La storia della pittura orientale comprende una vasta gamma di influenze provenienti da varie culture e religioni. Gli sviluppi nella pittura orientale sono storicamente paralleli a quelli della pittura occidentale, in generale alcuni secoli prima. L’arte africana, l’arte ebraica, l’arte islamica, l’arte indiana, l’arte cinese, l’arte coreana e l’arte giapponese hanno avuto un’influenza significativa sull’arte occidentale e, viceversa.

La pittura cinese è una delle più antiche tradizioni artistiche continue del mondo. I primi dipinti non erano rappresentativi ma ornamentali; consistevano in modelli o disegni piuttosto che in immagini. La ceramica antica era dipinta con spirali, zigzag, punti o animali. Fu solo durante il periodo degli Stati Combattenti (403-221 a.C.) che gli artisti iniziarono a rappresentare il mondo intorno a loro. La pittura giapponese è una delle più antiche e raffinatissime arti giapponesi, comprendendo un’ampia varietà di generi e stili. La storia della pittura giapponese è una lunga storia di sintesi e competizione tra estetica nativa giapponese e adattamento di idee importate. La pittura coreana, come forma indipendente, iniziò verso il 108 a.C., attorno alla caduta di Gojoseon, rendendola una delle più antiche del mondo. Le opere d’arte di quel periodo si sono evolute nei vari stili che hanno caratterizzato il periodo dei Tre Regni di Corea, in particolare i dipinti e gli affreschi che adornano le tombe della regalità di Goguryeo. Durante il periodo dei Tre Regni e attraverso la dinastia dei Goryeo, la pittura coreana era caratterizzata principalmente da una combinazione di paesaggi in stile coreano, caratteristiche facciali, temi centrati sul buddismo e un’enfasi sull’osservazione celeste facilitata dal rapido sviluppo dell’astronomia coreana.

Pittura dell’Asia orientale
La Cina, il Giappone e la Corea hanno una forte tradizione nella pittura che è anche molto legata all’arte della calligrafia e della stampa (tanto che è comunemente vista come pittura). La pittura tradizionale dell’Estremo Oriente è caratterizzata da tecniche basate sull’acqua, meno realismo, soggetti “eleganti” e stilizzati, approccio grafico alla rappresentazione, l’importanza dello spazio bianco (o spazio negativo) e una preferenza per il paesaggio (anziché la figura umana) come soggetto. Oltre l’inchiostro e il colore su pergamene di seta o carta, l’oro su lacca era anche un mezzo comune nelle opere d’arte dipinte dell’Asia orientale. Sebbene la seta fosse un mezzo piuttosto costoso da dipingere in passato, l’invenzione della carta durante il I secolo dC dall’eunuco coreano Han Cai Lun fornì non solo un mezzo economico e diffuso per la scrittura, ma anche un mezzo economico e diffuso per la pittura (rendendolo più accessibile al pubblico).

Le ideologie del confucianesimo, del daoismo e del buddismo hanno avuto un ruolo importante nell’arte dell’Asia orientale. Pittori della dinastia Song medievale come Lin Tinggui e il suo Luohan Laundering (ospitato nella Smithsonian Freer Gallery of Art) del 12 ° secolo sono esempi eccellenti di idee buddiste fuse nell’opera d’arte classica cinese. In quest’ultimo dipinto su seta (immagine e descrizione fornita nel link), il buddista calvo Luohan è raffigurato in una pratica ambientazione di lavare i panni da un fiume. Tuttavia, il dipinto stesso è visivamente stupefacente, con Luohan ritratta nei dettagli ricchi e colori chiari e opachi in contrasto con un ambiente boscoso, marrone e boscoso. Inoltre, le cime degli alberi sono avvolte in una nebbia vorticosa, fornendo il comune “spazio negativo” menzionato sopra nell’arte dell’Asia orientale.

Nel Gaponisme, post-impressionisti della fine del XIX secolo come Van Gogh e Henri de Toulouse-Lautrec, e tonalisti come James McNeill Whistler, ammiravano gli artisti Ukiyo-e giapponesi del diciannovesimo secolo come Hokusai (1760-1849) e Hiroshige (1797- 1858) e furono influenzati da loro.

Pittura cinese
I primi esemplari superstiti di opere d’arte dipinte in Cina risalgono al Periodo degli Stati Combattenti (481 – 221 aC), con dipinti su seta o affreschi su roccia, mattoni o pietra. Erano spesso in un formato stilizzato semplicistico e in modelli geometrici più o meno rudimentali. Spesso raffiguravano creature mitologiche, scene domestiche, scene di lavoro o scene sontuose piene di funzionari a corte. Le opere d’arte durante questo periodo e la successiva dinastia Qin (221 – 207 aC) e la dinastia Han (202 aC – 220 dC) non furono considerate come un mezzo per sé o per una maggiore espressione personale; piuttosto opere d’arte sono state create per simboleggiare e onorare riti funebri, rappresentazioni di divinità mitologiche o spiriti di antenati, ecc. Dipinti su seta di funzionari di corte e scene domestiche potrebbero essere trovati durante la dinastia Han, insieme a scene di uomini a caccia oa cavallo parata militare. C’era anche pittura su opere d’arte tridimensionali come statuette e statue, come i colori dipinti in origine che coprono le statue di soldati e cavalli dell’Esercito di Terracotta. Durante il clima sociale e culturale dell’antica Dinastia Jin Orientale (316 – 420 dC) con sede a Nanjing, nel sud, la pittura divenne uno dei passatempi ufficiali dei funzionari burocratici e degli aristocratici istruiti da Confuciani (insieme alla musica suonata dalla cetra guqin, scrivendo fantasiose calligrafie e scrivendo e recitando poesie). La pittura divenne una forma comune di autoespressione artistica e durante questo periodo i pittori a corte o tra i circuiti sociali d’élite furono giudicati e classificati dai loro pari.

L’istituzione della pittura paesaggistica cinese classica è accreditata in gran parte dall’artista della dinastia Jin orientale Gu Kaizhi (344 – 406 d.C.), uno dei più famosi artisti della storia cinese. Come le scene di pergamena allungata di Kaizhi, la dinastia Tang (618 – 907 d.C.), artisti cinesi come Wu Daozi dipinsero opere d’arte vivaci e molto dettagliate su lunghi handscroll orizzontali (che erano molto popolari durante il Tang), come il suo ottantasette persone celesti. Le opere d’arte dipinte durante il periodo Tang riguardavano gli effetti di un ambiente paesaggistico idealizzato, con una quantità limitata di oggetti, persone o attività, nonché di natura monocromatica (esempio: i murales della tomba di Price Yide nel Mausoleo di Qianling). C’erano anche personaggi come il pittore dell’antichità Tang Zhan Ziqian, che dipinse superbi dipinti paesaggistici che erano ben avanti ai suoi tempi nel ritratto del realismo. Tuttavia, l’arte del paesaggio non raggiunse un livello più elevato di maturità e realismo in generale fino al periodo delle Cinque Dinastie e dei Dieci Regni (907 – 960 d.C.). Durante questo periodo, c’erano pittori di paesaggi eccezionali come Dong Yuan (riferirsi a questo articolo per un esempio delle sue opere) e quelli che dipingevano rappresentazioni più vivide e realistiche di scene domestiche, come Gu Hongzhong e i suoi Night Revels di Han Xizai.

Durante la dinastia Song cinese (960-1279 d.C.), non solo l’arte del paesaggio fu migliorata, ma la ritrattistica divenne più standardizzata e sofisticata di prima (per esempio, si riferisce all’Imperatore Huizong di Song), e raggiunse la sua età classica durante il Dinastia Ming (1368 – 1644 d.C.). Durante la fine del XIII secolo e la prima metà del XIV secolo, ai cinesi sotto la dinastia Yuan controllata dai mongoli non fu permesso di entrare nei posti di governo più alti (riservati ai mongoli o ad altri gruppi etnici dall’Asia centrale), e l’esame imperiale fu interrotto per il momento. Molti cinesi con una cultura confuciana che ora mancavano di professione si sono invece rivolti alle arti della pittura e del teatro, poiché il periodo Yuan è diventato una delle ere più vivaci e abbondanti per le opere d’arte cinesi. Un esempio di tale sarebbe Qian Xuan (1235-1305 d.C.), che era un funzionario della dinastia Song, ma per patriottismo, rifiutò di servire la corte dello Yuan e si dedicò alla pittura. Esempi di arte superba di questo periodo includono i murales dipinti ricchi e dettagliati del Palazzo Yongle, o “Dachunyang Longevity Palace”, del 1262 d.C., un sito patrimonio mondiale dell’UNESCO. All’interno del palazzo, i dipinti coprono un’area di oltre 1000 metri quadrati e conservano per lo più temi taoisti. Fu durante la dinastia Song che i pittori si riunirono anche in club o riunioni sociali per discutere la loro arte o le opere d’arte altrui, la cui lode spesso portava a persuasioni a commerciare e vendere preziose opere d’arte. Tuttavia, ci furono anche molti critici severi sull’arte altrui, mostrando la differenza di stile e gusto tra i diversi pittori. Nel 1088 d.C., lo scienziato e scienziato polemico Shen Kuo scrisse una volta delle opere d’arte di un certo Li Cheng, che criticò come segue:

… Poi c’era Li Cheng, che quando dipingeva padiglioni e logge in mezzo a montagne, edifici piani, pagode e simili, usava sempre dipingere i cornicioni visti dal basso. La sua idea era che “si dovrebbe guardare in alto da sotto, proprio come un uomo in piedi in piano e guardando la grondaia di una pagoda può vedere le sue travi a sbalzo e le sue travi a sbalzo”. Questo è tutto sbagliato. In generale, il modo corretto di dipingere un paesaggio è vedere il piccolo dal punto di vista del grande … proprio come si guarda alle montagne artificiali nei giardini (come si cammina). Se si applica (il metodo di Li) alla pittura delle vere montagne, osservandole dal basso, si può vedere solo un profilo alla volta, e non la ricchezza delle loro molteplici pendenze e profili, per non parlare di tutto ciò che sta accadendo su nelle valli e nei canyon, e nelle viuzze e nei cortili con le loro dimore e case. Se ci troviamo ad est di una montagna, le sue parti occidentali si troveranno sul confine che svanisce da lontano, e viceversa. Sicuramente questo non potrebbe essere definito un dipinto di successo? Il signor Li non capiva il principio di “vedere il piccolo dal punto di vista del grande”. Era senz’altro meraviglioso a diminuire con precisione altezze e distanze, ma si dovrebbe attribuire tanta importanza agli angoli e agli angoli degli edifici?

Sebbene l’alto livello di stilizzazione, il fascino mistico e l’eleganza surreale fossero spesso preferiti rispetto al realismo (come nello stile di shan shui), a cominciare dalla dinastia Song medievale ci furono molti pittori cinesi che dipinsero scene di natura vividamente reali. I successivi artisti della dinastia Ming avrebbero preso in considerazione l’enfasi della dinastia Song per intricati dettagli e realismo sugli oggetti nella natura, specialmente nelle raffigurazioni di animali (come anatre, cigni, passeri, tigri, ecc.) Tra macchie di fiori dai colori vivaci e cespugli di cespugli e legno (un buon esempio potrebbe essere l’anonimo Ming Dynasty che dipinge Birds and Plum Blossoms, ospitato nella Freer Gallery dello Smithsonian Museum di Washington, DC). C’erano molti famosi artisti della dinastia Ming; Qiu Ying è un eccellente esempio di un fondamentale pittore dell’epoca Ming (famoso anche ai suoi tempi), che utilizza nelle sue scene domestiche di opere d’arte, scene palatali vivaci e scene naturali di valli fluviali e montagne scoscese avvolte nella nebbia e nuvole vorticose. Durante la dinastia Ming c’erano anche scuole d’arte diverse e rivali associate alla pittura, come la Scuola Wu e la Scuola Zhe.

La pittura classica cinese continuò fino ai tempi della dinastia Qing moderna, con dipinti di ritratto altamente realistici come quelli della tarda dinastia Ming del primo Seicento. I ritratti di Kangxi Emperor, Yongzheng Emperor e Qianlong Emperor sono eccellenti esempi di pittura realistica di ritratti cinesi. Durante il regno di Qianlong e il proseguimento del XIX secolo, gli stili di pittura barocchi europei hanno avuto un’influenza notevole sui ritratti cinesi, specialmente con effetti visivi dipinti di luci e ombre. Allo stesso modo, i dipinti dell’Asia orientale e altre opere d’arte (come la porcellana e le lacche) erano molto apprezzati in Europa dal primo contatto nel 16 ° secolo.

Pittura giapponese
La pittura giapponese (絵 画) è una delle più antiche e raffinatissime arti giapponesi, comprendendo un’ampia varietà di generi e stili. Come per le arti giapponesi in generale, la pittura giapponese si è sviluppata attraverso una lunga storia di sintesi e competizione tra estetica nativa giapponese e adattamento di idee importate. Ukiyo-e, o “immagini del mondo fluttuante”, è un genere di stampe giapponesi (o “xilografie”) e dipinti prodotti tra il XVII e il XX secolo, con motivi di paesaggi, teatro e cortigiani. È il principale genere artistico della stampa giapponese su legno. L’arte tipografica giapponese, soprattutto del periodo Edo, esercitò un’enorme influenza sulla pittura francese nel XIX secolo.

Pittura coreana
La pittura coreana, come forma indipendente, iniziò verso il 108 a.C., attorno alla caduta di Gojoseon, rendendola una delle più antiche del mondo. Le opere d’arte di quel periodo si sono evolute nei vari stili che hanno caratterizzato il periodo dei Tre Regni di Corea, in particolare i dipinti e gli affreschi che adornano le tombe della regalità di Goguryeo. Durante il periodo dei Tre Regni e attraverso la dinastia dei Goryeo, la pittura coreana era caratterizzata principalmente da una combinazione di paesaggi in stile coreano, caratteristiche facciali, temi centrati sul buddismo e un’enfasi sull’osservazione celeste facilitata dal rapido sviluppo dell’astronomia coreana. Fu solo con la dinastia Joseon che i temi confuciani iniziarono a mettere radici nei dipinti coreani, usati in armonia con gli aspetti indigeni.

La storia della pittura coreana è stata caratterizzata dall’uso di opere monocromatiche di pennellate nere, spesso su carta di gelso o seta. Questo stile è evidente in “Min-Hwa”, o arte popolare colorata, pitture tombali e arti rituali e di festival, che includevano entrambi un uso estensivo del colore.

Pittura dell’Asia meridionale

Pittura indiana
I dipinti indiani ruotavano storicamente attorno alle divinità religiose e ai re. L’arte indiana è un termine collettivo per diverse scuole d’arte esistenti nel subcontinente indiano. I dipinti variavano dai grandi affreschi di Ajanta alle intricate miniature in miniatura di Mughal fino alle opere in metallo dalla scuola di Tanjore. I dipinti di Gandhar-Taxila sono influenzati dalle opere persiane ad ovest. Lo stile orientale della pittura era per lo più sviluppato attorno alla scuola d’arte di Nalanda. Le opere sono per lo più ispirate a varie scene della mitologia indiana.

Storia
I primi dipinti indiani erano le pitture rupestri dei tempi preistorici, i petroglifi come si trovano in luoghi come i Rock Shelters di Bhimbetka, e alcuni di loro sono più antichi del 5500 aC. Tali opere continuarono e dopo diversi millenni, nel settimo secolo, i pilastri scolpiti di Ajanta, stato del Maharashtra, rappresentano un bell’esempio di pittura indiana, ei colori, per lo più varie sfumature di rosso e arancione, derivavano da minerali.

Le grotte di Ajanta nel Maharashtra, in India, sono monumenti rupestri scavati nella roccia risalenti al II secolo aC e contengono dipinti e sculture considerati capolavori dell’arte religiosa buddista e dell’arte pittorica universale.

Pittura di Madhubani
La pittura di Madhubani è uno stile di pittura indiana, praticato nella regione di Mithila nello stato del Bihar, in India. Le origini della pittura di Madhubani sono avvolte nell’antichità.

Pittura Rajput
La pittura Rajput, uno stile di pittura indiana, si evolse e prosperò, durante il XVIII secolo, nelle corti reali di Rajputana, in India. Ogni regno Rajput ha sviluppato uno stile distinto, ma con alcune caratteristiche comuni. I dipinti di Rajput rappresentano una serie di temi, eventi di epopea come il Ramayana e il Mahabharata, la vita di Krishna, i bellissimi paesaggi e gli umani. Le miniature erano il mezzo preferito della pittura di Rajput, ma diversi manoscritti contenevano anche dipinti di Rajput, e le pitture venivano persino eseguite sulle pareti dei palazzi, nelle camere interne dei forti, nelle fattorie, in particolare, negli havelis di Shekhawait.

Sono stati utilizzati i colori estratti da alcuni minerali, fonti vegetali, conchiglie e sono stati anche ottenuti dalla lavorazione di pietre preziose, oro e argento. La preparazione dei colori desiderati era un processo lungo, a volte richiedendo settimane. I pennelli usati erano molto belli.

Pittura di Mughal
La pittura moghul è uno stile particolare della pittura indiana, generalmente limitata alle illustrazioni del libro e fatta in miniatura, e che emerse, si sviluppò e prese forma durante il periodo dell’Impero Mughal dal 16 ° al 19 ° secolo.

Pittura Tanjore
La pittura Tanjore è una forma importante di pittura classica dell’India del Sud originaria della città di Tanjore nel Tamil Nadu. La forma d’arte risale agli inizi del 9 ° secolo, un periodo dominato dai sovrani Chola, che incoraggiavano l’arte e la letteratura. Questi dipinti sono noti per la loro eleganza, i colori ricchi e l’attenzione ai dettagli. I temi per la maggior parte di questi dipinti sono divinità indù e dee e scene della mitologia indù. Nei tempi moderni, questi dipinti sono diventati un souvenir molto richiesto durante le feste in India del Sud.

Il processo di creazione di una pittura Tanjore comprende molte fasi. Il primo stadio prevede la realizzazione dello schizzo preliminare dell’immagine sulla base. La base è costituita da un panno incollato su una base di legno. Quindi la polvere di gesso o l’ossido di zinco vengono miscelati con l’adesivo idrosolubile e applicati sulla base. Per rendere la base più liscia, a volte viene utilizzato un leggero abrasivo. Dopo che il disegno è stato realizzato, la decorazione dei gioielli e degli abiti nell’immagine è fatta con pietre semi-preziose. Lacci o fili sono usati anche per decorare i gioielli. Inoltre, le lamine d’oro sono incollate. Infine, i colori sono usati per aggiungere colori alle figure nei dipinti.

La scuola di Madras
Durante il dominio britannico in India, la corona scoprì che Madras aveva alcune delle menti più talentuose e intellettuali del mondo. Poiché gli inglesi avevano anche stabilito un enorme insediamento dentro e intorno a Madras, Georgetown fu scelta per istituire un istituto che rispondesse alle aspettative artistiche della famiglia reale a Londra. Questo è diventato famoso come la Madras School. All’inizio gli artisti tradizionali erano impiegati per produrre squisite varietà di mobili, lavori in metallo e curiosità e il loro lavoro fu inviato ai palazzi reali della Regina.

A differenza della scuola del Bengala dove la “copia” è la norma dell’insegnamento, la scuola di Madras fiorisce sulla “creazione” di nuovi stili, argomenti e tendenze.

La scuola del Bengala
La scuola d’arte del Bengala era uno stile d’arte influente che fiorì in India durante il Raj britannico all’inizio del XX secolo. È stato associato al nazionalismo indiano, ma è stato anche promosso e sostenuto da molti amministratori delle arti britanniche.

La Scuola del Bengala sorse come un’avanguardia e un movimento nazionalista che reagiva contro gli stili di arte accademica precedentemente promossi in India, sia da artisti indiani come Raja Ravi Varma che nelle scuole d’arte britanniche. In seguito alla diffusa influenza delle idee spirituali indiane in Occidente, l’insegnante d’arte inglese Ernest Binfield Havel ha tentato di riformare i metodi di insegnamento presso la Calcutta School of Art incoraggiando gli studenti a imitare le miniature di Mughal. Ciò causò immense polemiche, che portarono a uno sciopero da parte degli studenti e denunce da parte della stampa locale, anche da parte di nazionalisti che lo consideravano una mossa regressiva. Havel è stato sostenuto dall’artista Abanindranath Tagore, un nipote del poeta Rabindranath Tagore. Tagore dipinse una serie di opere influenzate dall’arte Mughal, uno stile che lui e Havel ritenevano essere espressivi delle distinte qualità spirituali dell’India, in contrasto con il “materialismo” dell’Occidente. Il dipinto più noto di Tagore, Bharat Mata (Madre India), raffigurava una giovane donna, ritratta con quattro braccia alla maniera delle divinità indù, con oggetti simbolici delle aspirazioni nazionali dell’India. Tagore in seguito tentò di sviluppare legami con artisti giapponesi come parte di un’aspirazione a costruire un modello di arte pan-asiatica.

L’influenza della scuola del Bengala in India declinò con la diffusione delle idee moderniste negli anni ’20. Nel periodo successivo all’indipendenza, gli artisti indiani mostravano maggiore adattabilità poiché si prendevano liberamente in prestito dagli stili europei e li amalgamavano liberamente con i motivi indiani a nuove forme d’arte. Mentre artisti come Francis Newton Souza e Tyeb Mehta erano più occidentali nel loro approccio, ce n’erano altri come Ganesh Pyne e Maqbool Fida Husain che svilupparono stili di lavoro completamente indigeni. Oggi, dopo il processo di liberalizzazione del mercato in India, gli artisti stanno sperimentando una maggiore esposizione alla scena artistica internazionale che li sta aiutando a emergere con le nuove forme d’arte che fino ad allora non erano state viste in India. Jitish Kallat aveva raggiunto la notorietà alla fine degli anni ’90 con i suoi dipinti che erano al contempo moderni e al di là della portata della definizione generica. Tuttavia, mentre gli artisti in India nel nuovo secolo stanno provando nuovi stili, temi e metafore, non sarebbe stato possibile ottenere un riconoscimento così rapido senza l’aiuto delle case d’affari che ora stanno entrando nel campo dell’arte come mai prima .

Pittura indiana moderna
Amrita Sher-Gil era una pittrice indiana, a volte conosciuta come Frida Kahlo in India, e oggi considerata un’importante pittrice dell’India del 20 ° secolo, la cui eredità è pari a quella dei Maestri del Rinascimento del Bengala; è anche la donna più costosa dell’India.

Oggi è tra i Nine Masters, la cui opera è stata dichiarata tesoreria d’arte da The Archaeological Survey of India, nel 1976 e 1979, e oltre 100 dei suoi dipinti sono ora esposti alla National Gallery of Modern Art, Nuova Delhi.

Durante l’era coloniale, le influenze occidentali iniziarono ad avere un impatto sull’arte indiana. Alcuni artisti hanno sviluppato uno stile che utilizzava idee occidentali di composizione, prospettiva e realismo per illustrare temi indiani. Altri, come Jamini Roy, hanno consapevolmente tratto ispirazione dall’arte popolare.

Al tempo dell’Indipendenza, nel 1947, diverse scuole d’arte in India fornirono l’accesso a tecniche e idee moderne. Le gallerie sono state istituite per mostrare questi artisti. L’arte indiana moderna mostra in genere l’influenza degli stili occidentali, ma è spesso ispirata a temi e immagini indiane. I maggiori artisti stanno iniziando a ottenere riconoscimenti internazionali, inizialmente tra la diaspora indiana, ma anche tra il pubblico non indiano.

Il Progressive Artists Group, fondato poco dopo che l’India divenne indipendente nel 1947, era destinato a stabilire nuovi modi di esprimere l’India nell’era post-coloniale. I fondatori erano sei eminenti artisti: K. H. Ara, S. K. Bakre, H. A. Gade, M.F. Husain, S.H. Raza e F. N. Souza, anche se il gruppo fu sciolto nel 1956, fu profondamente influente nel cambiare l’idioma dell’arte indiana. Quasi tutti i maggiori artisti indiani negli anni ’50 erano associati al gruppo. Alcuni di coloro che sono ben noti oggi sono Bal Chabda, Manishi Dey, Mukul Dey, V. S. Gaitonde, Ram Kumar, Tyeb Mehta e Akbar Padamsee. Altri famosi pittori come Jahar Dasgupta, Prokash Karmakar, John Wilkins, Narayanan Ramachandran e Bijon Choudhuri hanno arricchito la cultura artistica dell’India. Sono diventati le icone dell’arte moderna indiana. Storici d’arte come la prof.ssa Rai Anand Krishna hanno anche fatto riferimento a quelle opere di artisti moderni che riflettono l’ethos indiano. Geeta Vadhera ha avuto il plauso nella traduzione di complessi temi spirituali indiani su tela come il pensiero Sufi, le Upanishad e il Bhagwad Geeta.

L’arte indiana ha avuto un impulso con la liberalizzazione economica del paese dai primi anni ’90. Artisti di vari settori ora hanno iniziato a portare vari stili di lavoro. Nell’India post-liberalizzazione, molti artisti si sono affermati nel mercato dell’arte internazionale come il pittore astratto Natvar Bhavsar, l’artista figurativo Devajyoti Ray e lo scultore Anish Kapoor le cui mastodontiche opere postminimaliste hanno acquisito attenzione per le loro dimensioni. Molte case e gallerie d’arte sono state aperte anche negli Stati Uniti e in Europa per mostrare opere d’arte indiane.

Pittura filippina
La pittura filippina nel suo insieme può essere vista come una fusione di molte influenze culturali, anche se tende ad essere più occidentale nella sua forma attuale con le radici orientali.

Il primo dipinto filippino può essere trovato in disegni rossi (argilla mescolati ad acqua) impreziositi dalla ceramica rituale delle Filippine come l’acclamato vaso Manunggul. Prove di fabbricazione di ceramiche filippine datate già nel 6000 aC sono state trovate nella grotta di Sanga-sanga, nella grotta di Sulu e Laurente, a Cagayan. È stato dimostrato che nel 5000 aC la lavorazione della ceramica era praticata in tutto il paese. I primi filippini iniziarono a fabbricare ceramiche prima dei loro vicini cambogiani e all’incirca nello stesso periodo dei thailandesi come parte di quello che sembra essere uno sviluppo dell’era glaciale della tecnologia della ceramica. Ulteriori prove di pittura si manifestano nella tradizione del tatuaggio dei primi filippini, che l’esploratore portoghese chiamava Pintados o il “popolo dipinto” delle Visayas. Vari disegni che fanno riferimento alla flora e alla fauna con corpi celesti decorano i loro corpi in varie pigmentazioni colorate. Forse, alcuni dei dipinti più elaborati fatti dai primi filippini che sopravvivono fino ai nostri giorni possono essere manifestati tra le arti e l’architettura del Maranao che sono ben noti per i draghi Naga e il Sarimanok scolpiti e dipinti nella splendida Panolong del loro Torogan o King’s House.

I filippini iniziarono a creare dipinti nella tradizione europea durante il periodo spagnolo del XVII secolo. I primi di questi dipinti erano affreschi della Chiesa, immagini religiose da fonti bibliche, nonché incisioni, sculture e litografie con icone cristiane e nobiltà europea. La maggior parte dei dipinti e delle sculture tra il XIX e il XX secolo ha prodotto un misto di opere d’arte religiosa, politica e paesaggistica, con qualità di dolcezza, oscurità e luce. I primi pittori modernisti come Damián Domingo erano associati a dipinti religiosi e secolari. L’arte di Juan Luna e Félix Hidalgo ha mostrato una tendenza per una dichiarazione politica. Artista come Fernando Amorsolo usava il post-modernismo per produrre dipinti che illustrassero la cultura, la natura e l’armonia delle Filippine. Mentre altri artisti come Fernando Zóbel hanno usato la realtà e astratto nel suo lavoro.

Pittura islamica
La raffigurazione di esseri umani, animali o altri soggetti figurativi è proibita all’interno dell’Islam per impedire ai credenti di idolatrare così non c’è una tradizione di pittura (o scultura) religiosamente motivata all’interno della cultura musulmana. L’attività pittorica è stata ridotta ad Arabesco, principalmente astratto, con configurazione geometrica o motivi floreali e vegetali. Fortemente connesso all’architettura e alla calligrafia, può essere ampiamente visto come usato per la pittura di piastrelle nelle moschee o in illuminazioni attorno al testo del Corano e altri libri. In effetti, l’arte astratta non è un’invenzione dell’arte moderna, ma è presente in culture pre-classiche, barbariche e non occidentali molti secoli prima ed è essenzialmente un’arte decorativa o applicata. L’illustre illustratore M. C. Escher è stato influenzato da questa arte geometrica e basata su modelli. L’Art Nouveau (Aubrey Beardsley e l’architetto Antonio Gaudí) ha reintrodotto motivi floreali astratti nell’arte occidentale.

Si noti che, nonostante il tabù della visualizzazione figurativa, alcuni paesi musulmani coltivavano una ricca tradizione nella pittura, anche se non di per sé, ma come compagna della parola scritta. L’arte iraniana o persiana, ampiamente conosciuta come miniatura persiana, si concentra sull’illustrazione di opere di letteratura epiche o romantiche. Gli illustratori persiani hanno deliberatamente evitato l’uso dell’ombreggiatura e della prospettiva, pur avendo familiarità con esso nella loro storia preislamica, al fine di rispettare la regola di non creare alcuna illusione realistica del mondo reale. Il loro scopo non era quello di rappresentare il mondo così com’è, ma di creare immagini di un mondo ideale di bellezza senza tempo e di ordine perfetto.

Nei giorni nostri, la pittura di studenti d’arte o artisti professionisti nei paesi arabi e non arabi musulmani segue le stesse tendenze dell’arte della cultura occidentale.

Mi sono imbattuto
Lo storico orientale Basil Grey crede che “l’Iran abbia offerto al mondo un’arte particolarmente unica che è eccellente nel suo genere”. Le grotte nella provincia iraniana di Lorestan mostrano immagini dipinte di animali e scene di caccia. Alcuni come quelli della provincia di Fars e Sialk hanno almeno 5.000 anni. Si pensa che la pittura in Iran abbia raggiunto il culmine durante l’era Tamerlano, quando maestri eccezionali come Kamaleddin Behzad diedero vita a un nuovo stile di pittura.

I dipinti del periodo Qajar sono una combinazione di influenze europee e scuole di pittura in miniatura Safavid come quelle introdotte da Reza Abbasi e opere classiche di Mihr ‘Ali. Maestri come Kamal-ol-molk hanno ulteriormente spinto l’influenza europea in Iran. Fu durante l’era Qajar quando emerse la “pittura della Coffee House”. I soggetti di questo stile erano spesso di natura religiosa raffiguranti scene di epopee sciite e simili.