Il Chiaroscuro è una tecnica di pittura ad olio, sviluppata durante il Rinascimento, che utilizza forti contrasti tonali tra luce e buio per modellare forme tridimensionali, spesso con effetti drammatici. Il principio di fondo è che la solidità della forma viene raggiunta al meglio dalla luce che cade contro di essa. Artisti noti per lo sviluppo della tecnica includono Leonardo da Vinci, Caravaggio e Rembrandt. È un pilastro della fotografia in bianco e nero e low-key.
Il chiaroscuro, su un’immagine bidimensionale, come un muro, un pannello, una tela, una stampa fotografica su carta, dà l’illusione del rilievo, i volumi imitando gli effetti che la luce produce su questi volumi nello spazio reale. La modellazione, questa rappresentazione dei volumi, può essere fatta con altri mezzi oltre al chiaroscuro, come nel Medioevo.
Con il chiaroscuro, le parti più o meno illuminate sono chiare o all’ombra. A seconda della superficie illuminata, liscia o angolare e se questa luce è più morbida o più luminosa, se l’ombra è più profonda oi contrasti più intensi, il chiaroscuro produce transizioni impercettibili, più ordinate o più brusche e scatti giustapposti, la luminosità generale può essere chiari o oscuri. Ciò consiste, in generale, nell’esecuzione di gradazioni di colore scuro su un mezzo più o meno chiaro ma a volte, al contrario, da colori chiari su un supporto scuro. Questo processo è quindi diverso da un’immagine ottenuta dal contorno o dalla silhouette.
Il processo del chiaroscuro era praticato nella pittura dell’antica Grecia, almeno alla fine del IV secolo aC, con la pittura ellenistica. Il chiaroscuro viene nuovamente utilizzato con precisione sin dagli inizi del Rinascimento. Ma è Caravaggio a sviluppare la pratica, anche nelle arti del disegno, dell’incisione o della pittura. A partire dagli anni Quaranta dell’Ottocento, la fotografia offrì all’artista nuovi modi di usare il chiaroscuro in “bianco e nero”, poi a colori. Per estensione, la natura di uno spazio più o meno illuminato, nel cinema o nel teatro, può dare l’opportunità di un’opera sul chiaroscuro, come quando il pittore o fotografo sceglie e compone lo spazio che desidera riprodurre o creare .
Il Chiaroscuro nasce durante il Rinascimento come disegno su carta colorata, dove l’artista ha lavorato dal tono di base della carta alla luce usando la tempera bianca, e al buio usando inchiostro, colore del corpo o acquerello. Questi a loro volta attingevano tradizioni in manoscritti miniati risalenti ai tardi manoscritti romani imperiali su pergamena tinta di viola. Tali opere si chiamavano “disegni di chiaroscuro”, ma sono più spesso descritte nella moderna terminologia museale con formule come “penna su carta preparata, accresciuta con il colore bianco del corpo”. Le xilografie del Chiaroscuro sono iniziate come imitazioni di questa tecnica. Quando si parla di arte italiana, il termine a volte è usato per indicare immagini dipinte in bianco e nero oa due colori, più generalmente conosciute in inglese dall’equivalente francese, grisaille. Il termine si è ampliato fin dall’inizio per coprire tutti i forti contrasti nell’illuminazione tra aree chiare e scure nell’arte, che ora è il significato principale.
L’uso più tecnico del termine chiaroscuro è l’effetto della modellazione della luce in pittura, disegno o incisione, in cui il volume tridimensionale è suggerito dalla gradazione del colore e dalla divisione analitica delle forme di luce e ombra, spesso chiamata “ombreggiatura” . L’invenzione di questi effetti in Occidente, “skiagraphia” o “pittura-ombra” agli antichi greci, è stata tradizionalmente attribuita al famoso pittore ateniese del V secolo aC, Apollodoro. Anche se pochi dipinti del periodo greco antico sopravvivono, la loro comprensione dell’effetto della modellazione della luce è ancora visibile nei mosaici di Pella, in Macedonia, risalenti alla fine del IV secolo aC, in particolare nel mosaico di Stag Hunt, nella Casa del Ratto di Elena, con iscrizioni gnosis epoesen, o “conoscenza lo ha fatto”.
La tecnica sopravvisse anche in forma standardizzata piuttosto rozza nell’arte bizantina e fu raffinata di nuovo nel Medioevo per diventare standard all’inizio del XV secolo nella pittura e nell’illuminazione dei manoscritti in Italia e nelle Fiandre, per poi estendersi a tutta l’arte occidentale.
La pittura raffaellesca illustrata, con luce proveniente dalla sinistra, dimostra sia la delicata modellistica del chiaroscuro per dare volume al corpo della modella, sia il forte chiaroscuro nel senso più comune, nel contrasto tra il modello ben illuminato e lo sfondo molto scuro di fogliame A complicare ulteriormente le cose, tuttavia, il chiaroscuro composizionale del contrasto tra modello e sfondo probabilmente non sarebbe descritto usando questo termine, in quanto i due elementi sono quasi completamente separati. Il termine è usato principalmente per descrivere composizioni in cui almeno alcuni elementi principali della composizione principale mostrano la transizione tra luce e buio, come nei dipinti di Baglioni e Geertgen tot Sint Jans illustrati sopra e sotto.
La modellazione di Chiaroscuro ora è data per scontata, ma ha avuto alcuni avversari; il miniaturista del ritratto inglese Nicholas Hilliard ammoniva nel suo trattato sulla pittura contro tutto tranne l’uso minimo che vediamo nelle sue opere, riflettendo le opinioni della sua patrona regina Elisabetta I d’Inghilterra: “vedere che il meglio per mostrarsi non ha bisogno di ombra di luogo, ma piuttosto la luce spalancata … Sua Maestà … scelse il suo posto dove sedersi per quello scopo nel viale aperto di un buon giardino, dove non c’era nessun albero vicino, e nemmeno un’ombra … ”
Nei disegni e nelle stampe, la modellistica del chiaroscuro si ottiene spesso con l’uso del tratteggio o l’ombreggiatura con linee parallele. Le lavate, gli effetti di punteggiatura o punteggiatura e il “tono di superficie” nella stampa sono altre tecniche.
Le xilografie di Chiaroscuro sono vecchie maestri stampe in xilografia usando due o più blocchi stampati in diversi colori; non necessariamente presentano forti contrasti di luce e buio. Furono prima prodotti per ottenere effetti simili ai disegni di chiaroscuro. Dopo alcuni primi esperimenti di stampa di libri, il vero intaglio in legno di chiaroscuro concepito per due isolati fu probabilmente inventato per la prima volta da Lucas Cranach il Vecchio in Germania nel 1508 o 1509, sebbene abbia retrodatato alcune delle sue prime stampe e aggiunto blocchi di tono ad alcune stampe prodotte per la prima volta per la stampa monocromatica, seguita rapidamente da Hans Burgkmair the Elder. Nonostante la pretesa di Vasari per il primato italiano in Ugo da Carpi, è chiaro che i suoi, i primi esempi italiani, risalgono al 1516. Ma altre fonti suggeriscono che il primo chiaroscuro in legno sia il Trionfo di Giulio Cesare, creato da Andrea Mantegna, un pittore italiano, tra il 1470 e il 1500. Un altro punto di vista afferma che: “Lucas Cranach retrodatò due delle sue opere nel tentativo di afferrare la gloria” e che la tecnica fu inventata “con ogni probabilità” da Burgkmair “che fu commissionato dall’imperatore Massimiliano trovava un modo economico ed efficace per diffondere l’immagine imperiale ampiamente diffusa, in quanto aveva bisogno di spillare soldi e sostenere una crociata “.
Tra gli altri incisori che usano questa tecnica ci sono Hans Wechtlin, Hans Baldung Grien e Parmigianino. In Germania la tecnica raggiunse la sua massima popolarità intorno al 1520, ma fu usata in Italia per tutto il XVI secolo. Più tardi artisti come Goltzius a volte ne fecero uso. Nella maggior parte delle stampe tedesche a due blocchi, il keyblock (o “blocco di linea”) è stato stampato in nero e il blocco di toni o blocchi aveva aree di colore piatte. In Italia, le xilografie in chiaroscuro sono state prodotte senza blocchi chiave per ottenere un effetto molto diverso.
L’illuminazione del manoscritto era, come in molte aree, particolarmente sperimentale nel tentativo di effetti di luce ambiziosi poiché i risultati non erano destinati alla pubblica esposizione. Lo sviluppo del chiaroscuro compositivo ha ricevuto un notevole impulso nell’Europa settentrionale dalla visione della Natività di Gesù di Santa Brigida di Svezia, un mistico molto popolare. Ha descritto Gesù bambino come emettere luce; le raffigurazioni riducevano sempre più le altre fonti di luce nella scena per enfatizzare questo effetto, e la Natività rimaneva molto comunemente trattata con il chiaroscuro fino al barocco. Hugo van der Goes ei suoi discepoli dipinsero molte scene illuminate solo dalla candela o dalla luce divina del Cristo bambino. Come con alcuni pittori successivi, nelle loro mani l’effetto era di calma e calma piuttosto che il dramma con cui sarebbe stato usato durante il barocco.
Il forte chiaroscuro divenne un effetto popolare durante il XVI secolo nel manierismo e nell’arte barocca. La luce divina continuava a illuminare, spesso piuttosto inadeguatamente, le composizioni di Tintoretto, Veronese e dei loro numerosi seguaci. L’uso di soggetti oscuri drammaticamente illuminati da un fascio di luce proveniente da un’unica fonte, spesso invisibile, era un dispositivo compositivo sviluppato da Ugo da Carpi (1455-c.1523 circa), Giovanni Baglione (1566-1643) e Caravaggio. (1571-1610), l’ultimo dei quali fu cruciale nello sviluppo dello stile del tenebrismo, dove il chiaroscuro drammatico diventa un dispositivo stilistico dominante.
Il tenebrismo era praticato soprattutto in Spagna e nel Regno di Napoli governato dalla Spagna, da Jusepe de Ribera e dai suoi seguaci. Adam Elsheimer (1578-1610), artista tedesco residente a Roma, ha prodotto diverse scene notturne illuminate principalmente dal fuoco, e talvolta dal chiaro di luna. A differenza di Caravaggio, le sue aree oscure contengono dettagli e interessi molto sottili. Le influenze di Caravaggio e Elsheimer furono forti su Peter Paul Rubens, che sfruttò i loro rispettivi approcci alla tenebrosità per effetto drammatico in dipinti come The Raising of the Cross (1610-1611). Artemisia Gentileschi (1593-1656), artista barocca, seguace di Caravaggio, fu anche un esponente di spicco del tenebrismo e del chiaroscuro.
Un genere particolare che si sviluppò fu la scena notturna illuminata a lume di candela, che guardò indietro ai precedenti artisti del nord come Geertgen a Sint Jans e, più immediatamente, alle innovazioni di Caravaggio ed Elsheimer. Questo tema è stato interpretato da molti artisti dei Paesi Bassi nei primi decenni del diciassettesimo secolo, dove è stato associato ai caravaggisti di Utrecht come Gerrit van Honthorst e Dirck van Baburen e ai pittori fiamminghi del Barocco come Jacob Jordaens. Anche i primi lavori di Rembrandt van Rijn (1606-1669) del 1620 adottarono la fonte di luce a candela singola. La scena notturna a lume di candela riemerse nella Repubblica olandese nella metà del XVII secolo su scala minore nelle opere di fijnschilder come Gerrit Dou e Gottfried Schalken.
L’interesse di Rembrandt per gli effetti dell’oscurità si spostò nelle sue opere mature. Si basava meno sui forti contrasti di luce e oscurità che caratterizzavano le influenze italiane della prima generazione, un fattore trovato nelle sue incisioni di metà Seicento. In quel mezzo condivideva molte somiglianze con il suo contemporaneo in Italia, Giovanni Benedetto Castiglione, il cui lavoro nella stampa lo ha portato a inventare il monotipo.
Fuori dai Paesi Bassi, artisti come Georges de La Tour e Trophime Bigot in Francia e Joseph Wright di Derby in Inghilterra, continuarono con un chiaroscuro così forte, ma graduato, a lume di candela. Watteau usava un delicato chiaroscuro negli sfondi frondosi delle sue feste galanti, e questo è continuato nei dipinti di molti artisti francesi, in particolare Fragonard. Alla fine del secolo Fuseli e altri usarono un chiaroscuro più pesante per un effetto romantico, come Delacroix e altri nel diciannovesimo secolo.
L’uso francese del termine, clair-oscur, fu introdotto dal critico d’arte del Seicento Roger de Piles nel corso di un famoso argomento (Débat sur le coloris), sui relativi meriti del disegno e del colore nella pittura (il suo Dialogues sur le coloris, 1673, fu un contributo chiave al Débat).
In inglese, il termine italiano è stato usato almeno dalla fine del diciassettesimo secolo. Il termine è usato meno frequentemente nell’arte dopo la fine del diciannovesimo secolo, sebbene l’espressionismo e altri movimenti moderni facciano un grande uso dell’effetto.
Soprattutto da quando il forte ascesa del ventesimo secolo nella reputazione di Caravaggio, in termini non specialistici, il termine è usato principalmente per forti effetti di chiaroscuro come il suo, o di Rembrandt. Come dice la Tate: “Il chiaroscuro viene generalmente osservato solo quando è una caratteristica particolarmente importante dell’opera, di solito quando l’artista usa contrasti estremi di luce e ombra”. Anche la fotografia e il cinema hanno adottato il termine. Per la storia del termine, vedi René Verbraeken, Clair-oscur, histoire d’un mot (Nogent-le-Roi, 1979).
Chiaroscuro è anche utilizzato in ambito cinematografico per indicare un’illuminazione estremamente bassa e ad alto contrasto per creare aree distinte di luce e oscurità nei film, specialmente nei film in bianco e nero. Esempi classici sono Il gabinetto del dott. Caligari (1920), Nosferatu (1922), Metropolis (1927) Il gobbo di Notre Dame (1939), Il diavolo e Daniel Webster (1941), e le scene in bianco e nero nello Stalker di Andrei Tarkovsky (1979).
Ad esempio, in Metropolis, l’illuminazione a chiaroscuro viene utilizzata per creare il contrasto tra la messa in scena chiara e scura e le figure. L’effetto di questo è principalmente quello di evidenziare le differenze tra l’élite capitalista e gli operai.
Nella fotografia, il chiaroscuro può essere raggiunto con l’uso di “Illuminazione Rembrandt”. Nei processi fotografici più evoluti, questa tecnica può anche essere definita “illuminazione ambientale / naturale”, sebbene, quando lo si fa per l’effetto, l’aspetto sia artificiale e di natura generalmente non documentata. In particolare, Bill Henson insieme ad altri, come W. Eugene Smith, Josef Koudelka, Garry Winogrand, Lothar Wolleh, Annie Leibovitz, Floria Sigismondi e Ralph Gibson possono essere considerati alcuni dei maestri moderni del chiaroscuro nella fotografia documentaria.
Forse l’uso più diretto del chiaroscuro nel cinema sarebbe quello di Stanley Kubrick, Barry Lyndon. Una volta informato che nessun obiettivo aveva un’apertura sufficientemente ampia per girare un film in costume ambientato in grandi palazzi usando solo il lume di candela, Kubrick ha acquistato e riadattato una lente speciale per questi scopi: una fotocamera Mitchell BNC modificata e un obiettivo Zeiss prodotti per i rigori dello spazio fotografia, con un’apertura massima di f / .7. Le situazioni di illuminazione naturalmente ridotte del film hanno esemplificato un’illuminazione naturale e di basso profilo nella produzione cinematografica più estrema al di fuori della tradizione cinematografica sovietica europea / sovietica (a sua volta esemplificata dal severo stile di illuminazione basso impiegato dal regista sovietico Sergei Eisenstein).
Sven Nykvist, il collaboratore di lunga data di Ingmar Bergman, ha anche informato gran parte delle sue fotografie con realismo chiaroscuro, così come Gregg Toland, che ha influenzato i cineasti come László Kovács, Vilmos Zsigmond e Vittorio Storaro con il suo uso della messa a fuoco profonda e selettiva. illuminazione a chiave a livello di orizzonte che penetra attraverso finestre e porte. Gran parte della celebre tradizione noir del film si basa su tecniche perfezionate da Toland nei primi anni trenta e collegate al chiaroscuro (anche se l’illuminazione high key, l’illuminazione scenica, l’illuminazione frontale e altri effetti sono intervallati in modi che riducono la pretesa chiaroscurale).