Byung Ki Kim: Segmentazione dei sensi, Museo nazionale di arte moderna e contemporanea Gwacheon

Il National Museum of Modern Art è un “logico e intelligente come teorico dell’arte, che si carica per natura (大戰) dopo un po ‘sensibile alle informazioni di tendenza sull’arte occidentale gadadeumeo la moderna coscienza formativa e la logica sostenevano l’estetica fortemente astratta nella prima forma d’arte contemporanea della Corea. ” (Lee Gu-yeol, 1990) Vengono presentate le opere di Kim Byung-ki (1916-), utilizzate negli ultimi 60 anni. Nato a Pyongyang, Kim Byung-ki ha interiorizzato la sua vita moderna sin dall’inizio e si è recato in Giappone per incontrare arti emergenti come l’astrazione e il surrealismo. Ha lasciato il Vietnam prima dello scoppio della guerra di Corea e ha svolto un ruolo fondamentale nello stabilire le fondamenta dell’arte contemporanea coreana come pittore, critico, educatore e amministratore. Il significato e il valore dell’astrazione è la società che affronta l’arte coreana. Il contesto culturalmente specifico e Kim Byung-ki, che esamina da vicino l’evoluzione storica dell’arte astratta dalla prima arte occidentale dalla discussione in termini di specificità e universalità dell’accettazione dell’arte occidentale, sono stati costantemente interrogati su un linguaggio visivo astratto contemporaneo. Era il 1965. Dopo aver partecipato alla Biennale di San Paolo come commissario, si stabilì negli Stati Uniti senza tornare a casa e lavorò nella sua carriera di pittore. In prima linea e incontrato le civiltà asiatiche della civiltà occidentale, opere di Los Angeles che ha inviato nelle loro opere astratte e concrete, Oriente e Occidente, natura e cultura, spirito e sostanza, tradizione e corrente, compresi i consueti due minuti (II. Min) oltre i confini del non johwaropji le forze opposte È legato a una tensione instabile. Nonostante l’età di 100 anni,

Experiment of Abstract: dalla metà degli anni ’50 all’inizio degli anni ’70
La corrente di carica viene prodotta quando il lavoro (metà degli anni ’50) dal domenicano (1965 anni) dopo il 1970 caratterizzò il lavoro fino a quando i primi anni saranno in grado di chiamarlo esperimenti aggressivi con Abstract che fu attratto dall’estero in Giappone in tempo. Dalla metà degli anni Cinquanta, quando Informel iniziò a passare attraverso i dipinti coreani, Kim Byeong-gi, che era più sensibile alle tendenze nel mondo dell’arte internazionale di chiunque altro in Corea, studiò la teoria e la pratica francese e le accettò selettivamente nelle sue opere. Il contenuto e la sostanza piuttosto che l’Informalismo dell’espressione dell’esistenza umana dopo averlo notato, erano sempre calligrafici di bellezza e surreali poiché una doppia immagine evoca anche mistero e seosaseong trovati nel formato. Nello stato di New York (Saratoga), l’interesse dell’artista si è naturalmente esteso all’espressionismo astratto. Per lui,

Coesistenza di forme e non-forme: dall’inizio degli anni ’70 alla fine degli anni ’80
1970 CM sin dai primi anni ha rivelato una forte presenza e, questo materiale è ancora vita e paesaggi che guiderà per tutta la vita mettendo radici sulla tela. Mentre lo sguardo dell’artista è rimasto nella vita quotidiana degli strumenti artistici nell’officina, la ceramica, interrotta dal ciglio della strada su Wild Grass, come un paesaggio minore intorno alla casa è Saratoga riempie lo schermo. L’apparizione di forme concrete non era il confronto frontale di astrazione o contraddizione di sé come artista, ma il modo in cui il destino ha fatto un passo più profondo nel vicolo cieco dell’astrazione. In effetti, i suoi dipinti astratti non sono mai stati favoriti nella vita, quindi l’aspetto delle immagini non è improvviso. Il suo lavoro non riguarda i tipi di obiettivi, si riferisce a una duplice riproduzione di questa ragione e senso di attività che è una realtà. Questo cambiamento non sarà correlato ai vari concetti e atteggiamenti nei confronti dell’arte che riapparvero nel mondo dell’arte dopo l’espressionismo astratto. Durante questo periodo, e non suscettibile di nulla, i disegni e persino un tipo zen L’esperimento sull’espressione e lo spazio di (線) è eccezionale.

Segmentazione dei sensi: fine anni ’80-primi anni 2000
Dopo essere tornato alla sua prima mostra personale dopo l’orata alla fine degli anni ’80, ha visitato diverse volte fino alla sua ultima mostra personale nel 2000. Se il lavoro può essere definito un politico non semplicemente perché il paesaggio della Corea al materiale, diviso per immagini linguaggio che evoca l’eterogeneità nel modo di divisione del senso consuetudinario, un po ‘per riprodurre la realtà contraddittoria della tradizione e tale doppia modernità sconnessa Ha creato un senso di eterogeneità. In questo periodo, i suoi dipinti fanno apparire sullo schermo la storia e la realtà come un mistero, invalidando la struttura dicotomica di spazio e tempo, visibile e invisibile, superficie e profondità, pensiero e azione. Nella forma, la linea divenne più audace e ruvida. Nongmuk (濃墨) attraversa lo schermo della linea nera in modo così emozionante e divide bruscamente lo schermo,

Estetica incompiuta (未完): 2000 secondi – Corrente
Gli anni successivi sono di solito tempi di conformità. È tempo di riconciliarsi con la dissonanza dell’ultima volta, scendere a compromessi con il tempo rimasto o tollerare, armonizzare e sintetizzare attraverso la contemplazione della vita. Tuttavia, Kim Byung-ki, che è sopravvissuto per un secolo, è ancora diffidente nei confronti dei compromessi e dei compromessi e cerca di crearne di nuovi nel “divario”. Il suo lavoro si ripresenta nuovamente a metà del 2000, terminando la sua carriera di 40 anni negli Stati Uniti orientali e trasferendosi a Los Angeles. Mentre la tela è piena di paesaggi californiani, le forti primarie dei periodi precedenti scompaiono e vengono proiettati i cieli soleggiati di Los Angeles e i colori della terra gialla. Le linee che dominano lo schermo con una calligrafia più avanzata sono lo scenario di Hollywood Mountain, dove si trova lo studio dell’artista, il ruscello di montagna della patria, il corpo di tutti gli esseri umani che alla fine dureranno, cioè una natura che cambia all’infinito ma alla fine una sola. È un’espressione di. Il suo lavoro durante questo periodo fu “non finito”, in altre parole, implementa “incompiuto come completamento”. I colori colorati e le indagini sono ridotti al massimo, lo strato di pigmento è minimizzato il più possibile, e lo sfondo della tela e le tracce dell’opera sono visualizzati intatti e lo spazio vuoto è pieno in se stesso. Questo viene visualizzato in jyeotgi principalmente disegnato come una linea anziché riempire lo schermo, ovvero il tratto (劃) è reso possibile dal jyeotgi. L’autore riconosce il mondo alla linea più che mai un parametro chiave e collega la mente individuale e le destinazioni esterne.

Museo Nazionale di Arte Contemporanea, Gwacheon, Corea del Sud

Il Museo Nazionale di Arte Contemporanea, Gwacheon è stato progettato nel 1986 dall’architetto Kim Tae-soo.

È un museo per famiglie che armonizza tradizione e modernità applicando il metodo tradizionale coreano di composizione spaziale alle funzioni moderne.

Gwacheon è un museo d’arte incentrato sui visitatori composto da otto sale espositive che utilizzano l’esperienza di ogni campo come architettura, artigianato, fotografia, pittura, scultura, media e museo d’arte per bambini per l’educazione e l’esperienza dei bambini.

Puoi incontrare le opere d’arte della natura nella sala delle sculture all’aperto e fare preziosi ricordi al Museo Nazionale di Arte Contemporanea, Gwacheon, dove puoi incontrare l’arte moderna coreana che vive nella sala espositiva al coperto.