Presentato dall’Office for Contemporary Art Norway (OCA), “Rapture” è il contributo della Norvegia alla 56a Esposizione Internazionale d’Arte, La Biennale di Venezia. Nel 2015 la Norvegia è la sola responsabile del Padiglione Nordico alla Biennale di Venezia nella sua storia Per questa occasione senza precedenti, l’OCA commissionò all’artista Camille Norment (nato nel 1970) lo sviluppo del progetto.

Camille norment ha realizzato un’installazione site specific all’interno del padiglione nordico alla biennale d’arte di venezia 2015. “rapture”, a cura di Katya García-Antón, si è svolto durante i giorni di apertura della mostra d’arte internazionale come set di spettacoli di musicisti e cantanti in orari specifici; e una pubblicazione in tre parti che esplora la relazione tra il corpo umano e il suono, attraverso il corpo visivo, il suono e l’architettura.

l’artista a base di oslo lavora con l’armonica di vetro – uno strumento del 18 ° secolo inventato da Benjamin Franklin che crea musica eterea dal tocco delle dita su vetro e acqua – e un coro di 12 voci femminili. intrecciando questi elementi all’interno del padiglione stesso, il norment crea uno spazio immersivo e multisensoriale, che riflette sulla storia del suono, sui concetti contemporanei di consonanza e dissonanza e sull’acqua, sul vetro e sulla luce di Venezia.

La musica è stata a lungo utilizzata per facilitare sia la forgiatura che la trasgressione delle norme culturali. il suono permea tutti i confini. nel corso della storia, la paura è stata associata agli effetti paradossali che la musica ha sul corpo e sulla mente e sul suo potere come decentratore del controllo che dà ricompensa. riconosciuta in grado di indurre stati affini al sesso e alle droghe, la musica è ancora vista da molti nel mondo come un’esperienza da controllare – specialmente in relazione al corpo femminile – e tuttavia è sempre più utilizzata come strumento di controllo sotto giustificazione della guerra.

“estasi” riflette su come il corpo può essere definito e potenziato dal suono, con il padiglione che parla delle tensioni tra armonia e dissonanza. La musica vive nell’arco tra poesia e catastrofe “, il visitatore del padiglione nordico entra in un’installazione scultorea e sonora lacerata tra queste due idee, uno spazio tra un corpo in trauma e un corpo in estasi.

Spanning performance, installazione, disegno e suono, il lavoro di norment esplora il modo in cui il corpo è collegato attraverso il suono con il nostro ambiente, contemplando il potere della dissonanza e la sua capacità di ritagliarsi uno spazio per il pensiero nuovo e affermativo “. gli artisti più interessanti che lavorano oggi in Norvegia, creando opere da vivere visceralmente e poeticamente. la sua pratica è insolita in quanto attraversa i campi dell’arte e della musica, estraendo dicotomie storiche e sonore per tracciare dialoghi sociali irrisolti che continuano ancora oggi.

Biografia
Camille Norment (nato nel 1970) è un artista multimediale con sede a Oslo che lavora con suono, installazione, scultura, disegno, performance e video. Camille Norment è uno degli artisti interdisciplinari più innovativi che lavorano oggi in Norvegia. Il suo lavoro è sia poetico che fisico e considera il suono come un mezzo artistico evocativo. Norment lavora anche come musicista e compositore. Si esibisce con Vegar Vårdal e Håvard Skaset nel trio di Camille Norment.

Camille Norment è nata a Silver Spring, nel Maryland, nel 1970. Ha studiato tecnologie interattive alla New York University e scienze letterarie e storia dell’arte all’Università del Michigan. Alla fine degli anni ’90, Norment ha lavorato presso Interval Research, un laboratorio di tecnologia di ricerca e sviluppo co-fondato da Paul Allen e David Liddle. Lì, ha lavorato sulla manipolazione tattica dei media, tra gli altri progetti.

Nel 2015, l’Office for Contemporary Art Norway (OCA) l’ha selezionata per rappresentare la Norvegia nel Padiglione Nordico alla Biennale di Venezia, dove ha presentato il suo lavoro “Rapture”.

Inoltre, Norment ha completato diversi lavori su commissione negli spazi pubblici, tra cui l’installazione sonora “Within the Toll” (2011) per Henie Onstad Kunstsenter e il suo lavoro “Triplight” del 2008, che nel 2013 è stato presentato all’ingresso della mostra MoMA ” Soundings: A Contemporary Score. ”

Nel 2017 Camille Norment ha presentato una mostra personale alla Kunstforening di Oslo. Ciò costituì la sua prima presentazione da solista in Norvegia.

Arte pubblica
“Dead Room”, 2000, The Project, New York.
“Triplight”, 2008, Galleria di settembre, Berlino, Germania
“Within the Toll”, 2011, Henie Onstad Kunstsenter

Lavoro musicale
All’interno del trio di Camille Norment, Norment suona in particolare l’armonica di vetro, la chitarra elettrica e il violino di Hardanger. La sua armonica è composta da 24 scodelle di vetro di due ottave. Norment ha descritto il suono dell’armonica come “… estremamente viscerale. È un suono cristallino molto puro”.

La mostra
All’interno del padiglione nordico, “Rapture” esplora la relazione viscerale tra il corpo umano e il suono, attraverso il corpo visivo, sonoro e architettonico del padiglione, in un’esperienza sensoriale sia fisica che mentale. Per l’installazione Camille Norment, artista americana di origine americana, lavora con l’armonica di vetro – uno strumento leggendario del 18 ° secolo inventato da Benjamin Franklin che crea musica eterea dal vetro e dall’acqua – e un coro di voci femminili. Intrecciando questi elementi insieme alle risonanze del padiglione stesso, Norment sviluppa una nuova composizione basata sulle note irrisolte del tritone dei “diavoli” censurato che corrisponde alle note dell’armonica di vetro e crea uno spazio avvolgente e multisensoriale , che riflette sulla storia del suono, i concetti contemporanei di consonanza e dissonanza e l’acqua, il vetro e la luce di Venezia.

“Rapture” di Norment è un’installazione site specific, scultorea e sonora nel Padiglione nordico, per la quale l’artista americana di Oslo, composta da Oslo, ha composto nuova musica sull’armonica di vetro – uno strumento leggendario del 18 ° secolo che crea musica eterea dal bicchiere e dall’acqua: inventata da Benjamin Franklin e una volta suonata da Mozart e Marie Antoinette, l’armonica di vetro fu inizialmente celebrata per curare le persone con la sua musica affascinante, ma in seguito fu bandita perché si pensava che inducesse stati di estasi e suscitasse sessualità eccitazione nelle donne: se avesse il potere di curare, così la logica andava, questo affascinante strumento potrebbe anche avere il potere di uccidere eccitando i suoi ascoltatori.

In un contesto contemporaneo, Norment esplora le tensioni che questa musica solleva oggi creando uno spazio multisensoriale, che riflette sulla storia del suono, i concetti contemporanei di consonanza e dissonanza e l’acqua, il vetro e la luce di Venezia. L’artista compone un coro di voci che corrispondono alle note irrisolte del tritone “s” dei diavoli censurato e dell’armonica di vetro, e questo coro immerge i visitatori di “Rapture”.

“Rapture” esplora la relazione tra il corpo umano e il suono, attraverso stimoli visivi, sonori, scultorei e architettonici. Oggi il regno sonico può essere sia uno spazio di uso improprio, come abbiamo visto nell’uso militaristico del suono per abusare del corpo, sia di affermazione, come nell’espressione performativa della libertà di parola per affermare il diritto dell’esistenza stessa del corpo Il corpo può essere stimolato e mosso dal suono e, nell’opera di Norment, il Padiglione Nordico stesso diventa un corpo in estasi e rottura, consonanza e dissonanza.

Il suono, per sua natura, permea i confini, anche quelli invisibili. Nel corso della storia, la paura è stata associata agli effetti paradossali che la musica ha sul corpo e sulla mente e sul suo potere come decentratore del controllo che dà ricompensa. La musica è ancora vista da molti nel mondo come un’esperienza che dovrebbe essere controllata – specialmente in relazione al corpo femminile – e tuttavia è sempre più utilizzata come strumento di controllo, specialmente sotto le giustificazioni della guerra.

Performance art
Per tutta la durata della Biennale di Venezia, Norment esegue nuove composizioni sull’armonica di vetro e ha invitato artisti e musicisti a partecipare a una serie di spettacoli che fanno eco agli elementi dell’installazione.

Il trio di Camille Norment è costituito dall’armonica di vetro, suonata da Norment; il violino di Hardanger, interpretato da Vegar Vårdal; e la chitarra elettrica, suonata da Håvard Skaset. Ognuno di questi strumenti è stato pensato, in vari punti della storia, per invocare un’esperienza socialmente e sessualmente trasgressiva nel corpo, in particolare il corpo femminile, e successivamente vietato. In queste esibizioni Norment esegue nuove composizioni con il suo trio la cui strumentazione è parallela alle indagini dell’artista sulla relazione tra vibrazione e corpo percepita durante il periodo dell’Illuminismo e oggi attraverso discussioni sociali e scientifiche.

La cantante svedese Sofia Jernberg si esibirà anche con Camille Norment. Mentre Norment suona l’armonica di vetro, le cui vibrazioni sonore permeano lo spazio e il vetro rotto (a cui sono attaccati eccitatori sonori che inviano vibrazioni attraverso di esso), la versatile vocalizzazione di Jernberg amplierà il coro a 12 voci che Norment ha composto per il paesaggio sonoro del padiglione. Entrambi spingeranno i limiti del suono e della musica.

Camille Norment e David Toop presentano una “lezione di performance” astratta, che comprende testo, voce e suono, in relazione alle vibrazioni, al corpo e all’isteria. L’isteria, a lungo considerata una malattia femminile, si è estesa a “un’epidemia di isteria maschile” con gli effetti dello shock da conchiglia durante la prima guerra mondiale e continua ad essere pertinente nelle sindromi postbelliche oggi così come in altri casi di forme collettive indotte socialmente e culturalmente -hysteria. La performance si ispira anche alla poesia americana “There Will Come Soft Rains” della poetessa americana Sara Teasdale, scritta dopo la prima guerra mondiale e che riflette sulla resilienza della natura per sopravvivere alle catastrofiche gesta dell’umanità.

Le esibizioni sono coprodotte da OCA, nyMusikk e Ultima Oslo Contemporary Music Festival.

Il trio di Camille Norment
Il trio di Camille Norment è costituito dall’armonica di vetro, suonata da Norment; il violino di Hardanger, interpretato da Vegar Vårdal; e la chitarra elettrica, suonata da Håvard Skaset. Ognuno di questi strumenti è stato pensato, in vari punti della storia, per invocare un’esperienza socialmente e sessualmente trasgressiva nel corpo, in particolare il corpo femminile, e successivamente vietato.

Camille Norment e David Toop
L’8 maggio 2015 Camille Norment e David Toop hanno presentato una “lezione di performance” astratta, che comprende testo, voce e suono, in relazione alle vibrazioni, al corpo e all’isteria. L’isteria, a lungo considerata una malattia femminile, si è estesa a “un’epidemia di isteria maschile” con gli effetti dello shock da conchiglia durante la prima guerra mondiale e continua ad essere pertinente nelle sindromi postbelliche oggi così come in altri casi di forme collettive indotte socialmente e culturalmente -hysteria. La performance è stata anche ispirata alla poesia americana “La volontà della pioggia” della poetessa americana Sara Teasdale, scritta dopo la prima guerra mondiale e che riflette sulla resilienza della natura per sopravvivere alle catastrofiche gesta dell’umanità.

Performers
Il trio di Camille Norment, costituito da Vegar Vårdal, Håvard Skaset e Camille Norment, studia le qualità viscerali di risonanza, rumore e sovratensione. Le loro esibizioni sono un movimento organico tra il composto e l’improvvisato, creando un paesaggio sonoro dinamico che sfida un riferimento di genere fisso. Tra i titoli di coda del trio di Camille Norment ricordiamo The Kitchen, New York, NY; Cleveland Museum of Art; Ultima New Music Festival, Oslo; The Museum of Contemporary Art, Oslo; e Henie Onstad Kunstsenter (HOK). La loro prima uscita, Toll, è disponibile su Prisma Records e le recensioni dei loro lavori sono apparse su The Wire, The New York Times, The Wall Street Journal, Aftenposten e KuNordische Musik.

Sofia Jernberg è soprano, doppista, improvvisatrice e compositrice. Ha studiato jazz presso Fridhems Folkhögskola, Svalöv, Svezia e si è formata a Gotlands Tonsättarskola, Visby, Svezia, una scuola dedicata esclusivamente alla composizione musicale. Jernberg è stata la vincitrice del premio Royal Swedish Academy of Music Jazz 2008 e co-dirige e compone per l’ottetto jazz moderno Paavo e il quartetto contemporaneo di Lieder The New Songs. Nel corso degli anni ha sviluppato un vocabolario unico di suoni e tecniche che includono il canto a tono diviso, il canto senza tono e il canto distorto che le permettono di apparire in un’ampia costellazione di spettacoli musicali attraverso il tempo e i generi.

David Toop è compositore, autore, curatore e professore di Audio Culture and Improvisation presso il London College of Communication. Ha ampiamente pubblicato. Il suo primo libro, Rap Attack, è giunto alla sua terza edizione. Dalla pubblicazione Ocean of Sound nel 1995 aveva registrato cinque album da solista, tra cui Screen Ceremonies, Pink Noir e Spirit World e pubblicato Exotica: Fabricated Soundscapes in a Real World.

Padiglione dei paesi scandinavi
Il padiglione nordico alla sua presentazione alla Biennale di Venezia, Il padiglione, progettato da Sverre Fehn, è stato costruito tra il 1958 e il 1962. Lo spazio aperto è stato progettato per far luce che ricorda quella dei paesi nordici. Fredrik Fogh ha ampliato l’edificio nel 1987.

La cooperazione tra Finlandia, Norvegia e Svezia a Venezia fu iniziata nel 1962 dopo il completamento del Padiglione nordico. Fino al 1984, la rappresentanza di ciascun paese era organizzata a livello nazionale. Dal 1986 al 2009 il padiglione è stato commissionato nel suo insieme, con la responsabilità curatoriale che si alternava tra i paesi partecipanti.

Tra il 2011 e il 2015, Svezia, Finlandia e Norvegia si sono alternate a curare il padiglione da solo. Nel 2017 hanno ripreso la cura congiunta.

Biennale di Venezia 2015
La Biennale d’Arte 2015 chiude una sorta di trilogia iniziata con la mostra curata da Bice Curiger nel 2011, Illuminazioni, e proseguita con il Palazzo Enciclopedico di Massimiliano Gioni (2013). Con All The World Futures, La Biennale prosegue la sua ricerca su riferimenti utili per esprimere giudizi estetici sull’arte contemporanea, una questione “critica” dopo la fine dell’arte d’avanguardia e “non artistica”.

Attraverso la mostra curata da Okwui Enwezor, La Biennale torna a osservare il rapporto tra arte e sviluppo della realtà umana, sociale e politica, nella pressione di forze e fenomeni esterni: i modi in cui, cioè, le tensioni dell’esterno il mondo sollecita le sensibilità, le energie vitali ed espressive degli artisti, i loro desideri, i movimenti dell’anima (il loro canto interiore).

La Biennale di Venezia è stata fondata nel 1895. Paolo Baratta è stato presidente dal 2008, e prima ancora dal 1998 al 2001. La Biennale, che è all’avanguardia nella ricerca e promozione di nuove tendenze dell’arte contemporanea, organizza mostre, festival e ricerche in tutti i suoi settori specifici: Arts (1895), Architecture (1980), Cinema (1932), Dance (1999), Music (1930) e Theater (1934). Le sue attività sono documentate presso l’Archivio storico delle arti contemporanee (ASAC) che recentemente è stato completamente rinnovato.

Il rapporto con la comunità locale è stato rafforzato attraverso attività didattiche e visite guidate, con la partecipazione di un numero crescente di scuole venete e non solo. Questo diffonde la creatività sulla nuova generazione (3.000 insegnanti e 30.000 studenti coinvolti nel 2014). Queste attività sono state supportate dalla Camera di commercio di Venezia. È stata inoltre istituita una collaborazione con università e istituti di ricerca che organizzano tour e soggiorni speciali nelle mostre. Nel triennio 2012-2014, 227 università (79 italiane e 148 internazionali) hanno aderito al progetto Sessioni della Biennale.

In tutti i settori ci sono state maggiori opportunità di ricerca e produzione rivolte alle giovani generazioni di artisti, direttamente in contatto con insegnanti di fama; questo è diventato più sistematico e continuo attraverso il progetto internazionale Biennale College, attualmente in corso nelle sezioni Danza, Teatro, Musica e Cinema.