L’arte contemporanea è l’arte di oggi, prodotta nella seconda metà del 20 ° secolo o nel 21 ° secolo. Gli artisti contemporanei lavorano in un mondo influenzato a livello globale, culturalmente diversificato e tecnologicamente avanzato. La loro arte è una combinazione dinamica di materiali, metodi, concetti e soggetti che continuano la sfida dei confini che era già ben avviata nel 20 ° secolo. Diversa ed eclettica, l’arte contemporanea nel suo insieme si distingue per la mancanza di una uniforme, principio organizzativo, ideologia o “-ismo”. L’arte contemporanea fa parte di un dialogo culturale che riguarda quadri contestuali più ampi come identità personale e culturale, famiglia, comunità e nazionalità.

In inglese volgare, moderno e contemporaneo sono sinonimi, con conseguente confusione e confusione dei termini arte moderna e arte contemporanea da parte di non specialisti.

In altre discipline, questo aggettivo è unico: la letteratura moderna e la letteratura contemporanea indicano significati diversi. Molto più chiaramente, il concetto di musica moderna è di solito riservato alla musica popolare moderna (proveniente dall’industria musicale di consumo di massa); mentre quello della musica contemporanea è fatto per quello della musica accademica del 20 ° secolo – sebbene sia anche comune trovare pubblicazioni e istituzioni che assimilino entrambe le denominazioni e che parlino di “arte moderna e contemporanea”.

Oltre alla pratica artistica stessa, l’arte contemporanea comprende aree come la critica e la teoria dell’arte, l’educazione artistica con le sue istituzioni educative e scuole d’arte, la curatela, le pubblicazioni di arte contemporanea, i media e i media, il collezionismo pubblico e privato, le gallerie e le fiere che compongono il mercato dell’arte contemporanea, l’industria della produzione di arte contemporanea e i luoghi in cui le opere d’arte contemporanea sono esposte, conservate e documentate.

Termine
I termini arte contemporanea sono usati per evitare il termine arte moderna o avanguardia. Nel linguaggio quotidiano, moderno significa “contemporaneo, secondo il gusto contemporaneo, moderno” e può quindi essere considerato sinonimo di contemporaneo. In termini tecnici, nel contesto dell’arte e della storia culturale, il concetto di modernità è più o meno saldamente associato a un’epoca della storia dell’arte che non è ancora chiusa ma è già storica. Soprattutto in connessione con l’emergere del termine postmoderno, si veda anche l’architettura postmoderna, qui il moderno non è più considerato contemporaneo o contemporaneo.

I termini arte contemporanea non sono collegati ad alcun concetto, stile artistico, tecnica, forma o appartenenza a una corrente, movimento o gruppo artistico. L’arte contemporanea può essere la pittura, ma può anche essere in una forma che si è affermata solo negli ultimi anni e decenni, come la videoarte, la performance, l’arte concettuale o la scultura di metallo astratta.

I termini arte contemporanea non possono solo indirizzare la singola opera d’arte, ma anche un sistema culturale ed economico di produzione artistica che è difficile da delimitare, che si sovrappone in parte al business dell’arte e in parte si orienta verso il mercato dell’arte. Molti musei e mostre d’arte regolari si vedono oggi come luoghi per l’arte contemporanea rilevante. La mostra più importante per l’arte contemporanea è la mostra documenta a Kassel, che si svolge ogni cinque anni. Gli organizzatori della mostra di documenta nel 2007 in relazione ai termini arte contemporanea e arte attuale hanno sottolineato che “corrente” non significa che le opere siano state create ieri. Devono essere significativi per noi oggi. ”

Scopo
Alcuni definiscono l’arte contemporanea come arte prodotta all’interno della “nostra vita”, riconoscendo che le vite e le durate della vita variano. Tuttavia, si riconosce che questa definizione generica è soggetta a limitazioni specializzate.

La classificazione dell ‘”arte contemporanea” come un tipo speciale di arte, piuttosto che una frase aggettivale generale, risale agli inizi del Modernismo nel mondo di lingua inglese. A Londra, la Contemporary Art Society è stata fondata nel 1910 dal critico Roger Fry e altri, come società privata per l’acquisto di opere d’arte da collocare in musei pubblici. Numerose altre istituzioni che usavano il termine furono fondate negli anni ’30, come nel 1938 la Contemporary Art Society di Adelaide, in Australia, e un numero crescente dopo il 1945. Molti, come l’Istituto di Arte Contemporanea, Boston cambiarono il loro nome da quelli che usavano L ‘”arte moderna” in questo periodo, dal momento che il modernismo è stato definito un movimento artistico storico, e molta arte “moderna” ha smesso di essere “contemporanea”. La definizione di ciò che è contemporaneo è naturalmente sempre in movimento, ancorata al presente con una data di inizio che va avanti, e le opere acquistate dalla Contemporary Art Society nel 1910 non potevano più essere descritte come contemporanee.

Punti particolari che sono stati visti come un cambiamento negli stili artistici includono la fine della seconda guerra mondiale e gli anni ’60. Forse c’è stata una mancanza di punti di rottura naturali dagli anni ’60 e le definizioni di ciò che costituisce “arte contemporanea” negli anni 2010 variano e sono per lo più imprecise. È molto probabile che l’arte degli ultimi 20 anni sia inclusa e le definizioni spesso includono l’arte che risale al 1970 circa; “l’arte della fine del 20 ° e dell’inizio del 21 ° secolo”; “l’arte della fine del XX secolo e dei primi del XXI secolo, sia una crescita che un rifiuto dell’arte moderna”; “A rigor di termini, il termine” arte contemporanea “si riferisce all’arte fatta e prodotta da artisti che vivono oggi”; “Arte dagli anni ’60 o ’70 fino a questo momento”; e talvolta ulteriormente, specialmente in contesti museali, poiché i musei che formano una collezione permanente di arte contemporanea trovano inevitabilmente questo invecchiamento. Molti usano la formulazione “Arte moderna e contemporanea”, che evita questo problema. Le più piccole gallerie commerciali, riviste e altre fonti possono usare definizioni più rigorose, forse limitando il “contemporaneo” al lavoro dal 2000 in poi. Gli artisti che sono ancora produttivi dopo una lunga carriera e movimenti artistici in corso, possono presentare un problema particolare; le gallerie e i critici sono spesso riluttanti a dividere il loro lavoro tra contemporaneo e non contemporaneo.

Il sociologo Nathalie Heinich fa una distinzione tra arte moderna e contemporanea, descrivendoli come due diversi paradigmi che si sovrappongono parzialmente storicamente. Ha scoperto che mentre “l’arte moderna” sfida le convenzioni della rappresentazione, “l’arte contemporanea” mette in discussione l’idea stessa di un’opera d’arte. Considera la Fontana di Duchamp (che è stata realizzata negli anni ’10 nel mezzo del trionfo dell’arte moderna) come il punto di partenza dell’arte contemporanea, che ha preso slancio dopo la seconda guerra mondiale con le esibizioni di Gutai, i monocromi di Yves Klein e il disegno cancellato di Kousing di Rauschenberg.

Definizione
La nozione di “contemporaneità” è prima di tutto una nozione storica. Secondo questo approccio, il periodo contemporaneo inizierebbe dal 1945, con la fine della seconda guerra mondiale e, per comodità, la maggior parte degli studi affronta il periodo che inizia nel 1945 e arriva fino ad oggi.

“Contemporaneità” significa anche “simultaneità”. Il contemporaneo è quello che è nello stesso periodo. Il “contemporaneo” sarebbe quindi il modo in cui si fa oggi. Applicata all’arte, questa nozione ha una specificità estetica che può diventare controversa, poiché gli attori non hanno la distanza necessaria per apprezzare efficacemente le opere. La designazione “arte contemporanea” non deve quindi essere presa solo cronologicamente, poiché tutte le produzioni contemporanee non appartengono all’approccio contemporaneo, né pretendono di essere tali.

Nuovi riferimenti consentono di definire quale sia il metodo contemporaneo. Uno dei primi è la trasgressione contro l’era precedente; pertanto la nozione di “arte contemporanea” vorrebbe affermare la sua indipendenza non solo in relazione alla nozione di arti cosiddette “classiche”, in relazione alle “belle arti” e alle sue categorie (pittura, scultura, ecc.), ma anche in relazione al concetto in modo “moderno”. Il modo contemporaneo ha quindi in sé esclusioni. Fa parte della continuazione dell ‘”arte moderna” e vorrebbe metterla fine.

Inoltre, l’espressione “modo contemporaneo” è usata oggi per artisti ancora vivi e attivi o ancora in grado di esserlo, che in questo caso collocherebbe l’origine del metodo contemporaneo negli anni ’60, con pop art, arte concettuale, Fluxus, avvenimenti o video arte. È con queste correnti artistiche che terminerebbe il periodo dell’arte moderna e della teoria di Clemente Greenberg, che la definiva la ricerca della specificità della tecnica.

In questa costante ricerca di una definizione di contemporaneità, la critica d’arte e le istituzioni svolgono un ruolo importante. Pertanto, sono generalmente esclusi dall’approccio contemporaneo “etichettato” forme d’arte i cui problemi non riflettono le tendenze promosse dalla critica “contemporanea”.

Da un punto di vista geografico, a partire dai principali luoghi mediatici, principalmente occidentali (Parigi, Londra, New York), e con la caduta del muro di Berlino nel 1989, quindi l’ascesa della Cina allo stesso tempo A quel tempo, il pianeta dell’arte contemporanea divenne globale, l’Africa e l’America Latina non sfuggirono a questa progressione.

Temi
Una delle difficoltà che molte persone incontrano nell’approccio all’arte contemporanea è la sua diversità: diversità di materiale, forma, soggetto e persino periodi di tempo. È “distinto dalla mancanza stessa di un principio organizzativo uniforme, di un’ideologia o di un -ismo” che vediamo così spesso in altri periodi e movimenti artistici e spesso più familiari. A grandi linee, vediamo il Modernismo come guardare ai principi modernisti: il focus del lavoro è autoreferenziale, investigando i propri materiali (indagini su linea, forma, colore, forma). Allo stesso modo, l’impressionismo osserva la nostra percezione di un momento attraverso la luce e il colore in contrapposizione ai tentativi di realismo rigido (anche il realismo è un movimento artistico).

L’arte contemporanea, d’altra parte, non ha un solo obiettivo o punto di vista. La sua visione invece non è chiara, forse riflette il mondo di oggi. Può quindi essere contraddittorio, confuso e aperto. Vi sono, tuttavia, numerosi temi comuni che sono comparsi in opere contemporanee. Sebbene questi non siano esaustivi, temi importanti includono: politica dell’identità, corpo, globalizzazione e migrazione, tecnologia, società e cultura contemporanee, tempo e memoria e critica istituzionale e politica. Le teorie post-moderne, post-strutturaliste, femministe e marxiste hanno avuto un ruolo importante nello sviluppo delle teorie dell’arte contemporanea.

Storia

origini
L’emergere della fotografia ha influenzato molti artisti del xix secolo, come Degas e ha contribuito a dare vita all’arte moderna. L’arte non ha più solo l’importante funzione di rappresentare fedelmente la realtà, la fotografia è più in grado di farlo, l’arte può ora provare altre forme, rompere i canoni della bellezza e offrire nuovi esperimenti e idee concettuali.

L’arte contemporanea ha le basi per gli esperimenti di arte moderna (inizi del xx secolo), e in particolare il desiderio di portare l’arte fuori dai luoghi tradizionali e istituzionali. In questo senso, l’arte sta gradualmente perdendo la sua funzionalità rappresentativa. La creazione contemporanea rimane uno specchio per una realtà bagnata dai conflitti e dai sequestri di potere causati da questi attacchi alla razionalità. L’arte riflette le crisi della società e rimane il luogo di espressione dei valori. Le relazioni tra arte e storia non sono valutate né qualitativamente né quantitativamente, ma portano a una concezione più istituzionale dell’arte: collezionisti, sedi centrali, gallerie, musei, ecc. Per aprirsi a un pubblico più ampio. Tuttavia, gli attori dell’arte moderna nel loro desiderio di esprimere la loro opinione artistica al di fuori dei quadri istituzionali per rivolgersi al pubblico, rimangono collegati alle istituzioni; il loro approccio era di opporsi a un’ideologia (Heartfield verso il nazismo) o al contrario di partecipare alla propagazione di un pensiero politico.

Nonostante la fine delle ideologie imposte nell’arte moderna, gli artisti attuali stanno acquisendo questo patrimonio da soli esprimendo il loro profondo impegno per le istituzioni. In particolare, quando la loro sensibilità è disturbata.

Oggi l’arte contemporanea sta subendo il declino delle ideologie moderne (negli anni ’60, poi dal 1990 con la caduta del comunismo). Si basa su nuovi comportamenti: rinnovamento stilistico, miscelazione artistica, origini diverse, arti tecnologiche (accesso al potere matematico dei computer ed ergonomia del software), modalità di approccio alla realtà. Le tecnologie hanno sempre portato gli strumenti all’arte. Oggi l’artista lo utilizza come strumento multimediale e ne inventa di nuovi. Si basa sulla cultura storica, elencata; legge, visita, capisce, cerca, si specializza, si concentra sull’argomento e va oltre ciò che è stato fatto. A volte prende posizione, vuole essere dimostrativo o scioccante, in ogni caso cerca copertura mediatica.

Dalle “belle arti” alle arti plastiche
L’arte contemporanea si basa sugli esperimenti di arte moderna e sostiene regolarmente la violazione aperta da Marcel Duchamp e altri che avevano liberato la pratica dell’arte dai vincoli classici della rappresentazione.

Il pensiero postmoderno ha formulato la maggior parte dei problemi inerenti all’arte contemporanea, liberati dalle correnti ideologiche (comunismo e capitalismo), senza tuttavia impedire agli artisti impegnati di criticare gli abusi politici o ideologici.

In Francia, la creazione delle facoltà di arti plastiche costituisce una base per contestare l’insegnamento accademico delle belle arti; materie precedentemente estranee al campo dell’educazione artistica, sociologia, etnologia, estetica e altri, guidano la ricerca artistica in sintonia con i suoi recenti sviluppi.

La ricerca formale della Bellezza è seguita da nuovi percorsi di ricerca estetica, il più radicale dei quali, arte concettuale, minimalismo, performance, body art, modifica permanentemente il significato e la percezione dell’arte, che a volte si trasforma in prima visione ermetica per i non iniziati.

Alcune correnti, come i nuovi realisti, la libera figurazione e la transavanguardia, così come alcuni cecchini, tuttavia, non hanno lasciato i mezzi tradizionali, modificando radicalmente i loro approcci creativi.

La scomposizione dei tipi di medium (la pittura viene spesso abbandonata a favore di installazioni, spettacoli o altro) e il contenuto delle opere modifica profondamente le reti di mediazione artistica; Oltre alle nuove gallerie, ci sono nuovi contesti espositivi e la comparsa di nuovi mezzi di diffusione.

A Parigi, il Salon Comparaisons, al Museum of Modern Art nella città di Parigi, fu, nel 1954, il punto d’incontro di tutti gli espositori di queste tendenze, confrontandosi, nello stesso spazio, con pittori figurativi e astratti della pittura su cavalletto.

Arte contemporanea nell’era della globalizzazione
A partire dagli anni ’80, sono apparse le arti con una forte componente “tecnologica”, con la video arte, l’estetica della comunicazione, l’arte del computer e quindi, successivamente, l’arte digitale, la bioarte. Ecc. L’elenco non è esaustivo e segue da vicino i progressi di ricerca industriale.

Negli anni ’90, l’arte contemporanea occidentale ha concesso la sua “etichetta” a molti artisti dei cosiddetti paesi “in via di sviluppo”, quasi assenti in passato. I paradigmi della globalizzazione e la perdita dei classici riferimenti spazio-temporali hanno valutato gli approcci personali o le componenti biografiche, sociologiche e persino religiose sono valutate all’interno del processo di lavoro.

La comunicazione collegata a Internet svolge un ruolo sempre più importante nell’accoglienza e nella mediazione dell’arte contemporanea, a monte delle mostre stesse, che integrano sempre più le strutture di mediazione statali. Dà il via a “consulenti d’arte contemporanea”, che forniscono consulenza gratuita sui valori futuri. I cambiamenti che si sono verificati nei paesi più sviluppati (in particolare la crescente quota del settore terziario) hanno creato un’esigenza sempre più generalizzata di arte, che non rende più facile il compito degli artisti, obbliga la crisi.

L’arte contemporanea, spesso oscura e provocatoria agli occhi del grande pubblico, è spesso considerata come l’emanazione di un’arte ufficiale. Tuttavia, oggi è molto più accettato e diffuso di prima; un’ondata di opere di qualità ineguale la rende confusa e molto spesso richiede un investimento personale da parte del pubblico (vedi Teorie moderne dell’arte).

Quotate su Internet, le opere d’arte contemporanea rappresentano anche un potenziale vantaggio finanziario, che non esclude gli effetti della moda a scapito di opere veramente originali.

Tra mezzo e mediazione
Oltre ai mezzi classici (pittura ad olio, pastello, sanguigna, bronzo, marmo, ecc.), L’arte contemporanea è particolarmente affezionata ai nuovi mezzi, anche ai “non medium”. In particolare, la vocazione effimera o “in corso” di molti lavori mette in discussione la nozione stessa di mezzo, che spesso diventa un semplice vettore di mediazione piuttosto che un supporto stabile. Ciò è in linea con la trasformazione dei mezzi di informazione avviata negli anni ’80, che si stanno gradualmente smaterializzando a favore di una logica di “relazione”:

Medium “tangibili”
Specchi (Art & Language Mirror Piece)
Rifiuti (una colazione di Daniel Spoerri), vari materiali (cemento, terra, sabbia, ecc.)
Feci (Crap Artist di Piero Manzoni), urina, sangue
Polistirolo, poliuretano, silicone, plastica, ecc. (Espansioni di Cesare)
Oggetti vari più o meno trasformati o degradati (accumuli di Arman e Gérard Deschamps)

Medium “intangibili”
Ambiente (in particolare per la Land art, James Turrell Light)
Situations hic et nunc (Collettiva di arte sociologica)
Progetti in corso (lavori in corso di Roman Opałka)
Esperienza stampa (Space Media Fred Forest)

Mezzi “tecnologici”
Microfilm (arte e lingua)
Fax (Hans Haacke)
Software per computer (Art & Language The Cybernetic Art Work che nessuno ha rotto)
Net.art
Sistemi meccanici (Stelarc)
Geni viventi (bioarte)

Alcuni mezzi, come la fotografia – che diventa “artista visivo” (Joel-Peter Witkin) – cinema – che diventa “sperimentale” (serie Cremaster di Matthew Barney) – hanno acquisito lo status dell’arte a tutti gli effetti (allo stesso modo di pittura, scultura o musica), e oggi costituiscono categorie autonome.

La nozione di arte multimediale, ampiamente messa in discussione oggi, mette in discussione lo stato delle opere provenienti da installazioni, spesso rappresentazioni miste, come apparivano negli anni ’50.

istituzioni
Il funzionamento del mondo dell’arte dipende dalle istituzioni artistiche, che vanno dai principali musei alle gallerie private, spazi senza scopo di lucro, scuole d’arte ed editori e le pratiche di singoli artisti, curatori, scrittori, collezionisti e filantropi. Una divisione importante nel mondo dell’arte è tra i settori a scopo di lucro e senza scopo di lucro, anche se negli ultimi anni i confini tra le istituzioni pubbliche private e senza scopo di lucro sono diventati sempre più sfumati. L’arte contemporanea più nota è esposta da artisti professionisti nelle gallerie d’arte contemporanea commerciale, da collezionisti privati, aste d’arte, corporazioni, organizzazioni artistiche finanziate con fondi pubblici, musei d’arte contemporanea o da artisti stessi in spazi gestiti da artisti. Gli artisti contemporanei sono supportati da sovvenzioni, premi e premi, nonché dalla vendita diretta delle loro opere. Gli artisti in carriera si allenano alla scuola d’arte o emergono da altri campi.

Esistono stretti rapporti tra le organizzazioni di arte contemporanea finanziate con fondi pubblici e il settore commerciale. Ad esempio, nel 2005 il libro Understanding International Art Markets and Management riportava che in Gran Bretagna una manciata di rivenditori rappresentava gli artisti presenti nei principali musei di arte contemporanea finanziati con fondi pubblici. Le organizzazioni commerciali includono gallerie e fiere d’arte.

Le corporazioni si sono anche integrate nel mondo dell’arte contemporanea, esponendo l’arte contemporanea all’interno dei loro locali, organizzando e sponsorizzando premi di arte contemporanea e costruendo ampie collezioni aziendali. Gli inserzionisti aziendali utilizzano spesso il prestigio associato all’arte contemporanea e alla caccia fresca per attirare l’attenzione dei consumatori sui beni di lusso.

Le istituzioni d’arte sono state criticate per aver regolato ciò che è designato come arte contemporanea. L’arte esterna, ad esempio, è letteralmente arte contemporanea, in quanto è prodotta ai giorni nostri. Tuttavia, un critico ha sostenuto che non è considerato così perché gli artisti sono autodidatti e quindi si presume che lavorino al di fuori di un contesto storico artistico. Le attività artigianali, come il design tessile, sono anche escluse dal regno dell’arte contemporanea, nonostante il grande pubblico per le mostre. Il critico d’arte Peter Timms ha affermato che si richiama l’attenzione sul modo in cui gli oggetti artigianali devono abbonarsi a valori particolari per essere ammessi al regno dell’arte contemporanea. “Un oggetto in ceramica inteso come un commento sovversivo sulla natura della bellezza ha maggiori probabilità di adattarsi alla definizione di arte contemporanea di quella semplicemente bella.”

In qualsiasi momento un determinato luogo o gruppo di artisti può avere una forte influenza sull’arte contemporanea successiva. Ad esempio, la Ferus Gallery era una galleria commerciale a Los Angeles e rinvigoriva la scena dell’arte contemporanea californiana alla fine degli anni Cinquanta e Sessanta.

Atteggiamenti pubblici
L’arte contemporanea a volte può sembrare in contrasto con un pubblico che non ritiene che l’arte e le sue istituzioni condividano i suoi valori. In Gran Bretagna, negli anni ’90, l’arte contemporanea è diventata parte della cultura popolare, con artisti che sono diventati stelle, ma ciò non ha portato a una sperata “utopia culturale”. Alcuni critici come Julian Spalding e Donald Kuspit hanno suggerito che lo scetticismo, persino il rifiuto, è una risposta legittima e ragionevole a molta arte contemporanea. Brian Ashbee in un saggio intitolato “Art Bollocks” critica “molta installazione artistica, fotografia, arte concettuale, video e altre pratiche generalmente chiamate postmoderne” in quanto troppo dipendenti da spiegazioni verbali sotto forma di discorso teorico. Tuttavia, l’accettazione dell’arte non tradizionale nei musei è aumentata a causa delle mutevoli prospettive su ciò che costituisce un’opera d’arte.

preoccupazioni
Una preoccupazione comune sin dall’inizio del XX secolo è stata la questione di cosa costituisca l’arte. Nel periodo contemporaneo (dal 1950 ad oggi), il concetto di avanguardia può entrare in gioco nel determinare ciò che l’arte è notata da gallerie, musei e collezionisti.

Anche le preoccupazioni per l’arte contemporanea vengono criticate. Andrea Rosen ha affermato che alcuni pittori contemporanei “non hanno assolutamente idea di cosa significhi essere un artista contemporaneo” e che “ci sono per tutte le ragioni sbagliate”.

Critica del concetto
Il processo di globalizzazione, tuttavia, mette in discussione il concetto di uniforme contemporanea. “‘Arte contemporanea’” è un quadro collettivo di postmodernismo. Secondo la logica linguistica, questa combinazione di parole pretende di comprendere una comunità contemporanea più o meno globale. In realtà, agisce come un concetto di valore con una funzione di ammissione: determina ciò che è arte e cosa non lo è. A causa di questa differenza, la qualità artistica dell’arte contemporanea che non rientra nel concetto consolidato di “arte contemporanea” viene negata.

I cinque estratti che seguono riassumono l’essenza delle critiche formulate nei confronti dell’arte cosiddetta “contemporanea”:

la visione pamphleteer di Jean Monneret, che vede in essa essenzialmente un’arte statale sostenuta da dipendenti pubblici irresponsabili che sperperano il denaro dei contribuenti;
l’analisi di Philippe Lejeune, che arriva alla fine della dialettica dei fautori dell’arte contemporanea dimostrando la loro negazione dell’idea di Bellezza;
Fred Forest, che ha preso provvedimenti per difendere le convinzioni vicine a quelle di Jean Monneret attaccando lo stato dinanzi ai tribunali amministrativi;
L’artista plastico Daniel Buren nota il fallimento del pensiero nell’arte contemporanea di un’arte vuota;
Franck Lepage cita, durante una delle sue lezioni gesticolate, il libro Chi conduce la danza? La CIA e la Guerra Fredda Culturale (Who Paid the Piper?: CIA and the Cultural Cold War) di Frances Stonor Saunders che descrive come nel contesto della Guerra Fredda la CIA abbia finanziato organizzazioni come il Congress for Cultural Freedom per promuovere l’arte contemporanea nell’Europa occidentale, presentarlo come arte americana e privarlo del significato sociale e politico.

Jean Monneret
Nel catalogo ragionato del Salon des Indépendants del 1999, il presidente del Salon, Jean Monneret, ha lanciato un violento opuscolo contro la definizione concordata di arte contemporanea, dopo aver criticato a lungo i funzionari che governano l’insegnamento delle arti visive e della scelta opere acquistate dallo Stato e dalle autorità locali:

“Arte contemporanea? Tutti gli artisti viventi fanno parte dell’arte contemporanea. Sono gli artisti che fanno arte. Tutti gli artisti. Liberamente!
Tuttavia, lo stato vuole che il pubblico creda che esista una sola arte degna di interesse, la cosiddetta arte “contemporanea”, vale a dire l’arte statale. Come se l’installazione, la performance o l’arte incolta – purché la leggenda che la accompagna sia la logorrea – siano, di per sé, la continuazione storica, lineare, indiscutibile della tradizione artistica. È vero che nell’arte cosiddetta “contemporanea”, meno c’è da vedere, più c’è da dire! In una mostra d’arte contemporanea, un condotto di ventilazione, attrezzature di emergenza o la piastrellatura dei servizi sanitari spesso si fondono con le opere presentate. La domanda allora è: dov’è il lavoro? L’armonia tra il contenitore e il contenuto è perfetta.
In realtà, l’arte dei saloni storici. La democrazia richiederebbe allo stato, preoccupato per il denaro dei contribuenti, di rendere conto della realtà contemporanea in tutta la sua diversità, senza esclusione … ”

Philippe Lejeune
Nel rapporto morale di Taylor del luglio 2006, la revisione della fondazione del barone Taylor, il vicepresidente, il pittore e giornalista Philippe Lejeune, distingue la nozione di belle arti da quella dell’arte contemporanea.

“Noi, pratichiamo un’arte chiamata” pittura “, questa attività una volta era considerata parte delle Belle Arti. Preoccupato per la modernità, soprattutto per voler sbarazzarsi di un imperativo tanto pesante da sopportare quanto la bellezza, la disputa tra il vecchio e il moderno che viviamo consiste semplicemente nel rimuovere il riferimento alla bellezza. Non riuscendo più a modificare ulteriormente i valori tradizionali dell’arte dopo le esperienze della metà del secolo scorso, decisero, sempre con la stessa etichetta apparente, di fornire un prodotto totalmente diverso. Erano onesti, ammettiamolo, per cambiare il loro nome. I saloni contemporanei non sono più salotti di pittura, sono saloni di arte contemporanea.

L’arte contemporanea espone in luoghi in cui è stata esposta la “pittura”, che crea naturalmente confusione. Ma piuttosto che definire una nuova forma d’arte, applichiamo ad essa le regole di un’altra disciplina, come un giocatore, stanco del bridge, che adegua le regole del belote … L’arte contemporanea rifiuta tutte le regole, tranne quella dell’esclusione. Sai che uno slogan famoso era vietare tutti i divieti. L’arte contemporanea vive solo su ukase. Tutto tranne la rappresentazione.

L’arte contemporanea si definisce concettuale, vale a dire che, partendo da un concetto, riusciamo a dare una sensazione.
Le Belle Arti hanno un obiettivo completamente diverso, hanno un programma molto diverso. A partire dal comprovato, si confrontano con la memoria collettiva per arrivare precisamente a un’idea, vale a dire un elemento che può essere confrontato. ”

Foresta Fred
Dopo il suo processo contro il MNAM (centro Georges-Pompidou), Fred Forest scrive sul retro della copertina del suo libro Funzionalità e disfunzioni dell’arte contemporanea (L’Harmattan, Parigi, 2000):

“Questo libro tende a rivelare i limiti e le contraddizioni di un sistema che non può più continuare nell’attuale forma d’élite a beneficio di una manciata di persone privilegiate, sempre le stesse, che beneficiano della compiacenza e della manna pubblica. Lotta della terra pentola contro la pentola di ferro, è la descrizione dal menu della mia causa fino al Consiglio di Stato contro il centro Georges-Pompidou, e attraverso di lui, contro le istituzioni pubbliche dell’arte contemporanea per il loro rifiuto di trasparenza sulle acquisizioni e il loro fallimento per conformarsi alla legge del 78 sulla contabilità pubblica. Al di là dell’arte, l’approccio qui adottato è soprattutto un approccio cittadino che pone la vera domanda sull’uso dei fondi pubblici e quella della cultura in una democrazia “.

Daniel Buren
Nel settembre 2011, Daniel Buren nella rivista L’Œil ha osservato, durante una lunga intervista, l’incapacità, la confusione e il fallimento dell’espressione “arte contemporanea”:

“In generale, direi che la salute travolgente che gli viene attribuita – biennali in tutto il mondo, fiere in tutti i punti di svolta e affollate sale d’aste – sono aspetti un po ‘paradossali di un’area che, in termini di pensiero, è sull’orlo di fallimento. Non è più un momento nella storia, ma la moda quotidiana. “Contemporaneo” è un termine completamente insignificante, ma è uno dei più potenti reperti mai trovati per annientare sul nascere tutto ciò che un l’artista potrebbe presentare nel minimo nuovo e inquietante. “