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Pezzo di carattere

Il character piece è un calco del Charakterstück tedesco, un termine, non definito con precisione, utilizzato per una vasta gamma di musica per pianoforte del XIX secolo basata su una singola idea o programma. Il termine è applicato meno frequentemente alla musica per un altro strumento (mai voce) con accompagnamento di pianoforte, ma molto raramente per ensemble più grandi.

I pezzi di carattere sono una base della musica romantica e sono essenziali all’interesse di quel movimento per l’evocazione di particolari stati d’animo o momenti. Ciò che distingue i pezzi caratteristici è la specificità dell’idea che invocano. Molti pezzi di carattere sono composti in forma ternaria, ma quella forma non è universale nel genere. Una caratteristica comune è un titolo espressivo del personaggio inteso, come il Voyage autour de ma chambre di Stephen Heller (“Voyage around my room”), un primo esempio del genere, o Abendklänge di Bruckner (“Evening harmonies”). Altri pezzi di personaggi hanno titoli che suggeriscono brevità e singolarità del concetto, come le Bagatelle di Beethoven, o Preludes di Debussy, o costruzioni casuali: il titolo Impromptu è comune. Molti notturni e intermezzi dell’Ottocento sono anche pezzi di carattere, compresi quelli di Chopin e Brahms, rispettivamente.

Storia
Le prime menzioni di charakter- nei titoli delle opere teatrali si trovano già nel XVIII secolo, ad esempio in Beethoven, che chiamò così l’apertura sinfonica “Leonora”. Fino al 1830, il termine rimane scarsamente usato, ma poi, con lo sviluppo della musica per pianoforte, trova sempre più aderenti a questa forma. Nella seconda metà del XIX secolo, compaiono molti drammi caratteristici e c’è una tendenza ad ampliare il significato del termine: oltre alla musica che caratterizza l’umore, comincia a relazionarsi con la descrizione musicale di luoghi, eventi e personaggi.

Origine
Occasionalmente, le allegorie musicali del periodo barocco sono già contate tra i pezzi del personaggio. La teoria degli affetti combinava gli stati d’animo con i dispositivi stilistici musicali. A dire il vero, sono ancora corrispondenze molto generali e simboliche, non l’espressione individuale richiesta dalla fine del diciottesimo secolo e resa possibile dal suono del pianoforte.

Un legame tra barocco e romanticismo è stata la sensibilità musicale del XVIII secolo: alcune opere di clavecinisti francesi come François Couperin o Jean-François Dandrieu hanno ispirato compositori della Germania settentrionale come Christian Gottfried Krause, che ha raccomandato brani musicali nel suo libro Von der musikalischen Poesie (1753) per dare un titolo. Importante in quel momento era ancora l’unità barocca dell’affetto, che era anche vera per l’aria, e il principio di imitare la natura, come era stato propagato da Charles Batteux. La musica non è stata ancora considerata un’arte indipendente.

Interesse teorico e bisogni educativi intorno al 1800
Opinioni simili erano ancora il teorico della musica Friedrich Wilhelm Marpurg e il compositore Johann Friedrich Reichardt. Christian Gottfried Körner scrisse nel 1785 il suo saggio sulla rappresentazione dei caratteri nella musica.

La necessità di queste opere musicali nasce soprattutto dagli amanti, piuttosto che dai musicisti professionisti. Cosiddetto servito per le lezioni di musica manipoli, il precursore di studi successivi (pianoforte) del 19 ° secolo.

Nel 1784 Gottlieb Christian Füger pubblicò pezzi di pianoforte caratteristici per la rappresentazione di dodici affetti. I pezzi del personaggio di Johann Abraham Peter Schulz (“Sei diversi pièces pour le clavecin ou pianoforte”, 1778/79) non hanno più una connessione ciclica. L’emancipazione del singolo movimento era una motivazione per i compositori di scrivere pezzi di carattere. Ma solo l’inizio del romanticismo ha creato nuove condizioni. Cruciale in questo periodo era che la sonata per pianoforte non era più considerata il genere rappresentativo della musica per pianoforte. Piuttosto, il principio del design lirico e cangiante divenne la nuova base per la musica strumentale in questa epoca. Il personaggio con le sue inclinazioni poetiche è ora stato portato a compimento.

Poesia musicale nel XIX secolo
Come uno dei primi rappresentanti del personaggio più moderno, Johann Wenzel Tomaschek del 1807 scrisse un totale di dieci album con pezzi di carattere pronunciati dal 1807 nel corso di più di 30 anni, per lo più in forma di canzoni in tre parti. Le eclogue pubblicate dal 1810/1811 furono successivamente seguite da rapsodie. Come varianti tardive di un barocco influiscono sulla rappresentazione, si possono ancora comprendere gli studi caratteristici per il pianoforte (1836) di Ignaz Moscheles. Hanno titoli come: “rabbia, contraddizione, tenerezza, paura”.

I “manipoli” sono diventati etudes tecnicamente più impegnativi nel tempo. Qui ci sono punti di partenza essenziali per le opere di artisti successivi, tra cui Lieder ohne Worte di Felix Mendelssohn Bartholdy, Seven Characteristic Pieces op. 7 (1827). Questi sono nel segno dei loro predecessori Ludwig Berger e Moscheles. A differenza di Mendelssohn, Franz Schubert ha trovato i suoi modelli musicali principalmente nella musica vocale.

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In Robert Schumann l’elemento poetico è spesso confermato da titoli (scene di boschi, scene di bambini, Nachtstück, pezzi di fantasia, pagine di album …). Il 18 Davidsbündlertänze op. 6 (1837) sono indicati come pezzi di personaggi nella seconda edizione del 1850/51.

Popolarizzazione e perdita di prestigio
Con la divulgazione del personaggio nella musica popolare e l’avvento della sinfonia del programma, del poema sinfonico e della musica nel balletto romantico in cui tutte le azioni su gruppi più grandi e più grandi sono presentate musicalmente, il personaggio ha perso la sua importanza. Era sempre più spesso combinato con le sensazioni visive del tempo come il panorama e il diorama o l’immagine della vita nel teatro popolare. In cambio, è stato formato l’ideale di una musica assoluta, che dovrebbe essere “purificato” dai significati extra-musicali.

I successori di Schumann comprendevano artisti come Stephen Heller, Theodor Kirchner (Neue Davidsbündlertänze op. 17, 1872, e character pieces op. 61, 1882) e Adolf Jensen. Il personaggio è diventato sempre più una sorta di modello. Più tardi compositori come Edvard Grieg svilupparono il loro stile (giorno delle nozze su Troldhaugen [Bryllupsdag på Troldhaugen], 1897).

Varianti nel 20 ° secolo
L’Impressionismo di Claude Debussy si è sviluppato in una tradizione francese del personaggio del personaggio (Children’s Corner, Estampes, Images), che spazia da Maurice Ravel, Eric Satie, a Olivier Messiaen.

Dalla fine del XIX secolo, le opere di musica da salotto venivano anche chiamate pezzi di personaggi. La musica radiofonica del 20 ° secolo utilizzava il personaggio come souvenir turistico (sull’Adriatico blu di Gerhard Winkler) o un pezzo musicale funzionale (The Merry Alarm Clock di Boris Mersson). Il termine diventa così un personaggio abbagliante ed è spesso usato in senso peggiorativo. Nei pezzi del personaggio di questa era, un effetto musicale sorprendente è in primo piano. Esempi di questo sono la corsa in slitta di San Pietroburgo (ci sono colpi con frustini e abbaiare di cani) e il mulino nella Foresta Nera (ci sono registrazioni con il canto degli uccelli) di Richard Eilenberg, In un mercato persiano di Albert Ketèlbey (la musica circense è l’epitome dell’Orientale) e la parata della guardia di Heinzelmänchen di Kurt Noack.

Demarcazione dal programma
Non è sempre facile differenziare i pezzi del personaggio dalla musica del programma. Il musicologo Hugo Riemann considerava “il piacere del compositore nel singolo effetto” (Handbuch der Musikgeschichte, 1913) una caratteristica del personaggio. Al contrario, la musica del programma descrive un’intera trama. La differenza tra personaggio e azione può essere meglio utilizzata nella poetica di Aristotele: il programma musicale descrive una sorta di dramma o epico, mentre il personaggio rimane statico e al massimo mostra contrasti (come spesso in una sezione centrale).

forme
Il personaggio è, a differenza dei movimenti di una sonata o di una suite, spesso da solo, come Albumblatt, Pièce détachée o Moment musical. Diversi pezzi lirici a volte si combinano a cicli, ad esempio, con temi simili (come Kinderszenen di Schumann). Come modello servono danza, canto e Rondoformen, dal momento che la storia d’amore erano principalmente le forme della canzone usate.

I pezzi di carattere sono essenziali nella musica del Romanticismo e sono essenziali per quei movimenti in cui l’evocazione di particolari modalità o momenti è di interesse. Ciò che distingue i pezzi di carattere è la specificità dell’idea che essi evocano. Molti pezzi di carattere sono composti in forma ternaria, ma non è una caratteristica universale. Un tratto comune è l’intenzione di concedere loro titoli espressivi, come Voyage autour de ma chambre (“Viaggio nella mia stanza”) di Stephen Heller, uno dei primi esempi del genere. Altri pezzi di carattere hanno titoli che suggeriscono brevità e singolarità del concetto, come le inezie di Beethoven o Preludes di Debussy, o costruzioni casuali: il titolo di Impromptu è comune. Molti notturni e intermezzi sono anche pezzi di carattere, tra cui quelli di Chopin e Brahms, rispettivamente.

Grandi serie di pezzi di singoli personaggi, intesi per essere suonati come un singolo brano musicale, non erano rari; Le numerose opere di Schumann di questa forma (tra cui Kreisleriana e Carnaval) sono gli esempi più noti. Verso la fine del diciannovesimo e ventesimo secolo, mentre la musica per pianoforte diventava ambiziosa e di dimensioni maggiori, cresceva anche la portata di ciò che un personaggio poteva fare riferimento. The New Grove cita il “Festival of the Gypsy Peasants” di Smetana e “The Oarsman” di Sibelius come esempi di questa tendenza successiva.

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