Un vassoio di nascita o un vassoio di nascita (italiano: desco da parto) è stato un importante dono simbolico in occasione di una nascita di successo nel tardo Medioevo e nel primo moderno Firenze e Siena. I deschi dipinti sopravvissuti rappresentati nelle collezioni del museo furono commissionati da famiglie di élite, ma gli inventari dimostrano che i vassoi natali e altri oggetti di nascita speciali come i cuscini ricamati furono mantenuti molto tempo dopo il successo della nascita nelle famiglie di tutte le classi: quando Lorenzo de ‘Medici morì, l’inventario dimostra che il desco da parto dato da suo padre a sua madre, Lucrezia Tornabuoni, al suo mentire, era appeso nei suoi alloggi privati ​​fino al giorno della sua morte.

Il desco da parto è un corriere, opere a due facce dipinte in tondo dai più grandi pittori, prodotto in occasione della nascita del primo figlio nelle famiglie agiate del Rinascimento italiano e parte del set di nascita.

È uno degli oggetti della vita di tutti i giorni durante il Rinascimento fiorentino con il cassone, il cofanetto nuziale decorato, spesso dagli stessi pittori, e altrettanto offerto all’elemento femminile della coppia: alla sposa che diventa moglie della coppia quindi madre consacrata per la nascita del suo primo figlio (primogenito).

Un desco da parto non ha bisogno di essere appositamente commissionato; sono stati prodotti in officine in serie per magazzino, spesso personalizzati con uno stemma quando sono stati acquistati. C’era un repertorio distintivo di iconografia per i vassoi, i lati recto (in alto) che condividevano molto con quello dei cassoni dipinti spesso usati come doni al matrimonio, ma anche con i lati del verso che spesso mostravano scene di madri dopo il parto o figure di pin-up di bambini piccoli, accompagnati dagli stemmi di entrambi i genitori. Dopo essere stati usati come vassoio nel periodo post partum potevano essere appesi a un muro come un dipinto.

Uso:
La mortalità infantile era più alta durante i primi giorni cruciali, quando la madre poteva anche soccombere alla febbre da bambini. Un parto di successo è stato generosamente celebrato. I figli avrebbero un giorno affermato gli interessi familiari, sia in un modesto laboratorio che in una casa bancaria; le figlie condividevano il lavoro della famiglia fino a quando non si sposavano e cementavano i legami esogamici che stabilizzavano la posizione della famiglia toscana a tutti i livelli sociali. Vassoi dipinti di parto cominciarono a comparire intorno al 1370, nella generazione successiva alla peste nera, quando la tenuità della vita era più vivida che mai. Nel quindicesimo secolo, la D.C. Ahl ha trovato, almeno uno appare in quasi la metà di tutti gli inventari che ha intervistato.

Un tavolo di nascita è un giro dipinto su entrambi i lati che durante il Rinascimento veniva offerto come dono cerimoniale alle donne delle famiglie più abbienti che avevano appena partorito. Era usato come vassoio per portare del cibo alla nuova madre, a patto che si riposasse a letto.

Ci si aspettava che la madre rimanesse “sdraiata a” godendosi un periodo di riposo a letto durante un periodo postpartum di durata variabile, ma probabilmente durava almeno una settimana. Nessun termine fisso di menzogna è raccomandato nei manuali rinascimentali sulla vita familiare (a differenza di altre culture), ma dai documenti documentali risulta che la madre era raramente presente al battesimo, nelle città italiane di solito tenute entro una settimana dalla nascita presso la chiesa parrocchiale locale, normalmente a pochi minuti a piedi da qualsiasi casa. Durante questo periodo la madre e il bambino sono stati visitati in camera da familiari e amici di sesso femminile e presentati con regali. Il vassoio, spesso coperto con un telo protettivo, veniva usato per servire prelibatezze ai visitatori, forse includendo alcuni che avevano portato come regali: una cameriera porta un desco coperto di stoffa con due caraffe di acqua e vino per fortificare Sant’Anna in Paolo Uccello affresco della Nascita della Vergine (1436), nella Cappella dell’Annunciazione, Duomo di Prato,

Il corredo poteva essere portato cerimoniosamente nella camera da letto appositamente decorata dove giaceva la nuova madre: in un desco da parto di Masaccio del 1427, il vassoio e una tazza coperta sono preceduti da un paio di trombettieri che sventolano bandiere con i gigli fiorentini. Infatti, nelle famiglie patrizie, il letto veniva spesso collocato in una sala di ricevimento per l’occasione (se non ce n’era uno già in una tale stanza, secondo la moda dei tribunali francese e borgognone), e la madre giaceva lì mentre riceveva visite da lei amici per diversi giorni.

La moda sui vassoi per le donne durante il parto era più comune a Firenze e Siena. Era turbolenta, ma breve – all’inizio del XVI secolo, il “desco da parto” fu sostituito da “tafferie da parto”: tazze dipinte di legno che furono presentate alla donna durante il parto. A differenza dei vassoi, le immagini delle immagini su queste ciotole erano esclusivamente religiose. Un eccezionale esemplare di tale soggetto è rappresentato nella Galleria degli Uffizi, Firenze è una ciotola con l’immagine di “Giovanni Battista”, realizzata da Jacopo Pontormo. In seguito iniziarono ad usare piatti in ceramica dipinti, realizzati con la tecnica della maiolica.

Storia:
Un vassoio dipinto della donna in travaglio apparve nel XIV secolo e fu una parte importante delle celebrazioni della nascita del bambino. Il primo vassoio dipinto risale a 1370 anni, ma la prima menzione di “desko da parto” nei documenti d’archivio si riferisce al 1383 (si trova in una lista d’inventario fiorentina).

Probabilmente, la moda per i vassoi dipinti per le donne durante il parto apparve subito dopo la “morte nera” – l’epidemia di peste che si diffuse in Europa nella metà del 14 ° secolo, e portò via un quarto della popolazione. A quel tempo, non c’erano ospedali per maternità e la nascita avveniva a casa. La nascita non è stata presa dai medici, ma dalle ostetriche. La percentuale di decessi al parto era piuttosto alta, e le esperienze associate alla prossima risoluzione dell’onere erano di un colore ad alta intensità e religioso. Nelle persone c’erano tutti i tipi di pregiudizi associati al parto, e parte di questi pregiudizi era il rituale di donare vassoi per il parto dopo il parto di successo. Su di esso, la donna che partoriva veniva solennemente presentata con cibo e bevande a letto dopo una risoluzione di successo. Il vassoio era stato ordinato in anticipo e agli artisti veniva spesso chiesto di raffigurare soggetti o simboli che avrebbero contribuito alla nascita di un bambino sano e alla fortuna nella sua vita futura. Nel Libro di Bottega, un libro del più famoso laboratorio di Apollonio di Giovanni e Marco del Buono nella metà del XV secolo, eminenti famiglie ordinarono ordini di vassoi per le donne durante il parto, subito dopo gli ordini di casse di nozze, i kassoni.

Alcuni residenti stentati o semplicemente scrupolosi di Firenze non ordinavano nuovi vassoi, ma usavano vassoi dei loro parenti o acquistavano di seconda mano da qualcuno e chiedevano di riscrivere storie o solo stemmi di famiglia, che erano spesso raffigurati sul retro di il vassoio. Tale, ad esempio, è un vassoio del Victoria and Albert Museum “The Triumph of Love”, il cui lato anteriore è stato riscritto nel 1460 e il retro dopo il 1537. L’esempio più famoso di rivendita è un vassoio con il immagine di “The Triumph of Glory” (Metropolitan Museum, New York), che dopo la morte del proprietario, Lorenzo il Magnifico, è stato messo all’asta per 3 fiorini.

I vassoi erano ordinati non solo da ricche famiglie di mercanti e banchieri, ma anche da macellai, poveri notai, fornai, lavoratori della lana, ecc. I ricercatori stimavano che nel XV secolo almeno il 40% delle famiglie fiorentine aveva almeno un vassoio di questo tipo su la loro fattoria Di solito venivano prodotti da quei laboratori specializzati nella realizzazione di vari oggetti che decoravano la vita di ricchi cittadini: casse di cassoni, quadri, che venivano appesi sotto forma di un fregio alle pareti, schienali dipinti per letti, scrigni dipinti e scatole , ecc. Poiché la richiesta per i vassoi era piuttosto alta, essi standardizzavano i temi e le immagini nei laboratori, usando stencil – molti clienti non ordinavano i vassoi, ma comprano già pronti nel negozio. Tipicamente, i vassoi erano dipinti da specialisti di arte applicata all’arte applicata, ma di tanto in tanto, artisti famosi, artisti di alta classe, come ad esempio Masaccio o Botticelli, non disdegnavano tali guadagni.

Alcuni artisti rimangono non identificati, e chiaramente non erano di primo rango, ma, dati i nomi significativi rappresentati tra la piccola percentuale di sopravvissuti, sembra che molti artisti abbiano preso una pausa occasionale da progetti più grandi per produrre desci. La forma circolare del tondo in normali dipinti su pannello, che divenne alla moda nella metà del XV secolo a Firenze, potrebbe essersi sviluppata dal desci più piccolo.

Aspetto:
Per i vassoi dipinti per l’élite in queste gioiose occasioni, in generale, entrambi i lati del vassoio sono dipinti, il lato superiore (o recto) generalmente con una scena figura affollata, di solito laica, come una scena del mito classico o un allegoria adeguata. Alcune scene dell’Antico Testamento o del repertorio religioso cristiano compaiono anche in alcuni casi. Le scene di parto erano popolari. Questi potrebbero essere la nascita della Vergine o quella del santo patrono di Firenze, Giovanni il Battista, ma solo un alone o due distingue questi da altre scene che apparentemente mostrano una scena di nascita come un dipinto di genere. Un vassoio della Società Storica di New York mostra una scena di nascita di genere, ma è copiata da un disegno della nascita di Giovanni il Battista di Lorenzo Monaco.

I soggetti dei dipinti erano nella parte travolgente del secolare. Dalla Bibbia, con rare eccezioni, sono stati presi solo soggetti dell’Antico Testamento (non del Vangelo), come ad esempio. “Sansone e Dalila” o “Suzanne e gli Anziani”. Il tema popolare era “Trionfi” basato sul poema del Petrarca, così come storie tratte dalle opere di Boccaccio. Nel periodo d’oro dell’arte gotica internazionale (cioè intorno al 1400), le popolari storie gotiche “Il giardino dell’amore” e “Il giardino della gioventù” erano popolari. Nei vassoi raffigurava spesso la scena del parto – l’interno con un letto su cui giace la donna sdraiata, e in giro aiuta gli aiutanti. A metà del XV secolo, le più famose erano le storie antiche: “La corte di Parigi”, “Diana e Acteon”, ecc.

Il diametro dei vassoi era solitamente compreso tra 50 e 65 cm. Erano scolpiti in legno e dipinti con tempere. I più semplici erano ottagonali, più complessi 12 e 14 e 16 e carbone. Nel secondo quarto del XV secolo cominciò a diffondersi (si crede che fosse da loro che si sviluppò una tale forma di quadro come tondo). I bordi del vassoio sono stati forniti con una cornice convessa.

In tutto questo la madre si siede a letto ricevendo regali da un flusso di visitatori femminili, mentre nella parte anteriore della scena il bambino viene lavato o avvolto in fasce da più donne. In un maschio di sesso maschile servono gli ospiti. Un altro vassoio mostra ragazzi e uomini che giocano in un gioco di combattimento locale per strada (vedi galleria). La prima illustrazione dipinta di una novella di Boccaccio è su un desco da parto fiorentino con le braccia di una famiglia pisana, fatta c. 1410 e nel Metropolitan Museum of Art. Le sopravvissute includono tre scene allegoriche del Trionfo dell’Amore, derivate dai Trionfi del Petrarca, e un Trionfo di Venere.

La parte inferiore o posteriore ha generalmente un soggetto più semplice e spesso meno elevato, con un numero minore di figure più grandi e solitamente include l’araldica, con le braccia di entrambi i genitori mostrate. Le scene con uno o due bambini nudi, con gli stemmi di entrambi i genitori ai lati, sono particolarmente popolari. Le braccia della famiglia della madre tradizionalmente prendono il lato destro, ma in alcuni esempi le braccia sono state cambiate ricoprendole. Le iscrizioni sul campo o intorno all’orlo a volte forniscono la data dell’evento fortunato, fornendo agli storici dell’arte un utile punto fisso. Come altri tipi di arte, come le “stampe di Otto”, i desci dovevano per lo più essere decorati in quello che era considerato un gusto femminile, anche se il modo in cui il design è stato selezionato non è chiaro. In un esempio dipinto dal fratello di Masaccio i due ragazzi lottano, con uno sicuramente e probabilmente entrambi usano la presa di tirare il pene dell’altro con una mano e i capelli con l’altra (vedi galleria).

Nel Rinascimento si credeva che le immagini viste da una donna incinta avessero influenzato la sua gravidanza e persino ciò che produceva – Martin Lutero raccontò la storia ammonitrice di una donna spaventata da un topo in gravidanza, che poi diede alla luce un topo. I manuali consigliano di mantenere le immagini con un impatto positivo alla vista delle donne incinte, ed è in questo contesto che devono essere visti i ragazzi nudi ricorrenti e le scene che mostrano la fine di un parto di successo. Questo era anche un fattore nella visualizzazione di immagini della Vergine col Bambino, che erano onnipresenti nelle camere da letto. Probabilmente i desci erano appesi con il verso mostrato durante la gravidanza, per promuovere la produzione di un ragazzo sano simile.

Esempio:
I laboratori che producevano deschi da parto erano spesso anche illuminatori di manoscritti, come per esempio Bartolomeo di Fruosino, un illuminatore che produceva anche dipinti di pannelli, e pittori dei pannelli che erano incorporati nei frontali e nelle estremità dei quattrocento cassoni. Tale laboratorio era quello del “Maestro del cassone Adimari”, ora identificato come il fratello di Masaccio Giovanni di ser Giovanni Guidi (o “Lo Scheggia”, “la scheggia”), che produceva anche il desco da parto che mostrava i giovani che giocavano a civettino in un contesto urbano, a Palazzo Davanzati, a Firenze, e altri esempi. Una parte divisa che mostra due ragazzi nudi che combattono ha realizzato $ 482,500 all’asta nel 2012.

Il Museo della Legione d’Onore di San Francisco ha un esempio dipinto intorno al 1400 da Lorenzo di Niccolo, un pittore fiorentino attivo dal 1391 al 1412. Il recto mostra la storia di Diana e Atteone. Diana, dea della caccia, appare in primo piano vestita di una tunica scura e larga e porta un falco; a destra, le sue ninfe inseguono un cinghiale. Nella parte superiore del dipinto, Diana e le sue ninfe stanno facendo il bagno in una pozza d’acqua quando il mortale Atteone succede sulla dea nuda. Per offendere la divinità vergine, Atteone fu trasformato in un cervo per essere braccato dai suoi stessi cani. Il suo destino è illustrato sul lato sinistro, dove i segugi inseguono un cervo. Il retro (verso) mostra la figura allegorica della Giustizia con due stemmi di famiglia con in mano una scala e una spada.