Nel 1985 fu pubblicata una serie di testi, scritti tra il 1976 e il 1982 da Georges Perec, con il titolo comune di quello che chiude il libro: Pensa, classifica. Sulla base di questo saggio, la mostra introduce una delle funzioni classiche di qualsiasi museo, quella del collezionismo. Perec ha stabilito tre categorie che si riferiscono ai libri e alla loro classificazione – che potrebbero essere trasferiti a qualsiasi collezione -: molto facili da ordinare, non molto difficili da ordinare e quasi impossibili da ordinare.

Questa nuova presentazione parziale della collezione permanente del Centro andaluso per l’arte contemporanea parte da uno degli assi che la supportano, le pratiche di archiviazione, per andare oltre. In dialogo con le idee che riguardano la sessione espositiva Bad file (tratto da un famoso saggio di Jacques Derrida), cerca di trasferire in un certo modo l’esperienza personale che Perec afferma quando afferma riguardo alla propria biblioteca che “ciò che non è ordinato in modo definitivamente provvisorio è in modo provvisoriamente definitivo “. Nel lavorare con una data collezione, nel modo di farne presentazioni temporanee espositive, anche il provvisorio diventa qualcosa di definitivo, mentre la possibilità di stabilire storie diverse si rivela una sorta di esperienza simile a quella che Perec racconta quando dice che ” a volte passo tre ore a cercare un libro senza trovarlo, ma con l’occasionale soddisfazione di scoprirne altri sei o sette ugualmente utili. ”

Questa mostra cerca di trasmettere quell’occasionale disperazione di non trovare ciò che stavamo cercando originariamente, ma anche la gioia di trovare ciò che non ci aspettavamo di essere lì o, almeno, di essere di tale interesse per l’oggetto della ricerca. L’idea originale – di raccogliere opere della collezione CAAC che hanno partecipato o si sono avvicinati alle pratiche di archiviazione – non ha trasmesso tanto perché non abbiamo trovato ciò che stavamo cercando, ma piuttosto a causa del prodotto di overflow di trovare nel corso di quelle altre opere che sono state fatte per andare oltre il file e quindi anche il documento.

Punti salienti

Serie di camere
Bleda Y Rosa (Castellón, 1969 y Albacete, 1970)
Mentre lavoravamo alle loro serie Cities, abbiamo iniziato a fotografare spazi legati all’urbanistica. Questo è stato l’inizio della nostra particolare attenzione e interesse per gli spazi simbolici e monumentali – palazzi, ville nobili, città maestose – che manifestano una duplice natura: erano centri di potere e di decisione, ma anche spazi vissuti, luoghi di privacy per una varietà di personaggi. Questa condizione parla anche di una doppia temporalità: ciò che corrisponde al tempo dell’evento storico e quello che appartiene al tempo biografico personale. Questa particolare tensione nella natura degli spazi di Rooms viene catturata e accentuata dalla frammentazione dell’architettura, con colonne, pavimenti o angoli che richiamano uno spazio palpabile e intimo e resistono alla monumentalizzazione. Le nostre immagini non descrivono queste stanze o ci mettono in esse, ma ci fanno sperimentare e ritornare ad esse attraverso l’evocazione.

È qui che viveva la mia famiglia ?, 2008
Terry Berkowitz (Brooklyn, Nueva York, USA, 1953)
Nel 1997, Terry Berkowitz trascorse sei mesi nel nostro paese a ricercare l’espulsione degli ebrei e la loro successiva persecuzione da parte dell’Inquisizione. Ha identificato e fotografato le porte delle case del XV secolo che avrebbero potuto appartenere a coloro che erano stati espropriati delle loro e delle loro vite nelle Sefarad. Le porte fotografate in città come Granada o Toledo ci riportano indietro nel tempo a un capitolo drammatico della storia, a case abbandonate alle quali non ci sarebbe ritorno.

Il progetto, Is This Where My My Lived ?, racconta una storia di perdita e incarna la speranza di questo artista newyorkese di ritrovarsi, di tornare a un passato perduto attraverso fotografie di cancelli che hanno simbolicamente fermato la storia.

Ci vediamo nel video del 1492 che accompagna le fotografie e ci trasporta in quell’era storica di abbandono. Nelle parole dell’artista stesso, “La mostra è un sogno di cercare casa attraverso i secoli e per le strade”.

Nube de imágenes, 2003
Ricardo Cadenas (Sevilla, 1960)
Una critica alle immagini pubbliche. Questo è il focus del lavoro di Ricardo Cadenas. Le immagini pubbliche si riferiscono a tutto ciò che appare ogni giorno sui giornali, nella pubblicità, sulle insegne al neon della città, sui tabelloni elettronici delle stazioni ferroviarie e degli aeroporti e in cartoni editoriali, fumetti e manifesti. A questo proposito, il lavoro di Cadenas è radicato nella pop art. I suoi interessi sono più vicini al lavoro di Jasper Johns e Robert Rauschenberg che alla freddezza automatizzata di Warhol. Con le sue materie plastiche, l’artista esplora il divario esistente tra la pittura e la moltitudine di immagini che, piaccia o no, fanno pressione sul nostro cervello. Il suo mezzo di espressione è principalmente il disegno e il collage, con i quali apre, esplora e matura il processo del suo lavoro.

Nube de imágenes è un collage che gli consente di alterare il significato di materiali molto ordinari, invocando un nuovo significato nella nostra immaginazione associando alcune immagini con altri in un modo diverso da come li incontriamo ogni giorno. Nelle stesse parole dell’artista: “Quello che sto tentando di mostrare con il mio lavoro è che c’è qualcosa di nascosto in questa moltitudine di immagini che ci assale ogni giorno, qualcosa che non è evidente”. E, ha aggiunto, “Quello che voglio è che l’immagine sia vista, sia letta, come una mappa piuttosto che come una sequenza di figure statiche. Le mie immagini sono più indici che oggetti. Indicano in diverse direzioni, incoraggiano vari percorsi. Piuttosto che invitante contemplazione, l’immagine stimola un’esplorazione della prospettiva. ”

Sin título, 2001
Gonzalo Puch (Sevilla, 1950)
Dopo aver iniziato la sua carriera artistica come pittore negli anni ’80, usando un linguaggio neoespressionista vicino all’astrazione gestuale, Gonzalo Puch iniziò a fotografare nel decennio successivo e oggi è ancora dedicato alla fotografia. Il suo lavoro fa parte di una tendenza fotografica che potrebbe essere definita “document-fiction” in cui l’artista tenta di dare alle storie fittizie un’apparenza di realtà.

In questa fotografia, vediamo un muro coperto di immagini che vanno da Duchamp a una pubblicità di collant da donna. È un repository che sfida i nostri poteri di deduzione, come un gruppo di riferimenti che richiedono un filo centrale per dare loro un senso, o un testo scritto in caratteri indecifrabili aperto a chiunque si sforzi di cercare di capirli.

C’è tensione tra il tutto visivo e i dettagli, creato entrando in una stanza prima di essere in grado di focalizzare la nostra vista e distinguere chiaramente ciò che si trova in un determinato luogo. Sono le forme di una “scena rubata” – cosa si potrebbe trovare quando si apre improvvisamente la porta. Riconoscere la complessità e la ricchezza delle esperienze di vita porta l’artista a cercare di accumulare elementi invece di ordinarli.

Portfolio Compleat (1985-2012)
Guerrila Girls (New York, USA, 1985)
Le Guerilla Girls sono un gruppo anonimo di artisti femminili che si è formato a New York nel 1985 e sono noti per aver indossato maschere di gorilla nelle loro proteste contro il dominio maschile. Adottano i nomi di artisti morti come Frida Kahlo, Eva Hesse, Paula Modersohn-Becker, Käthe Kollwitz, Gertrude Stein o Georgia O’Keeffe, tra gli altri, nascondendo la loro vera identità per celebrare i risultati di queste donne.

Gli interventi delle Guerilla Girls mirano a controbilanciare e denunciare le tradizioni maschili nella società patriarcale e in riferimento al campo artistico. Il loro discorso, che è sia analitico che critico, è rafforzato da un senso dell’umorismo, come si può vedere nelle loro azioni, dichiarazioni, discussioni, dibattiti ed esibizioni.

Con oltre 30 anni di storia, questo gruppo ha prodotto una moltitudine di poster, libri, progetti di disegno, pubblicazioni grafiche e interventi che denunciano il sessismo e la discriminazione delle donne nel mondo delle arti visive, del cinema e della cultura in generale.

Portfolio Compleat, definito dal gruppo stesso come simbolo della “coscienza del mondo dell’arte”, comprende libri, riviste e poster che usano il linguaggio visivo del marketing per trasmettere il loro messaggio in modo rapido e diretto.

La nuova mensola a cinque piedi, 2001
Allen Ruppersberg (Cleveland, Ohio, USA, 1944)
Allen Ruppersberg appartiene alla prima generazione di artisti nordamericani che usano elementi della cultura dei mass media da un punto di vista critico. Il suo lavoro rappresenta una riflessione sulle relazioni tra concetti apparentemente contraddittori – realtà e finzione, cultura alta e bassa, spazio pubblico e spazio privato, ecc. Durante la sua carriera Ruppersberg si è rivolto a una moltitudine di strumenti e tecniche artistiche, come installazioni, performance , disegni, proiezioni di diapositive, collage o video e ha utilizzato risorse letterarie, riferimenti autobiografici e oggetti della cultura popolare per riconsiderare categorie estetiche come “paternità”, “lavoro artistico” o “spazio espositivo” e per esplorare i limiti tra un originale e la sua copia o copie. Il suo obiettivo principale è promuovere “un tipo più democratico di oggetto d’arte” e ampliare la sfera degli spazi espositivi, mettendo in discussione l’insieme dei meccanismi di produzione, distribuzione e ricezione del contenuto estetico.

Più recentemente Allen Ruppersberg ha creato pezzi come The New Five Foot Shelf, che lui stesso ha definito “un grande lavoro biografico”, tra cui, tra le altre cose, fotografie a grandezza naturale delle diverse parti del suo laboratorio che ha occupato a New York City dal 1986 e 2001 e numerosi testi e oggetti tratti dai suoi archivi personali. Presentando il suo studio, il suo lavoro e le tracce delle sue fonti – pittoricamente e letteralmente – Ruppersberg ci invita a metterci nei suoi panni, o almeno a sederci alla sua scrivania. Per un artista la cui pratica è incentrata sulla lettura, rendere disponibili questi testi è metaforicamente equivalente a consegnare agli spettatori il pennello e la tavolozza del pittore e lasciarli liberi nel suo studio.

Atterraggio aereo, collage
Aleksandra Mir (Lubin, Polonia, 1967) Questo lavoro è un sottoprodotto naturale del progetto di atterraggio piano di Aleksandra Mir. Le sue opere oscillano abitualmente tra un mondo di eventi e azioni importanti e il regno dell’ordinario, del riciclo e del personalizzato. L’aereo di atterraggio originale era un enorme pallone a forma di aeroplano prodotto dalla ditta con sede a Bristol Cameron Balloons. L’aereo pieno di elio è stato sospeso in uno stato di atterraggio permanente, non riuscendo mai a stabilire un contatto con il suolo. Una volta terminato il lavoro concettuale dell’artista, ha dovuto attendere che gli ingegneri dell’azienda finissero di progettare l’aereo. Mir spiega che, al fine di sostenere il suo interesse per l’aviazione, “ho usato i primi disegni tecnici della fabbrica e ho realizzato collage, immaginando luoghi probabili in cui potrebbe apparire l’aereo”. Nella maggior parte di queste composizioni l’artista si avvale delle pubblicità che pubblicizzano in cui la figura femminile ha un uso sessuale.

Marx Lounge, 2010
Alfredo Jaar (Santiago del Cile, 1956)
Le idee più influenti di Karl Marx sono ancora controverse oggi. Ciò è dimostrato dai numerosi simposi recenti, pubblicazioni e mostre in tutto il mondo. La ragione potrebbe essere l’attuale crisi economica. Tuttavia, sarebbe corretto affermare che copre uno spettro più ampio all’interno della teoria culturale e della critica contemporanea, che mettono costantemente in discussione e rivalutano il capitalismo.

La Marx Lounge è la risposta di Alfredo Jaar a questo, un’area che fornisce al pubblico materiale di lettura approfondito sulle idee filosofiche, politiche, economiche e umanistiche di Marx. Presenta anche la bibliografia di altri teorici, filosofi e autori che hanno seguito, analizzato o rivisitato le teorie di Marx. Žižek, Hall, Rancière, Butler, Laclau, Mouffe, Jameson, Bourdieu, Fanon, ecc. Portano nuovi schemi di pensiero che riflettono l’enorme quantità di conoscenza acquisita negli ultimi decenni. Secondo l’artista, è avvenuta una vera rivoluzione intellettuale, sebbene lontana dal mondo reale. Per questo motivo, Alfredo Jaar offre una sala di lettura in cui sedersi e pensare all’importanza e alla vitalità del marxismo nell’attuale situazione, nonché alle più recenti idee politiche e filosofiche, che potrebbero aiutarci a capire meglio momento presente.

Arquitecturas encontradas, 1973-1985
Guillermo Pérez Villalta
Pittore, architetto e scultore, Pérez Villalta faceva parte della New Madrid Figuration ed è un rappresentante del postmodernismo in Spagna. Per alcuni, il suo lavoro è immerso nel neomanierismo. La formazione che ha ricevuto in gioventù alla School of Architecture ha avuto un’influenza concettuale sulla sua arte durante la sua carriera.

La serie di fotografie intitolate Arquitecturas encontradas (Found Architectures) ne è un chiaro esempio. Questa raccolta risale al 1973 e alla fine degli anni ’80 e cattura una serie di edifici unici. È una condanna della scomparsa di questo tipo di costruzione, che era ordinaria negli anni ’70. Erano edifici anonimi che illustravano la libertà creativa provata dai loro progettisti di fronte a “un’uniformità sempre crescente”. Come spiega l’artista stesso, “Mi sono imbattuto in esempi intriganti di architettura popolare. L’architettura senza architetti, è come l’ho chiamata; (…) la libertà creativa dovrebbe sempre superare le linee guida o le regole riguardanti “ciò che dovrebbe essere fatto”. Ho deciso di documentare ciò che mi piaceva, quell’architettura creata, nella maggior parte dei casi, dai proprietari stessi o da imprenditori edili che hanno lasciato andare i loro gusti personali come ritenevano opportuno. ”

L’opera di Guillermo Pérez Villalta è interamente autobiografica: è fortemente condizionata dalla sua personalità, dai suoi viaggi e dai luoghi e spazi in cui si è svolta la sua vita, come nelle raccolte di cartoline della Rocca di Gibilterra e della Costa del Sol. Queste immagini riflettono anche l’interesse dell’artista nel catturare e preservare il mix di cultura popolare, tradizione e creatività moderna che si uniscono nella moderna Andalusia.

Pérez Villalta è nato a Tarifa e ha sempre mantenuto stretti legami con la sua città natale. Ha trascorso gran parte della sua vita in questa città che si trova vicino alla Rocca di Gibilterra, dove ha anche vissuto per un certo periodo. Per questo motivo, e anche a causa della storia del Rock come area geografica segnata sia dalla sua imponente presenza fisica sia dal suo tormentato sfondo politico e strategico, collezionò cartoline con vista da entrambi i lati di Gibilterra: alcuni da Algeciras e altri da La Línea de la Concepción.

D’altra parte, la Costa del Sol è sempre stata un luogo leggendario nell’immaginazione di questo artista, sia per la sua architettura che per il suo turismo. È presente in diversi pezzi del suo lavoro, sia in video che in disegni, dipinti e questa collezione di cartoline.

Centro andaluso di arte contemporanea
Il Centro Andaluz de Arte Contemporáneo (CAAC) è stato creato nel febbraio 1990 con l’obiettivo di dare alla comunità locale un’istituzione per la ricerca, la conservazione e la promozione dell’arte contemporanea. Successivamente il centro iniziò ad acquisire le prime opere nella sua collezione permanente di arte contemporanea.

Nel 1997 il monastero di Cartuja divenne il quartier generale del centro, una mossa che si sarebbe rivelata decisiva nell’evoluzione dell’istituzione. Il CAAC, un’organizzazione autonoma dipendente dal governo andaluso (Junta de Andalucía), ha rilevato le collezioni dell’ex Conjunto Monumental de la Cartuja (Cartuja Monument Center) e del Museo de Arte Contemporáneo di Siviglia (Museo di arte contemporanea di Siviglia).

Fin dall’inizio, uno degli obiettivi principali del centro è stato lo sviluppo di un programma di attività che tentasse di promuovere lo studio della creazione artistica internazionale contemporanea in tutte le sue sfaccettature. Mostre temporanee, seminari, workshop, concerti, incontri, recital, cicli cinematografici e conferenze sono stati gli strumenti di comunicazione utilizzati per raggiungere questo obiettivo.

Il programma di attività culturali del centro è completato da una visita al monastero stesso, che ospita una parte importante del nostro patrimonio artistico e archeologico, un prodotto della nostra lunga storia.