Arte australiana indigena contemporanea

L’arte australiana indigena contemporanea è l’opera d’arte moderna prodotta dagli indigeni australiani, cioè dagli aborigeni australiani e dalle popolazioni dello Stretto di Torres. È generalmente considerato come l’inizio nel 1971 con un movimento pittorico iniziato a Papunya, a nord-ovest di Alice Springs, nel Territorio del Nord, che coinvolge artisti aborigeni come Clifford Possum Tjapaltjarri e Kaapa Tjampitjinpa, e facilitato dall’insegnante e artista bianco australiano Geoffrey Bardon. Il movimento ha suscitato un ampio interesse nelle zone rurali e remote dell’Australia aborigena nel creare arte, mentre l’arte indigena contemporanea di diversa natura è emersa anche nei centri urbani; insieme sono diventati centrali nell’arte australiana. I centri d’arte indigeni hanno favorito l’emergere del movimento artistico contemporaneo,

Gli artisti indigeni contemporanei hanno vinto molti dei più importanti premi d’arte australiani. Il Wynne Prize è stato vinto da artisti indigeni in almeno tre occasioni, il Blake Prize for Religious Art è stato vinto nel 2007 da Shirley Purdie con Linda Syddick Napaltjarri finalista in tre diverse occasioni, mentre il Clemenger Contemporary Art Award è stato vinto da John Mawurndjul nel 2003 e Judy Watson nel 2006. C’è un premio artistico nazionale per artisti indigeni, il National Aboriginal & Torres Strait Islander Art Award, che nel 2013 è stato vinto da Jenni Kemarre Martiniello di Canberra.

Artisti indigeni, tra cui Rover Thomas, hanno rappresentato l’Australia alla Biennale di Venezia del 1990 e 1997. Nel 2007, un dipinto di Emily Kngwarreye, Earth’s Creation, è stata la prima opera d’arte australiana indigena in vendita per oltre $ 1 milione. I principali artisti indigeni hanno tenuto mostre personali in gallerie australiane e internazionali, mentre il loro lavoro è stato incluso in importanti collaborazioni come il design del Musée du quai Branly. Opere di artisti indigeni contemporanei sono conservate da tutte le principali gallerie pubbliche australiane, tra cui la National Gallery of Australia, che nel 2010 ha aperto una nuova ala dedicata alla sua collezione indigena.

Il “dot painting” figurativo prodotto dagli artisti del deserto occidentale è tra gli stili più noti dell’arte aborigena contemporanea.

Origini ed evoluzione
L’arte indigena australiana può affermare di essere “la più lunga tradizione artistica continua del mondo”. Prima dell’insediamento europeo in Australia, gli indigeni usavano molte forme d’arte, tra cui scultura, intaglio del legno, scultura di roccia, pittura del corpo, pittura della corteccia e tessitura. Molti di questi continuano ad essere utilizzati sia per scopi tradizionali che nella creazione di opere d’arte per mostre e vendite. Alcune altre tecniche sono diminuite o sono scomparse dall’insediamento europeo, tra cui la decorazione del corpo mediante cicatrici e la realizzazione di mantelli di pelle di opossum. Tuttavia, gli indigeni australiani hanno anche adottato e ampliato l’uso di nuove tecniche tra cui la pittura su carta e tela. I primi esempi includono i disegni di fine Ottocento di William Barak.

Iniziative iniziali
Negli anni ’30, gli artisti Rex Battarbee e John Gardner introdussero la pittura ad acquerello ad Albert Namatjira, un indigeno della missione di Hermannsberg, a sud-ovest di Alice Springs. I suoi dipinti di paesaggi, creati per la prima volta nel 1936 ed esposti nelle città australiane nel 1938, furono immediatamente un successo e divenne il primo acquarellista australiano indigeno e il primo a esporre e vendere con successo le sue opere alla comunità non indigena. Lo stile di lavoro di Namatjira è stato adottato da altri artisti indigeni della regione a partire dai suoi parenti stretti maschi e sono diventati noti come la scuola di Hermannsburg o come acquaristi di Arrernte.

Namatjira morì nel 1959 e da allora era iniziata anche una seconda iniziativa. A Ernabella, ora Pukatja, nell’Australia meridionale, è stato introdotto l’uso di vernici acriliche brillanti per produrre disegni per poster e cartoline. Ciò ha portato in seguito alla progettazione di tessuti e lavori di batik, che è ancora prodotto nel più antico centro d’arte indigeno dell’Australia.

Origine
Mentre le iniziative di Hermannsburg ed Ernabella erano importanti antecedenti, la maggior parte delle fonti ripercorre le origini dell’arte indigena contemporanea, in particolare la pittura acrilica, a Papunya, nel Territorio del Nord, nel 1971. Un insegnante di scuola australiano, Geoffrey Bardon, arrivò a Papunya e iniziò un programma d’arte con bambini a scuola e poi con gli uomini della comunità. Gli uomini iniziarono a dipingere un murale sulle pareti della scuola e passarono a dipingere su tavole e tela.

Allo stesso tempo, Kaapa Tjampitjinpa, un membro della comunità che ha lavorato con Bardon, ha vinto un premio artistico regionale ad Alice Springs con il suo dipinto Gulgardi. Presto oltre 20 uomini di Papunya stavano dipingendo e fondarono la loro compagnia, Papunya Tula Artists Limited, per supportare la creazione e la commercializzazione di opere. Sebbene la pittura prese rapidamente piede a Papunya, rimase un “fenomeno regionale su piccola scala” per tutti gli anni ’70 e per un decennio nessuna delle gallerie statali o della galleria nazionale raccolse le opere, con la notevole eccezione del Museo e della Galleria d’arte di il Territorio del Nord, che ha acquisito 220 delle prime schede Papunya.

Evoluzione
Dopo essere stato in gran parte confinato a Papunya negli anni ’70, il movimento pittorico si sviluppò rapidamente negli anni ’80, diffondendosi a Yuendumu, Lajamanu, Utopia e Haasts Bluff nel Territorio del Nord e Balgo, nell’Australia occidentale. Negli anni ’90 l’attività artistica si era diffusa in molte comunità in tutta l’Australia settentrionale, comprese quelle stabilite nell’ambito del movimento Outstation, come Kintore, Northern Territory e Kiwirrkurra Community, Western Australia.

Con l’evoluzione del movimento, non tutti gli artisti erano soddisfatti della sua traiettoria. Quella che iniziò come espressione contemporanea della conoscenza e dell’identità rituale stava diventando sempre più mercificata, mentre il successo economico della pittura creava le proprie pressioni all’interno delle comunità. Alcuni artisti hanno criticato i lavoratori del centro artistico e si sono allontanati dalla pittura, riportando la loro attenzione al rituale. Altri artisti stavano producendo opere meno connesse ai social network che erano state tradizionalmente responsabili dei progetti. Mentre il movimento si stava evolvendo, tuttavia, la sua crescita non ha rallentato: almeno altre 10 comunità pittoriche si sono sviluppate nell’Australia centrale tra la fine degli anni ’90 e il 2006.

Le cooperative di arte indigena sono state al centro dell’emergere dell’arte indigena contemporanea. Mentre molti artisti occidentali perseguono la formazione formale e lavorano come individui, la maggior parte dell’arte indigena contemporanea viene creata in gruppi di comunità e centri d’arte. Nel 2010, il corpo di punta che rappresentava i centri d’arte indigeni dell’Australia centrale, Desart, aveva 44 centri membri, mentre l’Associazione degli artisti aborigeni del Nord, Kimberley e Arnhem (ANKAAA), il corpo di punta delle comunità del Nord Australia, aveva 43 centri membri. I centri rappresentano un gran numero di artisti – ANKAAA ha stimato che nel 2010 le sue organizzazioni membri includevano fino a 5000. Il numero di persone coinvolte e le piccole dimensioni dei luoghi in cui lavorano, significano che a volte da un quarto alla metà dei membri della comunità sono artisti,

Stili e temi
L’arte indigena riflette spesso le tradizioni spirituali, le pratiche culturali e le circostanze socio-politiche degli indigeni, e queste sono variate in tutto il paese. Le opere d’arte di conseguenza differiscono notevolmente da un luogo all’altro. Importanti opere di riferimento sull’arte indigena australiana discutono spesso di opere per regione geografica. I soliti raggruppamenti sono d’arte dal deserto dell’Australia centrale; la Kimberley nell’Australia occidentale; le regioni settentrionali del Territorio del Nord, in particolare la Terra di Arnhem, spesso indicate come Top End; e Queensland settentrionale, comprese le Isole dello Stretto di Torres. Anche l’arte urbana è generalmente trattata come uno stile distinto di arte indigena, sebbene non sia chiaramente definita geograficamente.

Arte del deserto
Artisti indigeni dell’Australia centrale remota, in particolare l’area del deserto centrale e occidentale, dipingono spesso particolari “sogni” o storie, per i quali hanno responsabilità o diritti personali. Le più conosciute tra queste sono le opere dei pittori Papunya Tula e dell’artista Utopia Emily Kngwarreye. I motivi rappresentati da artisti dell’Australia centrale, come quelli di Papunya, sono nati come traduzioni di motivi tradizionali segnati nella sabbia, nelle tavole o incisi nella roccia. I simboli utilizzati nei disegni possono rappresentare il luogo, il movimento o le persone e gli animali, mentre i campi di punti possono indicare una gamma di fenomeni come scintille, nuvole o pioggia.

Ci sono alcuni approcci figurativi nell’arte di quelli dell’Australia centrale, come alcuni dei pittori di Balgo, nell’Australia occidentale. Alcuni artisti dell’Australia centrale le cui persone sono state sfollate dalle loro terre a metà del XX secolo a causa di test sulle armi nucleari hanno dipinto opere che utilizzano tecniche di pittura tradizionali ma descrivono anche gli effetti delle esplosioni sul loro paese.

APY atterra
Anangu Pitjantjatjara Yankunytjatjara, nell’Australia meridionale nord-occidentale remota, è rinomata per i suoi artisti, che sono sempre ben rappresentati in tutte le mostre e i premi per gli artisti indigeni australiani. Nel 2017, gli artisti APY hanno ottenuto 25 nomination ai prestigiosi Telstra National Aboriginal & Torres Strait Islander Art Awards; due sono stati nominati finalisti del Premio Archibald; Le opere di 14 artisti APY hanno fatto la rosa dei candidati per il premio Wynne da $ 50.000 del 2019 per la pittura di paesaggio; e nel 2019, gli artisti APY hanno anche vinto o sono stati selezionati per il Ramsay Art Prize, il Sir John Sulman Prize, il John Fries Award e altri. Nici Cumpston, direttore artistico del Tarnanthi Festival presso la Art Gallery del South Australia, visita regolarmente i centri d’arte APY.

L’APY Art Center Collective è a partire dal 2020 un gruppo di dieci imprese indigene di proprietà e governate che supporta artisti provenienti da tutte le Terre e aiuta a commercializzare il loro lavoro. Il collettivo sostiene progetti regionali collaborativi, come il rinomato progetto Kulata Tjuta e l’iniziativa APY Photography. Sette centri d’arte nelle Terre sostengono il lavoro di oltre 500 artisti Anangu, dal più antico, Ernabella Arts, a Iwantja Arts a Indulkana, i cui residenti includono il pluripremiato Vincent Namatjira. Altri centri APY sono Tjala Arts (ad Amata), Kaltjiti Arts, Mimili Maku Arts e Tjungu Palya (Nyapari). Oltre ai centri APY, Maruku Arts di Uluru, Tjanpi Desert Weavers con sede ad Alice Springs e Ara Iritja Aboriginal Corporation portano il numero a dieci.

The Collective ha gallerie a Darlinghurst, Sydney e, da maggio 2019, una galleria e uno spazio studio in Light Square (Wauwi) ad Adelaide.

L’estremità superiore
Nella Terra di Arnhem nel Territorio del Nord, gli uomini hanno dipinto i loro tradizionali disegni di clan. L’iconografia è tuttavia abbastanza separata e distinta da quella dell’Australia centrale. Nel nord del Queensland e lo Stretto di Torres molte comunità continuano a praticare tradizioni artistiche culturali e esprimono forti messaggi politici e sociali nel loro lavoro.

Arte urbana
Nelle comunità indigene dell’Australia settentrionale la maggior parte degli artisti non ha una formazione formale, il cui lavoro si basa invece su conoscenze e abilità tradizionali. Nel sud-est dell’Australia altri artisti indigeni, che vivono spesso nelle città, si sono formati in scuole d’arte e università. Questi artisti vengono spesso definiti artisti indigeni “urbani”, sebbene il termine sia a volte controverso e non descriva accuratamente le origini di alcuni di questi individui, come Bronwyn Bancroft, cresciuto nella città di Tenterfield, nel Nuovo Galles del Sud, Michael Riley, originario del Nuovo Galles del Sud, vicino a Dubbo e Moree, o Lin Onus, che ha trascorso del tempo nel tradizionale paese di suo padre, sul fiume Murray, vicino alla foresta di Victoria Barmah. Alcuni, come Onus, erano autodidatti mentre altri,

Media
L’antropologo Nicholas Thomas ha osservato che la pratica dell’arte indigena contemporanea era forse unica nel modo in cui “i media completamente nuovi sono stati adattati così rapidamente per produrre opere di tale forza palpabile”. Gran parte dell’arte indigena contemporanea è prodotta utilizzando pittura acrilica su tela. Tuttavia, sono in uso altri materiali e tecniche, spesso in regioni particolari. La pittura di corteccia predomina tra gli artisti di Arnhem Land, che intraprendono anche intaglio e tessitura. Nelle comunità dell’Australia centrale associate al popolo Pitjantjatjara, l’intaglio del poker è significativo. Nel 2011 il curatore senior di stampe e disegni della National Gallery ha descritto gli aborigeni e lo Stretto di Torres Islander come “lo sviluppo più significativo della recente storia della stampa”.

La produzione tessile compreso il batik è stata importante nelle regioni desertiche nordoccidentali dell’Australia meridionale, nella comunità Utopia del Territorio del Nord e in altre aree dell’Australia centrale. Per un decennio prima di iniziare la carriera pittorica che l’avrebbe resa famosa, Emily Kngwarreye stava creando disegni batik che rivelavano il suo “prodigioso talento originale” e la modernità della sua visione artistica. Una vasta gamma di tecniche di arte tessile, tra cui la tintura e la tessitura, è particolarmente associata a Pukatja, nell’Australia Meridionale (precedentemente nota come Ernabella), ma a metà degli anni 2000 la comunità ha anche sviluppato una reputazione per le raffinate ceramiche sgraffite. Hermannsburg, originariamente sede di Albert Namatjira e dei coloranti acquerelli di Arrente, è ora rinomata per le sue ceramiche.

Tra gli artisti indigeni urbani, vengono utilizzate tecniche più diverse come la serigrafia, la creazione di poster, la fotografia, la televisione e il cinema. Uno dei più importanti artisti indigeni contemporanei della sua generazione, Michael Riley ha lavorato nel cinema, nel video, nella fotografia e nei media digitali. Allo stesso modo, Bronwyn Bancroft ha lavorato in tessuti, tessuti, “design di gioielli, pittura, collage, illustrazione, scultura e decorazione d’interni”. Tuttavia, la pittura rimane un mezzo usato da molti artisti “urbani”, come Gordon Bennett, Fiona Foley, Trevor Nickolls, Lin Onus, Judy Watson e Harry Wedge.

Mostre e collezioni
Il riconoscimento pubblico e la mostra dell’arte indigena contemporanea erano inizialmente molto limitati: per esempio, era solo una piccola parte della collezione della galleria nazionale australiana quando il suo edificio fu aperto nel 1982. Le prime mostre di grandi opere furono tenute come parte di Sydney Biennali del 1979 e del 1982, mentre un dipinto di sabbia su larga scala era una caratteristica del Festival di Sydney del 1981. Le prime mostre private con gallerie di arte indigena contemporanea includevano una mostra personale di dipinti su corteccia di Johnny Bulunbulun alla Hogarth Gallery di Sydney nel 1981 e una mostra di artisti del deserto occidentale alla Galleria A di Sydney, che faceva parte del Festival di Sydney del 1982.

Vi sono numerose mostre periodiche dedicate all’arte indigena contemporanea. Dal 1984, l’esposizione nazionale degli aborigeni e delle isole dello Stretto di Torres si è tenuta nel Territorio del Nord, sotto l’egida del Museo e della Galleria d’arte del Territorio del Nord. Nel 2007, la National Gallery of Australia ha ospitato la prima National Indigenous Art Triennial (NIAT), intitolata UNDISCLOSED, che comprendeva opere di trenta artisti indigeni contemporanei come Richard Bell, Danie Mellor, Doreen Reid Nakamarra e Shane Pickett. Nonostante il suo nome, la seconda triennale non si è tenuta fino al 2012 ed è stata intitolata Non divulgata. La terza Triennale, Defying Empire, si è tenuta nel 2017, con il titolo che fa riferimento al 50 ° anniversario del referendum del 1967.

L’Araluen Center for Arts and Entertainment, una galleria d’arte pubblica di Alice Springs, ospita l’annuale mostra Desert Mob, che rappresenta le attività di pittura in corso nei centri d’arte aborigena australiana.

Diversi singoli artisti sono stati oggetto di mostre retrospettive nelle gallerie pubbliche. Tra questi ricordiamo Rover Thomas alla National Gallery of Australia nel 1994, Emily Kngwarreye, alla Queensland Art Gallery nel 1998, John Mawurndjul al Tinguely Museum di Basilea, in Svizzera nel 2005, e Paddy Bedford in diverse gallerie tra cui il Museum of Contemporary Art , Sydney nel 2006-2007.

A livello internazionale, artisti indigeni hanno rappresentato l’Australia alla Biennale di Venezia, tra cui Rover Thomas e Trevor Nickolls nel 1990, ed Emily Kngwarreye, Judy Watson e Yvonne Koolmatrie nel 1997. Nel 2000, alcuni prestigiosi artisti e collaborazioni artistiche sono state mostrate nella prestigiosa Nicholas Sala del Museo dell’Ermitage in Russia. Nel 2003, otto artisti indigeni – Paddy Bedford, John Mawurndjul, Ningura Napurrula, Lena Nyadbi, Michael Riley, Judy Watson, Tommy Watson e Gulumbu Yunupingu – hanno collaborato a una commissione per fornire opere che decorano uno dei quattro edifici del Musée du quai Branly completati nel 2006.

Le opere d’arte indigena contemporanea sono raccolte da tutte le principali gallerie pubbliche australiane. La National Gallery of Australia ha una collezione significativa e una nuova ala è stata (nella foto) aperta nel 2010 per la sua mostra permanente. Alcune gallerie statali, come la Galleria d’arte del Nuovo Galles del Sud, la Galleria Nazionale del Victoria e il Museo e la Galleria d’arte del Territorio del Nord, hanno spazi della galleria permanentemente dedicati alla mostra di arte indigena contemporanea. La collezione della National Gallery of Victoria comprende la principale collezione di batik indigeni del paese. L’Araluen Centre for Arts and Entertainment ospita la più grande collezione di opere del paese di Albert Namatjira.

Le gallerie al di fuori dell’Australia che acquisiscono arte contemporanea indigena includono il British Museum, il Victoria and Albert Museum e il Metropolitan Museum of Art di New York. Esposizioni permanenti di arte indigena fuori dall’Australia si trovano al Seattle Art Museum, alla Galleria d’Arte Moderna di Glasgow e al Kluge – Ruhe Museum dell’Università della Virginia.

I premi
Le opere d’arte indigena contemporanea hanno vinto numerosi premi nazionali australiani, tra cui il premio Wynne, il Clemenger Contemporary Art Award e il Blake Prize for Religious Art. I vincitori indigeni hanno incluso Shirley Purdie, vincitrice del Blake Prize 2007 con il suo lavoro Stations of the Cross; Il vincitore del premio Clemenger 2003 John Mawurndjul e il vincitore Clemenger 2006 Judy Watson. Il premio Wynne è stato vinto da artisti indigeni contemporanei in diverse occasioni, tra cui nel 1999 da Gloria Petyarre con Foglie; nel 2004 da George Tjungurrayi; e nel 2008 di Joanne Currie Nalingu, con il suo dipinto Il fiume è calmo.

Oltre a vincere importanti premi, gli artisti indigeni sono stati ben rappresentati tra i finalisti in questi concorsi. Il premio Blake ha incluso numerosi finalisti indigeni, come Bronwyn Bancroft (2008), Angelina Ngal e Irene (Mbitjana) Entata (2009), Genevieve Kemarr Loy, Cowboy Loy Pwerl, Dinni Kunoth Kemarre, Elizabeth Kunoth Kngwarray (2010) e Linda Syddick Napaltjarri (in tre diverse occasioni).

Il principale premio artistico indigeno australiano è il National Aboriginal & Torres Strait Islander Art Award. Istituito dal Museo e Galleria d’Arte del Territorio del Nord nel 1984, il premio comprende un importante vincitore che riceve $ 40.000 e cinque premi per categoria del valore di $ 4000 ciascuno: uno per la pittura su corteccia, uno per le opere su carta, uno per le opere tridimensionali e, introdotto per la prima volta nel 2010, uno per i nuovi media.

I vincitori del premio principale hanno incluso Makinti Napanangka nel 2008 e Danie Mellor nel 2009. Nel 2008, la Art Gallery of Western Australia ha istituito i Western Australian Indigenous Art Awards, che includono il premio in denaro per l’arte indigena più prezioso del paese di A $ 50.000, come oltre a un premio da $ 10.000 per il miglior artista dell’Australia occidentale e un premio People’s Choice da $ 5000, tutti selezionati nel campo dei finalisti, che comprende 15 persone e un gruppo collaborativo. Il vincitore del premio principale nel 2009 è stato Ricardo Idagi, mentre il premio People’s Choice è stato vinto da Shane Pickett. Wayne Quilliam è stato premiato come artista dell’anno 2009 NAIDOC per i suoi molti anni di lavoro sulla scena locale e internazionale, lavorando con gruppi indigeni in tutto il mondo.

Vantaggi e costi
La fioritura dell’arte indigena ha portato benefici economici, sociali e culturali agli indigeni australiani, che sono socialmente ed economicamente svantaggiati rispetto alla comunità australiana nel suo insieme. La vendita di opere d’arte è un’attività economica significativa per i singoli artisti e per le loro comunità. Le stime delle dimensioni del settore variano, ma all’inizio del 2000 il loro valore è stato compreso tra 100 e 300 milioni di dollari, e nel 2007 a mezzo miliardo di dollari e in crescita. Il settore è particolarmente importante per molte comunità indigene perché, oltre ad essere una fonte di denaro per un gruppo economicamente svantaggiato, rafforza l’identità e la tradizione indigene e ha favorito il mantenimento della coesione sociale. Per esempio,

La frode e lo sfruttamento sono questioni significative che colpiscono l’arte australiana indigena contemporanea. Opere d’arte indigena sono state regolarmente riprodotte senza il permesso degli artisti, anche dalla Reserve Bank of Australia quando ha usato un dipinto di David Malangi su una banconota da un dollaro nel 1966. Stanziamenti simili sono stati realizzati con disegni di tessuti, magliette e tappeti . Ci sono state affermazioni di artisti rapiti o trasferiti contro i desideri delle loro famiglie da persone desiderose di acquisire i dipinti degli artisti.

Gli artisti, in particolare nelle zone più remote dell’Australia, a volte dipingono per negozi diversi dai centri d’arte indigeni o dalle loro stesse compagnie. Lo fanno per motivi economici, tuttavia i dipinti risultanti possono essere di qualità irregolare e di valore economico precario. I dubbi sulla provenienza dei dipinti indigeni e sui prezzi pagati per loro, hanno generato il controllo dei media, un’inchiesta parlamentare australiana e sono stati un fattore che ha limitato la crescita del valore delle opere.

Sono sorte domande sull’autenticità delle opere in relazione a determinati artisti, tra cui Emily Kngwarreye, Rover Thomas, Kathleen Petyarre, Turchia Tolson Tjupurrula, Ginger Riley Munduwalawala e Clifford Possum Tjapaltjarri; nel 2001 un commerciante d’arte è stato incarcerato per frode in relazione al lavoro di Clifford Possum. Queste pressioni hanno portato nel 2009 all’introduzione di un codice di condotta commerciale, inteso a stabilire “standard minimi di pratica e correttezza nel settore delle arti visive indigene”. Tuttavia, i problemi persistenti nel settore nel settembre 2012 hanno indotto il presidente dell’ente indigeno Art Code, Ron Merkel, a chiedere che il codice fosse reso obbligatorio per i commercianti d’arte.

I prezzi rilevati nel mercato secondario per le opere d’arte indigene variano notevolmente. Fino al 2007, il disco all’asta di un’opera d’arte indigena era stato di $ 778.750 pagati nel 2003 per un dipinto di Rover Thomas, All That Big Rain Coming from the Top Side. Nel 2007, un’importante opera di Emily Kngwarreye, Earth’s Creation, è stata venduta per $ 1,056 milioni, un nuovo disco che è stato tuttavia eclissato solo pochi mesi dopo, quando l’epica opera di Clifford Possum Warlugulong è stata acquistata per $ 2,4 milioni dalla National Gallery of Australia. Allo stesso tempo, tuttavia, le opere di artisti di spicco ma di dubbia provenienza venivano trasmesse alle aste. Nel 2003 c’erano 97 artisti indigeni australiani le cui opere venivano vendute all’asta in Australia a prezzi superiori a $ 5000, con un mercato totale dell’asta del valore di circa $ 9,5 milioni. In quell’anno Sotheby ‘ s ha stimato che la metà delle vendite riguardava offerenti al di fuori dell’Australia. Nel 2012 il mercato era cambiato, con le opere più vecchie che stavano ottenendo prezzi più alti rispetto ai dipinti contemporanei.

Un cambiamento del 2011 nelle regole australiane di investimento in superannunziazioni ha comportato un forte calo delle vendite di nuova arte indigena. La modifica proibisce che le attività acquisite per un fondo di autogestione autogestito vengano “utilizzate” prima del pensionamento; in particolare, un’opera d’arte deve essere conservata anziché visualizzata.

Valutazione
Il professore di storia dell’arte Ian McLean ha descritto la nascita del movimento artistico indigeno contemporaneo nel 1971 come “il momento più favoloso della storia dell’arte australiana” e ha ritenuto che stesse diventando uno dei miti fondatori dell’Australia, come lo spirito ANZAC. Lo storico dell’arte Wally Caruana ha definito l’arte indigena “l’ultima grande tradizione dell’arte apprezzata dal mondo in generale” e l’arte indigena contemporanea è l’unico movimento artistico di rilevanza internazionale che emerge dall’Australia. Il critico principale Robert Hughes lo vide come “l’ultimo grande movimento artistico del 20 ° secolo”, mentre il poeta Les Murray lo considerava “l’equivalente del jazz in Australia”.

I dipinti degli artisti del deserto occidentale in particolare hanno rapidamente raggiunto “una reputazione straordinariamente diffusa”, con collezionisti in competizione per ottenerli. Alcuni artisti indigeni sono considerati tra i principali talenti creativi dell’Australia; Emily Kngwarreye è stata descritta come “uno dei più grandi pittori australiani moderni” e “tra i migliori artisti australiani, probabilmente tra i migliori dei suoi tempi”. I critici che hanno esaminato la mostra del Museo dell’Ermitage nel 2000 sono stati esaltanti nella loro lode, uno che ha osservato: “Questa è una mostra di arte contemporanea, non nel senso che è stata fatta di recente, ma in quanto racchiusa nella mentalità, tecnologia e filosofia di arte radicale dei tempi più recenti. Nessuno, a parte gli aborigeni australiani,

Le valutazioni non sono state universalmente favorevoli. Quando nel 1993 fu organizzata una mostra nel Regno Unito, un critico di The Independent descrisse le opere come “forse l’arte più noiosa del mondo”. Il curatore del museo Philip Batty, che era stato coinvolto nell’assistenza alla creazione e alla vendita di arte nell’Australia centrale, ha espresso preoccupazione per l’effetto del mercato dell’arte non indigeno sugli artisti – in particolare Emily Kngwarreye – e sul loro lavoro. Ha scritto “c’era sempre il pericolo che la componente europea di questo partenariato interculturale diventasse eccessivamente dominante. Alla fine della sua breve carriera, penso che Emily abbia quasi evacuato questo dominio interculturale e il suo lavoro sia semplicemente diventato uno specchio immagine dei desideri europei “. Le opere d’arte eccezionali si mescolano a quelle povere,

Inizialmente una fonte di interesse etnografico, e in seguito un movimento artistico con radici al di fuori delle tradizioni artistiche occidentali, l’arte indigena fu influenzata e influenzata da pochi artisti australiani europei. Le prime opere di Margaret Preston a volte esprimevano motivi dell’arte tradizionale indigena; le sue opere successive mostrano un’influenza più profonda, “nell’uso dei colori, nell’interazione tra figurazione e astrazione nella struttura formale”.

Al contrario, Hans Heysen, sebbene ammirasse il collega paesaggista Albert Namatjira e raccolse i suoi dipinti, non fu influenzato dalla sua controparte indigena. Il movimento artistico indigeno contemporaneo ha influenzato alcuni artisti australiani non indigeni attraverso progetti di collaborazione. Gli artisti indigeni Gordon Bennett e Michael Nelson Jagamarra si sono impegnati in opere e mostre collaborative con il gallerista Michael Eather e il pittore Imants Tillers, figlio australiano di rifugiati lettoni. L’Australian Research Council e Land & Water Australia hanno sostenuto una collaborazione artistica e archeologica attraverso il progetto Strata: Deserts Past, Present and Future, che ha coinvolto gli artisti indigeni Daisy Jugadai Napaltjarri e Molly Jugadai Napaltjarri.