VJing o Visual jockey è un’ampia designazione per prestazioni visive in tempo reale. Le caratteristiche di VJing sono la creazione o la manipolazione di immagini in tempo reale attraverso la mediazione tecnologica e per un pubblico, in sincronizzazione con la musica. VJing si svolge spesso in eventi come concerti, discoteche, festival musicali e talvolta in combinazione con altre arti performative. Ciò si traduce in una performance multimediale dal vivo che può includere musica, attori e ballerini. Il termine VJing è diventato popolare nella sua associazione con Video Jockey di MTV, ma le sue origini risalgono alla scena del club di New York degli anni ’70. In entrambe le situazioni VJing è la manipolazione o la selezione di elementi visivi, allo stesso modo in cui DJing è una selezione e una manipolazione dell’audio.
Uno degli elementi chiave nella pratica di VJing è il mix in tempo reale di contenuti di una “libreria di supporti”, su supporti di archiviazione come nastri o DVD VHS, file video e di immagini fisse su hard disk di computer, input di telecamere dal vivo o da immagini generate al computer. Oltre alla selezione dei media, VJing implica principalmente l’elaborazione in tempo reale del materiale visivo. Il termine è anche usato per descrivere l’uso performativo del software generativo, sebbene la parola “diventi dubbia (…) poiché nessun video viene mischiato”.
origini
L’abbreviazione VJ si è sviluppata in base al concetto di disc jockeys (DJ) e light jockeys (LJ). Il fantino visivo non deve essere confuso con il fantino video. L’attività del presentatore di un video jockey nei programmi musicali TV differisce significativamente dalle prestazioni artistiche di un visual jockey.
Nei paesi di lingua tedesca, in particolare nella roccaforte VJ di Vienna, un dibattito sulla designazione dei VJ si svolge da diversi anni. Il termine “visualista” è sempre più usato qui per riferirsi a una persona che, nel senso più ampio, crea video arte usando la tecnica di un “classico VJ”, ma che agisce indipendentemente dall’evento musicale. Da un lato, si fa riferimento all’indipendenza della videoarte creata in tempo reale. D’altra parte, la migliore differenziazione concettuale dal puro “video jockey” può anche essere usata per descrivere le nuove tendenze della scena. In tempi recenti, la tendenza è stata verso la generazione di contenuti dal vivo e l’uso della mappatura di proiezione. Contrariamente al classico VJ, che utilizza materiale esistente (sotto forma di videoclip, animazioni, foto, ecc.) In uso dal vivo, il visualista genera il materiale in tempo reale durante l’uso. Per questo usa il cosiddetto software generativo. Attraverso l’uso della mappatura video e la distribuzione di oggetti di proiezione in tutto lo showroom, il moderno VJ (o visualista) si libera anche dalla vista focalizzata focalizzata su un singolo schermo rettangolare.
Storia
antenati
Storicamente, VJing ottiene i suoi riferimenti da forme d’arte che si occupano dell’esperienza sinestetica di visione e suono. Questi riferimenti storici sono condivisi con altre forme d’arte audiovisive dal vivo, come Live Cinema, per includere l’oscura della telecamera, il panorama e il diorama, la lanterna magica, l’organo a colori e gli spettacoli di luce liquida.
L’organo colorato è un meccanismo per far corrispondere i colori al suono attraverso mezzi meccanici ed elettromeccanici. Bainbridge Bishop, che contribuì allo sviluppo dell’organo a colori, fu “dominato dall’idea di dipingere musica”. In un libro del 1893 che documenta il suo lavoro, Bishop afferma: “Ho procurato un organo e ho sperimentato costruendo un attaccamento alle chiavi, che avrebbe suonato con luci di colore diverso per corrispondere alla musica dello strumento”.
Tra il 1919 e il 1927, Mary Hallock-Greenewalt, solista per pianoforte, creò una nuova forma d’arte tecnologica chiamata Nourathar, che significa “essenza di luce” in arabo. La sua musica leggera consisteva in campi cromatici ambientali che producevano una scala di intensità e colore della luce. “Al posto di una tastiera, il Sarabet aveva una console con cursori graduati e altri controlli, più simile a un moderno mixer. Le luci potevano essere regolate direttamente tramite i cursori, attraverso l’uso di un pedale e con interruttori a levetta che funzionavano come singoli chiavi.”
Negli anni ’60, nei club e negli eventi privati ”le persone usavano scivoli liquidi, palle da discoteca e proiezioni leggere sul fumo per dare nuove sensazioni al pubblico. Alcuni di questi esperimenti erano collegati alla musica, ma la maggior parte delle volte funzionavano come decorazioni”. Questi sono diventati noti come spettacoli di luce liquida. Dal 1965 al 1966 a San Francisco, gli spettacoli visivi di collettivi di artisti come The Joshua Light Show e Brotherhood of Light hanno accompagnato i concerti di The Grateful Dead, che sono stati ispirati dalla generazione Beat, in particolare dai Merry Pranksters, e alimentati dal ” espansione della coscienza “dai test acidi.
The Exploding Plastic Inevitable, tra il 1966 e il 1967, organizzato da Andy Warhol contribuì alla fusione di musica e immagini in un contesto di festa. “Il progetto Exploding Party ha esaminato la storia del partito come un formato artistico sperimentale, concentrandosi in particolare sulla visualizzazione musicale – anche in contesti live”
1970
Eventi importanti
Alla fine degli anni ’70 le prestazioni video e musicali si sono integrate più strettamente. Ai concerti, alcune band hanno iniziato ad avere film / video regolari insieme alla loro musica. Il cineasta sperimentale Tony Potts è stato considerato un membro non ufficiale di The Monochrome Set per il suo lavoro sulla progettazione illuminotecnica e la realizzazione di proiezioni per spettacoli dal vivo. Il Reparto Test inizialmente ha lavorato con “Bert” Turnball come artista visivo residente, creando presentazioni e film per esibizioni dal vivo. L’organizzazione, Ministero del Potere, ha incluso collaborazioni con gruppi di esibizione, cori tradizionali e vari attivisti politici. Le band industriali si esibivano in contesti artistici, così come in sale da concerto e spesso con proiezioni video. Gruppi come Cabaret Voltaire hanno iniziato a utilizzare apparecchiature di editing video a basso costo per creare collage basati sul tempo per le loro opere sonore. Nelle loro parole, “prima [dell’uso del video], dovevi fare collage su carta, ma ora li presenti nel ritmo – tempo di vita – nel video”. I collage del film realizzati da e per gruppi come Test Dept, Throbbing Gristle e Tuxedomoon di San Francisco sono diventati parte dei loro spettacoli dal vivo.
Un esempio di mixaggio di film con spettacoli dal vivo è quello di Public Image Ltd. al Ritz Riot nel 1981. Questo club, situato nella East 9th St a New York, aveva un sistema di videoproiezione all’avanguardia. È stato usato per mostrare una combinazione di video preregistrati e live sullo schermo del club. PiL giocava dietro questo schermo con le luci posteriori che proiettavano le loro ombre sullo schermo. In attesa di uno spettacolo rock più tradizionale, il pubblico ha reagito colpendo lo schermo di proiezione con bottiglie di birra e alla fine abbattendo lo schermo.
Sviluppi tecnologici
Un ritiro di artisti a Owego New York chiamato Experimental Television Center, fondato nel 1971, ha contribuito allo sviluppo di molti artisti raccogliendo l’hardware sperimentale creato dai pionieri della videoarte: Nam June Paik, Steve Rutt e Bill Etra, e ha reso disponibile l’attrezzatura agli artisti in un ambiente invitante per la sperimentazione gratuita. Molti dei risultati hanno debuttato nel nightclub Hurray, che è rapidamente diventato una nuova alternativa per i video artisti che non sono stati in grado di far andare in onda le loro produzioni d’avanguardia sui normali canali televisivi. Allo stesso modo, lo sviluppo di video musicali stava avvenendo in altre grandi città del mondo, fornendo un’alternativa alla televisione tradizionale.
Un notevole processore di immagini è Sandin Image Processor (1971), in primo luogo in quanto descrive ciò che ora viene comunemente chiamato open source.
Dan Sandin Image Processor, o “IP”, è un processore video analogico con segnali video inviati attraverso moduli di elaborazione che si dirigono verso un codificatore di colore in uscita. L’attributo più unico dell’IP è la sua filosofia non commerciale, che enfatizza un accesso pubblico ai metodi di elaborazione e alle macchine che aiutano a generare le immagini. L’IP è stata l’espressione elettronica di Sandin per una cultura che “imparerebbe a usare le macchine ad alta tecnologia per la crescita personale, estetica, religiosa, intuitiva, completa ed esplorativa”. Questo obiettivo educativo è stato integrato con una “religione della distribuzione” che ha permesso ai video artisti, e ai gruppi no profit, di “sintetizzare il video” solo per il costo delle parti e il sudore e il lavoro necessari per costruirlo . Era il “Heathkit” di strumenti di video arte, con un piano di costruzione completo definito, compresi schemi elettronici e informazioni di assemblaggio meccanico. Nella documentazione sono stati inclusi anche suggerimenti su saldatura, acquisizione di parti elettroniche e circuiti stampati, aumentando le possibilità di creare con successo una versione funzionante del sintetizzatore video.
1980
Eventi importanti
Nel maggio 1980, l’artista / regista multimediale Merrill Aldighieri è stato invitato a proiettare un film nella discoteca Hurray. Al momento, i videoclip musicali non esistevano in grande quantità e l’installazione video è stata utilizzata per presentare un film occasionale. Per portare il ruolo degli elementi visivi a un livello uguale con la musica del DJ, Merrill ha realizzato un ampio corpus di elementi visivi ambientali che potevano essere combinati in tempo reale per interpretare la musica. Lavorando a fianco del DJ, questa raccolta di elementi visivi grezzi è stata mixata in tempo reale per creare un’interpretazione visiva non-stop della musica. Merrill divenne il primo VJ a tempo pieno al mondo. I fondatori di MTV vennero in questo club e Merrill li introdusse al termine e al ruolo di “VJ”, ispirandoli ad avere host VJ sul loro canale l’anno successivo.
Merrill ha collaborato con molti musicisti del club, in particolare con il musicista elettronico Richard Bone per realizzare il primo album di video di musica ambientale intitolato “Emerging Video”. Grazie a una sovvenzione del Centro sperimentale televisivo, la sua miscela di video e film da 16 mm portava il segno influente degli unici sintetizzatori Rutt Etra e Paik. Questo film è stato offerto su VHS attraverso “High Times Magazine” ed è stato presentato nella programmazione del club. La sua prossima incursione nel pubblico di home video è stata in collaborazione con il nuovo braccio di Sony, Sony HOME VIDEO, dove ha introdotto il concetto di “rompere la musica in video” con la sua serie DANSPAK. Con alcune eccezioni come la Jim Carrol Band con Lou Reed e Man Parrish, questa serie presentava band sconosciute, molte delle quali non firmate.
L’ascesa della musica elettronica (specialmente nei generi house e techno) e la cultura dei DJ club hanno offerto maggiori opportunità agli artisti di creare immagini dal vivo durante gli eventi. La popolarità di MTV ha portato a una maggiore e migliore produzione di video musicali sia per la trasmissione che per la VHS, e molti club hanno iniziato a mostrare video musicali come parte di intrattenimento e atmosfera.
Joe Shannahan (proprietario di Metro nel 1989-1990) stava pagando artisti per contenuti video su VHS. Parte della serata avrebbero suonato video musicali MTV e parte della serata avrebbero eseguito mix di artisti locali che Shanahan aveva commissionato.
Il Medusa (un bar per tutte le età a Chicago) incorporava elementi visivi come parte delle loro esibizioni artistiche notturne tra la prima e la metà degli anni ’80 (1983-1985). Sempre a Chicago durante la metà degli anni ’80 c’era lo Smart Bar, dove la metropolitana teneva “Video Metro” ogni sabato sera.
Sviluppi tecnologici
Negli anni ’80 lo sviluppo di transistor relativamente economici e la tecnologia dei circuiti integrati hanno consentito lo sviluppo di hardware per effetti video digitali a un prezzo accessibile da singoli VJ e proprietari di locali notturni.
Uno dei primi sintetizzatori video distribuiti commercialmente disponibili nel 1981 fu il Chromascope CEL Electronics venduto per l’uso nella scena discoteca in via di sviluppo. Il Fairlight Computer Video Instrument (CVI), prodotto per la prima volta nel 1983, è stato rivoluzionario in questo settore, consentendo di applicare effetti digitali complessi in tempo reale alle fonti video. Il CVI è diventato popolare tra i produttori di video musicali e televisivi e presenta numerosi video musicali del periodo. Il Commodore Amiga introdotto nel 1985 fece una svolta nell’accessibilità per i computer di casa e sviluppò i primi programmi di animazione al computer per l’animazione 2D e 3D che potevano produrre risultati di trasmissione su un computer desktop.
1990
Eventi importanti
Un certo numero di lavori registrati iniziano a essere pubblicati negli anni ’90 per distribuire ulteriormente il lavoro di VJs, come le compilation Xmix (a partire dal 1993), Future Sound of London “Lifeforms” (VHS, 1994), “Telecommunication Breakdown di Emergency Broadcast Network” “(VHS, 1995),” Timber “di Coldcut e Hexstatic (VHS, 1997 e poi su CDRom inclusa una copia del software VJamm VJ), la raccolta” Mego Videos “di lavori dal 1996-1998 (VHS / PAL, 1999) e la serie televisiva Addictive 1998 “Transambient” per Channel 4 nel Regno Unito (e uscita DVD).
Negli Stati Uniti, l’emergere della scena rave deve forse essere accreditato per il passaggio della scena VJ dalle discoteche alle feste sotterranee. Intorno al 1991 e fino al 1994, Mark Zero avrebbe girato i film nei rave di Chicago e nelle feste in casa. Uno dei primi rave su larga scala di Chicago fu “Massive New Years Eve Revolution” nel 1993, prodotto dalla Drop Bass Network di Milwaukee. È stato un evento degno di nota in quanto presentava i VJ Optique Vid Tek (OVT) sul conto. Questo evento è stato seguito da Psychosis, svoltosi il 3 aprile 1993, e diretto da Psychic TV, con immagini di OVT Visuals. A San Francisco, Dimension 7 era un collettivo VJ che lavorava nella prima scena rave della West Coast a partire dal 1993. Tra il 1996 e il 1998, Dimension 7 portò proiettori e laser al festival Burningman,
Nel Regno Unito gruppi come The Light Surgeons ed Eikon stavano trasformando club ed eventi rave combinando le vecchie tecniche di luci fluide con strati di proiezioni di diapositive, film e video. A Bristol emerse Children of Technology, ambienti pionieristici interattivi e interattivi derivanti dalla tesi di architettura del co-fondatore Mike Godfrey mentre era all’università durante gli anni ’80. Children of Technology ha integrato la propria libreria CGI di animazione e video texture con l’output di Virtual Light Machine (VLM) interattivo, ideato da Jeff Minter e Dave Japp, con output su oltre 500 mq di schermi stratificati utilizzando video ad alta potenza e proiezione laser all’interno di uno spettacolo di luci dedicato. Il loro “Ambient Theater Lightshow” è emerso per la prima volta a Glastonbury 93 e hanno anche fornito elementi visivi VJ per gli Shamen, che avevano appena pubblicato il loro primo successo “Ebeneezer Good” al festival. I musicisti invitati si sono bloccati nel Ambient Theater Lightshow, usando il VLM, all’interno di un prototipo di ambiente immersivo.
Children of Technology ha portato i concetti di video interattivi in una vasta gamma di progetti, tra cui la produzione di spettacoli per rave “Obsession” tra il 1993 e il 1995, teatro, club, pubblicità, grandi spettacoli teatrali ed eventi TV. Ciò includeva progetti pionieristici con registrazioni e performance di video / audio 3D e importanti progetti di architettura alla fine degli anni ’90, in cui molte idee sulla tecnologia multimediale stavano prendendo piede. Un altro collettivo, “Hex”, stava lavorando su una vasta gamma di media – dai videogiochi alle mostre d’arte – il gruppo ha aperto la strada a molti nuovi ibridi mediatici, tra cui jamming audiovisivi dal vivo, performance audio generate al computer e strumenti di collaborazione interattivi. Questo è stato l’inizio di una tendenza che continua ancora oggi con molti VJ che lavorano al di là del club e della scena della festa da ballo in aree come l’installazione artistica.
Il libro giapponese “VJ2000” (Daizaburo Harada, 1999) ha segnato una delle prime pubblicazioni dedicate alla discussione delle pratiche dei VJ.
Sviluppi tecnologici
La combinazione della scena rave emergente, insieme alla tecnologia video leggermente più economica per i sistemi di home entertainment, ha portato i prodotti di consumo ad essere maggiormente utilizzati nella produzione artistica. Tuttavia, i costi per questi nuovi tipi di apparecchiature video erano ancora abbastanza alti da essere proibitivi per molti artisti.
Ci sono tre fattori principali che portano alla proliferazione della scena VJ negli anni 2000:
laptop convenienti e più veloci;
calo dei prezzi dei videoproiettori (soprattutto dopo il crollo delle dot-com in cui le aziende caricavano le loro merci su craigslist)
l’emergere di forti scene rave e la crescita della cultura del club a livello internazionale
Di conseguenza, la scena VJ ha visto un’esplosione di nuovi artisti e stili. Queste condizioni hanno anche facilitato l’emergenza improvvisa di un movimento meno visibile (ma comunque forte) di artisti che stavano creando immagini algoritmiche e generative.
Questo decennio ha visto il passaggio della tecnologia video dall’essere rigorosamente destinato a studi cinematografici e televisivi professionali ad essere accessibile per il mercato dei prosumer (ad es. L’industria del matrimonio, presentazioni in chiesa, film a basso budget e produzioni televisive della comunità). Questi mixer sono stati rapidamente adottati dai VJ come componente principale delle loro configurazioni delle prestazioni. Questo è simile al rilascio dei giradischi Technics 1200, che sono stati commercializzati per i proprietari di case che desiderano un sistema di intrattenimento domestico più avanzato, ma sono stati poi appropriati da musicisti e appassionati di musica per la sperimentazione. Inizialmente, i mixer video venivano usati per mescolare materiale video pre-preparato da videoregistratori VHS e fonti di telecamere live, e in seguito per aggiungere le nuove uscite software nel loro mix. Gli anni ’90 hanno visto lo sviluppo di numerosi mixer video digitali come il Panasonic WJ-MX50,
I primi sistemi di editing desktop come NewTek Video Toaster per il computer Amiga sono stati rapidamente utilizzati da VJ che cercavano di creare elementi visivi per la scena rave emergente, mentre gli sviluppatori di software hanno iniziato a sviluppare sistemi appositamente progettati per elementi visivi dal vivo come “Bitbopper di O’Wonder “.
Il primo software noto per VJs è stato Vujak – creato nel 1992 e scritto per Mac dall’artista Brian Kane per l’utilizzo da parte del gruppo di videoarte di cui faceva parte – Emergency Broadcast Network, sebbene non fosse utilizzato nelle esibizioni dal vivo. EBN ha utilizzato EBN VideoSampler v2.3, sviluppato da Mark Marinello e Greg Deocampo. Nel Regno Unito, Children of Technology di Bristol ha sviluppato uno spettacolo di luci video immersivo dedicato utilizzando la Virtual Light Machine (VLM) chiamata AVLS o Audio-Visual-Live-System durante il 1992 e il 1993. Il VLM era un PC personalizzato realizzato dall’ingegnere video Dave Japp usando chip transputer super-rari e schede madri modificate, programmate da Jeff Minter (Llamasoft & Virtual Light Co.).
Il VLM è stato sviluppato dopo il precedente programma Llamasoft Light Synthesizer di Jeff. Con VLM, DI di musicisti dal vivo o modelli video algoritmici in tempo reale di Jeff attivati da DJ, questo è stato mixato in tempo reale utilizzando mixer video pansonic con animazione CGI / libreria di texture personalizzate VHS e feedback video di telecamere live. Children of Technology ha sviluppato il proprio sistema “Video Light”, utilizzando la proiezione video ad alta potenza e bassa potenza per generare effetti di fascio 3D in tempo reale, contemporaneamente a un’enorme proiezione superficiale e mappata.
Il VLM è stato utilizzato da Shamen, The Orb, Primal Scream, Obsession, Peter Gabriel, Prince e molti altri tra il 1993 e il 1996. Una versione software del VLM è stata integrata nella console Jaguar di Atari, in risposta al crescente interesse di VJ. A metà degli anni ’90, il software di sintesi pura reattiva all’audio (al contrario della clip-based) come Cthugha e Bomb erano influenti. Verso la fine degli anni ’90 erano disponibili diversi software VJing basati su PC, tra cui programmi generativi visivi come MooNSTER, Aestesis e Advanced Visualization Studio, nonché lettori di videoclip come FLxER, creato da Gianluca Del Gobbo e VJamm.
Gli ambienti di programmazione come Max / MSP, Macromedia Director e successivamente Quartz Composer hanno iniziato ad essere utilizzati da soli e anche per creare programmi VJing come VDMX o pixmix. Questi nuovi prodotti software e i drammatici aumenti della potenza di elaborazione dei computer nel corso del decennio hanno portato i VJ a portare regolarmente i computer ai concerti.
2000
Eventi importanti
Il nuovo secolo ha portato nuove dinamiche alla pratica della performance visiva. Essere un VJ in precedenza aveva significato in gran parte un processo di autoinvenzione in isolamento dagli altri: il termine non era ampiamente conosciuto. Quindi attraverso l’ascesa dell’adozione di Internet, l’accesso ad altri praticanti è diventato molto la norma e si sono formate rapidamente comunità virtuali. Il senso del collettivo poi tradotto dal mondo virtuale su spazi fisici. Ciò diventa evidente attraverso i numerosi festival che emergono in tutta Europa con una forte attenzione a VJing.
Eventi VJ in Europa
Il festival VideA di Barcellona si è svolto tra il 2000 e il 2005. AVIT, chiaro all’inizio come la comunità online di VJCentral.com auto-organizzando una presenza fisica, ha tenuto il suo primo festival a Leeds (2002), seguito da Chicago (2003), Brighton (2003), San Francisco (2004) e Birmingham (2005), 320×240 in Croazia (2003), Contact Europe a Berlino (2003). Inoltre, il festival Cimatics di Bruxelles dovrebbe essere accreditato come un evento pionieristico, con una prima edizione del festival nel 2002 completamente dedicata a VJing. Nel 2003, PixelAche, festival di arti mediatiche finlandesi, si è dedicato al tema del VJing, mentre nel 2003 il Chaos Computer Club di Berlino ha iniziato una collaborazione con gli organizzatori di AVIT che presentavano i filoni di VJ Camps e Congress. LPM – Live Performers Meeting è nato a Roma nel 2004, con l’obiettivo di offrire un vero spazio di incontro per artisti che spesso lavorano individualmente, un posto per incontrare i colleghi artisti VJ, scartare nuovi progetti e condividere tutte le esperienze, i software, le domande e le intuizioni relative a VJing. Da allora LPM è diventato uno dei principali incontri internazionali dedicati ad artisti, professionisti e appassionati di VJing, performance visive e video dal vivo, contando la sua 20a edizione nel 2019. Sempre in questo periodo (nel 2005 e 2007), gli artisti britannici Addictive TV hanno unito le loro forze con il British Film Institute per produrre Optronica, un evento crossover che mette in mostra spettacoli audiovisivi al cinema IMAX di Londra e BFI Southbank.
Due festival interamente dedicati a VJing, Mapping Festival a Ginevra e Vision’R a Parigi, hanno tenuto la loro prima edizione nel 2005. Quando sono emersi questi festival che hanno visto in primo piano i VJ come attori principali (o l’intero focus del festival), la scena del festival rave ha anche iniziato a includere regolarmente i VJ nelle loro formazioni sul palco principale con vari gradi di rilievo.
Eventi VJ oltre l’Europa
Il festival MUTEK (2000-oggi) a Montréal presentava regolarmente VJ insieme a spettacoli sperimentali di arte del suono, e successivamente anche l’Elektra Festival (2008-oggi) è emerso a Montréal e ha presentato molte esibizioni VJ. A Perth, in Australia, Byte Me! festival (2007) ha mostrato il lavoro di molti VJ dell’area del Pacifico a fianco di teorici dei nuovi media e professionisti del design.
Con minori finanziamenti, la scena statunitense ha ospitato più seminari e saloni che festival. Tra il 2000 e il 2006, Grant Davis (VJ Culture) e Jon Schwark di Dimension 7 hanno prodotto “Video Salon”, una riunione mensile periodica significativa per aiutare a stabilire ed educare una forte comunità di VJ a San Francisco, e hanno partecipato a VJ in California e negli Stati Uniti Stati. Inoltre, hanno prodotto un “Video RIOT!” Annuale (2003-2005) come una dichiarazione politica a seguito del RAVE Act (Riduzione della vulnerabilità degli americani all’ecstasy Act) del 2003; una dimostrazione di insoddisfazione per la rielezione di George W. Bush nel 2004; e in contrasto con un’ordinanza della città di San Francisco che limita le riunioni pubbliche nel 2005.
Diverse battaglie e competizioni VJ iniziarono ad emergere in questo periodo, come “SIGGRAPH VJ Battle” di Video Salon a San Diego (2003), la serie “AV Deathmatch” di Videocake a Toronto (2006) e le “VJ Contests” al Mapping Festival a Ginevra (2009). Funzionavano in modo molto simile a una tradizionale battaglia DJ in cui i VJ avrebbero avuto un certo lasso di tempo per mostrare i loro migliori mix e venivano giudicati in base a diversi criteri da una giuria di giudici.
Sviluppi tecnologici
La disponibilità e l’accessibilità economica della nuova tecnologia a livello di consumatore ha permesso a molte più persone di essere coinvolte in VJing. Il notevole aumento della potenza di elaborazione del computer reso disponibile ha facilitato configurazioni più compatte, ma spesso più complesse, a volte permettendo ai VJ di bypassare usando un mixer video, usando invece potenti computer che eseguono il software VJ per controllare il loro mixaggio. Tuttavia, molti videoregistratori continuano a utilizzare mixer video con più fonti, il che consente flessibilità per un’ampia gamma di dispositivi di input e un livello di sicurezza contro arresti anomali o rallentamenti nella riproduzione video a causa del sovraccarico della CPU dei computer a causa della natura esigente del tempo reale elaborazione video.
I VJ di oggi hanno una vasta scelta di prodotti hardware standardizzati, che coprono ogni aspetto delle prestazioni visive, inclusa la riproduzione di campioni video (Korg Kaptivator), effetti video in tempo reale (Korg Entrancer) e generazione visiva 3D.
L’uso diffuso di DVD ha dato l’iniziativa per i lettori DVD scratchable.
Molti nuovi modelli di controller MIDI sono diventati disponibili durante gli anni 2000, che consentono ai VJ di utilizzare controller basati su manopole, quadranti e cursori fisici, anziché interagire principalmente con l’interfaccia del computer mouse / tastiera.
Ci sono anche molti VJ che lavorano con approcci sperimentali a lavorare con video live. Gli ambienti di programmazione grafica open source (come Pure Data) vengono spesso utilizzati per creare interfacce software personalizzate per le prestazioni o per collegare dispositivi sperimentali al proprio computer per l’elaborazione di dati in tempo reale (ad esempio, l’unità di onde cerebrali con lettura EEG IBVA, il microprocessore Arduino, o giochi per bambini che piegano i circuiti).
La seconda metà di questo decennio ha visto anche un notevole aumento delle configurazioni di visualizzazione distribuite, tra cui tele widescreen, più proiezioni e video mappati sulla forma architettonica. Questo passaggio è stato sottolineato dalla transizione dalla tecnologia basata sulla trasmissione – fissata fino a questo decennio alle specifiche del rapporto d’aspetto 4×3 NTSC e PAL – alla tecnologia del settore informatico, dove le diverse esigenze di presentazione in ufficio, giochi immersivi e presentazione video aziendale hanno portato a diversità e abbondanza nei metodi di produzione. Rispetto al formato fisso ~ 640x480i di NTSC / PAL, un laptop moderno che utilizza DVI può produrre una grande varietà di risoluzioni fino a ~ 2500px di larghezza, e in combinazione con Matrox TripleHead2Go può alimentare tre diversi display con un’immagine coordinata su tutti.
operazione
I dischi DVJ sono DVD contenenti clip audio / video che il DVJ potrebbe voler riprodurre. La musica e il video sul disco possono essere tutto ciò che DVJ vuole, ma come nel mondo dei DJ, saranno spesso stili di musica elettronica. Oltre all’audio, che viene inviato al sistema di diffusione sonora, il video viene inviato a un videoproiettore o ad altre apparecchiature di visualizzazione. L’audio e il video nel disco sono sempre sincronizzati, indipendentemente dallo scratch, dal missaggio o da qualsiasi altra trasformazione effettuata dal DVJ. È stata una grande rivoluzione rispetto ad altri metodi di missaggio audio e video, dal momento che questi dovevano essere meticolosamente programmati in modo che il video seguisse sempre l’audio. Ciò spesso richiedeva la presenza di un secondo animatore per garantire il lato video, limitando le possibilità di improvvisazione da parte del DJ.
Oltre ai lettori DVJ (quasi tutti i DJ hanno due lettori che consentono loro di riprodurre i loro vinili, CD o DVD; alcuni hanno lettori aggiuntivi per riprodurre altri media; altri consentono anche di mescolare più fonti), DVJing richiede l’uso di audio e video mixer, consentendo al DVJ di scegliere le fonti audio e video e di mescolarle. Alcuni mixer consentono persino al DVJ di eseguire alcune semplici trasformazioni sul video. Mentre un mixer audio può gestire equalizzatori, volumi, effetti e dissolvenze incrociate, un mixer audio e video può anche gestire tonalità, saturazione, luminosità, nitidezza, nonché altri parametri che si possono trovare sui televisori, ad esempio. Consentono inoltre di effettuare vari tipi di transizioni tra i video clip, come dissolvenze, commutazione istantanea o dissolvenze del riquadro.
I mixer non sono nuovi nel mondo dell’intrattenimento in generale (si trovano più spesso negli studi televisivi o cinematografici) ma nel mondo dei DJ. La semplicità nell’uso dei lettori DVJ, con la possibilità, per il DVJ, di comporre, ha permesso al DVJing di guadagnare membri, principalmente DJ fortemente sollecitati da locali notturni e organizzatori di feste entusiaste. Tuttavia, poiché queste tecnologie sono molto recenti e ad alto costo, DVJing rimane una parte minore del mondo del club; un posto che utilizza queste tecnologie è Liquid Basildon, anche se sono riservati ai migliori DVJ come Sander Kleinenberg, Addictive TV, Christian S e Kel Sweeney. Ovviamente, quando queste tecnologie si democratizzano, i loro prezzi diminuiscono e possono infine equipaggiare animatori amatoriali. Le future innovazioni nel mixaggio video consentiranno al DVJ di effettuare manipolazioni video in tempo reale, come la polarizzazione,
attrezzatura
La configurazione classica del DVJ include due lettori, un mixer audio e un mixer video. Il lettore DVJ più popolare è il Pioneer DVJ-1000; un lettore DVD con una velocità di lettura superiore rispetto ai lettori DVD nel soggiorno e una memoria buffer che consente di eseguire salti o ritorni sulla traccia in lettura, il tutto associato a un design che imita un giradischi in vinile. Ruotando il vassoio, il DVJ può cercare rapidamente la canzone; aumentare o diminuire la velocità di riproduzione (intonazione) per impostare il brano con un altro brano; e con l’opzione “CDJ / Vinyl”, la possibilità di fare movimenti avanti e indietro nella canzone (il famoso effetto “scratch”).
Altre opzioni che traggono vantaggio dalla tecnologia digitale sono, ad esempio, loop, freeze frame, rallentatore, pausa / riproduzione istantanea (un giradischi richiede un leggero tempo per l’avvio o l’arresto). Nel 2004 un famoso DJ australiano, DJ J-red nato Jarrod Fox, ha iniziato a utilizzare questa tecnologia in uno stile di elenco a turni. J-red ha portato questa tecnologia ai Campionati Mondiali Internazionali della Federazione Turntablist nel 2005 a Praga, dove ha concluso per primo ed è diventato il campione sperimentale mondiale ITF, ma anche il primo DJ a includere video in una competizione globale di DJ.
Videonics è uno dei numerosi marchi che vendono mixer video. Questi dispositivi accettano solo più fonti video e le combinano in molti modi. Un’altra parte ricorrente della panoplia del DVJ è quella che viene chiamata lo switcher. Molti lettori digitali, CD o DVD, hanno l’opzione Fader-Start, che consente al fader di un mixer di chiedere al lettore di riprodurre la traccia. Con questi interruttori (lo switcher VSW-1 del marchio Pioneer DJ, ad esempio), gli effetti scratch video mostrano il tradizionale movimento di andata e ritorno che ascoltiamo in audio. Altri mixer audio e video offrono anche opzioni chroma-key, che consentono di eseguire i famosi “intarsi”. Videonics produce diversi mixer che offrono questa possibilità.
I DVJ possono riprodurre brani contenuti su DVD, con un determinato colore che può essere regolato sul mixer. Il mixer individuerà quindi questo colore e lo sostituirà con qualsiasi cosa DVJ possa scegliere. Spesso il DVJ utilizzerà una videocamera per filmare o fotografare il pubblico e sovrapporre l’immagine o il video su qualcos’altro per creare qualcosa di nuovo. Un esempio di mixer di fascia alta è il Pioneer SVM-1000, che ha schermi di anteprima, interruttori, effetti audio e video, tutti combinati in un mixer a quattro canali. Una configurazione standard può essere ottenuta con un mixer DJM-800 Pioneer, uno switcher VSW-1 Pioneer e una tripla schermata di anteprima. Questo tipo di configurazione richiede, tuttavia, l’uso di un gran numero di dischi che devono essere trasportati. Inoltre, la modifica dei dischi fa perdere tempo e corre il rischio che il DVJ si danneggi, a differenza di una configurazione con un computer.
A differenza delle configurazioni dei componenti, software come OtisAV DJ, PCDJ, VirtualDJ e Serato Scratch Live offrono tutti funzionalità di missaggio audio e video. Il video viene mixato dal computer, che può quindi essere collegato a un videoproiettore, eliminando la necessità di un mixer fisico. Il software trasforma il computer in un’unità all-in-one: lettori, mixer audio e video e schermata di anteprima. Lettori o giradischi in vinile possono essere utilizzati con i dischi di controllo (Time-code) per controllare il software e alcuni software possono essere controllati con controller MIDI, consentendo una configurazione più leggera e non dover acquistare mixer e lettori da tavolo. Per utilizzare questo sistema, i DVJ estraggono le loro tracce DVD, memorizzano nelle memorie USB, il che significa che c’è meno attrezzatura da trasportare.
Non solo questa soluzione è più pratica, ma è più economica; il software e un controller possono essere acquistati per poche centinaia di euro e possono essere utilizzati su qualsiasi computer abbastanza potente, mentre i lettori DVJ possono raggiungere alcune migliaia di euro. Anche la configurazione di un componente può essere più costosa di una configurazione con computer, software e memoria USB, soprattutto se si dispone di un computer abbastanza potente da non doverne acquistare un altro. il software e un controller possono essere acquistati per poche centinaia di euro e possono essere utilizzati su qualsiasi computer abbastanza potente, mentre i lettori DVJ possono raggiungere alcune migliaia di euro.
I sistemi che utilizzano un computer possono essere utilizzati solo con computer potenti che includono le più recenti schede grafiche, altrimenti la qualità del video potrebbe deteriorarsi, sussiste il rischio di latenza o addirittura crash, che può causare rischi per l’intera performance. Le impostazioni utilizzate per codificare e leggere i file sono molto importanti e possono influire sulla loro qualità, ma i metodi e gli standard di qualità attuali risolvono questo problema. Inoltre, dove le unità fisiche sono limitate alla risoluzione SD, software come Serato consente HD 720p, anche 1080p (anche se questo non è ancora tecnicamente supportato).
Il DJ usa le cuffie per preparare il brano successivo all’insaputa del pubblico. Un DVJ deve fare lo stesso con il video, che richiede diversi schermi. Con una configurazione componente, è necessario uno schermo video per ciascun lettore, così come un cavo splitter Y. Con una configurazione con computer, il computer deve avere almeno due uscite video: una con entrambe le sorgenti video e l’uscita video; l’altro con solo uscita video. Questo libera spazio nella cabina del DVJ, che altrimenti sarebbe occupata da tre schermate di anteprima, un controller e uno schermo di uscita. Man mano che emergono tecnologie, formati e risoluzioni migliori, questi sistemi possono essere aggiornati per renderli compatibili,
Impostazioni tecniche comuni
Un aspetto significativo di VJing è l’uso della tecnologia, che si tratti della riappropriazione di tecnologie esistenti destinate ad altri campi o della creazione di nuove e specifiche allo scopo di esibizioni dal vivo. L’avvento del video è un momento determinante per la formazione del VJ (video jockey).
Spesso usando un mixer video, i VJ mescolano e sovrappongono varie fonti video in una composizione in movimento dal vivo. Negli ultimi anni, i produttori di strumenti musicali elettronici hanno iniziato a produrre attrezzature speciali per VJing.
VJing è stato sviluppato inizialmente da artisti che utilizzano hardware video come videocamere, videoregistratori e monitor per trasmettere performance improvvisate con input dal vivo da telecamere e persino trasmettere TV mescolate con elementi preregistrati. Questa tradizione sopravvive con molti VJ che utilizzano una vasta gamma di hardware e software disponibili commercialmente o su misura per e dai VJ.
L’hardware VJ può essere suddiviso in categorie:
L’hardware di origine genera un’immagine video che può essere manipolata dal VJ, ad esempio videocamere e sintetizzatori video.
L’hardware di riproduzione riproduce un flusso video esistente da supporti di archiviazione su disco o su nastro, ad esempio lettori di nastri VHS e lettori DVD.
Il mixaggio dell’hardware consente la combinazione di più flussi di video, ad esempio un mixer video o un computer che utilizza il software VJ.
L’hardware degli effetti consente di aggiungere effetti speciali al flusso video, ad es. Unità di correzione del colore
L’hardware di uscita serve per visualizzare il segnale video, ad es. Videoproiettore, display a LED o schermo al plasma.
Esistono molti tipi di software che VJ può utilizzare nel loro lavoro, strumenti di produzione NLE tradizionali come Adobe Premiere, After Effects e Final Cut Pro di Apple vengono utilizzati per creare contenuti per gli spettacoli VJ. Il software di performance specializzato viene utilizzato da VJ per riprodurre e manipolare video in tempo reale.
Il software per prestazioni VJ è molto diversificato e include software che consente a un computer di sostituire il ruolo di un mixer video analogico e di trasmettere video attraverso tele estese composte da più schermi o proiettori. Le piccole aziende che producono software VJ dedicato come Modul8 e Magic offrono a VJ un’interfaccia sofisticata per l’elaborazione in tempo reale di più strati di videoclip combinati con input di telecamere live, offrendo a VJ una soluzione completa pronta all’uso in modo che possano semplicemente caricare il contenuto e eseguire. Alcuni titoli popolari emersi durante gli anni 2000 includono Resolume, NuVJ.
Alcuni VJ preferiscono sviluppare software da soli specificatamente per adattarsi al proprio stile di prestazioni. Ambienti di programmazione grafica come Max / MSP / Jitter, Isadora e Pure Data sono stati sviluppati per facilitare lo sviluppo rapido di tali software personalizzati senza la necessità di anni di esperienza nella programmazione.
Flussi di lavoro di esempio
Esistono molti tipi di configurazioni hardware e software che un VJ può utilizzare per eseguire.
Ricerca e pensiero riflessivo
Diversi progetti di ricerca sono stati dedicati alla documentazione e allo studio di VJing dal punto di vista riflessivo e teorico. Tavole rotonde, conferenze, presentazioni e discussioni fanno parte di festival e conferenze legati all’arte dei nuovi media, come ad esempio ISEA e Ars Electronica, nonché specificamente legati a VJing, come nel caso del Mapping Festival. Lo scambio di idee attraverso il dialogo ha contribuito allo spostamento della discussione da questioni relative alle praticità della produzione a idee più complesse, al processo e al concetto. I temi legati a VJing sono, ma non esclusivamente: identità e persona (individuale e collettiva), il momento come arte, partecipazione del pubblico, autore, reti, collaborazione e narrativa. Attraverso progetti collaborativi,
Pubblicazioni periodiche, online e stampate, hanno pubblicato numeri speciali su VJing. Questo è il caso della rivista stampata AMinima, con un numero speciale su Live Cinema (che presenta opere di VJs) e Vague Terrain (una rivista di nuovi media online), con il numero The Rise of the VJ.
Proiezione assistita da computer
Il computer è stato lo strumento preferito dai VJ sin dalla fine degli anni ’90, anche se altre pratiche come l’uso delle diapositive sono ancora attuali, specialmente per le medicazioni che consentono soprattutto all’esterno.
Questo massiccio uso del computer ha permesso lo sviluppo di grandi comunità sul web che sono all’origine di molte riflessioni sulla scena VJ e sul suo futuro e che hanno consentito l’istituzione di numerosi cicli di festival come AVIT o Contact-Europe.
formati
Il software consente la maggior parte dei formati, possono essere suddivisi in due grandi categorie:
immagini digitali tradizionali, che includono tutti i tipi di codifica per immagini e video;
immagini generate al computer che includono il formato Flash, 3D ma anche la generazione di frattali.
Il VJ può scegliere di lavorare con un solo tipo di immagine tanto quanto mescolandoli tutti.
Software
Tutto esiste, dal più semplice al più tecnico.
Software con analisi del suono: per la maggior parte si tratta di plug-in aggiunti al software di editing audio che consentono di eseguire in sequenza casuale sequenze predeterminate o non predefinite con rilevamento automatico di BPM.
Mixer video virtuali: sono software che ricreano uno studio di editing virtuale – più o meno tecnico a seconda del software – quindi questi software consentono il missaggio tra diversi canali video.
Sintetizzatori visivi virtuali: si tratta di un software con funzioni avanzate e tecniche che consente di assegnare determinate funzioni a determinati tasti della tastiera del computer al fine di creare una sorta di “tastiera visiva” che potrebbe essere riassunta in modo semplicistico da “I premere un tasto, innesco un video “.
Hardware
Anche lì, i progressi tecnologici hanno fatto molto e ora possiamo collegare quasi tutto su un computer e quindi controllarlo con una tastiera midi come con un joystick (joystick, in Quebec), tramite mixer o per il montaggio o per i deck di CD virtuali.
Alcuni software funzionano su lettori multimediali portatili, offrendo così un’alternativa al computer.
Costi e vincoli dell’attrezzatura
Il costo dipende dagli obiettivi e dai mezzi disponibili: le apparecchiature video professionali rimangono costose.
Per iniziare, hai bisogno di un computer con uscita video (preferibilmente portatile), software di immagini (ce ne sono tanti per Mac come per Windows) e una TV per vedere il risultato.
I videoproiettori stanno diventando più convenienti, ma spesso rimangono insufficienti per i grandi cinema. Una soluzione è di affittarli in base alle circostanze. Si ritiene che per gli spettacoli notturni, i proiettori possano fornire tra 2.000 e 50.000 lumen a seconda delle dimensioni degli schermi e della luce ambientale.
L’ideale è anche avere una videocamera e un software di editing per creare i propri loop.
Un passaggio aggiuntivo richiede l’acquisizione di una superficie di controllo (midi o DMX) per ordinare il suo software in tempo reale.
Quindi arriviamo al lettore DVD e ad altre fonti video esterne, mixer video, effetti video, un secondo computer, diverse videocamere da palco, schermi, ecc.
Nel 2008, il budget iniziale era compreso tra 300 e 600 € per le nuove attrezzature e la metà per l’occasione.
Dibattito ricorrente
Dall’avvento del computer come strumento di scelta e fatto, delle comunità che ha permesso di emergere, molte riflessioni sono arrivate per alimentare la scena di VJ e abbiamo potuto sintetizzarle in un unico dibattito, ovvero a favore o contro la presenza di significato nei mix visivi.
Sostenendo una professionalizzazione della scena, alcuni VJ pongono il significato come un punto essenziale di una qualità complessiva del mix, considerata nel suo insieme e da un punto di vista narrativo.
Al contrario, altri VJ difendono l’idea che, essendo nata principalmente dalla scena tecnologica che svuota le sue composizioni di significato per lasciare la libertà a tutti di collocare il significato che volevano, la scena VJ deve continuare su questa linea di guida.
Infine, all’interno del dibattito sul significato, altri dibattiti si mescolano, alcuni VJ si designano come Politico-VJ con l’ambizione di trasformare il club in un media da cui riflessioni sociali e, per estensione, un tessuto sociale più forte usando loop con un forte politico connotazione all’interno del loro mix video.
Collegi
Oltre al dibattito ricorrente sulla presenza di significato o meno nei mix visivi, ci sono alcune “grandes écoles”, ognuna con logicamente software e hardware scelti, per non dire apertamente dedicati.
VJ-DJ: ci avviciniamo il più possibile all’approccio DJ: il DJ si mescola con due tracce, quindi il VJ si mescola con almeno due fonti (tutte le fonti sono possibili, dal mixare più VJ per i più tecnici a diversi videoregistratori per il semplice).
VJ-videographer artist: ci avviciniamo a una creazione artistica molto più di una veste visiva. Le sequenze utilizzate sono originali e il servizio si basa più sulla creazione effettiva degli elementi visivi che nel mix visivo.
VJ-visucien: ci stiamo avvicinando all’approccio degli spettacoli dal vivo nella musica, vale a dire la creazione assistita dal computer in tempo reale. Il servizio si basa molto di più sul concetto di tempo reale e quindi sull’adattabilità del mix. Ciò consente l’interazione con altri artisti, ad esempio musicisti, ballerini o poeti improvvisati.
È possibile associare mixer video analogici o basati su computer, computer con interfacce di controllo (possibilmente collegati in cluster) che producono video, videoregistratori e telecamere.
VJ-developer / designer: sviluppi il tuo strumento, sia che si tratti della progettazione di mix hardware o della progettazione di software dedicato.
Il concetto di strumento video è attualmente in fase di sviluppo e notiamo ricerche su: la modifica / alterazione di generatori video (vecchie console di gioco, telecamere, videoregistratori, ecc.) Mediante cortocircuiti o flussi di corrente non pianificati, controllati mediante potenziometri, fader o vari sensori.
Il design di interfacce tangibili (touchscreen localizzati e / o cellulari + soluzione software) che possono essere adattati al video.
La costruzione di strumenti video meccanici, basati su lampade variabili, filtri meccanici, livelli di animazione e una mini videocamera per garantire l’amplificazione.
Qualunque sia la scuola, il lavoro di VJ è un lavoro che viene svolto soprattutto in anticipo, tanto nella ricerca quanto nella propria creazione degli oggetti visivi o degli strumenti.
Artista e ingegnere
Il VJ dovrebbe essere visto non solo come un artista, ma anche come un tecnico. Qualunque sia il mezzo e le tecniche di proiezione che ha scelto, è responsabile del corretto funzionamento della sua attrezzatura e quindi necessariamente in grado di ripararla il più rapidamente possibile. Deve essere in grado di adattarsi a vari vincoli tecnici. Deve anche essere in grado di sviluppare le attrezzature necessarie per il mix video: creazione di loop video, acquisizione video, campionamento video, creazione di animazioni, creazione di immagini fisse, manipolazione di telecamere in tempo reale.
Le esibizioni di VJing si possono trovare in luoghi diversi come concerti, spettacoli, night club, gallerie d’arte, fiere, eventi, spettacoli teatrali, ecc. I servizi spaziano da performance artistiche effimere e uniche a clip pubblicitarie.
pubblicazioni
Database di contenuti visivi e documentazione promozionale sono diventati disponibili su formati DVD e online attraverso siti Web personali e attraverso grandi database, come “Prelinger Archives” su Archive.org. Molti VJ hanno iniziato a pubblicare set di loop di video digitali su vari siti Web sotto licenza Public Domain o Creative Commons per altri VJ da utilizzare nei loro mix, come la collezione “Design of Signage” di Tom Bassford (2006), “79 VJ Loops” di Analog Recycling (2006) ), “Vintage Fairlight Clips” di VJzoo (2007) e “57 V.2” di Mo Selle (2007).
Iniziarono ad emergere DVD promozionali e basati sul contenuto, come i lavori della serie televisiva inglese ITV1 Mixmasters (2000-2005) prodotti da Addictive TV, Lightrhythm Visuals (2003), Visomat Inc. (2002) e Pixdisc, tutti i quali incentrato sui creatori visivi, gli stili e le tecniche VJ. Questi sono stati successivamente seguiti da NOTV, Atmospherix e altre etichette. Mia Makela ha curato una raccolta di DVD per Mediateca del Caixa Forum intitolata “LIVE CINEMA” nel 2007, concentrandosi sulla pratica gemella emergente del “cinema dal vivo”. Singoli VJ e collettivi hanno anche pubblicato DVD e CD-ROM del loro lavoro, tra cui il mix di video bootleg di Eclectic Method (2002) e “We Not Not VJs” di Eclectic Method (2005), così come il “DVD2” di eyewash (2004) e il loro “DVD3” (2008).
Iniziarono ad apparire libri che riflettevano sulla storia, gli aspetti tecnici e le questioni teoriche, come “The VJ Book: Ispirazioni e consigli pratici per la performance di Visual Visuals” (Paul Spinrad, 2005), “VJ: Audio-Visual Art e VJ Culture” (Michael Faulkner e D-Fuse, 2006), “vE-jA: Art + Technology of Live Audio-Video” (Xárene Eskandar, 2006) e “VJ: Live Cinema Unraveled” (Tim Jaeger, 2006). L’argomento della collaborazione VJ-DJ ha anche iniziato a diventare un argomento di interesse per coloro che studiavano nel campo dell’interazione accademica uomo-computer (HCI).