Concetto di design legato al tema della Biennale di Busan 2016; La Terra ibrida, Discutendo la moltitudine, deriva da un “anello annuale” che si trova sullo stelo o sulla radice degli alberi. L’anello annuale ha una forma diversa a seconda del tasso di crescita, ma alla fine ha una linea in comune come lo sviluppo culturale. Varie culture sono sviluppate in diverse circostanze geografiche, storiche e politiche, ma contemporaneamente sono cresciute alla vista dell ‘”umanità” attraverso l’E.I.

Terra ibrida, discutendo di moltitudine
La tecnologia digitale che trascende il tempo e lo spazio e rende possibile il networking ha legato la terra in una singola comunità, integrando il mondo in un mercato unico. All’interno di un’app installata sui nostri smartphone, 10 miliardi di persone in tutto il mondo trascendono i loro confini religiosi, etnici e nazionali e sono collegati in rete. L’umanità vive attualmente in una “generazione di moltitudine” che nessun’altra generazione ha mai vissuto.

La biennale che riunisce artisti e studiosi di diverse religioni, etnie e nazionalità per discutere le questioni del passato, del presente e del futuro dell’umanità sarebbe la forma di esposizione più adatta per questa generazione di moltitudine. A differenza della letteratura, del cinema e di altri settori culturali, questo è un palcoscenico unico che può essere offerto solo attraverso il genere artistico e la piattaforma della biennale. Il tema di “Hybridizing Earth, Discussing Multitude” della Biennale di Busan è ben allineato a questo concetto. Il mondo “ricco ma impoverito” derivante dall’ibridazione della tradizione e del moderno; uomo e natura; Est e Ovest; analogico e digitale; capitale e tecnologia; è ciò che è una terra ibrida. È un luogo che non deve mai essere ridotto a capitale e tecnologia, e un luogo in cui l’umanità che si confronta con la realtà inizia la loro resistenza e fuga.

“Hybridizing Earth, Discussing Multitude” è un luogo di discussione delle possibilità. È un luogo scomodo e angosciante che riflette sulle inefficienze del mercato e sull’irrazionalità umana e sulla vulnerabilità dell’arte al mercato e al suo sistema. Come la malinconia di Walter Benjamin, forse un documento di civiltà è un documento di barbarie allo stesso tempo. Spero che questa Biennale di Busan sarà la stessa.

Punti salienti

Lida ABDUL
In transito
Lida Abdul è famosa per le sue opere legate all’Afghanistan, il suo paese di origine. Il paesaggio che l’ha incantata nella terra che ha subito 35 anni di guerra è stato tracce di rovine. Il suo lavoro (2008) è ambientato nella periferia di Kabul, dove il paesaggio è completamente in rovina a causa di 20 lunghi anni di guerra. Più di 70 bambini tra i 5 ei 9 anni sono presenti nel lavoro. I bambini cercano di riempire tutti i fori dei proiettili nella fusoliera di un aereo bombardiere precipitato e tirarlo per farlo volare come un aquilone nei loro sforzi per trasformare le atrocità della guerra in speranze e in un nuovo futuro. Nonostante la tragica e violenta situazione in cui si trovano, i bambini stanno cercando di neutralizzare la tragedia in cui si trovano attraverso la loro innocenza. Un altro lavoro (2013) è composto da una macchina fotografica, 300 foto e suoni del passaporto (una voce che trasmette un testo toccante magnificamente ma dolorosamente). La presenza della voce, o la sua assenza, rende il suo lavoro più luminoso.

Rina BANERJEE
Capelli lunghi intrecciati etnici e di razza, arrotolati e intrecciati. Oh, come ha fatto e fatto, mangiato, mangiato all’ombra, sonnecchiato e sporcato il suo riflesso per vedere queste nazioni fasulle che mi fanno piccole torte dolci.
Il lavoro di Rina Banerjee comprende persone sparse, corpi che popolano e impollinano terra, mare e aria. L’artista si dedica principalmente all’artigianato come rilegatura, cablaggio, cucitura e fissaggio. Si immerge nelle parti o nei materiali di collegamento che sono diventati frammentati e non compatibili perché non si sono davvero parlati. Continua ad avventurarsi nell’esplorazione estetica al fine di riscoprire nuove e diverse bellezze collegando frammenti impulsivamente selezionati di cose che ha raccolto in precedenza.

Aya BEN RON
Salvare
Aya Ben Ron espande il più possibile la memoria inconscia di un corpo malato, la percezione della morte e della moralità e il dolore in un contesto socio-storico. Tutti i suoi lavori si basano sull’esperienza che Ben Ron ha accumulato negli anni studiando a fondo manuali e schizzi, malattie e cure mediche. Ben Ron trascende i confini categorici delle due discipline. Nonostante l’evidente presenza di morte e dolore nel suo lavoro, non è possibile trovare alcun intervento sentimentale o glamour di morte e malattia. Aya Ben Ron mantiene una distanza emotiva e usa un cupo senso dell’umorismo per esplorare il più possibile le procedure mediche in un contesto socio-storico.

CHO Hyeongseob
Negozio moderno
Rinascimento, creazione e modernizzazione erano le parole preferite usate pubblicamente e come slogan politici negli anni ’70 e ’80 in Corea. Queste parole un tempo amate da tutta la nazione sono ora diventate uno spettacolo raro che si possono trovare solo sulle insegne della campagna. Da “Renaissance Store” che non sembra in grado di rianimare, “All Creation Store” che non sembra abbastanza grande da offrire tutti i tipi di creazioni, a “Modernization Store” che non sembra affatto moderno , le parole chiave del desiderio del tempo potrebbero essere percepite. L’intenso desiderio di abbondanza di un’era accompagnata da povertà, declino e assenza si connette al presente come un’ombra di ironia e irrazionalità. Cho Hyeongseob elabora i valori e gli ideali che abbiamo perso nei pezzi della nostra memoria o sui loro confini.

CHOI Kichang
Potresti correre a lungo
(2016) inizia con la realizzazione di 304 fori nella superficie di vecchi muri lasciati nella fabbrica KISWIRE Suyeong. Questi buchi collegano vecchi spazi che sono stati messi fuori uso e spazi che sono stati recentemente formati al fine di svolgere i loro ruoli come un ponte di luce che consente scambi tra la funzione contundente del passato e del futuro che è pieno di nuove aspettative. Questi buchi sono riempiti con “alcuni oggetti scomparsi o parti di essi che vengono recuperati” o “non disposti e conservati, ma ora il significato di conservazione è sbiadito”.

CHOI Sungrok
Operazione Mole-Endgame
L’artista Choi Sungrok è impegnato a trasformare il panorama e gli incidenti sociali, culturali, storici contemporanei in un’epopea usando le tecnologie digitali e i nuovi media. Il suo lavoro (2016) è un’animazione 2D ad alta definizione. L’animazione creata con il motivo dei tunnel sotterranei realizzati dalla Corea del Nord per invadere il Sud negli anni ’70, forma un unico panorama personale ma sociale che si collega agli eventi contemporanei in modi diversi e complessi. Questo lavoro allinea e combina scene e ricordi di barbarie e corruzione che si svolgono all’interno della nostra civiltà in un unico fotogramma. Le scene che trascendono il tempo e lo spazio per connettersi, creare, distruggere e ricominciare sono combinate e ricostruite delicatamente attraverso l’asse del tempo e sotto forma di gioco.

Cytter Keren
Giardino di rose
(2014) è una storia tragica che si svolge in un bar texano. Si può dire che questo lavoro è un pastiche del film surrealista di Luis Buñuel (1930). Il nome del bar deve derivare dallo slogan “Non ti promettiamo un roseto” scritto in un poster di reclutamento del Corpo dei Marines. Tuttavia, lo slogan il cui uso è stato talmente ignorato dal Corpo dei Marines è stato originariamente tratto dal libro “Non ti avevo promesso un roseto”, che parla di una donna schizofrenica che ha creato il suo mondo in una fantasia elaborata. Si potrebbe considerare questo lavoro come un film che ha il contrasto tra la trama drammatica e la composizione spensierata come tema chiave. Diverse storie esistono indipendentemente, tuttavia, tutte quelle scene indipendenti si sovrappongono. Proprio come le scene del film di Buñuel, la trama viene riprodotta senza abbastanza spiegazione. Le conversazioni sono illogiche come se fossero scritte da un bambino e, a volte, le tracce vocali non corrispondono ai movimenti della bocca degli attori. Le colonne sonore cambiano l’umore, ma nessuna di queste è congruente con le scene. Il film sembra una realtà alternativa.

Kiri DALENA
Dopo Mebuyan
Kiri Dalena che si occupa delle questioni sociopolitiche filippine è un artista e un attivista sociale. Il titolo del suo lavoro (2016) è una dea degli inferi della mitologia filippina che controlla la vita e la morte usando il riso. Mebuyan, che è una figura dal seno multiplo, siede su un tavolo per martellare e macinare il riso con le mani piene di chicchi di riso, il simbolo della vita. I granelli sparsi dopo essere caduti dalle sue mani sono un “annuncio della morte della folla e del pubblico”. In un’altra tribù Mindanaon, i Manobos, eseguono riti e rituali per scolpire una figura umana dal riso cotto dopo una sepoltura di cui tutti partecipano.
Nel 2016, gli agricoltori della Provincia di Cotavato, situati nelle Filippine settentrionali, hanno dovuto affrontare progetti estremi a causa di El Nino. Oltre 6.000 agricoltori hanno formato una barricata umana dall’altra parte dell’autostrada per chiedere aiuto per il riso. Il governo delle Filippine ha inviato la polizia armata per dissolverli per compulsione usando cannoni ad acqua e baionette. Un contadino fu ucciso e decine di feriti nella forte dispersione.
Il numero 635 in (2016) è il numero di inquilini e attivisti umani uccisi dall’autorità governativa delle Filippine negli ultimi 15 anni. L’artista prese in prestito un rituale nella mitologia filippina e fece 635 chicchi di riso con oro 14K per rendere omaggio a coloro che erano stati ingiustamente uccisi.

Folkert DE JONG
Business come al solito: “The Tower”
Folkert de Jong è noto soprattutto per le sue sculture e installazioni espressive che derivano da un forte fascino per la condizione umana psicologica e corporea. De Jong è interessato a riesaminare simboli culturali e figure storiche e il potenziale per la scultura di trasformare le narrazioni esistenti. In particolare, lo stile distintivo di De Jong è formato dal suo uso idiosincratico di materiali isolanti come poliuretano color caramello e polistirolo, una scelta che non era semplicemente un gesto anti-gerarchico. Questi materiali sono inquinanti e i loro effetti sull’ambiente sono radicalmente dannosi. Le opere esposte alla Biennale di Busan 2016 si basano sull’idea di The Descent of Man di Charles Darwin (pubblicata nel 1870) e The Myth of Sisyphus di Albert Camus. La straordinaria (2008) evoca conflitti nella sua rappresentazione grafica di corpi carbonizzati e smembrati: seduti, in piedi, in ginocchio, appesi a testa in giù e allungati orizzontalmente attraverso lo spazio, come i morti viventi. Il ciclo simbolico suggerito nel cerchio delle scimmie nell’installazione (2008) non descrive l’evoluzione dalla scimmia all’uomo, ma semplicemente il movimento. Il quadro rosa in (2008) potrebbe essere un frammento tratto da una catena di eventi storici e la torre delle scimmie un assurdo tentativo di moralità: “Non parlare male, non sentire alcun male, non vedere alcun male”. L’unico pezzo ciò si distingue dall’idea che l’umanità sia illusa della propria originalità e unicità è l’opera (2008) Le due scimmie bianche, che prendono in prestito il loro significato simbolico nell’astrologia zodiacale, rappresentano la sottovalutazione della natura da parte degli uomini. Le scimmie rispecchiano la nostra stessa assurdità nel modo in cui siamo programmati per credere che possiamo sfuggire e controllare i cicli naturali del pianeta Terra, quando invece dovremmo imparare a farne parte e accettare il fatto che siamo esseri fragili e mortali.

FANG Lijun
2014-2015
Fang Lijun è uno degli artisti più influenti nell’arte cinese contemporanea. La figura “calva” nei suoi dipinti è diventata il simbolo più classico dell’arte cinese contemporanea e il suo stile di lavoro è stato definito come rientrante nella categoria del realismo cinico. Il realismo cinico era una resistenza contro la cultura in quei tempi. Pertanto, le espressioni che cercavano di staccarsi da temi pesanti e seri e da schermi precipitosi erano dominanti. <2014-2015> (2015) è un dipinto di 8 metri di larghezza, ed è una delle opere recenti più recenti di Fang Lijun. I numerosi, grandi bambini nel dipinto hanno le spalle al pubblico e affrontano l’enorme sole. La forte luce emessa dal sole sembra un’enorme energia emessa da un nucleo atomico. I bambini nel quadro fissano in silenzio la scena. Un’ironia così intensa ma tranquilla è la parte più avvincente delle opere recenti di Fang Lijun. Negli ultimi anni, i suoi lavori mostrano una tendenza dello schermo sempre più grande. Inoltre, mentre le sue opere passate riguardavano principalmente figure calve, sempre più figure di bambini sono presenti nelle sue opere recenti. Ciò potrebbe essere strettamente correlato al fatto che abbia avuto una figlia nel 2005. La nascita di sua figlia deve essere stata un cambiamento significativo per Fang Lijun in cui la sua vita si è trasformata in quella di un padre e che si è inconsciamente sciolta nella sua vita personale, influenzando inconsapevolmente stile di lavoro.

Zoro FEIGL
Districare le maree
Il lavoro di Zoro Feigl è composto da movimenti e varie tracce lasciate da tali movimenti. Il suo lavoro è un’installazione potente ma elegante creata dalla combinazione di energia cinetica fornita alle corde e ai motivi ripetuti. In (2014), che è una creazione creata dall’innalzamento e dalla caduta del mare, il mare forma una costa e la costa contribuisce a sua volta alla formazione del mare. Due spesse corde sparse nello spazio non cessano di fermarsi come il mare che spinge le acque verso la riva. Come se imitassero la marea che entrava e usciva, le corde entrano in contatto, si spostano e si allentano di nuovo. In (2015), i cerchi neri corrono avanti e indietro lungo un tubo d’acciaio, ruotando e ruotando da un’estremità all’altra come un gioco di qualche tipo che i bambini giocano. A volte, i cerchi rimbalzano violentemente mentre si attorcigliano e si girano, e poi improvvisamente ballano con grazia in perfetta armonia. I cerchi più piccoli passano facilmente attraverso i cerchi più grandi, interrompendo incessantemente i movimenti reciproci, urtandosi l’un l’altro e creando una coreografia ritmica. (2012) in cui un gigantesco telone si diffonde in un’elegante danza di onde e riccioli in qualche modo ricorda i fragili e delicati fiori di papavero. Tuttavia, c’è una forza incantevole all’opera in questa danza ipnotizzante. Si manifesta una battaglia aggressiva tra gravità, attrito e forza centrifuga.

Ibelisse GUARDIA FERRAGUTTI
cimosa
‘Non c’è suono senza movimento, nessuna immagine senza suono. Questi tre elementi sono complici necessari che si intrecciano irrimediabilmente. “La performance di Ibelisse (2016) è stata sviluppata dall’ispirazione che ha ottenuto nel corso dell’apprendimento di Wushu, Kungfu e frusta dai monaci taoisti (Monti Wudang) e buddisti (tempio Shaolin) in Cina per tre mesi. L’esibizione di frustate contro un muro bianco è un’opera di meditazione ciclica per Ibelisse. I movimenti delle fruste creano suono e lasciano tracce nere sul muro bianco. L’esibizione continua per almeno 3 ore e col passare del tempo, ciò che rimane gradualmente inciso sul muro sono tracce: un omaggio ai movimenti, ai suoni e alle immagini.

Probir GUPTA
Requiem
(2016) manifesta abusi disumani nel trattare bambini, ragazze e donne come schiave del sesso e costringendoli a lavorare come macchine. Probir Gupta rende omaggio agli schiavi del sesso oggi attraverso questo lavoro. Sui piatti di ferro sul retro dell’opera sono incisi nomi di fiori in memoria delle donne rapite. Questo lavoro visivamente anormale fornisce una traduzione metaforica delle atrocità umane. (2012) riflette la diaspora degli ebrei in India. Mostra indù, musulmani e cristiani che coesistono pacificamente e vivono una vita felice in una distopia tra estremisti islamici. I guardiani che gestiscono le sinagoghe ebraiche sono musulmani di terza generazione. Nel film, si possono vedere scene che hanno strutture di scheletri, oggetti, feedback di israeliani integrati. Avendo scritto da Ernest Hemingway come libro di consultazione, il lavoro è stato ispirato da una situazione di vita reale di ebrei e musulmani che coesistono pacificamente e senza minacce sulla strada affollata di Calcutta.

Hong Wonseok
HONG Progetto di servizio autista Wonseok – JOYOUS EXPERIENCE, SOCAR
(2016) di Hong Wonseok è un lavoro di performance composto da diversi progetti. Consiste nel Progetto 1, che tratta delle avanguardie autoctone e autoctone Corea-Cina-Giappone negli anni ’70 e ’80, e nel Progetto 2, che si occupa del Museo d’Arte di Busan e delle biennali globali dagli anni ’90. Artisti, curatori e cittadini partecipanti si spostano tra le due sale espositive tra cui la fabbrica KISWIRE Suyeong tramite taxi e scambiano domande e risposte su questioni relative alla Corea e al mondo, vita e cultura, potenziale commerciale e paesi. L’artista spera che il suo lavoro serva da luogo scomodo e doloroso in cui si può riflettere l’inefficienza del mercato, l’irrazionalità degli umani, le vulnerabilità fondamentali dell’arte soggiogate ai mercati e alle istituzioni e così via. Il (2016) di Hong Wonseok è un microcosmo del tema di questa Biennale, “Hybridizing Earth Discussing Multitude”.

HU Jieming
Sincronia
(2016) di Hu Jieming è un’opera video che prende in prestito il metodo di ripresa di fotografie su larga scala. È un’opera che ha filmato un folto gruppo di persone che viaggiano oltre lo spazio e il tempo. L’identità delle persone nelle fotografie su larga scala si sviluppa in spazi e tempi misti. Una varietà di scene che cambiano contengono ogni sorta di narrativa. I soggetti del film sono stati presi da fotografie di un lontano passato. A partire dagli amici dell’artista a personaggi storici di un periodo di tempo diverso, la gamma delle persone nelle fotografie è molto ampia. Usando effetti speciali, Hu Jieming scrive nuove storie dando movimenti ai volti di ciascuna delle figure nella fotografia. Le persone nelle fotografie che provengono da spazi e tempi diversi hanno caratteristiche fisiche diverse. Compilandoli insieme attraverso il singolo spazio e il tempo, l’artista cerca di esprimere l’identità di razza mista e ciascuno dei diversi viaggi della vita.

Saleh HUSEIN
E tutto intorno a noi è bello
di Saleh Husein (2016) è un’opera immaginaria basata su “Tjahaja PASI” (La luce del PASI), un inno alle speranze e ai sogni del socialismo islamico indonesiano. Durante la rivolta del 1966, il governo indonesiano bandì tutto ciò che riguardava il comunismo o il socialismo con il nome di proteggere la società. Anche canzoni, composizione e inni sono stati inclusi nelle cose che sono state bandite. Il lavoro dell’artista esamina come un partito politico può utilizzare le canzoni come strumenti per controllare o istigare dichiarazioni politiche, meccanismi uniformi o persone. Per fare ciò, l’artista rimanda alla prospettiva degli arabi sulla globalizzazione attraverso l’uso delle culture occidentali (la sezione di ottoni di un’orchestra e di un coro). Il lavoro rievoca “layartancep” (proiezione di film all’aperto), che è un tipo di proiezione che un tempo veniva spesso usata come strumento di propaganda in politica in Indonesia molto tempo fa.

Erdal INCI
Taksim Spiral
L’artista multimediale ErdalInci sperimenta i movimenti clonati attraverso il suo lavoro video. L’artista crea video ipnotici o file GIF di se stesso che si muove attraverso spazi pubblici portando a volte luci o altri oggetti. Inci sembra non essere altro che un’ombra, o scompare completamente a seconda della sua esposizione alla luce, creando un video ancora più misterioso e sognante. Inci si è concentrato sul fatto che se continua a clonare la performance registrata, il video si sposterà perennemente. Tutte le fasi temporali degli stessi movimenti possono essere viste in brevi momenti come 1 o 2 secondi. Inci pensava che ciò potesse dare allo spettatore la possibilità di pensare come un coreografo che dirige un folto gruppo di persone o un pittore che può riempire una cornice non con forme o colori ma con movimenti. ErdalInci è stato ispirato dai modelli utilizzati nelle arti e nei mestieri tradizionali, nella danza e nella ripetizione. Il suo lavoro può essere descritto come una sintesi di movimento, prestazioni e ambienti reali.

JANG Jaerok
Un altro paesaggio
Jang Jaerok era affascinato da gigantesche strutture artificiali e delicati dispositivi meccanici. Pertanto, i suoi dipinti orientali sono disegnati come una pianta del pavimento, usando segni su un righello, come se tutte le distanze fossero misurate meccanicamente. Sono tutt’altro che allegri o vivaci dipinti tratteggiati con un tratto di pennello. Il mondo in cui viviamo è pieno di macchine e strutture artificiali. L’artista non dipinge semplicemente l’aspetto esteriore di una macchina perfettamente rifinito. Le macchine o le strutture nel suo lavoro sembrano una bizzarra e terrificante carta anatomica.

JIA Aili
Eremita dal Pianeta Ⅱ
La regione nord-orientale della Cina è il cuore dell’industria pesante della Cina, nonché un luogo in cui si sono verificati numerosi eventi storici nella storia moderna della Cina. Il nordest e la regione settentrionale hanno provocato la rapida crescita economica della Cina in precedenza, ma hanno subito un declino economico dagli anni ’80 agli anni ’90. Di conseguenza, la maggior parte delle fabbriche dell’industria pesante è fallita o chiusa, lasciando centinaia e migliaia di operai che cambiano o abbandonano il lavoro. In un batter d’occhio, l’egualitarismo assoluto nell’economia pianificata del passato si trasforma in un’economia di mercato basata sulla performance. La sfortuna e la desolazione, compresi gli operai della fabbrica, la società divenne cicatrici e dolori dei tempi. La parte più saliente dell’opera di Jia Aili, che ha osservato a fondo quel particolare periodo di tempo, è la scena “in rovina”. Per dare la sensazione che le cose siano “in rovina”, Jia Aili dipinge macchine e persone sfocate e sfocate nel suo lavoro. Ciò consente agli spettatori di immaginare e sentire l’ambiente caotico e la solitudine di un individuo. Le vite delle persone manifestate nei suoi dipinti portano tutte una sensazione di impotenza dei tempi, e gli umani rimangono solo esseri deboli e stanchi contro lo schermo gigantesco. Le sue opere ci fanno riflettere sul nostro passato e parlano di un triste futuro in cui siamo costretti a fare i conti con la realtà. Nonostante il palcoscenico della nuova opera di Jia Aili (2016) sia sullo sfondo di uno schermo infinitamente ampio e accogliente, la sensazione di essere “in rovina” è costantemente presente in tutte le sue opere resti.

JIN Yangping
Balloon Hit NO.1
L’artista Jin Yangping gode della disillusione e del disgusto del modernismo e del socialismo e crea apertamente “dipinti di classe B”. I “dipinti di classe B” descrivono la tendenza a distorcere e rovesciare apertamente valori e forme tradizionali al fine di attaccare le debolezze universali dello spirito dell’umanità e la fondamentale vulnerabilità dell’esistenza umana contemporanea. Come se il decostruttivismo denuncia la natura oppressiva dello stalinismo e decostruisce il metadisco del neoliberismo, l’artista attacca sia la forma che il contenuto dell’arte cinese dei tempi. Jin Yangping prende in giro la creatività e l’originalità e non persegue il completamento delle opere. Il suo lavoro è espresso in modo discontinuo, casuale e frammentato. Le opere di Jin Yangping sono “filosofia anti periodica”, ed è così che dipinge un “artista di classe B”.

Reena KALLAT
Vite sillabate
(2015-2016) è una riconfigurazione di mutazioni fantastiche che si verificano in natura. Varie specie di uccelli, animali, alberi, fiori che simboleggiano diversi paesi sono ibridate per connettere i conflitti tra i paesi con trattini in modo simbolico. Reena Kallat sentì il bisogno di esprimere l’impatto che un’esistenza o estinzione di qualcosa può avere su altre specie attraverso l’uso di specie diverse dall’uomo. Il motivo della serie di tali lavori proveniva da cavi elettrici. Un cavo elettrico che trasferisce pensieri e informazioni unisce le persone e forma intrecci minuziosamente intrecciati che trasformano fili spinati come barriere. L’esplorazione di tale indipendenza e interdipendenza mette in luce il rapporto tra sé, i vicini e forse i paesi in conflitto. Ci fa anche riflettere su molti diversi rapporti e confini che costituiscono la nostra complessa esistenza. L’artista ha continuato a lavorare nello stesso contesto per molti anni e , presentato al Campbeltown Arts Centre di Sydney, è stato l’inizio di tale serie di opere. Il focus del lavoro si è esteso dal suo interesse di vecchia data su paesi politicamente divisi ma storicamente vicini a risorse naturali che sono alla base di conflitti e controversie tra paesi divisi come India-Pakistan, Irlanda-Inghilterra, Israele-Palestina, Corea del Sud -Corea del Nord e USA-Cuba.

KIM Hak-J
tra desiderio e universo
Kim Hak-J pone una domanda: “l’intelligenza sciamante del mondo ha davvero guadagnato simpatia e si sta muovendo nella giusta direzione?” L’umanità lascia tracce della sua vulnerabilità in ogni periodo della storia in modo che non sia un’esagerazione descrivere la storia dell’umanità ” storia del desiderio ‘. Le forme che i migliori valori rappresentati dall’intelligenza dello sciame di oggi adottano possono essere definite come tecnologia che si sta rapidamente sviluppando e la nostra conseguente presenza nello spazio. L’artista cerca di esprimere il consolidamento dell’intelligenza del mondo per l’ottenimento di tali valori e l’ombra oscura del desiderio nascosto dietro i conflitti. Un falso satellite è installato sul pavimento e sul muro come una tomba, e le fotografie attaccate alle ali del satellite presentano codici iconici per “fenomeni schizofrenici” e “desiderio” che si basano sul libero flusso del capitale monetario del “capitalistico” machine ‘, l’unica società che si basa sul flusso decodificato come proposto da Gilles Deleuze e Felix Guattari. Le immagini di un robot che fa una passeggiata solitaria in un vasto spazio e un umano sono proiettate sulla superficie del muro per creare un’atmosfera “implicita” nel suo insieme. “Space Oddity” del pioniere della musica pop David Bowie, che parla della comunicazione con un alieno e 10 CC “Non sono innamorato” sono tagliati e suonati.

KWON Sunkwan
La valle delle tenebre
Kwon Sunkwan mostra una scena legata alla nostra storia moderna con il suo lavoro . Una tragedia della storia moderna avvenuta decenni fa, “No Gun Ri Massacre”, è stata portata dal sito per atterrare sulla tela. Il sito storico in cui 300 civili evacuatori sono stati uccisi da soldati americani che stavano proteggendo l’invasione dall’esercito popolare nordcoreano durante la guerra di Corea, pende come una tenda nera.
La scena selezionata da un gran numero di possibilità, la fotografia oscura, parla dell’importante evento storico coperto dalla nebbia nebulosa senza che siano state prese misure. Certamente, nella scena viene catturato il semplice fatto, ma non aprendolo e mostrando qualcosa che non può essere visto, l’artista lascia la tenda nera scura al pubblico per sollevarsi da solo.

LEE Seahyun
Tra Red-187
I paesaggi scarlatti di Lee Seahyun hanno un impatto visivo molto forte, quasi a indurre allucinazioni. Le opere sono innaturali e non realistiche. Tuttavia, attraversa la fantasia sognante, osservali più da vicino e incontrerai paesaggi piuttosto familiari e molto reali. La natura che ci circonda, edifici, città ed eventi hanno occupato completamente i dipinti. Le sue opere sono realistiche e belle, ma un po ‘dolorose. Questo perché un singolo dipinto contiene le quattro fasi della vita e tutti i tipi di emozioni che l’uomo e la natura hanno. Rivela la prospettiva violenta insita negli umani senza alcuna moderazione, mostra senza mezzi termini le ferite della storia inscritte nella natura e mostra un nuovo modo di ragionare su Oriente e Occidente, uomini e natura. Le sue opere abbracciano le ferite sia dell’uomo che della natura.

Lee Leenam
Terra ibrida
Lo sviluppo della scienza e della tecnologia moderne ha portato a scambi tra culture e cambiamenti di percezione. In particolare, l’uso dei media da parte degli umani ha permesso la realizzazione di una nuova forma d’arte in cui politica, cultura e tecnologia sono combinate. Inoltre, dal punto di vista del postmodernismo, i media sono molto più continui e rivoluzionari di qualsiasi avanguardia. Questo secolo di rivoluzione tecnologica partendo dai video non ha portato solo alla riproduzione della realtà virtuale e alle tecnologie digitali altamente avanzate, ma anche alla scultura virtuale di oggi. I nuovi media digitali hanno permesso alle persone di tutto il mondo di muoversi liberamente attraverso il tempo e lo spazio del passato, del presente e del futuro. Ha portato cambiamenti nella percezione visiva e nel paradigma.
I media, che ricostruiscono l’ibridazione con l’afflusso di vari elementi culturali a causa dello sviluppo del capitalismo e della globalizzazione, sono stati realizzati attraverso interazioni tra vari fattori quali cultura, storia, fenomeno sociale, caratteristiche dei media e dei messaggi. I media ibridi hanno creato una nuova ideologia attraverso portatori di media come razza, lingua, segno, immagine e cultura. Lee Leenam cerca di esaminare come i media hanno a che fare con l’ibridazione della terra, o la realtà di oggi che è rappresentata dall’ibridazione della terra. Indossa la VR e ti ritroverai in uno spazio virtuale pieno di personaggi cinesi in 3D. Questa è la visualizzazione del sistema cognitivo umano influenzato dalla mescolanza di vari media come lettere e film. Il modo in cui le immagini dei personaggi cinesi, che hanno una storia di lunga data come “lettere”, scompaiono come dati, un pixel in uno spazio digitale mette in discussione l’essenza e il valore di un soggetto.

LI Ming
Movimento
Li Ming ha continuato gli studi che perforano il nucleo del rapporto tra individui e società attraverso opere video e performance. L’artista stesso è presente nelle tre opere presentate in questa mostra e il suo corpo diventa un buon parametro pratico che rappresenta i pensieri dell’artista. Nel lavoro video con un tempo limitato, l’artista continua all’infinito movimenti ripetitivi usando il suo corpo, e questo continua fino a quando non è completamente esaurito fisicamente e psicologicamente. La sua “ossessione” implicita nelle sue opere è molto allettante. <361> (2014-2016) è un film sulla rottura di 361 accendini usa e getta. Per questa performance, Li Ming ha studiato a fondo la letteratura sugli accendini usa e getta e la produzione di film documentari. L’artista ha condotto studi sull’autoriflessione, su come funziona un’intera comunità anche in assenza di determinati obiettivi personali e lo sgomento causato dall’identità sociale. (2014) è composto da un totale di 8 televisori e 2 sincronizzatori. Quattro televisori sono collegati a un sincronizzatore e otto video vengono riprodotti contemporaneamente. (2011) dispone quattro schermi televisivi a forma di croce. Lo schermo a sinistra ea destra mostra i pensieri dell’artista sul potere della natura e sul potere artificiale. Il lavoro consente agli spettatori di comprendere la filosofia e l’ideologia dell’artista.

Laura LIMA
ascenseur
Laura Lima ha prodotto un corpus di lavori che lei stessa chiama “immagini”. Le “immagini” di Lima non sono performance, né installazione, né cinema. Le “immagini” utilizzate dall’artista sono opere concettualizzate di un accumulo di chiarezza visiva e fermezza fattuale. Tra le opere che simboleggiano progetti così rigorosamente concettuali, è il più noto. Parti delle opere di Laura Lima sono legate al concetto di filosofia ornamentale. Lima si oppone direttamente alla visione convenzionale di pensare che “gli ornamenti non sono importanti”. Ella stravolge e ribalta le definizioni e le nozioni che sono considerate generali e convenzionali.
Questa è la prima volta che il suo lavoro (2013, 2016) presentato alla Biennale di Busan 2016 verrà mostrato in Asia. In piedi davanti a questo lavoro, ci troviamo di fronte a un braccio che si allunga da sotto un muro, cercando a tentoni un mazzo di chiavi. L’artista ha pensato che mentre pensiamo facilmente a questo braccio come impertinente per noi, pensando che debba appartenere a qualcun altro, quel braccio potrebbe effettivamente essere nostro. In questo senso, il lavoro tocca le forme più elementari di presenza e interazione.

LIU Xinyi
Il centro del mondo
Attraverso le sue opere, Liu Xinyi mostra il suo profondo interesse per gli scontri e le soluzioni di cultura internazionale. Il suo (2011) presentato alla mostra parte da una domanda sul perché molti paesi sia dell’Est che dell’Ovest pubblicano mappe del mondo ponendo i loro paesi al centro e si pone una domanda su “dov’è il centro del mondo? ”Proiettando il mondo in rotazione come i fianchi di un corpo umano, Liu Xinyi fece in modo che l’uscita dell’escrezione umana diventasse il centro del mondo per esprimere ironicamente che non esiste un centro assoluto del mondo. In un’altra opera (2012) in cui le immagini dei centri finanziari di notte sono state raccolte e modificate per formare una singola isola, i miraggi sgargianti ma vuoti di una città marina appaiono davanti ai nostri occhi. Tale paesaggio onirico rappresenta la società cinese che è diventata un’area disastrosa dell’economia della bolla mentre si è spinta con forza in avanti con uno sviluppo deformato e inutile.

Dana LIXENBERG
Tribunali imperiali
Il progetto (1993-2015) di Dana Lixenberg combina il lavoro video e una vasta serie di fotografie in bianco e nero per tenere traccia di come cambia una piccola comunità nel centro-sud di Los Angeles. Le fotografie e i video sono creazioni risultanti da un ampio e collaborativo rapporto che ha instaurato con i residenti delle Corti Imperiali, il luogo con cui ha acquisito familiarità durante i viaggi intorno a Los Angeles sulla scia delle rivolte di Rodney King nell’aprile del 1992. Per più di 22 anni dal 1993 alla primavera del 2015, Lixenberg ha creato un ampio ritratto della comunità e ha distolto lo sguardo dal luogo della distruzione verso le vite tipiche delle persone che diventano il centro dell’attenzione solo in caso di calamità. Le opere create nelle Corti Imperiali includono 393 fotografie in bianco e nero, un libro pubblicato da Roma Publications nel 2015 e anche una proiezione video a 3 canali di 63 minuti che gira su un loop. La vita nelle Corti Imperiali catturata nel film di Lixenberg forma un ampio spettro, che va dal dramma e dal gioco ad una vita quotidiana insignificante. Contiene scene di vita quotidiana ordinaria nelle città urbane negli Stati Uniti che sono state spesso derise come aberranti ed estreme. Le corti imperiali sullo sfondo immutabile di un paesaggio urbano creano continuità di una comunità, si oppongono al sensazionalismo e agli spettacoli e scelgono soprattutto la sensibilità. Realizzato con un tale approccio, (1993-2015) ha registrato la vita di afro-americani e latino-americani in vari modi per 22 anni.

Xavier LUCCHESI
Isabelle
L’artista Xavier Lucchesi ha tentato di esprimere le immagini senza usare una macchina fotografica. Per fare ciò, Lucchesi ha utilizzato apparecchiature diverse dalle telecamere in grado di creare immagini totalmente diverse. Ha usato apparecchiature a raggi X e scanner per produrre immagini. Le sue immagini non seguono il modo più comune di creare immagini, ma si formano facendo passare i raggi attraverso gli oggetti. I raggi X diretti verso la superficie dell’area dietro un oggetto rimuovono l’ombra dell’oggetto reale. Questa è l’ombra, l ‘”illusione” che possiamo vedere. Un raggio che passa attraverso un oggetto non significa semplicemente un movimento dall’estremità da un lato all’altro. Il fatto che un raggio passi attraverso un oggetto significa che la presenza dell’oggetto è chiaramente nota, e questo è come un osservatore che guarda dritto negli occhi di una persona e vede attraverso la sua anima. Quando Lucchesi si avvale di capolavori come i dipinti di Picasso per le sue opere, cerca di non rivelare il lato nascosto dell’opera ma esprime solo scene visivamente drammatiche. Inoltre, si concentra sul fatto che esiste un punto di convergenza in cui il potere del cervello incontra la capacità del cervello di simulare e disegnare ciò che non è stato ancora rivelato o visto.

Zanele MUHOLI
Il matrimonio di Avanda e Nhlanhla Moremi
Mentre molti paesi in Africa hanno emanato leggi omofobe e hanno espresso fanatismo nei confronti degli omosessuali occidentali, la Repubblica del Sud Africa si è distinta da loro promulgando una legislazione che riconosce i matrimoni omosessuali. Tuttavia, gli afroamericani LGBT (minoranza sessuale tra cui lesbiche, gay, bisessuali, transgender, intersessuali) soffrono di crimini d’odio. Le lesbiche nere che sono particolarmente vulnerabili tra loro spesso diventano vittime di omicidi a sangue freddo o subiscono “stupri con il pretesto del trattamento” da parte di persone che li circondano o dei loro cosiddetti “amici”. Nel 2013, Muholi ha registrato eventi che sembrano collegare felicità e tristezza, una cerimonia di nozze e un funerale di persone nella comunità LGBT nera nella Repubblica del Sudafrica. L’installazione fotografica di ZaneleMuholi mostra come un evento triste e un evento felice possano condividere somiglianze. Questo lavoro sottolinea la necessità di spazio per l’espressione dell’identità di un individuo.

OH Younseok
Ricordi nascosti-erba 1, 2
L’argomento principale della serie (2016) è la guarigione del “conflitto sfaccettato, paura e terrore rivelati nei ricordi nascosti dell’umano”. I miei lavori mostrano la volontà di creare motivati ​​da ricordi nascosti e “bio codici” che trattano le malattie della mente, il rancore e il risentimento. Questo lavoro contiene in essi il significato dell’omaggio floreale alla gente moderna presentando fiori, erbe e testi. Le serie non forniscono immagini e significati fissi attraverso la loro riproduzione di soggetti o ricordi, ma smantellano scritti religiosi o testi di confessioni dedotti dai ricordi o dai soggetti, e poi li riassemblano, combinandoli con immagini per creare testi visualizzati non testi astratti . Diventano esistenze che attendono incontri con il pubblico in un punto compreso tra “lettura” e “fascino”.

OLTA
Walking Cascade
OLTA è un gruppo formato nel 2009 da 6 artisti giapponesi che si sono laureati in Pittura alla Tama Art University. La nostra vita quotidiana brulica di enormi quantità di informazioni come i video trasmessi dai media. OLTA confronta tali esperienze con i media digitali con una cascata in (2016). Dal viaggio per raggiungere la cascata, le viste panoramiche davanti agli occhi, il suono delle cascate che cadono, la temperatura, l’umidità, verso l’ambiente circostante, abbracciamo la cascata usando tutti i nostri sensi. In questo contesto, il video “girato” può essere solo secondario. Attraverso il suo nuovo lavoro, OLTA cerca di visualizzare l’accumulo e la trasformazione delle informazioni in tre modi: usando il corpo degli artisti come creatore del video, usando il corpo del ricevitore di informazioni e usando i media che documentano e registrano. In questa mostra, OLTA esegue un’esibizione ispirata a Rokusai Nenbusu Odori, che è un buddista giapponese tradizionale che i contadini della danza popolare nel Giappone occidentale hanno ballato cantando una preghiera buddista. Le loro forme e tradizioni variano, ma per lo più gruppi di diverse persone visitano da porta a porta nel villaggio, ballano tutta la notte al suono di tamburi, campane e tubi. Nell’esibizione di OLTA, i membri ballano al suono delle proprie voci e strumenti realizzati da oggetti facilmente reperibili nelle case tipiche. L’installazione è completata dalla combinazione di filmare la performance, ripetere e suonare e le mosse del pubblico.

ORLAN
Bejing Opera Self Hybridization n ° 6
ORLAN usa il proprio corpo come materiale e un supporto visivo per le sue opere. Usa il proprio corpo come spazio per dibattiti ed esposizioni. È la capostipite della body art e una figura di spicco nell ‘”arte carnale” definita nella Dichiarazione del 1989. La tenacia e la libertà di ORLAN sono parti essenziali delle sue opere. Aderisce all’atteggiamento di innovare, mettere in discussione ed essere distruttiva in tutte le sue opere. ORLAN distrugge il processo di pensiero “pronto” e le abitudini implementando incessantemente modifiche fondamentali ai dati. Si oppone al tipo dominante come il determinismo sociale, politico e naturale, lo sciovinismo maschile, la religione, la divisione culturale e la discriminazione razziale. ORLAN non solo descrive il corpo femminile del periodo barocco e l’iconografia religiosa, ma esplora anche la cultura dell’India e della Cina prima che Colombo scoprisse le Americhe. Allo stesso tempo, esamina la loro realtà fisica, emotiva e virtuale usando le più moderne tecnologie scientifiche, biologiche e informatiche. Nel suo recente lavoro in serie (2014), ORLAN inserisce la maschera dell’opera di Pechino su tecnologie interattive. Attraverso l’uso di “Augment”, che è un’applicazione per la realtà aumentata, trasforma l’auto-ibridazione e tutte le fonti in codici QR. ORLAN mostra acrobazie facendo apparire i suoi avatar su tablet e smartphone del pubblico dell’Opera di Pechino, vietato alle donne. Il pubblico può anche scattare fotografie con quegli avatar 3D.

Tanja OSTOJIĆ
Strategie di successo / Serie di curatori
Tanja Ostojic è un’artista pratica che conduce studi poliedrici e pone domande su questioni che la società europea e il mondo dell’arte affrontano utilizzando vari media come performance, video e fotografie. , che è uno dei suoi principali progetti, prevede la creazione di un forte legame con gli zingari e prepara un luogo per condividere e curare la loro profonda tristezza esponendo le loro ferite coloniali a una piattaforma in cui la comunità locale e gli attivisti possono impegnarsi in discussioni. In particolare, che viene presentato alla mostra è una performance che prende la forma di una presentazione per affrontare questioni come la vita della povertà degli zingari, l’esclusione sociale e politica, la deportazione, il razzismo, la xenofobia e simili. Attraverso questo lavoro, pone una domanda etica “come è possibile che un determinato gruppo etnico sia costantemente esposto e privato dei diritti umani politicamente e socialmente nella moderna società europea di oggi?”

PAK Sheung Chuen
Un viaggio senza esperienza visiva (n. 3)
(2008) parte dal viaggio di 5 giorni e 4 notti di Pak Sheung Chuen in Malesia. Chiuse o si coprì gli occhi per l’intero viaggio. Durante il viaggio, stava ancora facendo tutto il giro turistico e ha fatto molte foto, ma invece di vedere, ha usato solo il suo corpo per percepire e sperimentare l’ambiente circostante. Tutte le immagini, insieme alla fotografia e ai video di altri membri del gruppo del tour, sono diventati l’unico riferimento di ricordi indiretti ed esperienza visiva per la Malesia. Le foto devono essere mostrate in una stanza completamente oscurata. Gli spettatori sono tenuti a portare le proprie fotocamere flash per acquisire immagini all’interno della stanza.

PARK Jihye
Affetto
Il criterio con cui vengono definiti i valori di un individuo può essere classificato secondo gli standard sociali. In altre parole, sorgono conflitti quando tali valori sono accettati da influenze esterne o si frustrano. Tuttavia, i desideri individuali sono limitati almeno in una certa misura in quanto sono regolati da standard sociali. Pertanto, le forme di ciascun desiderio individuale possono differire, ma l’ansia psicologica causata da tali pressioni sociali è inerente a ogni relazione e tale ansia collega un individuo all’altro in modo complicato. Ciò si esprime sotto forma di violenza continua nella società moderna. Riconosco tale violenza come un problema legato alle relazioni e alla sua interattività e cerco di disporle sotto forma di un’opera d’arte. La contemplazione delle relazioni è strettamente correlata non a un’esistenza gigantesca, ma all’amore, alle relazioni romantiche, alla gelosia, alla compassione e a coloro che sono più vicini alla vita quotidiana di un individuo. La relazione più stretta è uno spazio dominato da molti più costumi, miti e formalità rispetto a qualsiasi altra relazione. Quello spazio può sembrare un luogo creato da un incontro tra due individui, ma in realtà è un luogo complicato in cui numerosi concetti e desideri si scontrano, si scambiano e scendono a compromessi, e un luogo in cui i conflitti di base sono inattivi. L’artista cattura l’ossessione unilaterale, i desideri nascosti dietro relazioni strette e la violenza che giace sotto la superficie presente nelle relazioni combinando esperienze personali e incidenti della vita reale con oggetti simbolici, storie o fiabe. Produce un video immensamente realistico ma irrealistico creando situazioni aggressive in cui non solo affetto e conflitti nelle relazioni, ma anche ironie nascoste, conflitti e ansia di formare relazioni con le società si intersecano in una giunzione in cui il tempo orizzontale e il tempo verticale si incrociano .

Hung-Chih Peng
God Pound Busan
Le statue dei Diminutive God divennero particolarmente popolari durante una mania del gioco d’azzardo a Taiwan negli anni ’80. Dopo aver fallito nel dividere con successo un numero vincente, molti di questi furono abusati e abbandonati nei centri di riciclaggio, proprio come il modo in cui i cani vengono mandati in sterline quando non sono in grado di soddisfare le aspettative gonfiate e irrealistiche dei loro proprietari. Quindi, in quello che sembra un caso piuttosto straordinario di inversione, l’umanità si è presa la libertà di punire gli dei, apparentemente senza timore di punizione. Inoltre, questi dei erano comodamente incorporati in una dimensione facilmente manipolabile. Per l’installazione (2016), 501 dei hanno riempito un intero spazio e guardano lo schermo che è incorniciato dal set di scenografie di marionette di Taiwan. Nel video, un cane racconta la storia delle divinità che passano da navi idolatrate a resti abbandonati, ricordandoci il parallelo tra la sterlina divina e la sua controparte canina. A metà strada tra l’onnipresente feticcio delle materie prime e il totem sacro che non conosce alcun valore di mercato, l’accumulo di questi piccoli esseri ha trasmesso sia l’enorme potere che inizialmente si pensava possedessero, sia il loro stato attuale di svalutazioni senza valore.

Pushpamala N
Good Genes – Hygiene
L’artista utilizza modelli medici per eseguire varie mosse con l’aiuto dei suoi amici. Le mosse che ricordano una cerimonia religiosa vengono eseguite su un palco come un affascinante spettacolo di magia. Questo video fa parte di un progetto a lungo termine fatto per rispondere a una domanda sul concetto di Pushpamala N. di uno stato-nazione. Nel video, esamina un progetto del governo volto a creare una comunità ideale attraverso la storia di antropologia, etnologia ed eugenetica. Nel suo lavoro, esegue le mosse da sola e svolge il ruolo di “risultato” e di “agente” della storia che si posiziona al centro dell’esplorazione.

Joanna RAJKOWSKA
Mio padre non mi ha mai toccato così
Il lavoro video di Joanna Rajkowska è una descrizione che si concentra sulla relazione interrotta tra un padre e sua figlia. L’artista chiese a suo padre di accarezzarle il viso, ma quella fu probabilmente la prima e l’ultima richiesta che fece. Suo padre ha vissuto una vita in fuga sin dalla sua prima fuga dall’essere inviato al campo di concentramento di Auschwitz durante la seconda guerra mondiale, nel momento in cui ha lasciato la sua famiglia e sua moglie. Non è mai stato lì per cambiare i pannolini della sua piccola bambina, partecipare alla cerimonia di ammissione alla scuola elementare o anche quando è stata ricoverata in ospedale a causa di avvelenamento del sangue. Andò al punto di ignorare il proprio nome che sua moglie chiamò sulla via della sua morte. Rimuovendo uno strato di ricordi che giace sotto la superficie della vita quotidiana nelle sue opere, l’artista accarezza delicatamente le ferite del passato che tutti noi abbiamo.

Robin RHODE
La luna dorme
Robin Rhode utilizza in genere materiali comuni come sapone, carbone, gesso e acquerelli per esprimere un’epopea della bella vita in termini di performance, disegno e video. L’artista che esprime a suo modo ampi interessi su questioni sociali e politiche fonda principalmente le sue opere sulle strade e migliora l’estetica complessa per creare bellissimi disegni murali. Il suo presentato alla mostra è stato preso in prestito dalla poesia di un poeta sudafricano Don Mattera e, avendo una voce debole e vulnerabile che riecheggia sullo schermo, descrive l’esperienza di essere imprigionato in una stanza degli interrogatori durante momento in cui l’apartheid ha raggiunto l’apice. Attraverso un’animazione in stop motion di un ragazzo che guarda immagini simboliche sparse davanti ai suoi occhi, l’artista esprime potere, identità, libertà e grazia. Nell’altra sua opera descrive i giorni dolorosi della perdita di un amante per malattia come notti senza luna e trasmette il suo lamento e dolore attraverso la narrazione di un vecchio e l’ultima parola della narrazione, “isolamento”.

SHEN Shaomin
Storia dell’arte
Shen Shaomin è un artista cinese che lavora nell’arte concettuale e nell’installazione. Le sue opere sono principalmente legate a studi e riflessioni su alcuni dei problemi che esistono nella storia dell’arte. Allo stesso tempo, rivela e critica costantemente problemi nella società moderna come “opinion leader”. Il suo recente lavoro (2015) è un’installazione interattiva su larga scala che è ancora un progetto di ricerca in corso. (2015) è composto da 50 cuffie e 50 microfoni. Le narrazioni sui risultati della ricerca dell’artista sulla definizione di arte possono essere ascoltate dalle cuffie e il pubblico che ascolta la voce può parlare ai microfoni dei loro pensieri sulla definizione di arte. Le storie vengono quindi passate attraverso un computer, convertite in personaggi, stampate e combinate in un libro. Queste “dichiarazioni condivise” sono completate come tali e alla fine diventano un archivio dell’artista. Attraverso questo lavoro, Shen Shaomin apre, modifica ed espande la storia dell’arte che è considerata un territorio inviolabile a cui solo studiosi e critici possono entrare, incoraggiando la partecipazione del grande pubblico e quindi arricchendo la definizione di arte.

KATHARINA SIEVERDING
GUARDANDO IL SOLE A MEZZANOTTE (ROSSO)
L’opera di KATHARINA SIEVERDING mostra il sole che brilla nell’oscurità della notte dalla terra. Dal tramonto all’alba, il sole è davvero pieno di colori diversi. KATHARINA SIEVERDING si concentra sulle interconnessioni tra esseri viventi e universo. L’artista ha ricevuto informazioni visive dal Solar Dynamics Observatory lanciato dalla NASA nel 2010 e le ha trasformate in un’opera d’arte. Attraverso questo lavoro, collega le varie sfaccettature della scienza e della biopolitica con la sacra esistenza umana.

SIGNER romano
Installazione con sabbia, sedie, secchi e acqua
Gli eventi artistici che Roman Signer costruisce per noi si basano su processo, gioco, esperimento e meraviglia. I suoi materiali sono elementari fenomeni fisici-osservazioni ancor più sorprendenti in vista dell’umorismo che informa l’opera di questo artista. Questi elementi mostrano quel fantastico mondo dell’umorismo. È un marchio estremamente sottile di umorismo ancora da scoprire nel mondo dell’arte. La serenità, la chiarezza e la leggerezza delle azioni di Signer ci colpiscono. Sono privi della bellezza tautologica di una certa arte negli anni Settanta che si agonizzò rettamente nel tentativo di dimostrare che l’acqua scorre e una sedia è una sedia. I gesti del firmatario non sono eroici, anche se, apparendo come un drammaturgo di suspense, provoca un rilascio esplosivo, persino una detonazione psicosensuale. Non ricopre il ruolo atteso dell’artista geniale e individualista, ma attira l’attenzione su un oggetto scoprendo e rilasciando il suo potenziale sorprendente e insospettato. Conosciamo le possibilità delle normali bombolette spray e stivali di gomma, biciclette e sedie da cucina, ma impariamo anche quanto siano limitati sia l’orizzonte delle nostre conoscenze sia il nostro rapporto con le cose di questo mondo.

Shinique SMITH
Nessuna polvere, nessuna macchia
Le tre opere performative di Shinique Smith riguardano principalmente gesti, oggetti e ispirazione concettuale. Le sue opere sono state influenzate dall’astrologia, dall’alchimia, dalla mitica poesia lirica e dai movimenti delle intersezioni urbane. Creato in collaborazione con l’artista Gary Pennock, (2015) è stato girato usando una videografia aerea e terrestre di fronte al murale di Smith . Basato sulla storia personale e sugli eventi dell’artista che hanno influenzato la sua vita, la performance copre dipinti di Smith, installazioni su larga scala e altre opere performative. Mostra come si avvicina bene alla produzione di opere e presentazioni espositive. Descrive la sua infanzia dicendo che “quando ero una bambina, ho appreso dei dervisci rotanti sufi e, nella mia innocenza, ho provato a ballare come loro. Girerei nel cortile nel cortile di Baltimora fino a quando la mia mente non fosse stata liberata. “Questa esperienza di Smith è stata il punto di partenza del progetto che esprime ed espande i movimenti ipnotizzati dei ballerini nei dipinti murali. I ballerini del lavoro indossano i costumi realizzati da Smith disegnando su ombrelloni e grandi abiti di seta. KAIROS Dance Company, che aveva anche un’idea simile a quella di Smith, seguì la spontaneità della sua intuizione e contribuì alla creazione di questo affascinante e dinamico lavoro collaborativo aggiungendo alcuni dei movimenti estratti dal loro lavoro esistente “Lei”. Le tecnologie e la composizione di editing professionale di Gary Pennock hanno aggiunto la perfezione alla manifestazione delle idee di Smith in questo lavoro.

SOHN Junghee
Allegato
Sohn Junghee si concentra sulla realizzazione dei sogni nascosti profondamente dentro di lei attraverso l’uso dell’argilla. Come una volta Pablo Picasso ha detto “Tutto ciò che puoi immaginare è reale”, il mondo immaginario che esprime diventa reale nel momento in cui crea e cuoce l’argilla a mano. Il tema delle opere di Sohn Junghee è venuto dalla sua vita quotidiana. Leggere fiabe come Biancaneve ai bambini piccoli, distorcere e satirizzare i lieti fine sono diventati il ​​concetto delle sue opere e, con il passare del tempo, ha cercato varie fonti per le sue opere in tutte le età e in tutti i paesi. Tali storie sono state trasformate attraverso l’interruzione dell’immaginazione dell’artista e funzionano come un’allegoria di distorsione o satira e critica nei fenomeni sociali. I sentimenti comuni che si trovano in tutte le opere di Sohn Junghee sono simpatia, umorismo, brama (risentimento) e impennata. L’amore profondo e l’affetto per gli umani sono trasmessi nelle sue opere.

CANZONE Kicheol
Già pacificamente esistente qui come sempre.
Osservando i cadaveri di bambini lavati a riva, sento nelle mie ossa che viviamo in un mondo libero ma non del tutto libero. Quelle che possono muoversi liberamente attraverso le barriere territoriali sono cose non viventi. Tali barriere esistono come fantasmi invisibili tra territori, territorio e vita e vite. Ci separano all’infinito e ci disabilitano nell’affrontare le vere ostilità. Questa separazione non è la stessa dell’apartheid, la famigerata segregazione razziale della Repubblica del Sudafrica in passato. (2016) visualizza i principi fondamentali delle sbarre di ferro installate sulle pareti che hanno consentito la separazione con vicini sconosciuti e la protezione dei diritti di proprietà privata. In questo modo, consente il confronto con l’apartheid spettrale. Un video di un uomo che fugge da un disastro attraverso una finestra e un albero sospeso in aria con le sue radici bruciate, una fotografia che rivela il peso nascosto delle scale di un equilibrio consente la coesistenza di ostilità e crea opere di organizzazione di un nuovo vita nella situazione attuale in cui vengono mantenuti i residui di tale convivenza.

Studio CONTESTO
Cocoon 2
Lo Studio CONTEXT è iniziato alla Aarhus School of Architecture in Danimarca e mostra i risultati di una combinazione della devozione e delle tecnologie messe in campo da studenti, architetti e cittadini di vari paesi del mondo. Lo Studio CONTEXT studia architettura sostenibile e abitazioni che riflettono fenomeni geografici, storici, antropologici e sociali. Esplora anche i progetti in cui diversi elementi culturali sono mescolati insieme. Alla Busan Biennale 2016 lo Studio CONTEXT espone il progetto (2015), un’opera realizzata con un materiale abbastanza singolare, alberi di bambù. Gli alberi di bambù non solo sono stati usati per secoli per produrre materiali per interni e oggetti per la casa nei paesi asiatici, ma sono anche utili materiali da costruzione eco-compatibili nel campo dell’architettura e del design. A seguito del primo progetto sperimentale fatto di alberi e pietre di bambù, (2015) ha elaborato il concetto di collaborazione pan-culturale attraverso il suo approccio educativo e esperimenti su funzione, materiale e costruzione. Tutti i lavori sono stati attentamente valutati per adattarsi ai materiali e al clima delle regioni interessate e la loro natura sperimentale è stata mantenuta mentre veniva modellata attraverso una stretta collaborazione con i residenti locali. Il Cocoon Project è ancora un progetto in corso che esplora lo spazio, l’architettura, il materiale e il mondo degli alberi di bambù.

TAMURA Satoru
Punto di contatto n. 2
“Punto di contatto n. 2”, semplicemente ma, è un interruttore aperto, esagerato. È un dispositivo progettato solo per fornire energia elettrica per illuminare la lampada. Il punto di contatto crea una scintilla pallida, le lampade a incandescenza insieme a un lampeggio e diventa la prova fisica che esiste un “contatto” elettrico. Le lampade a incandescenza funzionano solo per il contatto che scintilla e il contatto che scintilla serve solo ad accendere le lampade a incandescenza. Il punto del lavoro è questa esistenza fisica estremamente immediata, che gira e rigira. Tamura Satoru ci mostra come affrontare la realtà in modo conscio o forse inconscio.
Non tutto nella società in cui viviamo esiste per diventare qualcosa. Siamo solo noi, umani, che ci impegniamo a fondo per trovare la ragione di tutto e bramarli. Gli esseri umani che vivono in una società capitalista distruggono indiscriminatamente la natura in nome dello sviluppo e della crescita, si escludono a vicenda e creano conflitti basati su una fede cieca che non riconosce le differenze di razza, religione e società. Queste sono tutte variazioni dei desideri umani. L’artista non stabilisce un obiettivo o cerca di discutere qualcosa quando fa un’opera d’arte. Tuttavia, il suo lavoro ci consente di ripristinare le lenti attraverso le quali vediamo la realtà e la società, nonché di riflettere sui modi di vivere che esistono oltre la sofferenza mondana.

Nobuko TSUCHIYA
L’inizio del tempo
Nobuko Tsuchiya stimola le emozioni delle persone, si sforza di creare qualcosa che possa suscitare consapevolezza sul mondo di un individuo e cerca di riconoscere chiaramente la relazione tra ricordi e immaginazione. Le sue opere sono accumulazioni di decisioni prese usando una varietà di pensieri e cose linguistiche, musicali, logiche, funzionali, sensuali ed empiriche o anche qualcosa che non può essere definito. Attraverso questo lavoro, l’artista cerca di comprimere i componenti delle sue opere nella massima misura possibile in modo che raggiungano un certo punto tra equilibrio e disequilibrio.

Yangachi
Old Spice, versione Lang
Han River.
Salgo su una casa ampia e grande. Proprio lì, un lupo grigio con la faccia di un uomo si fa avanti e mangia le persone una dopo l’altra. Fa schifo il loro sangue.
Il tetto diventa visibile mentre salgo l’enorme casa e di fronte vedo un’enorme nave fatta di legno. Mentre guardo, la nave inizia a tremare avanti e indietro come una nave pirata in un parco di divertimenti. Shuuuk, shuuuk.
Prima di saperlo, sono seduto all’estremità destra della nave e guardo in basso. Scendo dall’enorme casa e inizio a camminare lungo la strada.
Quindi mi alzo.

YU Sunghoon
la mostra dello spazio
Yu Sunghoon considera l’utilizzo di uno spazio costruito come un magazzino a Busan per la sala espositiva principale della Biennale di Busan 2016 abbastanza significativo nella storia geologica di Busan poiché è stato trasformato oggi in uno spazio urbano grazie al suo speciale backgroud storico. Per 5 mesi il processo di cambiamento in un determinato luogo è stato registrato per (2016), ritiene che susciterà molto interesse in questa regione e negli affari umani. Attraverso un’altra sua opera (2016), intende creare un’associazione tra i ricordi della sua città natale e lo spazio espositivo.

YUN Pilnam
Fantasia fatta a mano
Quando una piccola impronta digitale incontra uno smartphone, tutto si svolge davanti agli occhi. Sono mondi visibili attraverso gli occhi e visibili nella mente. Tutti i tipi di parole e testi fluttuanti intrappolati in una piccola cornice hanno un potere universale in essi, ma vengono facilmente permeati, contaminati e svaniscono. Proprio come la polvere gialla copre il mondo di polvere, il mondo è pieno di testi e immagini. Mentre prestiamo attenzione alla luce, al suono, al gusto e al tocco dall’esterno, le nostre vite quotidiane si frantumano e lampeggiano come una lampada rotta. Ad un certo punto, il lavoro manuale che richiede il movimento del corpo così come il tempo e lo sforzo sta perdendo il suo prezioso valore. Il lavoro oggi è qualcosa che è diventato molto faticoso, ritardato dall’interferenza di un terminale, e alla fine è rimasto incompiuto. Il corpo diventa un peso pesante nel risveglio della mente e lo spirito diventa rumore nell’inerzia del corpo. Tuttavia, l’artista sostiene che il potere che effettivamente muove e ripristina il mondo proviene dal lavoro manuale. Yun Pilnam aspira a dichiarare che dovremmo cercare il flusso della vita quotidiana che non si unisce al lavoro manuale che non smette mai di muoversi.

Katarina ZDJELAR
Tutto sarà
Il video di Katarina Zdjelar (2008) allude alla canzone dei Beatles “Revolution”, che l’artista trasferisce alle Isole Lofoten in Norvegia, dove è cantata da un coro amatoriale. Il loro modo di cantare il coro, simile a una ninna nanna, impone alla canzone di assumere un tono inquietantemente critico. Il lavoro rivela sia la distanza critica per lo sconvolgimento nei testi, che John Lennon scrisse nel 1968, sia la distanza ideologica tra il significato della canzone e le persone di mezza età che appaiono nel lavoro. L’interesse di Zdjelar per questo lavoro risiede anche nel processo di manifestare fisicamente le incertezze, nei tentativi di perfezionare la propria performance, nonché nella produzione di un collettivo di voci singolari. Concentrandosi in gran parte sull’intima presenza degli individui, il lavoro è carico di un ambiguo senso di esitazione – una riserva che può suggerire l’incapacità di lasciarsi andare ed esprimersi, o riluttanza a essere o individuo in tutta la sua imperfezione o a fondersi la voce e il sentimento comuni. Gli altoparlanti dei cantanti danno un senso di distanza e freddezza nei confronti della canzone che cantano, e anche se la eseguono, ciò che portano attraverso sembra più inquietante che promettente.

ZENG Hao
20 giugno 2002
Zeng Hao cattura lo stato mentale di un individuo, l’impressione personale e i cambiamenti ambientali che ha sentito nella tela. Articoli comuni come letto, armadio, vaso e immagini di personaggi timidi si trovano nei suoi dipinti. In particolare, <04:06 di maggio. 9th, 1998> (1998) è una delle serie delle sue opere principali e consente agli spettatori di immaginare storie dietro l’opera attraverso la disposizione di vari oggetti di scena come personaggi, famiglia ed elettricità in una combinazione apparentemente irrilevante. Le immagini di famiglie o spazi disegnate da Zeng Hao connotano la sensazione di ambiguo isolamento che è difficile da indovinare e, sebbene sembrino perfetti, evocano la sensazione di desolazione mentre sono disegnati in prospettiva. Sembra che l’artista stia usando il suo lavoro come metafora della natura vulnerabile delle relazioni e delle realtà delimitate della società moderna di oggi.

ZHOU Wendou
ADHD
Zhou Wendou usa uno stile concettuale di creazione e un linguaggio umoristico dell’arte per esprimere una prospettiva leggermente diversa dalle altre opere cinesi contemporanee. (2015) è un lavoro di installazione circolare di diametro superiore a 2 metri. L’inchiostro sgorga costantemente dall’alto e più di 20 “tergicristalli” installati sulla superficie effettuano ripetuti movimenti per rimuovere l’inchiostro sgorgante. Attraverso tali movimenti meccanici, l’artista allude alle caratteristiche non controllate automaticamente delle persone moderne che possiamo facilmente trovare nella nostra vita quotidiana, movimenti e abitudini eccessivamente ripetitivi. Inoltre, il lavoro è un’espressione figurativa dell’era di Internet in cui i dati vengono prodotti all’infinito e meccanicamente e lo stato di diventare gradualmente noioso a causa del disturbo da deficit di attenzione.

Biennale di Busan 2016
La Biennale di Busan è un festival artistico completo che ha integrato tre diversi festival che si sono tenuti in città: Busan Youth Biennale, Busan Sea Festival e Busan Outdoor Sculpture Symposium.

Con una lunga storia di servizio come roccaforte dell’arte in Asia, Busan è il luogo perfetto per ospitare un festival d’arte per la regione e oltre. L’evento d’arte della Biennale è stato ideato per presentare una facile interpretazione dell’arte contemporanea di difficile comprensione e renderla più accessibile al grande pubblico.

Il festival funge da arena dove i locali possono mescolarsi con persone di altri paesi e comunicare tra loro.

La Biennale di Busan sarà consolidata come evento culturale rappresentativo per la Corea e, in definitiva, raggiungerà un riconoscimento mondiale.