Scultura ambientale

La scultura ambientale è una scultura che crea o altera l’ambiente per lo spettatore, invece di presentarsi in modo figurale o monumentale davanti allo spettatore. Un tratto frequente di sculture ambientali di grandi dimensioni è che si può effettivamente entrare o passare attraverso la scultura ed essere parzialmente o completamente circondati da essa. Inoltre, nello stesso spirito, può essere progettato per generare ombre o riflessi o per colorare la luce nell’area circostante.

Scultura ambientale, forma d’arte del XX secolo destinata a coinvolgere o coinvolgere gli spettatori piuttosto che limitarsi ad affrontarli; la forma sviluppata come parte di una più ampia corrente artistica che cercava di abbattere la dicotomia storica tra vita e arte. Lo scultore ambientale può utilizzare praticamente qualsiasi mezzo, dal fango e dalla pietra alla luce e al suono.

Scultura ambientale con un’enfasi leggermente diversa, è la scultura creata per un particolare insieme di ambienti. Così, la scultrice contemporanea Beth Galston scrive: “Uno scultore ambientale progetta un pezzo fin dall’inizio in relazione con l’ambiente circostante, il sito è un catalizzatore, diventando parte del processo creativo.” Questo è molto diverso da una scultura di Nevelson, che di solito può essere spostata da un posto all’altro, come una scultura convenzionale, senza perdere il suo significato e la sua efficacia.

Una scultura ambientale non è semplicemente un’arte site-specific, come molti monumenti di marmo convenzionali, figurativi, sono stati creati per siti specifici. Galston sottolinea che la scultura ambientale implica l’idea che il pezzo funzioni anche per alterare o permeare l’ambiente esistente o anche per creare un nuovo ambiente in cui lo spettatore è invitato a partecipare: “La scultura e il sito finiti diventano un’unità integrata, lavorando insieme per creare un’atmosfera o un’atmosfera unificata “, scrive. Molte delle grandi sculture site-specific minimaliste di Richard Serra si qualificano anche come scultura ambientale, in entrambi i sensi qui descritti. Molto di ciò che viene chiamato “arte terrestre” o “arte terrestre” potrebbe anche essere definito scultura ambientale sotto questa definizione. Andrew Rogers e Alan Sonfist (che vedono) sono tra i noti professionisti della land art.

Storia:
Dagli anni ’50 le tendenze moderniste nella scultura sia astratta che figurativa hanno dominato l’immaginario pubblico e la popolarità della scultura modernista ha messo da parte l’approccio tradizionale. Il pubblico e gli enti committenti sono diventati più a loro agio con la scultura ambientale.

Alla fine degli anni ’50 e ’60, gli scultori astratti iniziarono a sperimentare una vasta gamma di nuovi materiali e approcci diversi per creare il loro lavoro. Le immagini surrealiste, l’astrazione antropomorfa, i nuovi materiali e le combinazioni di nuove fonti di energia e superfici e oggetti vari sono diventati caratteristici di molte nuove sculture moderniste. Le immagini surrealiste, l’astrazione antropomorfa, i nuovi materiali e le combinazioni di nuove fonti di energia e superfici e oggetti vari sono diventati caratteristici di molte nuove sculture ambientali.

Negli anni ’60 predominano l’espressionismo astratto, l’astrazione geometrica e il minimalismo, così come la scultura e l’installazione ambientale, che riduce la scultura alle sue caratteristiche essenziali e fondamentali.

Dalla metà degli anni settanta, l’artista francese Jean-Max Albert ha lavorato con strutture a traliccio, decostruendo e riordinando gli elementi dell’architettura circostante.

Dal 1983 l’artista tedesco Eberhard Bosslet effettua interventi sulle rovine, i cosiddetti “Re / formazioni e effetti collaterali”; si riferisce alle condizioni degli edifici industriali e residenziali con linee dipinte di bianco o con campi di colore nero verniciato. Nel 1999 l’artista Elena Paroucheva ha creato il suo concetto per piloni, integrando reti energetiche con sculture.

Land art:
Negli anni ’60 e ’70 la land art ha protestato contro la “spietata commercializzazione” dell’arte in America. Durante questo periodo, esponenti dell’arte della terra rifiutarono il museo o la galleria come scenario di attività artistica e svilupparono progetti monumentali di paesaggio che erano al di là della portata della tradizionale scultura trasportabile e del mercato dell’arte commerciale.

La land art è stata ispirata dall’arte minimalista e dall’arte concettuale, ma anche da movimenti moderni come De Stijl, Cubismo, il minimalismo e il lavoro di Constantin Brâncuşi e Joseph Beuys. Molti degli artisti associati alla land art sono stati coinvolti nell’arte e nell’arte concettuale minimali. L’influenza della land art sull’arte terrestre contemporanea, sull’architettura del paesaggio e sulla scultura ambientale è evidente in molte opere di oggi.

Come tendenza “Land art” ha ampliato i confini dell’arte con i materiali utilizzati e l’ubicazione delle opere. I materiali usati erano spesso i materiali della Terra, inclusi ad esempio il suolo e le rocce, la vegetazione e l’acqua che si trovavano sul posto, e le ubicazioni delle opere erano spesso lontane dai centri abitati. Anche se a volte abbastanza inaccessibile, la documentazione fotografica veniva comunemente riportata nella galleria d’arte urbana.

Le preoccupazioni del movimento artistico erano incentrate sul rifiuto della commercializzazione del fare arte e dell’entusiasmo con un movimento ecologico emergente. Il movimento artistico coincide con la popolarità del rifiuto della vita urbana e della sua controparte, un entusiasmo per ciò che è rurale. Inclusi in queste inclinazioni c’erano desideri spirituali riguardanti il ​​pianeta Terra come dimora dell’umanità.

Sotto molti aspetti, la “land art” è diventata parte della principale arte pubblica e in molti casi il termine “land art” è abusato per etichettare qualsiasi tipo di arte nella natura anche se concettualmente non è correlato alle opere d’avanguardia dei pionieri di terra art.

L’arte terrestre degli anni ’60 a volte ricordava le opere terrestri più antiche, Stonehenge, le piramidi, i tumuli dei nativi americani, le linee di Nazca in Perù, le pietre di Carnac e le tombe dei nativi americani, e spesso evocava la spiritualità di tali siti archeologici.

Scultura ambientale:
Uno scultore ambientale progetta un pezzo fin dall’inizio in relazione a ciò che lo circonda. Il sito è un catalizzatore, diventando parte del processo creativo. La scultura finita e il suo sito formano un’unità integrata, lavorando insieme per creare un’atmosfera o un’atmosfera unificata. Nella maggior parte dei lavori su questo sito, ho passato ore sul sito in anticipo a concepire la scultura, poi l’ho costruita sul sito; lo spazio è diventato lo studio del mio artista durante il processo di installazione.

Ogni sito ha caratteristiche particolari, che possono influenzare le qualità della scultura finita. Ad esempio, una stanza può avere un muro di finestre attraverso il quale entra la luce del pomeriggio, che diventa parte del progetto. Oppure un laghetto può avere un sentiero che conduce ad esso o un boschetto di querce nelle vicinanze che lasciano cadere le loro foglie, scatenando l’idea di una scultura sul sito.

Una scultura ambientale può anche essere una serie di oggetti interconnessi che esistono insieme in uno spazio, e attraverso una ripetizione di materiali, forme, qualità della luce o collegamenti tematici, si impegnano in una conversazione, caricando lo spazio e rendendo consapevoli del atmosfera in tutta la stanza. Le singole sculture possono essere piccole, ma creano una sorta di zing o scintilla tra di loro. Quindi lo spazio più ampio diventa unificato, e uno è consapevole non solo dei materiali ma degli spazi tra le cose.

Julia M. Bush sottolinea l’aspetto non figurativo di tali opere: “La scultura ambientale non è mai fatta per funzionare esattamente a misura d’uomo, ma è sufficientemente più grande o più piccola della scala per evitare confusione con l’immagine umana negli occhi dello spettatore.” La scultore americana nata in Ucraina Louise Nevelson è un pioniere della scultura ambientale in questo senso. Busch (pagina 27) colloca anche le sculture di Jane Frank, così come alcune opere di Tony Smith e David Smith, in questa categoria. Alcune sculture ambientali abbracciano così l’osservatore che rasenta l’architettura.

George Segal, Duane Hanson, Edward Kienholz, Robert Smithson, Christo e Michael Heizer sono ben noti praticanti del genere, anche se il lavoro di Segal e Hanson è di natura figurativa. Molte opere figurative di George Segal, ad esempio, si qualificano come ambientali, in quanto, invece di essere esposte su un piedistallo come presentazioni da osservare, occupano e perturbano l’ambiente in cui sono collocate. Un esempio ben noto di questo è la coppia di personaggi Segal che si siedono accanto a una delle panchine pubbliche nella Sheridan Square di New York; chiunque può sedersi in mezzo a loro.

Un esempio meno conosciuto ma più appropriato è il parco Connections di Athena Tacha di 2 acri (8.100 m2) nel centro di Philadelphia (tra la 18esima e la 19a Strada a due isolati a nord di Vine St.), creato come ambiente artistico paesaggistico dopo aver vinto un competizione nel 1980 (dove Segal era in realtà uno dei finalisti). E ‘stato il primo parco progettato interamente da un artista “scolpire la terra” con terrazze piantate, gruppi di roccia e sentieri (completato nel 1992).

Arte specifica del sito:
Il termine “arte specifica del sito” è talvolta usato in modo intercambiabile con “arte ambientale”. Louise Nevelson, ad esempio, è un pioniere americano artista ambientale con fonti in disaccordo sulla classificazione del suo lavoro come “scultura ambientale”. I termini “scultura ambientale”, “arte site specific” e “arte ambientale” non si sono ancora completamente stabilizzati nei loro significati.

Una scultura ambientale ha un rapporto speciale con l’ambiente circostante. È progettato per un sito particolare e le qualità di quel sito influenzano la realizzazione dell’opera d’arte. Lo spazio può essere ovunque: una stanza, un boschetto di alberi, uno stagno, un vicolo, una piazza pubblica, un complesso di edifici. Spesso esistente su larga scala, una scultura ambientale circonda i suoi spettatori, che sperimentano l’opera d’arte mentre entrano e si muovono attraverso lo spazio. Gli elementi del tempo e del movimento, quindi, sono anche coinvolti come parti importanti dell’esperienza dello spettatore.

Una ragione per le definizioni sfocate è che gran parte dell’arte site-specific e ambientale è stata creata dal 1970 in poi per gli spazi pubblici di tutti gli Stati Uniti, sponsorizzata da federali (GSA e NEA) o città e percentuali per concorsi d’arte, e molti dei gli artisti erano donne che cercavano di avere successo al di fuori del mondo stabilito della galleria d’arte. I più giovani storici dell’arte dovranno risolvere lo sviluppo di questo “movimento” emarginato e l’importanza di artisti come Olga Kisseleva, Patricia Johanson, Athena Tacha, Mary Miss, Alice Adams, Elyn Zimmerman e altri che, dai primi anni ’70 in poi, ha vinto ed eseguito grandi commissioni di arte pubblica all’aperto con nuove basi formali, cinestetiche e sociali. Molti di questi artisti erano anche ecologicamente coscienti e hanno creato opere che potrebbero offrire un’ulteriore definizione di “scultura ambientale”: un’arte che rispetta l’ambiente e che si prende cura dell’ambiente naturale.

Scultura di energie rinnovabili:
Una scultura di energia rinnovabile è una scultura che produce energia da fonti rinnovabili, come il solare, il vento, la geotermia, l’energia idroelettrica o le maree.

La scultura di energia rinnovabile è un altro sviluppo recente nell’arte ambientale. In risposta alla crescente preoccupazione per il cambiamento climatico globale, gli artisti stanno progettando interventi espliciti a livello funzionale, fondendo le risposte estetiche con le proprietà funzionali della generazione di energia o del risparmio. Il Queensbridge Wind Power Project di Andrea Polli è un esempio di architettura sperimentale, che incorpora le turbine eoliche nella struttura di un ponte per ricreare aspetti del progetto originale e illuminare il ponte e le aree limitrofe. La scultura pubblica di Ralf Sander, la World Saving Machine, ha usato l’energia solare per creare neve e ghiaccio al di fuori del Seoul Museum of Art nella calda estate coreana. I professionisti di questa area emergente lavorano spesso in base a codici etici e pratici ecologicamente informati che si conformano ai criteri di Ecodesign.

Tale scultura è funzionalmente sia un generatore di energia rinnovabile che un’opera d’arte, che assolve funzioni utilitaristiche, estetiche e culturali. L’idea di sculture di energia rinnovabile è stata sperimentata da visionari ecofuturisti come gli artisti Patrice Stellest, Sarah Hall, Julian H. Scaff, Patrick Marold, Elena Paroucheva, gli architetti Laurie Chetwood e Nicholas Grimshaw, il professore dell’Università Beckis Bil Becket e collaborazioni come l’iniziativa Generator Land Art. Facendo eco alla filosofia del movimento artistico ambientale nel suo insieme, gli artisti che creano sculture di energie rinnovabili ritengono che l’estetica delle opere d’arte sia inestricabilmente legata alla loro funzione ecologica.

La scultura ambientale è un’opera d’arte che si ispira a forme e processi della natura. Molti artisti usano materiali, forme, colori e trame dall’ambiente naturale. Altri esplorano significati di cicli naturali, come le quattro stagioni; metamorfosi; cicli di nascita, crescita, invecchiamento, morte e decadimento. I processi naturali sono usati come metafore per riflettere sul trascorrere del tempo, catturare un momento fugace, esprimere un senso di perdita o una speranza di rigenerazione. Alcuni artisti ambientalisti usano le questioni ecologiche come argomento, e il loro lavoro cerca di aumentare la consapevolezza di un’ecologia fragile, o persino di bonificare la terra, ad esempio utilizzando materiali vegetali per alleviare i problemi di inquinamento, restituendo un’area a una condizione più incontaminata.