Disegnatore di fumetti

Un fumettista (anche creatore di fumetti) è un artista visivo specializzato nel disegnare cartoni animati. Questo lavoro è spesso creato per intrattenimento, commenti politici o pubblicità. I vignettisti possono lavorare in molti formati, come animazione, opuscoli, fumetti, fumetti, fumetti editoriali, romanzi grafici, manuali, fumetti, grafica, illustrazioni, storyboard, poster, camicie, libri, pubblicità, biglietti di auguri, riviste, giornali e imballaggi per videogiochi.

Un fumettista o un umorista grafico è una persona la cui attività principale consiste nel disegnare fumetti, disegni umoristici o fumetti in pubblicazioni stampate come giornali o riviste. L’umorista disegna i suoi cartoni animati con l’intento di intrattenere e intrattenere i lettori, e / o di illustrare in modo umoristico gli eventi attuali che compaiono in una certa pubblicazione. Le sue creazioni sono generalmente compatibili con una breve presentazione, a volte ridotta a un singolo fotogramma (in una singola vignetta), che si adatta molto bene all’inserimento nei periodici.

Tra le occupazioni dell’umorista della grafica sono al corrente delle notizie attuali per ispirarlo a realizzare i suoi disegni. Periodicamente e entro la scadenza stabilita, invia il tuo lavoro alla redazione per l’approvazione. Discutere con l’editore della linea ideologica ed estetica che le sue creazioni dovrebbero seguire, e modificare o correggere i suoi disegni basandoci su di esso.

Gli umoristi sono buoni caricaturisti e rappresentano nelle vignette persone del presente politico, sociale o culturale del paese, in situazioni stravaganti o curiose, che cercano di provocare il sorriso del lettore. Generalmente, gli artisti sviluppano i propri personaggi con una certa personalità che è facilmente riconosciuta dai lettori.

L’umorista grafico può specializzarsi nella creazione di una vignetta individuale o di fumetti che in alcune vignette rappresentano una breve storia. Alcuni umoristi pubblicano i loro lavori esclusivamente per una pubblicazione, mentre altri li distribuiscono attraverso le agenzie in modo che appaiano su diversi media, persino appartenenti a regioni o paesi diversi.

L’umorista grafico in molti casi va oltre il semplice intrattenimento e umorismo. In effetti, una notizia che, per esempio, mette in evidenza il comportamento inappropriato di una personalità pubblica, se accompagnata da un adeguato quadro grafico, rafforza l’articolo in questione, e in molti casi fa sì che l’essenza del contenuto trasmesso permei più a lungo nella memoria dei lettori.

L’autore satirico e fumettista inglese William Hogarth, emerso nel XVIII secolo, è stato accreditato come pioniere dell’arte sequenziale occidentale. La sua opera spaziava da ritratti realistici a serie di quadri a fumetti chiamati “soggetti moderni e morali”. Gran parte del suo lavoro faceva divertire la politica e i costumi contemporanei; le illustrazioni in questo stile sono spesso definite “Hogarthian”. Seguendo il lavoro di Hogarth, i cartoni politici iniziarono a svilupparsi in Inghilterra nell’ultima parte del XVIII secolo sotto la direzione dei suoi grandi esponenti, James Gillray e Thomas Rowlandson, entrambi di Londra. Gillray ha esplorato l’uso del medium per il lampooning e la caricatura, chiamando il re (George III), i primi ministri e generali per rendere conto, ed è stato indicato come il padre del cartone politico.

Benché non sia mai stato un fumettista professionista, a Benjamin Franklin viene attribuito il primato di cartone animato pubblicato su un giornale americano. Nel XIX secolo, fumettisti professionisti come Thomas Nast introdussero altri familiari simboli politici americani, come l’elefante repubblicano.

Nel corso del 20 ° secolo, numerose riviste portavano vignette di gag su un solo pannello di questi fumettisti freelance come Charles Addams, Irwin Caplan, Chon Day, Clyde Lamb e John Norment. Questi erano quasi sempre pubblicati in bianco e nero, anche se Collier spesso portava cartoni animati a colori. Il debutto di Playboy ha introdotto i fumetti a colori a piena pagina di Jack Cole, Eldon Dedini, Roy Raymonde e altri. Fumettisti a pannello singolo riuniti in società di stampa erano Dave Breger, Hank Ketcham, George Lichty, Fred Neher, Irving Phillips e J. R. Williams.

I fumetti hanno ricevuto una distribuzione capillare sui giornali mainstream da sindacati come Universal Press Syndicate, United Media o King Features. Le strisce di domenica vanno a una colorazione come American Color prima che vengano pubblicate.

Alcuni creatori di fumetti pubblicano nella stampa alternativa o su Internet. Gli artisti di fumetti possono anche talvolta lavorare in forma di libro, creando romanzi grafici. Sia le strisce vintage che quelle attuali ricevono ristampe nelle raccolte di libri.

I maggiori editori di fumetti (come Marvel o DC) utilizzano squadre di fumettisti per produrre l’arte (in genere separando il lavoro a matita, l’inchiostrazione e la scrittura mentre il colore viene aggiunto digitalmente dai coloristi). Quando si desidera uno stile artistico coerente tra i diversi fumettisti (come Archie Comics), i fogli dei modelli di carattere possono essere utilizzati come riferimento.

Calum MacKenzie, nella sua prefazione al catalogo della mostra, The Scottish Cartoonists (Glasgow Print Studio Gallery, 1979) ha definito i criteri di selezione:

La differenza tra un fumettista e un illustratore era identica alla differenza tra un attore comico e un commediante: entrambi interpretavano le proprie linee e si assumevano la piena responsabilità per loro, il secondo poteva sempre nascondersi dietro il fatto che non era il suo intero creazione.

Il cartooning animato è creato per cortometraggi, pubblicità, film e televisione. È anche usato a volte nei film di live action per sequenze oniriche o titoli di apertura. Un artista dell’animazione è comunemente definito un animatore piuttosto che un fumettista. Creano anche film. Studi di animazione come DreamWorks Animation, Pixar, Walt Disney Animation Studios e Blue Sky Studios creano film in CGI o computerizzati più tridimensionali.

Ci sono molti libri di fumetti sia in brossura che in brossura, come le raccolte di cartoni del New Yorker. Prima degli anni ’60, i cartoni animati erano per lo più ignorati da musei e gallerie d’arte. Nel 1968, il fumettista e comico Roger Price aprì la prima galleria di New York dedicata esclusivamente ai cartoni animati, principalmente lavori dei principali fumettisti di riviste gag. Oggi, ci sono diversi musei dedicati ai cartoni animati, in particolare il Billy Ireland Cartoon Library & Museum, gestito dalla curatrice Jenny E. Robb presso la Ohio State University.

Gli artisti di fumetti di solito disegnano un disegno a matita prima di passare al disegno con inchiostro indiano, usando una penna a immersione o un pennello. Gli artisti possono anche utilizzare un lightbox per creare l’immagine finale in inchiostro. Alcuni artisti, Brian Bolland, ad esempio, utilizzano la computer grafica, con il lavoro pubblicato come prima apparizione fisica dell’opera. Con molte definizioni (tra cui quella di McCloud, sopra), la definizione di fumetto si estende ai media digitali come i webcomics e il fumetto mobile.

La natura dei fumetti creati crea il numero di persone che lavorano alla sua creazione, con fumetti di successo e fumetti prodotti attraverso un sistema di studio, in cui un artista assembla un gruppo di assistenti per aiutare a creare il lavoro. Tuttavia, i lavori di società indipendenti, di case editrici o di natura più personale possono essere prodotti da un singolo creatore.

Nell’industria del fumetto del Nord America, il sistema di studio è diventato il principale metodo di creazione. Attraverso il suo utilizzo da parte dell’industria, i ruoli sono stati pesantemente codificati e la gestione dello studio è diventata la responsabilità dell’azienda, con un editore che assolve i compiti di gestione. Il redattore assembla un certo numero di creatori e sovrintende il lavoro alla pubblicazione.

Un numero qualsiasi di persone può assistere alla creazione di un fumetto in questo modo, da un plotter, un artista di demolizione, un disegnatore, un inchiostratore, uno scripter, un letterista e un colorista, con alcuni ruoli eseguiti dalla stessa persona .

Al contrario, una striscia a fumetti tende ad essere il lavoro di un unico creatore, di solito definito un fumettista. Tuttavia, non è insolito per un fumettista impiegare il metodo dello studio, in particolare quando una striscia ha successo. Mort Walker lavorava in uno studio, mentre Bill Watterson e Charles Schulz no. Fumetti, politici e editorialisti tendono a lavorare da soli, anche se un fumettista può usare degli assistenti.

Stili d’arte:
Mentre quasi tutta l’arte del fumetto è in qualche modo abbreviata, e anche se ogni artista che ha prodotto fumetti porta il proprio approccio individuale da sopportare, sono stati identificati stili artistici più ampi. Gli artisti di fumetti Cliff Sterrett, Frank King e Gus Arriola spesso usavano sfondi insoliti e colorati, a volte virando verso l’arte astratta.

Gli stili di base sono stati identificati come realistici e cartoony, con una grande via di mezzo per la quale R. Fiore ha coniato la frase liberale. Fiore ha anche espresso disgusto con i termini realistici e cartoony, preferendo i termini letterale e freestyle, rispettivamente.

Scott McCloud ha creato “The Big Triangle” come strumento per pensare all’arte dei fumetti. Colloca la rappresentazione realistica nell’angolo in basso a sinistra, con rappresentazione iconica, o arte a fumetti, in basso a destra, e un terzo identificatore, astrazione dell’immagine, all’apice del triangolo. Ciò consente il posizionamento e il raggruppamento di artisti per triangolazione.

Lo stile cartoonistico usa effetti comici e una variazione di larghezza delle linee per l’espressione. I personaggi tendono ad avere un’anatomia arrotondata e semplificata. Notevoli esponenti di questo stile sono Carl Barks e Jeff Smith.
Lo stile realistico, indicato anche come stile dell’avventura, è quello sviluppato per l’uso all’interno delle strisce dell’avventura degli anni ’30. Richiedevano un aspetto meno fumettistico, concentrandosi maggiormente su anatomia e forme realistiche e usavano come base le illustrazioni che si trovano nelle riviste pulp. Questo stile divenne la base dello stile dei fumetti dei supereroi da quando Joe Shuster e Jerry Siegel originariamente lavorarono a Superman per la pubblicazione come una striscia avventurosa.
McCloud nota anche che in diverse tradizioni, c’è una tendenza ad avere i personaggi principali disegnati piuttosto semplicistici e cartoonistici, mentre gli sfondi e l’ambiente sono rappresentati realisticamente. Quindi, sostiene, il lettore si identifica facilmente con i personaggi, (poiché sono simili alla propria idea di sé), mentre è immerso in un mondo, è tridimensionale e strutturato. Buoni esempi di questo fenomeno includono Le avventure di Tintin di Hergé (nel suo “marchio personale”, lo stile di Ligne claire), lo Spirito di Will Eisner e il Buddha di Osamu Tezuka, tra molti altri.

Utensili:
Gli artisti usano una varietà di matite, pennelli o carta, tipicamente cartoncino Bristol, e un inchiostro impermeabile. Durante l’inchiostrazione, molti artisti hanno preferito utilizzare un pennello Winsor & Newton Series 7, # 3 come strumento principale, che potrebbe essere utilizzato in combinazione con altri pennelli, penne a immersione, una penna stilografica e / o una varietà di penne o indicatori tecnici . È possibile utilizzare tinte meccaniche per aggiungere un tono di grigio a un’immagine. Un artista potrebbe dipingere con acrilici, tempere, colori o acquerelli. Il colore può anche essere ottenuto attraverso pastelli, pastelli o matite colorate.

Gomma, righelli, modelli, quadrati fissi e un aiuto T-quadrato nella creazione di linee e forme. Un tavolo da disegno fornisce una superficie di lavoro ad angolo con lampade a volte attaccate al tavolo. Una scatola luminosa consente a un artista di tracciare il suo lavoro a matita quando si inchiostrano, consentendo una finitura più morbida. Coltelli e scalpelli riempiono una varietà di bisogni, incluso il tagliere o la raschiatura degli errori. Un tappetino da taglio aiuta a tagliare la carta. Il processo bianco è un materiale spesso opaco bianco per coprire gli errori. Adesivi e nastri aiutano a comporre un’immagine da fonti diverse.