Confronto delle arti

Il confronto (Paragone) delle arti è un tema che ha animato il dibattito sul soggetto artistico nel Rinascimento. Paragone (confronto) è un termine italiano che chiamò polemica su quale delle arti sarebbe quella superiore, che divenne particolarmente viva tra gli artisti del Rinascimento e del Manierismo, lasciando lunghi discendenti.

La rivalità tra le arti era antica e durante il Medioevo si produceva molta letteratura sull’argomento. In origine la disputa di fronte alle arti visive, considerate semplici tecniche meccaniche, e le arti intellettuali come la poesia e la musica, che è associata al mondo della ragione e la prestigiosa tradizione greca erano coperte da muse protettive, mentre nessuna delle arti visive era sotto il tutela di una divinità.

Sviluppo
Partendo da aneddoti riportati nella Naturalis historia di Plinio il Vecchio, dalla seconda metà del XV secolo in Italia si sviluppò un dibattito sul quale la forma artistica era la maggiore, dal punto di vista estetico e dall’abilità dell’artigiano. A questo dibattito, che si sviluppò per tutto il XVI secolo, parteciparono gli umanisti, i letterati, i poeti, i musicisti e tutti i più grandi artisti figurativi dell’epoca. Leonardo da Vinci, come ad esempio “il genio di tutte le arti versate”, sosteneva il primato della pittura, proclamando il suo primato sulla musica e la poesia, poiché era “scienza” che rappresenta “con più verità e certezza le opere della natura” e poiché imitare equivaleva a ricreare, il pittore si avvicinava più di ogni altro all’atto creativo divino.

Michelangelo e altri sostenevano il primato della scultura, in particolare quella della materia “levare” (come la scultura di marmo, a differenza di quella di “mettere” come la terracotta), poiché l’opera scultorea era l’unica che permetteva di apprezzare un soggetto in più viste, semplicemente andare in giro.

A questa obiezione i pittori risposero che anche le cose dipinte permettevano “tutto il destino delle vedute” e “senza fare un giro”: esempi tipici erano le figure rappresentate vicino agli specchi, in cui si potevano vedere contemporaneamente più viste del soggetto. Lorenzo Lotto, per esempio, dipinse il triplice ritratto di orafo (fronte, profilo e tre quarti) e Gian Girolamo Savoldo, ispirato a un’opera perduta di Giorgione, ritrasse un uomo in armatura accanto a due specchi, che moltiplicano la vista laterale e il tergale .

La questione del “confronto” assumeva particolare importanza nei tribunali e nei centri artistici come Venezia e Firenze. In quest’ultimo, nel 1547, il contributo di Benedetto Varchi fu particolarmente importante, che chiese il parere per lettera a tutti i maggiori artisti attivi alla corte di Cosimo I e non solo: in queste lettere, in gran parte conservate, e in altri scritti connessi alla questione si può leggere dalle posizioni prese da Pontormo, Vasari, Cellini, Bronzino e altri. Il Bronzino, per esempio, dipinse un doppio ritratto del Nano Morganton sui due lati di una tela. Oltre al doppio, frontale e tergale, anche la pittura ha mostrato il passare del tempo: infatti, se sul recto l’uomo è in procinto di partire per la caccia, sul retro mostra con orgoglio la preda catturata.

Trattati e dibattiti
Leonardo da Vinci ha esposto il tema con un gran numero di argomenti nel suo trattato di pittura, in cui ha definito le principali linee costituenti del paragone incentrate sul confronto tra pittura e scultura. Stabilì l’arte in generale come una sorella della scienza, e specificò la sua analisi, dichiarò che non trovava differenze essenziali tra pittura e scultura, ma in seguito proseguì dicendo che il lavoro del pittore era più pulito, più complesso, completo e intellettuale, dal momento che quella dello scultore era più sporca, semplice, limitata e manuale. Considerava anche l’imitazione della natura in un modo più formidabile ed eccitante di quello prodotto dalla scultura, che imitava naturalmente i volumi che la natura presenta e quindi non richiedeva una grande preparazione mentale:] come l’illusione pittorica o una profonda conoscenza di matematica e prospettiva, associandola alla pittura delle arti liberali. Ha anche difeso la pittura contro la poesia e la musica, indicando che l’arte non può che eccitare lo spettatore attraverso i sensi, l’anima. Sebbene i suoi scritti non siano stati stampati, le sue idee sono state divulgate da Castiglione, che ha commentato il suo El Cortesà.

Il dibattito raggiunse il suo primo punto più alto nella metà del XVI secolo, divenne un tema dominante per la critica d’arte manierista, quando il poeta Benedetto Varchi nel 1547 tenne due conferenze all’Accademia delle arti del design di Firenze, che successivamente stampò e pubblicò. con grande pubblicità Nella prima conferenza Varchi, propose che l’idea o il concetto fosse superiore alla realizzazione materiale, evidenziando il ruolo centrale che la retorica assumeva nelle arti visive. In secondo luogo, ha invitato artisti straordinari a esprimere le loro opinioni, tre pittori – Pontormo, Bronzino e Vasari – e tre scultori – Cellini, Tribolo e Michelangelo – hanno fatto da arbitri, anche se la loro preferenza per la scultura è stata chiaramente influenzata dall’enorme prestigio che Michelangelo aveva considerato un genio incomparabile per i suoi contemporanei.

La domanda su quale delle arti potesse rappresentare la natura al meglio, d’altra parte, è stata di grande importanza per la critica nel definire le caratteristiche di ciascuna arte, ma ciascuna di esse, allo stesso tempo, è passata a cercare un’espansione del suo potenziale , imitando gli effetti di altre categorie. Ad esempio, sviluppò la tecnica della pittura Trompe l’Oeil, una grande illusione tridimensionale, la scultura cercò gli effetti di luci e ombre caratteristici della pittura e la poesia fu impregnata di immagini pittoriche e scenografiche, alla ricerca di dare forma visiva alle descrizioni verbali. Anche da un punto di vista morale, poiché per loro l’imitazione artistica della natura doveva essere fedele e capace di trasmettere la vera conoscenza. Ciò ha generato un’altra controversia su quale sarebbe la migliore fonte di conoscenza, questa volta tra l’arte e la natura stessa, poiché, come risultato dell’intelligenza umana, e credendo che l’uomo abbia creato A immagine di Dio, l’arte sarebbe stata più vicina alla divina idealizzazione di ciò che si manifesta in natura, che aveva evidenti difetti, irregolarità e limitazioni. Inoltre, l’artista potrebbe trascendere la natura e creare nuove cose, quale natura, la concezione statica dell’universo in questo momento, non è in grado di farlo.

Posizioni famose
Numerosi teorici dell’arte e artisti si sono mescolati con scritti e opere d’arte. Alcuni interventi sorprendenti:

Leon Battista Alberti scrisse trattati su tutte le forme d’arte ma scelse la pittura.
Nei dipinti di Jan van Eyck, spesso si riflette lo stesso corpo, che sarebbe uno dei modi in cui si misurava con la scultura.
Benedetto Varchi tenne una conferenza per l’Accademia fiorentina (1546) in cui esaminò gli argomenti degli scultori contro i pittori e citò da un’indagine di Michelangelo, Bronzino, Cellini e Vasari, tra gli altri.
Vincenzo Borghini mise i pittori sopra gli scultori nel suo manoscritto Selva di Notizie (1564).
Lucas d’Heere difese la pittura per la sala della retorica di Anversa De vintieren (1565).
Giorgio Vasari notò in Le vite che il disegno era il padre di tutti gli altri, ma già nell’introduzione aveva accennato alle sue vere preferenze: descriveva la leggenda del pittore di Apelle e Campaspe come una cosa meravigliosa e il mito dello scultore di Pigmalione come una disgrazia. Gli affreschi da lui realizzati nella Sala delle Arti della sua casa fiorentina possono anche essere letti come un elogio della pittura sopra l’altro.
Gotthold Ephraim Lessing (1766) fece un appello per la scultura dal gruppo Laocoöng.

attuale
Il tema del parangone, con i suoi vari rami, nel corso dei secoli, ha prodotto una grande quantità di letteratura e ispirato molti artisti e correnti estetiche senza che nessuna delle parti fosse in grado di garantire la loro supremazia. Anche se il termine originale è raramente applicato alle arti contemporanee e continua ad appartenere più a un argomento della storia dell’arte, il problema rimane irrisolto fino ad oggi. Molti artisti continuano a mostrare grande interesse nel trascendere i limiti di ogni modo dell’arte, mentre altri difendono fissando limiti che non devono essere superati, altrimenti i generi sono destabilizzanti, falsificabili e privi di dare la sua concentrazione e la sua forza caratteristica, e altri sono preoccupati di come l’arte dovrebbe imitare la natura, con la ripetizione o la variazione di argomenti fatti per molto tempo e incorporando nella discussione le nuove arti e discipline della conoscenza che appaiono.