En plein air

En plein air (letteralmente all’aria aperta) è una frase in francese che indica un metodo pittorico che consiste nel dipingere all’aperto per catturare le sottili sfumature che la luce genera su ogni dettaglio. Un altro obiettivo di questa tecnica è quello di cogliere la vera essenza delle cose, dal momento che è un’espressione derivante dall’osservazione diretta della realtà. In voga soprattutto nel diciannovesimo secolo europeo, la pittura aerea era ampiamente utilizzata dalla corrente pittorica degli impressionisti. Questo metodo contrasta con la pittura in studio o le regole accademiche che potrebbero creare un aspetto predeterminato.

Sebbene nel passato storico gli artisti abbiano già usato la risorsa per dipingere la natura che hanno contemplato (genere o arte del paesaggio), non è stato fino alla metà del diciannovesimo secolo quando hanno scelto esplicitamente di usare la luce naturale per studiare e ottenere determinati effetti e applicare li alla sua pittura. Anche allora, i paesaggisti di spicco come Carlos de Haes hanno continuato la tradizione di riservare la maggior parte del lavoro pittorico per lo studio (come nella cosiddetta pittura del gabinetto) e di realizzare solo schizzi o note degli spazi naturali all’aperto.

Una tale novità era una “scelta di stile”, attribuita alla scuola di Barbizon e ai primi impressionisti in Francia, anche se in Italia altri circoli di pittori come i Macchiaioli svilupparono allo stesso tempo proposte simili, mentre in Inghilterra ciò che i membri di la scuola di Newlyn in Russia fece molti dei loro migliori paesaggisti e in altri paesi europei e americani varie colonie e circoli specializzati nella pittura di paesaggi.

Forse la chiave del successo e della divulgazione del plenarismo degli anni ’70 del XIX secolo fu la commercializzazione di contenitori per tubi per la pittura ad olio. Prima di loro, ogni pittore doveva creare i propri colori mescolando pigmenti in polvere essiccati con olio di semi di lino. Un’altra invenzione dello stesso palcoscenico fu il tipo di cavalletto chiamato in inglese “cavalletto a scatola francese”, sebbene non sia stato stabilito con certezza chi l’abbia usato per primo. Consisteva in una struttura facilmente trasportabile, con gambe telescopiche, che poteva incorporare la tavolozza e la scatola di vernice; che ha permesso ai pittori all’aria aperta di fare autentiche escursioni in campagna, oltre ad essere adatto anche per l’uso in studio.

Concetto
È chiaro che dipingere all’aria aperta e dipingere all’aperto significano la stessa cosa e sono usati per descrivere una tecnica pittorica: lavorare dal naturale, cioè in uno spazio preferibilmente naturale. Il termine plenairismo, tuttavia, sembra riferire che è stato aggiunto alla pratica di questa tecnica ideologica, emotiva cromatica. Visitando la Storia dell’Arte, è dimostrato che gli Assiri, i Cinesi, gli Aztechi e, molto prima, gli artisti delle caverne dipingevano all’aperto, ma non c’è documentazione dei motivi sociali e artistici che li hanno portati a farlo, o se erano semplicemente religiosi, geografici o ovvi. Tuttavia, sin dalla sua apparizione nel focolaio parigino a metà del diciannovesimo secolo, il plenarismo ha portato a un termine contrastante, un germe di polemiche tra critici, accademici e studiosi d’arte, e un jolly di uso astratto per la stragrande maggioranza. Nel frattempo, i pittori uscivano sul campo per dipingere con i loro cavalletti e ombrelli, spostando in molte occasioni il necessario coraggio e le loro modelle verso gli angoli più inaspettati della natura più o meno selvaggia.

Rivoluzionari
È sorprendente che autori diversi in contesti diversi, presentati come “paesaggio puro” al Greco of View of Toledo, al Velázquez di due piccoli paesaggi di Villa Medici, o al Van Gogh del Cafe Terrace di notte, che dipinge il naturale nel cuore della notte e si accende posizionando le candele attorno al cappello.

precursori
Prima dell’uso ideologico della tecnica della pittura su (e altri, quindi, diciannovesimi terminologi critici, borghesi e “Fanes” all’aperto una lista infinita di artisti, molti dei quali di prima linea dipinti “in. Situ” volontariamente e sistema Qui, i plenairisti erano: Dürer, Claude Lorrain, Poussin, Salvator Rosa e nel tratto, Camille Corot, Joseph Mallord William Turner e Constable.

Sembra accettato, tranne che per gli sciovinisti più recalcitranti che, ancora senza nome, il plenarismo fu forgiato in Inghilterra nell’ultimo terzo del XVIII secolo, come esercizio, come risorsa tecnica, come ricetta accademica per la corretta pittura di paesaggio e come sinonimo di «assorbimento di aria e luce». Pertanto, il grande insegnante di precursori proposto da specialisti e critici fu John Constable.

Il fatto che Diderot, dopo aver passeggiato nella sala parigina del 1767, abbia preferito molti schizzi ai dipinti finiti, non toglie nulla alla battaglia ufficiale e frontale, che i pittori di Barbizón hanno combattuto, seguendo la tradizione anglo-olandese. È giustificato dalle popolari colonie di plenaryisti (ora già etichettate) che nel 1820 dipinsero corporalmente nella foresta di Fontainebleau, a Saint-Cloud, a Sèvres e lungo la costa del canale La Mancha.

Acquerelli e viaggiatori
La creazione nel 1804, in Inghilterra, della Watercolor Society (Society of Watercolors) e la divulgazione della pittura ad acquerello in Europa e in America, fecero di questa tecnica la risorsa principale dei pittori itineranti e dei “pionieri del plenarismo”.

Nel suo viaggio in Marocco nel 1831, Eugenio Delacroix, “pittore ebanista” ignaro della pittura di paesaggio, dell’uso professionale dell’acquerello da parte di artisti itineranti e delle successive mode plenarie, disegna, annota e dipinge su sette quaderni diverse migliaia di acquerelli. Alcune di quelle note naturali sarebbero diventate tela anni dopo; per esempio matrimoni ebraici, presentati al Salone di Parigi del 1841 e conservati nel Museo del Louvre. Dal 1820 risale all’accettazione della tecnica dell’acquerello negli schemi ultra-accademici di detta Hall, un catalizzatore commerciale e pittorico di mercato e arbitro d’arte nelle corti europee dell’epoca. Nel 1824, quattro artisti inglesi avevano trionfato in questa sala (forse perché erano stati respinti in precedenza nel loro paese): Thomas Lawrence, John Constable, Copley Fielding e Richard Parkes Bonington.

Nel caso specifico di Delacroix, le sue scoperte e riflessioni sul comportamento della luce sugli oggetti servirebbero da premesse per i teorici del puntinismo come Seurat e Paul Signac.

Schema e lavoro finito
Le riflessioni del poeta e critico d’arte Charles Baudelaire dopo aver lasciato il Salone di Parigi del 1845, stimolate dai paesaggi di Corot, hanno messo in luce la contraddizione ufficiale di considerare le opere d’arte come meticolosamente lavorate nello studio e rifiutare come tali, schizzi spontanei tratti da il naturale. Una contraddizione sulla quale, dall’altra parte delle Alpi, si speculavano anche i membri della cerchia di pittori chiamati macchiaioli.

Lo scandalo arrivò quando, stimolati dall’ovvio, i pittori di tutto il mondo, centralizzati dall’esempio francese, il più noto e diffuso, decisero di considerare e quindi presentare e scambiare i presunti schizzi come opere d’arte finite. La tecnica del plenarismo aveva appena fatto il salto di qualità da cui nulla e nessuno in futuro poteva strappare.

Pic-nic in aria aperta e pienezza sulla spiaggia
Gli idillio di campagna di un Watteau, le scene paesaggistiche pastorali di Claudio di Lorena e le scene più o meno mitologiche o religiose incorniciate e talvolta avvolte nella natura che il Giorgione ha dipinto, non sono – evidentemente – dipinti a tutti gli effetti, ma è difficile immagina la colazione di Manet o le versioni di Claude Monet senza ricordare quelle. L’osservazione di tale evoluzione metafisica nella concezione della pittura aiuta a comprendere le chiavi del plenarismo come scuola e rivoluzione senza spazio o tempo.

Ma l’area del paesaggio in cui la definizione di plenaryismo ha vinto la categoria di scuola di pittura (e continua a manifestarsi come tale al punto da imitare il fatto stesso), erano le coste marine (già presenti nell’intuizione di Constable o Courbet) in generale e le spiagge in particolare. Come conclude Linda Nochlin, l’ultimo capitolo del realismo è stato dipinto all’aperto, vicino al mare.

Espansione del plenarismo nelle scuole di paesaggio.

Aspetto
Plein air apparve all’inizio del XIX secolo in Inghilterra grazie a John Constable e Richard Parks Bonington. Il plenerismo diventa la base dell’estetica degli artisti per i quali la luce e l’aria acquisiscono un significato indipendente e un interesse puramente pittorico. L’oggetto stesso non è disegnato consapevolmente, quasi mai espresso in sagome concrete o scompare completamente. Questa tecnica era molto popolare tra gli impressionisti francesi (fu allora che all’aria aperta veniva usato ampiamente un termine). Artisti come Jean-Baptiste Camille Corot, Jean-Francois Millet, Camille Pissarro, Pierre-Auguste Renoir e non ultimo Claude Monet hanno contribuito allo sviluppo della pittura ad aria plein.

La pittura alla luce naturale era nota da molto tempo e veniva utilizzata principalmente per creare schizzi. Tuttavia, tra gli artisti della scuola Barbizon e gli impressionisti, questa tecnica pittorica ha ricevuto una nuova vita.

Caratteristiche della pittura ad aria plein
L’impressionismo, in generale, è un ottimo esempio dell’opera dell’artista all’aria aperta. Famoso critico d’arte J.-L. Castagnari ha scritto:

“Loro [impressionisti] percepiscono la natura in modo tale da risultare tutt’altro che noioso e banale. La loro pittura è piena di vita, rapida, facile … Non si sforzano per la riproduzione esatta, ma sono limitati dalla percezione generale … Sono impressionisti nel senso che riproducono non il paesaggio stesso, ma l’impressione causata da questo paesaggio … Quindi, si allontanano dalla realtà e si spostano completamente nella posizione di idealismo. ”

Furono gli impressionisti a elevare l’istruzione, eseguita all’aperto, al livello di dipinti indipendenti a tutti gli effetti. Gli impressionisti hanno cercato di trasmettere le proprie impressioni sul mondo nel modo più accurato possibile – per il bene di questo obiettivo hanno abbandonato le regole accademiche esistenti di pittura e creato il proprio metodo eccellente. La sua essenza era di trasmettere con l’aiuto di tratti separati di vernici pure l’impressione esterna di luce, ombra, il loro riflesso sulla superficie degli oggetti. Questo metodo ha creato l’impressione di una dissoluzione della forma nella luce circostante – spazio aereo. Claude Monet ha scritto del suo lavoro:

“Il mio merito è che ho scritto direttamente dalla natura, cercando di trasmettere le mie impressioni sui fenomeni più instabili e mutevoli”.

Nei tempi moderni, la formazione all’aria aperta diventa spesso uno degli elementi fondamentali nell’insegnamento della pittura in varie istituzioni artistiche ed educative e fa parte della pittura dalla natura.

Storia
Gli artisti hanno dipinto a lungo all’aperto, ma a metà del XIX secolo, lavorare alla luce naturale è diventato particolarmente importante per la scuola di Barbizon, la Hudson River School e gli impressionisti.

Molti artisti europei si incontrano a Roma e vanno a dipingere all’aperto. Pierre-Henri de Valenciennes (1750-1819) esegue schizzi di paesaggio, a olio, a Roma e dintorni (opere esposte al Museo del Louvre). Anche teorico e pedagogo, scrisse nel 1799 il suo “Consiglio a uno studente sulla pittura e in particolare sul genere del paesaggio 1”. Questa pratica della “pittura all’aperto” si diffuse in Francia intorno alla metà del XIX secolo, con alcuni membri della Scuola di Barbizon, come Charles-François Daubigny o pittori indipendenti come Eugène Boudin che influenzarono, in modo considerevole, i futuri impressionisti che trovano il loro padrone nella persona di Edouard Manet 2.

Tra le opere più antiche di pittura sul motivo, citiamo quelle di Alexandre-François Desportes (1661-1743), schizzi dipinti ad olio su carta. I soggetti sono paesaggi con rappresentazione della flora e della fauna, in preparazione di dipinti, scene di caccia in particolare, realizzati per Luigi XIV e Luigi XV. Alcune di queste opere sono in primo piano nel Museo del Louvre o nel Museo della caccia e della natura di Parigi. Nel 1817, Achille Etna Michallon (1796-1822) fu il primo vincitore del “Prix de Rome pour le paysage historique”. Tra gli altri allievi, ebbe Corot, che produsse dal 1825 al 1828, una serie di paesaggi in Italia in particolare! Corot continuerà per tutta la sua carriera a dipingere all’aperto, sul motivo; era uno dei precursori della scuola di Barbizon, andando a dipingere a Fontainebleau.

Nel 1830, la scuola di Barbizon in Francia, consentì ad artisti come Charles-François Daubigny e Théodore Rousseau di rappresentare più accuratamente l’aspetto degli ambienti esterni in varie condizioni di luce e tempo. Alla fine del 1800, l’approccio en plein air fu incorporato nello stile degli impressionisti e artisti come Claude Monet, Pierre-Auguste Renoir, Alfred Sisley e Frédéric Bazille iniziarono a creare il loro lavoro all’aperto. Dalla Francia, il movimento si espanse in America, a partire dalla California, per poi spostarsi in altri luoghi americani noti per le loro qualità di luce naturale, tra cui la Hudson River Valley a New York.

È la fine del XIX e l’inizio del XX secolo che la vernice per esterni esplode con la comparsa di colori in tubi (1841). Ciò consente agli artisti di muoversi facilmente, anche se il più delle volte, completano la loro pittura in studio. La loro preoccupazione diventa quindi dipingere la natura come appare a loro, alla luce del momento presente. Gli impressionisti dipingono paesaggi non per il loro lato pittoresco ma per gli effetti atmosferici, tenendo conto dei diversi aspetti che un motivo può assumere in base alle condizioni di luce e quindi alle ore del giorno, da cui l’aspetto della serie (Cattedrali e Macine di Monet ). In un’opera intitolata “History of Impressionist Painters” (Parigi, pubblicata nel 1939), Théodore Duret scriverà in particolare “la grande innovazione degli impressionisti: la pittura all’aperto”.

Tuttavia, gli atteggiamenti all’interno del movimento impressionista erano contrastanti: Degas si rifiutò di “dipingere all’aperto” per mancanza di tempo, a differenza di Renoir, che, secondo lui, “può fare quello che vuole”.

Dopo gli impressionisti, il 20 ° secolo, molti artisti in tutto il mondo hanno dipinto all’aperto; tra questi ci sono alcuni francesi, André Derain, Albert Marquet, Charles Camoin, Henri Manguin o l’italiano Francesco Filippini. Relativamente parlando, i pittori all’aperto della fine del 20 ° e l’inizio del 21 ° secolo con gli impressionisti condividono lo stesso approccio pittorico, “Vale a dire la resa degli spazi esterni e l’effetto prodotto dalle variazioni costanti e impercettibili della luce sugli elementi. Questi artisti stanno lavorando a un nuovo modo di dipingere, collegato a un nuovo modo di vedere. Per loro, si tratta di trascrivere una sensazione immediata, di rendere gli effetti luminosi del cielo e dell’acqua, la vibrazione colorata dei loro effetti mutevoli. “(Théodore Duret, citata opera.)

I Macchiaioli erano un gruppo di pittori italiani attivi in ​​Toscana nella seconda metà del XIX secolo, che, rompendo le convenzioni antiquate insegnate dalle accademie d’arte italiane, fece gran parte della loro pittura all’aperto per catturare luce naturale, ombra, e colore. Questa pratica mette in relazione i Macchiaioli con gli impressionisti francesi che divennero importanti pochi anni dopo, sebbene i Macchiaioli perseguissero scopi in qualche modo diversi. Il loro movimento iniziò a Firenze alla fine del 1850.

La scuola di Newlyn in Inghilterra è considerata un altro importante sostenitore della tecnica nell’ultimo XIX secolo. La popolarità della pittura en plein air aumentò negli anni ’40 del 1800 con l’introduzione di vernici in tubetti (come quelle per dentifricio). In precedenza, i pittori creavano le proprie vernici macinando e mescolando polveri di pigmenti secche con olio di lino.

L’atto della pittura all’aperto dall’osservazione è stato continuamente popolare anche nel 21 ° secolo. Oggi la pittura di paesaggio è presente nell’arte contemporanea. Questo movimento, che a volte chiamiamo indifferentemente “pittura di paesaggio, pittura sul motivo, pittura esterna, arte nomade” è rappresentato da artisti come David Hockney, Per Kirkeby, Peter Doig, Antonio Lopez Garcia, Klauss Fussman, Vincent Bioulès, Alexandre Hollan … È particolarmente dinamico sulla costa occidentale degli Stati Uniti con il California Plein-Air Revival.

Attrezzature e sfide
Fu durante la metà del XIX secolo che fu inventato il “cavalletto a scatola”, in genere noto come “cavalletto a scatola francese” o “cavalletto da campo”. Non è sicuro chi l’abbia sviluppato, ma questi cavalletti altamente portatili con gambe telescopiche, scatola di vernice e tavolozza incorporate hanno reso più facile andare nella foresta e su per le colline. Ancora fatti oggi, rimangono una scelta popolare (anche per uso domestico) poiché si piegano fino alle dimensioni di una valigetta e quindi sono facili da riporre.

La scatola Pochade è una scatola compatta che consente all’artista di conservare tutti i materiali di consumo e la tavolozza all’interno della scatola e di lavorare all’interno del coperchio. Alcuni disegni consentono una tela più grande che può essere trattenuta da morsetti integrati nel coperchio. Ci sono disegni che possono contenere anche alcune tele o pannelli dipinti a umido all’interno del coperchio. Queste scatole hanno una crescente popolarità in quanto mentre vengono utilizzate principalmente per la pittura plein air, possono anche essere utilizzate in studio, a casa o in classe. Poiché le scatole di pochade sono utilizzate principalmente per dipingere sul posto, la tela o la superficie di lavoro possono essere piccole, di solito non più di 20 pollici (50 cm).

Le sfide includono il tipo di vernice utilizzata per dipingere all’aperto, animali, insetti, curiosi e condizioni ambientali come il tempo. La vernice acrilica può indurirsi e asciugarsi rapidamente con tempo caldo e soleggiato e non può essere riutilizzata. Sul lato opposto dello spettro c’è la sfida di dipingere in condizioni umide o umide con precipitazioni. L’avvento della plein air painting precedette l’invenzione degli acrilici. Il metodo tradizionale e consolidato di pittura all’aria aperta incorpora l’uso della pittura ad olio.

I sostenitori
Pittori impressionisti francesi come Claude Monet, Camille Pissarro, Alfred Sisley e Pierre-Auguste Renoir sostenevano la pittura plein air e gran parte del loro lavoro veniva svolto all’aperto alla luce diffusa di un grande ombrello bianco. Claude Monet era un artista appassionato di aria che dedusse che per cogliere la vicinanza e la somiglianza di un ambiente esterno in un momento specifico si doveva essere all’esterno per farlo piuttosto che dipingere un ambiente esterno nel loro studio. Nella seconda metà del 19 ° secolo e all’inizio del 20 ° secolo in Russia, pittori come Vasily Polenov, Isaac Levitan, Valentin Serov, Konstantin Korovin e IE Grabar erano noti per la pittura a cielo aperto.

Ma gli appassionati di pittura plein air non si limitavano al Vecchio Mondo. Anche gli impressionisti americani, come quelli della vecchia scuola di Lyme, erano avidi pittori in aria. I pittori impressionisti americani noti per questo stile durante quest’era includevano Guy Rose, Robert William Wood, Mary DeNeale Morgan, John Gamble e Arthur Hill Gilbert. In Canada, il gruppo dei sette e Tom Thomson sono esempi di sostenitori di en plein air.

posti
Barbizon (Seine-et-Marne), divenne così uno dei luoghi mitici del periodo preimpressionista in Francia (scuola di Barbizon). Dal 1830, quello che è ancora un villaggio di boscaioli accoglierà davvero nella locanda di Ganne, tutti i pittori che vengono a cercare ispirazione dalla natura incontaminata. Successivamente, condividono il loro soggiorno tra Barbizon e Chailly-en-Bière, trovando i loro soggetti nelle campagne o nella vicina foresta di Fontainebleau.
La costa della Normandia (Le Havre, Honfleur) attira gli impressionisti
Le rive della Senna ad Argenteuil (Val-d’Oise): Monet, Sisley quindi Signac
Chatou (Yvelines), incontro degli impressionisti e dei fauves, che erano clienti abituali del ristorante la Fournaise
Auvers-sur-Oise (Val-d’Oise), ultima fermata per Van Gogh e Pontoise dove si stabilirono Cézanne e Pissarro
Moret-sur-Loing (Senna e Marna) e la sua chiesa di cui Sisley non si è mai stancato
Grez-sur-Loing, “scoperto” da Jean-Baptiste Corot e dove una comunità di artisti scandinavi si stabilì nel 1880 (Carl Larsson e sua moglie Karin, Peder Severin Krøyer, Michael e Anna Ancher, Christian Krohg)
La montagna di Sainte-Victoire celebrata da Cezanne