La pittura cinese è una delle più antiche tradizioni artistiche continue del mondo. La pittura in stile tradizionale è oggi conosciuta in cinese come guóhuà (cinese: 國畫), che significa “nazionale” o “pittura nativa”, in contrasto con gli stili occidentali dell’arte che divenne popolare in Cina nel 20 ° secolo. La pittura tradizionale coinvolge essenzialmente le stesse tecniche della calligrafia e viene eseguita con un pennello intinto in inchiostro nero o pigmenti colorati; gli oli non sono usati Come per la calligrafia, i materiali più popolari su cui vengono realizzati i dipinti sono la carta e la seta. I lavori finiti possono essere montati su pergamene, come pergamene appese o handscroll. La pittura tradizionale può essere eseguita anche su fogli di album, pareti, oggetti in lacca, schermi pieghevoli e altri supporti.

Le due tecniche principali nella pittura cinese sono:

Gongbi (工筆), che significa “meticoloso”, utilizza pennellate molto dettagliate che delimitano i dettagli in modo molto preciso. Spesso è molto colorato e di solito rappresenta soggetti figurativi o narrativi. È spesso praticato da artisti che lavorano per la corte reale o in laboratori indipendenti.

Inchiostro e lava la pittura, in cinese shui-mo (水墨, “acqua e inchiostro”) anche vagamente definito acquerello o pennello, e noto anche come “pittura letterati”, in quanto era una delle “Quattro Arti” dello studioso cinese Classe ufficiale In teoria si trattava di un’arte praticata da gentiluomini, una distinzione che comincia a essere fatta negli scritti sull’arte della dinastia Song, anche se in realtà le carriere di esponenti di punta potrebbero trarne notevoli benefici. Questo stile viene anche chiamato “xieyi” (寫意) o stile a mano libera.

La pittura di paesaggio era considerata la più alta forma di pittura cinese, e generalmente lo è ancora. Il periodo che va dal periodo delle Cinque Dinastie al periodo della Canzone del Nord (907-1127) è noto come la “Grande età del paesaggio cinese”. Nel nord, artisti come Jing Hao, Li Cheng, Fan Kuan e Guo Xi dipinsero quadri di montagne imponenti, usando forti linee nere, inchiostro lavato e pennellate affilate e punteggiate per suggerire la pietra grezza. Nel sud, Dong Yuan, Juran e altri artisti dipinsero le dolci colline e i fiumi della loro campagna natale in scene pacifiche fatte con pennellate più morbide e levigate. Questi due tipi di scene e tecniche divennero gli stili classici della pittura di paesaggio cinese.

Specifiche e studio
La pittura cinese e la calligrafia si distinguono dalle arti di altre culture enfatizzando il movimento e il cambiamento con la vita dinamica. La pratica è tradizionalmente prima appresa a memoria, in cui il maestro mostra la “via giusta” per disegnare oggetti. L’apprendista deve copiare questi oggetti rigorosamente e continuamente fino a quando i movimenti diventano istintivi. Nei tempi contemporanei, il dibattito è emerso sui limiti di questa tradizione copista all’interno di scene d’arte moderna in cui l’innovazione è la regola. Cambiare stile di vita, strumenti e colori influenzano anche le nuove ondate di maestri.

Primi periodi
I primi dipinti non erano rappresentativi ma ornamentali; consistevano in modelli o disegni piuttosto che in immagini. La ceramica antica era dipinta con spirali, zigzag, punti o animali. Fu solo durante il periodo degli Stati Combattenti (475-221 aC) che gli artisti iniziarono a rappresentare il mondo intorno a loro. In epoca imperiale (a cominciare dalla dinastia Jin orientale), la pittura e la calligrafia in Cina erano tra le arti più apprezzate della corte e venivano spesso praticate da dilettanti-aristocratici e funzionari eruditi, che avevano il tempo libero necessario per perfezionare tecnica e sensibilità necessarie per una grande pennellata. La calligrafia e la pittura erano considerate le più pure forme d’arte. Gli strumenti erano la penna a spazzola fatta di peli di animali e gli inchiostri neri fatti di fuliggine di pino e colla animale. Nei tempi antichi, la scrittura e la pittura erano fatte su seta. Tuttavia, dopo l’invenzione della carta nel I secolo dC, la seta fu gradualmente sostituita dal nuovo materiale più economico. Gli scritti originali di famosi calligrafi sono stati molto apprezzati nella storia della Cina e sono montati su pergamene e appesi alle pareti nello stesso modo in cui sono dipinti.

Gli artisti delle dinastie Han (206 aC – 220 dC) ai Tang (618-906) dipinsero principalmente la figura umana. Molto di ciò che sappiamo della pittura figurativa cinese antica proviene da siti di sepoltura, dove sono stati conservati dipinti su bandiere di seta, oggetti laccati e pareti tombali. Molti primi dipinti di tombe avevano lo scopo di proteggere i morti o aiutare le loro anime a raggiungere il paradiso. Altri hanno illustrato gli insegnamenti del filosofo cinese Confucio o hanno mostrato scene della vita quotidiana.

Durante il periodo delle Sei Dinastie (220-589), la gente cominciò ad apprezzare la pittura per la sua bellezza e per scrivere di arte. Da questo momento iniziamo a conoscere i singoli artisti, come Gu Kaizhi. Anche quando questi artisti hanno illustrato temi morali confuciani – come il comportamento corretto di una moglie a suo marito o dei figli ai loro genitori – hanno cercato di rendere le figure aggraziate.

Sei principi
I “Sei principi della pittura cinese” furono fondati da Xie He, scrittore, storico dell’arte e critico nel V secolo in Cina, in “Sei punti da considerare quando si giudica un dipinto” (繪畫 六法), tratto dalla prefazione al suo libro ” Il record della classificazione dei vecchi pittori “(古畫 品 錄). Tieni presente che questo è stato scritto intorno al 550 CE e si riferisce a pratiche “antiche” e “antiche”. I sei elementi che definiscono un dipinto sono:

“Spirit Resonance”, o vitality, che si riferisce al flusso di energia che comprende tema, lavoro e artista. Xie Ha detto che senza Spirit Resonance, non c’era bisogno di guardare oltre.

“Metodo dell’osso”, o il modo di usare il pennello, si riferisce non solo alla trama e al tratto del pennello, ma allo stretto legame tra scrittura e personalità. Ai suoi tempi, l’arte della calligrafia era inseparabile dalla pittura.

“Corrispondenza all’oggetto” o rappresentazione della forma, che includerebbe forma e linea.

“Idoneità al tipo” o all’applicazione del colore, inclusi livelli, valore e tono.

“Divisione e pianificazione”, o disposizione e disposizione, corrispondenti a composizione, spazio e profondità.

“Trasmissione per copia”, o la copia di modelli, non solo dalla vita ma anche dalle opere dell’antichità.

Dinastie Sui e Tang (581-907)
Durante la dinastia Tang, la pittura figurativa prosperò presso la corte reale. Artisti come Zhou Fang dipinsero lo splendore della vita di corte in dipinti di imperatori, signore del palazzo e cavalli imperiali. La pittura figurativa raggiunse l’apice del realismo elegante nell’arte della corte di Tang del Sud (937-975).

La maggior parte degli artisti Tang delineava figure con sottili linee nere e usava colori brillanti e dettagli elaborati. Tuttavia, un artista Tang, il maestro Wu Daozi, usava solo inchiostro nero e pennellate liberamente per creare dipinti ad inchiostro che erano così eccitanti che la folla si radunava per vederlo lavorare. Da quel momento in poi, i dipinti ad inchiostro non erano più considerati schizzi preliminari o contorni da riempire di colore. Invece, sono stati valutati come opere d’arte finite.

A partire dalla dinastia Tang, molti dipinti erano paesaggi, spesso dipinti shanshui (山水, “acqua di montagna”). In questi paesaggi, monocromatici e sparsi (uno stile chiamato collettivamente shuimohua), lo scopo non era riprodurre esattamente l’aspetto della natura (realismo), ma piuttosto cogliere un’emozione o un’atmosfera, come se si trattasse del “ritmo” della natura.

Dinastie Liao, Song, Jin e Yuan (907-1368)
La pittura durante la dinastia Song (960-1279) raggiunse un ulteriore sviluppo della pittura di paesaggi; distanze incommensurabili sono state trasmesse attraverso l’uso di contorni sfocati, i contorni delle montagne scomparsi nella nebbia e il trattamento impressionistico dei fenomeni naturali. Il dipinto di stile shan shui – “shan” che significa montagna, e “shui” che significa fiume – divenne prominente nell’arte paesaggistica cinese. L’enfasi posta sul paesaggio era basata sulla filosofia cinese; Il taoismo sottolineava che gli umani erano solo minuscoli punti nel vasto e più vasto cosmo, mentre gli scrittori neo-confuciani spesso perseguivano la scoperta di modelli e principi che credevano causassero tutti i fenomeni sociali e naturali. La pittura di ritratti e oggetti visti da vicino come uccelli sui rami era tenuta in grande considerazione, ma la pittura di paesaggio era fondamentale. All’inizio della dinastia Song era emerso un particolare stile paesaggistico. Gli artisti padroneggiavano la formula di scene complesse e realistiche poste in primo piano, mentre lo sfondo conservava qualità di spazio vasto e infinito. Distanti cime montuose si alzano dalle nuvole alte e dalla nebbia, mentre i fiumi in streaming corrono da lontano in primo piano.

C’era una differenza significativa nella tendenza della pittura tra il periodo della canzone del Nord (960-1127) e il periodo della canzone del sud (1127-1279). I dipinti dei funzionari di Northern Song furono influenzati dai loro ideali politici di portare ordine nel mondo e di affrontare le maggiori questioni che riguardano l’intera società; i loro dipinti raffiguravano spesso paesaggi enormi e ampi. D’altra parte, i funzionari della Southern Song erano più interessati a riformare la società dal basso verso l’alto e su una scala molto più piccola, un metodo che ritenevano avesse una migliore possibilità di successo; i loro dipinti si concentravano spesso su scene più piccole, visivamente più vicine e più intime, mentre lo sfondo veniva spesso descritto come privo di dettagli come un regno senza preoccuparsi dell’artista o dello spettatore. Questo cambiamento di atteggiamento da un’epoca all’altra derivò in gran parte dalla crescente influenza della filosofia neoconfuciana. I seguaci del Neoconfucianesimo si sono concentrati sulla riforma della società dal basso verso l’alto, non dall’alto verso il basso, che può essere vista nei loro sforzi per promuovere piccole accademie private durante la canzone del Sud invece che nelle grandi accademie controllate dallo stato nell’era della canzone del Nord.

Sin dalle dinastie del sud e del nord (420-589), la pittura era diventata un’arte di alta raffinatezza che era associata alla classe della gentry come uno dei loro principali passatempi artistici, mentre gli altri erano calligrafia e poesia. Durante la Dinastia Song c’erano appassionati collezionisti d’arte che si incontravano spesso in gruppi per discutere i loro dipinti, oltre a votare quelli dei loro colleghi e amici. Il poeta e statista Su Shi (1037-1101) e il suo complice Mi Fu (1051-1107) spesso partecipavano a questi affari, prendendo in prestito opere d’arte per studiare e copiare, o se davvero ammiravano un pezzo, spesso veniva proposto uno scambio. Hanno creato un nuovo tipo di arte basato sulle tre perfezioni in cui hanno utilizzato le loro abilità in calligrafia (l’arte della scrittura bella) per realizzare dipinti ad inchiostro. Dal loro momento in poi, molti pittori si sono sforzati di esprimere liberamente i loro sentimenti e di catturare lo spirito interiore del loro soggetto invece di descriverne l’aspetto esteriore. I piccoli dipinti rotondi popolari nella canzone del sud venivano spesso raccolti in album poichè i poeti scrivevano poesie sul lato per abbinare il tema e l’umore del dipinto.

Sebbene fossero avidi collezionisti d’arte, alcuni studiosi di Song non apprezzavano prontamente le opere commissionate da quei pittori che si trovavano nei negozi o nei mercati comuni, e alcuni studiosi criticavano persino artisti di rinomate scuole e accademie. Anthony J. Barbieri-Low, professore di Storia della Cina antica presso l’Università della California, Santa Barbara, sottolinea che l’apprezzamento per l’arte da parte degli allievi di Song non è stato esteso a coloro che si guadagnavano da vivere semplicemente come artisti professionisti:

Durante la canzone del Nord (960-1126 DC), emerse una nuova classe di artisti-eruditi che non possedevano le abilità di tromp l’œil dei pittori dell’Accademia e nemmeno l’abilità dei comuni pittori del mercato. La pittura dei letterati era più semplice ea tratti piuttosto scolarizzata, eppure criticavano questi altri due gruppi come semplici professionisti, poiché si affidavano a commissioni pagate per il loro sostentamento e non dipingevano semplicemente per il godimento o l’auto-espressione. Gli studiosi-artisti consideravano che i pittori che si concentravano su rappresentazioni realistiche, che utilizzavano una tavolozza colorata, o, peggio di tutto, chi accettava pagamenti monetari per il loro lavoro non erano migliori dei macellai o dei calderai sul mercato. Non dovevano essere considerati veri artisti.

Tuttavia, durante il periodo Song, c’erano molti pittori di corte acclamati ed erano molto apprezzati dagli imperatori e dalla famiglia reale. Uno dei più grandi pittori paesaggisti a cui fu dato il patrocinio dalla corte del canto fu Zhang Zeduan (1085-1145), che dipinse l’originale Lungo il fiume durante il rotolo del Festival di Qingming, uno dei capolavori dell’arte visiva cinese più noti. L’imperatore Gaozong of Song (1127-1162) commissionò un progetto d’arte di numerosi dipinti per i Dici di un flauto nomade, basato sul poeta donna Cai Wenji (177-250 d.C.) della prima dinastia Han. Yi Yuanji ha raggiunto un alto grado di realismo nel dipingere animali, in particolare scimmie e gibboni. Durante il periodo della canzone del sud (1127-1279), pittori di corte come Ma Yuan e Xia Gui usavano forti pennellate nere per disegnare alberi e rocce e lavaggi chiari per suggerire lo spazio nebbioso.

Durante la dinastia mongola Yuan (1271-1368), i pittori si unirono alle arti della pittura, della poesia e della calligrafia inscrivendo poesie sui loro dipinti. Queste tre arti hanno lavorato insieme per esprimere i sentimenti dell’artista più completamente di quanto un’arte potesse fare da sola. L’imperatore Yuan Tugh Temur (1328-1329-1332) amava la pittura cinese e divenne egli stesso un pittore credibile.

Tarda Cina imperiale (1368-1895)
A partire dal XIII secolo, la tradizione di dipingere soggetti semplici – un ramo con frutta, alcuni fiori o uno o due cavalli – si sviluppò. La pittura narrativa, con una gamma di colori più ampia e una composizione molto più impegnata rispetto ai dipinti di Song, fu immensamente popolare durante il periodo Ming (1368-1644).

I primi libri illustrati con xilografie colorate apparvero in questo periodo; perfezionate le tecniche di stampa a colori, iniziarono a essere pubblicati i manuali illustrati sull’arte della pittura. Jieziyuan Huazhuan (Manuale del giardino dei semi di senape), un lavoro in cinque volumi pubblicato per la prima volta nel 1679, è stato utilizzato da allora come manuale tecnico per artisti e studenti.

Alcuni pittori della dinastia Ming (1368-1644) continuarono le tradizioni degli eruditi pittori Yuan. Questo gruppo di pittori, noto come Wu School, era guidato dall’artista Shen Zhou. Un altro gruppo di pittori, noto come Zhe School, rianimò e trasformò gli stili della corte di Song.

Durante la prima dinastia Qing (1644-1911), pittori noti come individualisti si ribellarono a molte delle tradizionali regole della pittura e trovarono il modo di esprimersi più direttamente attraverso il pennello libero. Nei secoli XVIII e XIX, grandi città commerciali come Yangzhou e Shanghai divennero centri d’arte dove ricchi mercanti-mecenati incoraggiavano gli artisti a produrre audaci nuove opere.

Tra la fine del XIX e il XX secolo, i pittori cinesi furono sempre più esposti all’arte occidentale. Alcuni artisti che hanno studiato in Europa hanno rifiutato la pittura cinese; altri hanno cercato di combinare il meglio di entrambe le tradizioni. Tra i pittori moderni più amati c’era Qi Baishi, che iniziò la sua vita da povero contadino e divenne un grande maestro. Le sue opere più famose raffigurano fiori e piccoli animali.

Pittura moderna
A partire dal nuovo movimento culturale, gli artisti cinesi hanno iniziato ad adottare le tecniche occidentali. Famosi artisti cinesi che hanno studiato la pittura occidentale comprendono Li Tiefu, Yan Wenliang, Xu Beihong, Lin Fengmian, Fang Ganmin e Liu Haisu.

Nei primi anni della Repubblica popolare cinese, gli artisti furono incoraggiati ad impiegare il realismo socialista. Qualche realismo socialista dell’Unione Sovietica fu importato senza modifiche e ai pittori furono assegnati oggetti e ci si aspettava che producessero opere di massa. Questo regime fu considerevolmente rilassato nel 1953 e, dopo la Campagna dei Cento Fiori del 1956-57, la pittura tradizionale cinese ebbe un significativo risveglio. Insieme a questi sviluppi nei circoli artistici professionali, c’è stata una proliferazione di arte contadina raffigurante la vita quotidiana nelle aree rurali sui murales e nelle mostre di pittura all’aperto.

Dal 1978
Dopo la Rivoluzione culturale, le scuole d’arte e le organizzazioni professionali sono state reintegrate. Sono stati organizzati scambi con gruppi di artisti stranieri e artisti cinesi hanno iniziato a sperimentare nuove materie e tecniche. Un caso particolare di stile a mano libera (xieyi hua) si può notare nel lavoro del bambino prodigio Wang Yani (nato nel 1975) che ha iniziato a dipingere all’età di 3 anni e da allora ha notevolmente contribuito all’esercizio dello stile nell’opera d’arte contemporanea.

Dopo la riforma economica cinese, sempre più artisti hanno coraggiosamente condotto innovazioni nella pittura cinese. Le innovazioni includono: sviluppo di nuove abilità di spazzolamento come spruzzi d’acqua di direzione verticale e inchiostro, con l’artista rappresentativo Tiancheng Xie, creazione di un nuovo stile mediante l’integrazione di tecniche di pittura tradizionali cinesi e occidentali come Heaven Style Painting, con l’artista rappresentativo Shaoqiang Chen e nuove stili che esprimono il tema contemporaneo e la scena della natura tipica di alcune regioni come Lijiang Painting Style, con l’artista rappresentativo Gesheng Huang. Una serie di dipinti del 2008 di Cai Jin, la più nota per il suo uso di colori psichedelici, ha mostrato influenze sia delle fonti occidentali che di quelle tradizionali cinesi, sebbene i dipinti fossero astrazioni organiche.