L’arte ambientale è una gamma di pratiche artistiche che comprende sia gli approcci storici alla natura nell’arte che i più recenti tipi di opere ecologicamente e politicamente motivate. L’arte ambientale si è evoluta dalle preoccupazioni formali, elaborata con la terra come materiale scultoreo, verso una relazione più profonda con sistemi, processi e fenomeni in relazione alle preoccupazioni sociali. Approccio integrato sociale ed ecologico sviluppato come una posizione etica e riparatrice emersa negli anni ’90. Negli ultimi dieci anni l’arte ambientale è diventata un punto focale di mostre in tutto il mondo, in quanto gli aspetti sociali e culturali del cambiamento climatico vengono in primo piano.

In un mondo in crescita, il numero di artisti che creano, concentrandosi su sistemi e interazioni all’interno del nostro ambiente, sono ecologici, geografici, politici, culturali e biologici. Molte delle opere in quest’arte sono composte da elementi bidimensionali e tridimensionali, in cui possono essere integrati effetti visivi e vocali in cui mostrare come l’umanità dovrebbe essere ancorata e connessa al mondo naturale socialmente, filosoficamente, economicamente e spiritualmente .

Il termine “arte ambientale” spesso comprende preoccupazioni “ecologiche” ma non è specifico per loro. In primo luogo celebra la connessione di un artista con la natura utilizzando materiali naturali. Il concetto è meglio inteso in relazione alla terra storica / arte di terra e il campo in evoluzione dell’arte ecologica. Il campo è interdisciplinare nel fatto che gli artisti ambientali abbracciano idee dalla scienza e dalla filosofia. La pratica comprende media tradizionali, nuovi media e forme sociali critiche di produzione. Il lavoro abbraccia una gamma completa di condizioni ambientali / paesaggistiche dal rurale, al suburbano e all’urbano così come urbano / rurale industriale.

La maggior parte degli artisti presenta il distacco dell’umanità dall’ambiente e cerca di correggerlo attraverso quattro motivi principali che portano a cambiare:

Aumentare la consapevolezza della fragilità della natura e la necessità di proteggerlo.
Esplora vari fenomeni naturali per seguire i cambiamenti ed esprimerli nell’arte.
Raccogli materiali dalla natura provenienti da diverse parti del mondo e distribuiscili.
Per prevenire il deterioramento della situazione ambientale sul terreno nel ripristinare il paesaggio danneggiato e tornare al suo stato naturale.

Storia:
Si può sostenere che l’arte ambientale sia iniziata con le pitture rupestri paleolitiche dei nostri antenati. Mentre nessun paesaggio è stato (ancora) trovato, le pitture rupestri hanno rappresentato altri aspetti della natura importanti per gli umani primitivi come animali e figure umane. “Sono osservazioni preistoriche della natura: in un modo o nell’altro, la natura per secoli è rimasta il tema preferenziale dell’arte creativa”. Altri esempi moderni di arte ambientale derivano dalla pittura e dalla rappresentazione del paesaggio. Quando gli artisti hanno dipinto in loco, hanno sviluppato una profonda connessione con l’ambiente circostante e il suo clima e hanno portato queste osservazioni ravvicinate nelle loro tele. Gli sky paintings di John Constable “rappresentano più da vicino il cielo in natura”. La serie londinese di Monet esemplifica anche la connessione dell’artista con l’ambiente. “Per me, un paesaggio non esiste di per sé, dal momento che il suo aspetto cambia in ogni momento, ma l’atmosfera circostante lo fa vivere, l’aria e la luce, che variano continuamente per me, è solo l’atmosfera circostante che dà ai soggetti il ​​loro vero valore. ”

Le basi dell’arte ambientale sono iniziate con il movimento di arte romantica (1800-1850). Sulla scia della rivoluzione industriale, questo movimento fu chiamato il movimento “neo-romantico”. Le principali opere d’arte includevano il culto della bellezza della natura, comprese le immagini di distruzione e inquinamento per enfatizzare l’ingiustizia e l’ineguaglianza ambientale.

I romantici adoravano la grandezza e la bellezza della natura e credevano che l’umanità dovesse essere attaccata ad essa e non distaccata da essa. Gli artisti cercarono di risvegliare l’umanità per tornare alla natura e si concentrarono principalmente sulla pittura, la musica e la scultura per esporre l’ingiustizia del distacco umano dalla natura per scioccare e risvegliare l’umanità all’azione.

Con la nascita dell’arte minimalista, specialmente negli Stati Uniti, molti artisti ritennero che i confini della galleria o del museo non soddisfacessero più le loro richieste. La scultura minimalista trattava i limiti dell’esposizione di installazioni e altre attività artistiche e fuori dai confini dello spazio istituzionale era una mossa ovvia per molti di loro. Verso la fine degli anni ’60 iniziò una tendenza di documentazione e pensiero estetico e critico sull’arte della terra.

La crescita del movimento artistico ambientale iniziò principalmente dal 1900 con la nuova tendenza chiamata “Land Art”. Questo movimento artistico si sviluppò in America nel 1960, quando un certo numero di scultori e pittori come Robert Smithson (1973-1938) con la sua famosa opera Whirlpool Pier (1970) provocò danni irreversibili e significativi al paesaggio in cui lavorava. L’opera fu costruita con basalto e terra e Smithson, che usò un bulldozer per grattare e tagliare il paesaggio, colpì direttamente il lago.

Nel 1912 Boccioni teorizzò già nel suo Manifesto Tecnico della scultura futurista che non ci sarebbe stato alcun rinnovamento se non attraverso la scultura dell’ambiente, capace di modellare l’atmosfera che lo circonda.

Altri precedenti dell’arte ambientale sono rintracciabili nelle avanguardie storiche: l’ambiente del Proun del costruttivista El Lissitskij è uno spazio espositivo creato per la grande mostra di Berlino del 1923 in cui elementi architettonici, pittori e modelli sono inestricabilmente legati; mentre il Merzbau del dadaista Kurt Schwitters è un accumulo progressivo di oggetti di uso quotidiano realizzati nello studio dell’artista di Hannover per dieci anni, durante i quali diventa una testimonianza organica della vita dell’artista.

Il coinvolgimento dello spazio reale iniziò a essere un aspetto significativo delle opere d’arte della fine degli anni ’50, per poi continuare ad influenzare le principali correnti artistiche (Neo-dadaismo, Arte programmata, Minimalismo, Arte processuale, Arte Povera, Arte concettuale ) per tutti gli anni ’60, fino all’inizio degli anni ’70. Inizialmente l’Arte Ambientale era molto più legata alla scultura, (in particolare come Arte site-specific, Land Art e Arte Povera -) considerando la crescente critica della scultura e delle pratiche tradizionali che erano viste come sempre più obsolete e potenzialmente in disarmonia con l’ambiente naturale .

I pittori contemporanei, come Diane Burko, rappresentano i fenomeni naturali – e il loro cambiamento nel tempo – per trasmettere problemi ecologici, attirando l’attenzione sui cambiamenti climatici. I paesaggi di Alexis Rockman mostrano una visione sardonica del cambiamento climatico e degli interventi del genere umano con altre specie attraverso l’ingegneria genetica.

Hal Foster, critico d’arte americano contemporaneo, definisce le opere di arte ambientale come “sculture site specific che utilizzano materiali presi dall’ambiente per creare nuove forme o reindirizzare le nostre percezioni del contesto, programmi che importano nuovi oggetti innaturali in uno scenario naturale per scopi simili, attività individuali sul paesaggio in cui il fattore tempo gioca un ruolo decisivo, interventi collaborativi e socialmente consapevoli “. Questa citazione mostra come il termine “arte ambientale” si riferisce a processi e risultati artistici molto diversi tra loro, ma alla base del quale esiste il superamento della concezione dell’autonomia dell’opera d’arte rispetto al contesto in cui che è posto.

Nonostante il desiderio iniziale dell’arte ambientale di combattere il “sistema dell’arte”, eliminando l’oggetto artistico stesso e, più in generale, la mercificazione dell’opera d’arte, divenne essenziale esporre le opere nelle gallerie e nei musei per il riconoscimento di il loro status di opere d’arte e di essere in grado di raccogliere il capitale finanziario necessario per la loro realizzazione. Questa esigenza ha portato molti artisti a concepire il lavoro ai fini della sua riproduzione fotografica e filmica, come nei casi di Richard Long e Robert Smithson, che ora hanno sia un valore documentale che un valore di mercato.

Movimento:
La crescita dell’arte ambientale come “movimento” iniziò alla fine degli anni ’60 e all’inizio degli anni ’70. Nelle sue fasi iniziali era maggiormente associato alla scultura, in particolare all’arte site-specific, alla land art e all’arte povera, dopo aver sollevato critiche sulle forme e le pratiche scultoree tradizionali che erano sempre più considerate antiquate e potenzialmente non in armonia con l’ambiente naturale. .

Nell’ottobre del 1968, Robert Smithson organizzò una mostra alla Dwan Gallery di New York dal titolo “Earthworks”. I lavori della mostra rappresentavano una sfida esplicita alle nozioni convenzionali di esposizione e vendita, in quanto erano troppo grandi o troppo difficili da raccogliere ; la maggior parte erano rappresentati solo da fotografie, sottolineando ulteriormente la loro resistenza all’acquisizione. Per questi artisti sfuggire ai confini della galleria e la teoria modernista è stata realizzata lasciando le città e andando nel deserto.

“Non stavano descrivendo il paesaggio, ma coinvolgendolo; la loro arte non era semplicemente del paesaggio, ma anche di essa. “Questo cambiamento alla fine degli anni ’60 e ’70 rappresenta una nozione d’avanguardia di scultura, il paesaggio e il nostro rapporto con esso. Il lavoro ha sfidato i mezzi convenzionali per creare sculture, ma ha anche sfidato altre modalità d’élite di divulgazione e esposizione artistica, come lo spettacolo della Dawn Gallery menzionato prima. Questo cambiamento ha aperto un nuovo spazio e in tal modo ha ampliato i modi in cui il lavoro è stato documentato e concettualizzato.

In Europa, artisti come Nils Udo, Jean-Max Albert, Piotr Kowalski, tra gli altri, hanno creato arte ambientale fin dagli anni ’60.

Urbano:
“Nessuno sa esattamente quando le navi fantasma iniziarono ad apparire vicino alla foce del torrente, ma i residenti locali ricordano di aver giocato su di loro negli anni ’50 quando erano ancora in movimento, alcune di loro sarebbero vecchie navi baleniere di cui i proprietari non volevano pagano per averli correttamente smaltiti, li portano a Creek e li bruciano fino alla linea di galleggiamento.Il Corpo degli Ingegneri dell’Esercito ha identificato navi abbandonate in altre parti della città, ma non qui.Il fango del torrente è così tossico che disturbare i relitti avrebbe liberato un fiume di sostanze chimiche pericolose nell’acqua e nell’aria “. – Elizabeth Albert, testo murario della mostra “Silent Beaches, Untold Stories, New York City’s Forgotten Waterfront”

Nel 1978 Barry Thomas e gli amici hanno occupato illegalmente un lotto CBD libero a Wellington, in Nuova Zelanda. Scaricò un camion carico di terriccio e piantò 180 piantine di cavoli nella forma della parola “Cavolo” per il suo “terreno vuoto di cavoli”. Il sito è stato poi sommerso dal lavoro degli artisti contribuenti: l’intero evento è durato 6 mesi e si è concluso con un festival di una settimana che celebrava alberi e foreste nativi. Nel 2012, il Museo della Nuova Zelanda Te Papa Tongarewa – la più grande istituzione culturale del paese – ha acquistato tutti gli archivi di cavoli che lo citano come “una parte importante della nostra storia artistica e sociale”.

Mentre questo lavoro precedente era per lo più fatto nei deserti dell’occidente americano, la fine degli anni ’70 e l’inizio degli anni ’80 videro opere che si muovevano nel paesaggio pubblico. Artisti come Robert Morris hanno iniziato a coinvolgere i dipartimenti della contea e le commissioni delle arti pubbliche per creare opere in spazi pubblici come una cava di ghiaia abbandonata. Herbert Bayer ha usato un approccio simile ed è stato selezionato per creare il suo Mill Creek Canyon Earthworks nel 1982. Il progetto ha servito funzioni come il controllo dell’erosione, un posto dove servire come riserva durante periodi di pioggia alta e un parco di 2,5 acri durante le stagioni aride. Il libro rivoluzionario di Lucy Lippard, sul parallelo tra l’arte terrestre contemporanea e i siti preistorici, ha esaminato il modo in cui queste culture, forme e immagini preistoriche sono “sovrapposte” all’opera di artisti contemporanei che lavorano con la terra e i sistemi naturali.

Il termine in espansione dell’arte ambientale comprende anche la portata del paesaggio urbano. Agnes Denes ha creato un’opera nel centro di Manhattan, Wheatfield – A Confrontation (1982), in cui ha piantato un campo di grano sul sito di due acri di una discarica ricoperta di detriti e detriti urbani. Il sito è ora Battery Park City e il World Financial Center: la trasformazione dal potere ecologico al potere economico.

Arte elettrica: nel 1999, l’artista bulgara Elena Paroucheva crea un nuovo concetto per i piloni dell’elettricità delle linee elettriche.

Alan Sonfist ha introdotto l’idea chiave dell’ambientalismo di riportare la natura nell’ambiente urbano con la sua prima scultura storica del paesaggio del tempo, proposta a New York nel 1965 e visibile ancora oggi all’angolo tra Houston e LaGuardia nel Greenwich Village di New York. Oggi Sonfist sta unendo le forze con l’ampio entusiasmo per le questioni ambientali e ambientali tra autorità pubbliche e privati ​​per proporre una rete di tali siti attraverso l’area metropolitana, che aumenterà la consapevolezza del ruolo chiave che la natura svolgerà nelle sfide del 21 secolo. La sacralità della natura e l’ambiente naturale sono spesso evidenti nel lavoro degli artisti ambientali.

Proprio come i lavori di sterro nei deserti dell’ovest nascevano da nozioni di pittura di paesaggi, la crescita dell’arte pubblica stimolava gli artisti a impegnarsi nel paesaggio urbano come un altro ambiente e anche come piattaforma per coinvolgere idee e concetti sull’ambiente a un pubblico più vasto . “Molti artisti ambientalisti non desiderano solo un pubblico per il proprio lavoro, ma un pubblico con il quale possono corrispondere al significato e allo scopo della propria arte”. L’installazione di Andrea Polli, Particle Falls, rendeva visibili le particelle nell’aria in modo visibile ai passanti. Per HighWaterLine Eve Mosher e altri hanno attraversato quartieri in città a rischio come New York City e Miami, segnalando i danni provocati dalle alluvioni che potrebbero verificarsi a seguito dei cambiamenti climatici e parlando con i residenti di ciò che stavano facendo.

La super tempesta Sandy ha dato il via a numerose risposte di artisti al lungomare dimenticato di New York e ai corsi d’acqua storici. La mostra, Silent Beaches, Untold Stories: Il lungomare dimenticato di New York, a cura della professoressa della St. John’s University, Elizabeth Alpert, ha presentato una gamma di approcci di artisti all’ambiente urbano e ai complessi sistemi ecologici di New York City.

EcoArt:
Arte ecologica a.k.a. EcoArt è una pratica artistica o una disciplina che propone paradigmi sostenibili con le forme di vita e le risorse del nostro pianeta. È composto da artisti, scienziati, filosofi e attivisti dediti alle pratiche dell’arte ecologica. I precedenti storici includono Earthworks, Land Art e landscape painting / photography. EcoArt si distingue per l’attenzione ai sistemi e alle interrelazioni all’interno del nostro ambiente: l’ambiente ecologico, geografico, politico, biologico e culturale. Ecoart crea consapevolezza, stimola il dialogo, modifica il comportamento umano verso altre specie e incoraggia il rispetto a lungo termine per i sistemi naturali con cui coesistiamo. Si manifesta come arte restaurativa o interventista socialmente impegnata, attivista, basata sulla comunità. Aviva Rahmani ritiene che “l’arte ecologica è una pratica artistica, spesso in collaborazione con scienziati, urbanisti, architetti e altri, che si traduce in un intervento diretto nel degrado ambientale, spesso l’artista è l’agente principale di quella pratica”. Esistono numerosi approcci all’EcoArt inclusi, a titolo esemplificativo ma non esaustivo:

Opere d’arte rappresentative – rivelando informazioni e condizioni principalmente attraverso la creazione di immagini e la creazione di oggetti con l’intenzione di stimolare il dialogo.
Progetti di bonifica che recuperano o ripristinano ambienti inquinati e disturbati – questi artisti lavorano spesso con scienziati ambientali, architetti paesaggisti e urbanisti
Attivista Progetti che coinvolgono, informano, stimolano e attivano il cambiamento di comportamenti e / o politiche pubbliche.
Sculture sociali: un’opera d’arte basata sul tempo e socialmente impegnata che coinvolge le comunità nel monitoraggio dei loro paesaggi e nell’assunzione di un ruolo partecipativo nelle pratiche e negli stili di vita sostenibili.
Approcci EcoPoetic che avviano un ri-immaginare e reincantamento con il mondo naturale, ispirando la guarigione e la coesistenza con altre specie.
Incontri diretti – opere d’arte che mettono in gioco fenomeni naturali come acqua, tempo atmosferico, luce solare, piante, ecc.
Opere didattiche o pedagogiche che condividono informazioni sull’ingiustizia ambientale e problemi ecologici come l’inquinamento dell’acqua e del suolo e rischi per la salute.
Estetica vissuta e relazionale che coinvolge esistenze sostenibili, fuori dalla griglia e permacultura.

Definizione di EcoArt: C’è dibattito e dibattito tra gli artisti ecologici, se l’arte ecologica o l’eco-arte, dovrebbero essere considerati una disciplina discreta all’interno delle arti, distinta dall’arte ambientale. L’attuale definizione di arte ecologica, redatta collettivamente da EcoArtNetwork, è “L’arte ecologica è una pratica artistica che abbraccia un’etica di giustizia sociale sia nei contenuti che nelle forme / materiali.” EcoArt nasce per ispirare cura e rispetto, stimolare il dialogo e incoraggiare il fiorire a lungo termine degli ambienti sociali e naturali in cui viviamo, si manifesta comunemente come arte restaurativa o interventista socialmente impegnata, attivista, basata sulla comunità. “Gli artisti considerati che lavorano in questo campo si iscrivono generalmente a uno o più dei i seguenti principi:

Concentrati sulla rete di interrelazioni nel nostro ambiente, sugli aspetti fisici, biologici, culturali, politici e storici dei sistemi ecologici.
Crea opere che impiegano materiali naturali o si impegnano con forze ambientali come vento, acqua o luce solare.
Recupera, ripristina e rimedi agli ambienti danneggiati.
Informare il pubblico sulle dinamiche ecologiche e sui problemi ambientali che affrontiamo.
Rivedi le relazioni ecologiche, proponendo creativamente nuove possibilità di convivenza, sostenibilità e guarigione.

impatto:
Nell’ambito dell’arte ambientale, una distinzione cruciale può essere fatta tra gli artisti ambientali che non considerano il possibile danno all’ambiente che potrebbero subire le loro opere d’arte e coloro il cui intento è quello di non arrecare danno alla natura. Per esempio, nonostante i suoi meriti estetici, la celebre scultura dell’artista americano Robert Smithson Spiral Jetty (1969) inflisse danni permanenti al paesaggio con cui lavorava, usando un bulldozer per raschiare e tagliare la terra, con la spirale stessa che colpiva il lago. Allo stesso modo, la critica fu sollevata contro lo scultore europeo Christo quando temporaneamente avvolse la costa a Little Bay, a sud di Sydney, in Australia, nel 1969. I commenti dei conservazionisti attirarono l’attenzione internazionale nei circoli ambientali e portarono gli artisti contemporanei nella regione a ripensare le inclinazioni di arte terrestre e arte site specific.

L’arte sostenibile viene prodotta considerando l’impatto più ampio del lavoro e la sua ricezione in relazione ai suoi ambienti (sociale, economico, biofisico, storico e culturale). Alcuni artisti scelgono di minimizzare il loro potenziale impatto, mentre altri lavori implicano il ripristino del paesaggio immediato in uno stato naturale.

Lo scultore britannico Richard Long ha realizzato per diversi decenni opere temporanee di sculture esterne riordinando materiali naturali trovati sul posto, come rocce, fango e rami, che quindi non avranno alcun effetto negativo persistente. Chris Drury istituì un’opera intitolata “Ruota della medicina” che fu il frutto e il risultato di una passeggiata meditativa quotidiana, una volta al giorno, per un anno solare. Il risultato di questo lavoro era un mandala di oggetti trovati mosaicati: l’arte della natura come arte di processo. L’artista delle colture Stan Herd mostra un legame e un rispetto simili per la terra.

Artisti ambientalisti di spicco come lo scultore olandese Herman de Vries, lo scultore australiano John Davis e lo scultore britannico Andy Goldsworthy lasciano illeso il paesaggio con il quale hanno lavorato indenni; in alcuni casi hanno rigenerato la terra danneggiata con un’adeguata flora indigena nel processo di realizzazione del loro lavoro. In questo modo l’opera d’arte nasce da una sensibilità verso l’habitat. Forse l’esempio più celebrato di arte ambientale nel tardo XX secolo è stato di 7000 Oaks, un’azione ecologica messa in scena a Documenta nel 1982 da Joseph Beuys, in cui l’artista ei suoi assistenti hanno evidenziato le condizioni dell’ambiente locale piantando 7000 querce in tutto e intorno alla città di Kassel.

Trasformazione:
Altri artisti, come l’artista eco-femminista Aviva Rahmani, riflettono sul nostro impegno umano con il mondo naturale e creano opere d’arte ecologicamente informate che si concentrano sulla trasformazione o la bonifica. Negli ultimi due decenni, Rosalie Gascoigne ha realizzato lavori significativi dal punto di vista ambientale, che hanno modellato le sue sculture serene dalla spazzatura e dalla spazzatura che ha trovato scartato nelle zone rurali. Allo stesso modo, Marina DeBris utilizza la spazzatura dalla spiaggia per creare trashion, istruendo le persone sulla spazzatura della spiaggia e dell’oceano. Patrice Stellest ha creato grandi installazioni con cianfrusaglie, ma ha anche incorporato elementi pertinenti raccolti in tutto il mondo e meccanismi di energia solare. John Wolseley fa escursioni attraverso regioni remote, raccogliendo dati visivi e scientifici, quindi incorpora le informazioni visive e di altro tipo in complesse opere su carta a scala di mura. L’arte ambientale o l’arte verde degli scultori di vetro di Washington, DC, Erwin Timmers e Alison Sigethy incorporano alcuni dei materiali da costruzione meno riciclati; vetro strutturale. La scrittrice e teorica di EcoArt, Linda Weintraub, ha coniato il termine “ciclo-logico” per descrivere la correlazione tra riciclaggio e psicologia. La nozione del 21 ° secolo di impegno consapevole degli artisti con i loro materiali richiama alla mente paleolitici mucchi di ceramiche e metalli scartati da antiche civiltà. Weintraub cita il lavoro di Sarah Sze, collega di MacArthur, che ricicla, riutilizza e rinnova i detriti dal flusso dei rifiuti in eleganti installazioni tentacolari. Il suo lavoro autoriflessivo attira la nostra attenzione sulle nostre vite confuse e sulla connessione con la cultura del consumatore. Il campo energetico di Brigitte Hitschler ha assorbito energia per 400 diodi rossi dal mucchio di scorie di potassio da bonificare su cui sono stati installati, usando l’arte e la scienza per rivelare la cultura materiale nascosta. Artista e attivista ecologista, Beverly Naidus, crea installazioni che affrontano le crisi ambientali, i problemi dell’eredità nucleare e crea opere su carta che prevedono la trasformazione. Il suo progetto di permacultura basato sulla comunità, Eden Reframed, rimuove il terreno degradato usando il phytoremediation ei funghi, risultando in un luogo pubblico in cui coltivare e raccogliere piante medicinali e piante commestibili. Naidus è un educatore che ha insegnato presso l’Università di Washington, Tacoma per oltre dieci anni, dove ha creato l’Interdisciplinary Studio Arts nel curriculum comunitario che fonde l’arte con l’ecologia e le pratiche socialmente impegnate. Il libro di Naidus, Arts for Change: Teaching Outside the Frame è una risorsa per insegnanti, attivisti e artisti. La scultore e artista dell’installazione Erika Wanenmacher è stata ispirata da Tony Price nel suo sviluppo di lavori che si occupano di creatività, mitologia e presenza nucleare del New Mexico. Vari artisti, tra cui Daniele Del Nero, hanno lavorato in modi diversi usando la muffa vivente come elemento artistico.

Rinnovabile:
La scultura di energia rinnovabile è un altro sviluppo recente nell’arte ambientale. In risposta alla crescente preoccupazione per il cambiamento climatico globale, gli artisti stanno progettando interventi espliciti a livello funzionale, fondendo le risposte estetiche con le proprietà funzionali della generazione di energia o del risparmio. Il Queensbridge Wind Power Project di Andrea Polli è un esempio di architettura sperimentale, che incorpora le turbine eoliche nella struttura di un ponte per ricreare aspetti del progetto originale e illuminare il ponte e le aree limitrofe. La scultura pubblica di Ralf Sander, la World Saving Machine, ha usato l’energia solare per creare neve e ghiaccio al di fuori del Seoul Museum of Art nella calda estate coreana. I professionisti di questa area emergente lavorano spesso in base a codici etici e pratici ecologicamente informati che si conformano ai criteri di Ecodesign.