idee che fungono da sfide, soggetti apparentemente impossibili per la pittura.

Ellen Gallagher
Le opere De Luxe di Ellen Gallagher (nata nel 1965, residente a Rotterdam e New York) mescolano personaggi storici e mitologici fatti di vecchie immagini pubblicitarie rivolte a lettori afroamericani. Sono presenti anche alcuni dei suoi acquerelli della serie Water Ecstatic. La serie si basa su un mito sugli esseri umani sottomarini, una specie speciale che si è sviluppata da schiave incinte annegate nel passaggio atlantico della tratta degli schiavi.

Tom McCarthy
Tom McCarthy (nato nel 1969, vive a Londra) è il segretario generale dell’INS – International Necronautical Society, un pastiche sui gruppi di artisti d’avanguardia del primo Novecento. L’INS presenta un reportage – Calling All Agents – da uno degli incontri del gruppo in Austria, che perpetra l’idea che l’arte contenga messaggi sovversivi che sono diamite politica. Una nuova opera audio site-specific di McCarthy sarà presentata in svedese nelle audioguide normalmente utilizzate per guidare i visitatori attraverso la collezione.

Lucas Ajemian
Le opere di Lucas Ajemian (nato nel 1975, residente a New York) alludono all’arte come portatrice di messaggi in codice. Con suo fratello, il musicista jazz Jason Ajemian, crea uno spettacolo nella chiesa di Skeppsholmen che sarà filmato e mostrato nella mostra; suonano il classico dei Black Sabbath Into the Void del 1971, al contrario, insieme a un’orchestra di dieci uomini, con riferimento ai miti che affermano che questo avrebbe rivelato messaggi satanici nascosti.

Mike Nelson
Anche Mike Nelson (nato nel 1967, vive a Londra) collabora con un gruppo, nel suo caso la fittizia banda di motociclisti The Amnesiacs, composta da veterani della Guerra del Golfo con amnesia. I membri “aiutano” Nelson a creare opere che ricostruiscono i loro ricordi, come in Amnesiac Shrine – una grande installazione spaziale che è stata acquisita per la collezione Moderna Museet con il finanziamento degli Amici del Moderna Museet, come regalo per il 50° anniversario.

Paul McCarthy
Nei suoi lavori video basati sulla performance, Paul McCarthy (nato nel 1945, vive a Los Angeles) ritrae figure paterne sia minacciose che patetiche; una testa di bambola che somiglia ad Alfred E. Neuman o un pirata sanguinario e beffardo, in una sorta di Disney World impazzito. La collaborazione di Magnus af Petersens con Paul McCarthy in relazione alla sua retrospettiva al Moderna Museet nel 2006 è stato un evento che ha ispirato il concetto di Eclipse.