Il buddismo ha svolto un ruolo importante nello sviluppo dell’arte giapponese tra il VI e il XVI secolo. L’arte buddista e il pensiero religioso buddista arrivarono in Giappone dalla Cina attraverso la Corea e l’arte buddista fu incoraggiata dal principe ereditario Shōtoku nel periodo Suiko nel sesto secolo e dall’imperatore Shōmu nel periodo Nara nell’ottavo secolo. Nel primo periodo Heian l’arte e l’architettura buddista influenzarono notevolmente le arti tradizionali shintoiste e la pittura buddista divenne di moda tra i ricchi giapponesi. Il periodo Kamakura vide una fioritura della scultura buddista giapponese, le cui origini sono nelle opere dello scultore dell’epoca Heian Jōchō. La setta Amida del buddismo ha fornito le basi per molte opere d’arte popolari. L’arte buddista divenne popolare tra le masse attraverso dipinti di scorrimento, dipinti usati nel culto e dipinti di Buddha, vite di santi, inferni e altri temi religiosi. Sotto la setta Zen del Buddhismo, la ritrattistica di preti come Bodhidharma divenne popolare così come la calligrafia a scorrimento e la pittura a pennello sumi-e.
Asuka e Nara periodi
L’arte buddista fu introdotta in Giappone insieme alla religione buddista nella metà del sesto secolo, quando secondo la tradizione, Seong di Baekje inviò una statua del Buddha insieme ad alcuni sutra all’Imperatore Kinmei. Il periodo Asuka (552-645) vide la graduale crescita delle influenze artistiche e religiose cinesi e coreane sulla cultura giapponese. L’influenza cinese crebbe nel periodo Nara (645-784) quando la corte giapponese iniziò a modellarsi in una forma cinese, e il buddismo continuò a diffondersi in tutto il Giappone, integrando al suo interno la religione giapponese dello shintoismo.
La scultura di questo periodo mostra, come quasi tutta la scultura successiva, l’influenza dell’arte continentale. Tori Busshi discendente di un immigrato cinese seguì lo stile della scultura di Wei del Nord e stabilì quella che è diventata la scuola di scultura Tori. Esempi notevoli di opere di Tori sono la Triade di Sakyamuni (o triade di Shaka) che sono le principali icone della Sala d’oro del tempio di Hōryū-ji e del kannon Boddhisatva della Yumedono Hall dello stesso tempio, noto anche come Guze Kannon. Costruito all’inizio del 7 ° secolo come tempio privato del principe ereditario Shōtoku, Hōryū-ji è composto da 41 edifici indipendenti. I più importanti, la principale sala di culto, o Kondō (Sala d’oro), e Gojū-no-tō (Pagoda a cinque piani), si ergono al centro di un’area aperta circondata da un chiostro coperto. All’interno del Kondō, su una grande piattaforma rettangolare, sono alcune delle sculture più importanti del periodo tra cui la triade di Sakyamuni.
Nella Triade di Sakyamuni, Sakyamuni, il Buddha centrale, è assistito da altre due figure, Bhaisajyaguru alla sua destra e Amitābha alla sua sinistra. Le statue sono datate al 623. Lo stile della statua è caratterizzato dalla bidimensionalità della figura e dalle raffigurazioni ripetitive simili a motivi del tessuto su cui si appoggia la triade.
Il primo periodo di Nara vide un movimento verso stili più naturalistici che emergono dalla Cina. La Triade di Yakushi mostra il Buddha guaritore che presiede la Terra Pura Orientale a cui partecipano due Bodhisattva Nikko e Gakko. La triade, ospitata nel tempio Yakushiji (settimo secolo a Nara), rivela influenze cinesi e dell’Asia centrale nella sua definizione anatomica, naturalismo e drappeggio realistico.
Questa scultura mostra anche le radici dell’arte giapponese nell’arte greco-buddista di Gandhara del I-III secolo, caratterizzata da fluidi motivi di vestizione e rendering realistico, su cui si sovrapponevano i tratti artistici cinesi e coreani. Dopo che l’arte buddhista cinese del nord del Wei si era infiltrata in una penisola coreana, le icone buddiste furono portate in Giappone dagli immigrati coreani. In particolare, la forma semi-seduta di Maitreya è stata adattata in uno stile artistico dell’antica Grecia molto sviluppato che è stato trasmesso al Giappone come evidenziato dal Kōryū-ji Miroku Bosatsu e dalle statue di Chūgū-ji Siddhartha. I Tre Regni di Corea, e in particolare Baekje, furono strumentali come agenti attivi nell’introduzione e formazione di una tradizione buddista in Giappone nel 538 o nel 552. Illustrano il punto terminale della trasmissione dell’arte della Via della Seta durante i primi secoli della nostra era. Altri esempi si possono trovare nello sviluppo dell’iconografia del dio del vento giapponese Fūjin, dei guardiani del Niō e dei motivi floreali quasi classici nelle decorazioni dei templi.
La costruzione del tempio nell’ottavo secolo era incentrata sul Tōdai-ji a Nara. Costruito come quartier generale per una rete di templi in ciascuna delle province, il Tōdaiji è il complesso religioso più ambizioso eretto nei primi secoli del culto buddista in Giappone. Appropriatamente, il Buddha di 16,2 m (53 piedi) (completato 752) custodito nella sala del Buddha principale, o Daibutsuden, è un Buddha Rushana, la figura che rappresenta l’essenza della Buddità, così come il Tōdaiji rappresentava il centro per il Buddismo sponsorizzato dall’Impero e la sua diffusione in tutto il Giappone. Solo pochi frammenti della statua originale sopravvivono e l’attuale sala e il Buddha centrale sono ricostruzioni del periodo Edo.
Sotto il sistema di governo di Ritsury nel periodo di Nara, il buddismo fu pesantemente regolato dallo stato attraverso il Sōgō (僧 綱, Office of Priestly Affairs). Durante questo periodo, Tōdai-ji fungeva da tempio amministrativo centrale per i templi provinciali per le sei scuole buddiste in Giappone all’epoca.
Esempio:
Il bronzo Shakyamuni Daibutsu (4,8 metri) è la più antica scultura del Buddha in Giappone, lanciata da Tori Busshi nel 609.
Kannon (Avalokitesvara) o Guze Kannon, legno placcato in oro, corona: bronzo dorato. All’inizio del 7 ° secolo CE, Horyu-ji, Nara.
Bodhisattva, periodo di Asuka, VII secolo. Museo Nazionale di Tokyo.
Piastrella con Buddha seduto
Mattonelle di tetto del tempio Nara del VII secolo che mostrano l’influenza greco-buddista.
Triade di Yakushi a Yakushi-ji, Nara. Originariamente costruito a Fujiwara-kyō nel 680, trasportato a Nara nel 718.
Sala dorata di Hōryū-ji
Pagoda a cinque piani di Hōryū-ji
Sala d’oro di Tōshōdai-ji a Nara
Lecture Hall di Tōshōdai-ji a Nara
Pagoda orientale di Yakushi-ji, Nara.
Grande sala del Buddha di Tōdai-ji a Nara
Grande Buddha di Tōdai-ji a Nara
Periodo Heian (794-1185)
Nel 784, l’imperatore Kanmu, minacciato dal crescente potere secolare delle istituzioni buddiste di Nara, trasferì la capitale a Heian-kyō (Kyōto), che rimase la capitale imperiale per i successivi 1.000 anni. Il termine periodo Heian si riferisce agli anni tra il 794 e il 1185, quando fu istituito lo shogunato Kamakura alla fine della Guerra di Ginevra. Il periodo è ulteriormente suddiviso in Heian iniziale e nel tardo periodo Heian, o Fujiwara, la data principale è l’894, anno in cui le ambasciate imperiali in Cina sono state ufficialmente interrotte.
Il buddismo cominciò a diffondersi in tutto il Giappone durante il periodo Heian, principalmente attraverso due principali sette esoteriche, Tendai e Shingon. Il Tendai è nato in Cina e si basa sul Sutra del Loto, uno dei sutra più importanti del Buddhismo Mahayana; Saichō era la chiave per la sua trasmissione in Giappone. Shingon (vera scuola di parole) è una setta indigena con strette affiliazioni al pensiero buddista cinese influenzato fondato da Kūkai (meglio conosciuto con il suo titolo postumo Kōbō Daishi, 774-835) che viaggiò in Cina e studiò il buddismo indiano e cinese, oltre che il cinese calligrafia e poesia. Lo stesso imperatore Kanmu era un mecenate notevole della setta Tendai, che divenne un grande potere nei secoli successivi. Kūkai impressionò molto gli imperatori che succedettero all’Imperatore Kanmu, e anche generazioni di giapponesi, non solo con la sua santità ma anche con la sua poesia, calligrafia, pittura e scultura. La pratica buddista di Shingon si basa su vari rituali, tra cui il canto di mantra, puja, gesti delle mani (mudra) e meditazione attraverso la visualizzazione dei mandala. Il ruolo centrale del rituale nel buddhismo esoterico giapponese portò a una fioritura delle arti religiose nel periodo Heian. Questi dipinti religiosi, mandala e statue hanno fornito ai praticanti un modo per contemplare divinità e concetti buddisti. Un famoso esempio di Shingon Mandala è il mandala di Taizokai (Womb World). Parte del Mandala dei Due Regni, il mondo dell’utero è composto da 12 zone che rappresentano diverse dimensioni della natura di Buddha. Al centro siede il Buddha Vairocana nel loto della compassione circondato da Buddha e Bodhisattva. La setta Shingon credeva che tutti gli esseri avessero una natura innata di Buddha.
I templi eretti per la setta Shingon come quella al Monte. I Kōya furono costruiti sulle montagne di Kii, molto lontano dalla corte e dai laici della capitale. La topografia irregolare di questi siti costrinse gli architetti giapponesi a ripensare ai problemi della costruzione di templi, e così facendo scelse più elementi indigeni del design. I tetti in corteccia di cipresso hanno sostituito quelli delle piastrelle di ceramica, sono state usate tavole di legno al posto dei pavimenti in terracotta e una zona di culto separata per i laici è stata aggiunta di fronte al santuario principale. Il tempio che meglio riflette lo spirito dei primi templi Heian Shingon è il Murō-ji (inizi del 9 ° secolo), immerso in una distesa di cipressi su una montagna a sud-est di Nara.
Nel periodo di Fujiwara, il Buddismo della Terra Pura, che offriva facile salvezza attraverso la credenza in Amida (il Buddha del Paradiso Occidentale), divenne popolare. Questo periodo prende il nome dal clan Fujiwara, il più potente del paese, che regnò come reggente per l’Imperatore, diventando, in effetti, dittatori civili. Contemporaneamente, la nobiltà di Kyoto sviluppò una società dedita a fini estetici eleganti. L’Hō-ō-dō (Phoenix Hall, completato nel 1053) del Byōdō-in, un tempio di Uji a sud-est di Kyoto, è l’esemplare delle sale di Fujiwara Amida. È costituito da una struttura rettangolare principale fiancheggiata da due corridoi ad ala a forma di L e da un corridoio di coda, situato sul bordo di un grande stagno artificiale. All’interno, una singola immagine dorata di Amida (1053 circa) è installata su un’alta piattaforma. La scultura di Amida fu eseguita da Jōchō, che rese popolare la tecnica cinese di creare un’opera da diversi pezzi più piccoli di legno scolpito (yosegi). Sebbene limitasse la quantità di dettagli superficiali che l’artista poteva intagliare in ogni pezzo, il metodo costrinse lo scultore a trasmettere il suo messaggio previsto entro questi limiti. Ciò ha portato a pezzi dall’aspetto più raffinato ed effimero. Ancora più importante, ha permesso a diversi assistenti di lavorare sulla scultura in una sola volta, accelerando notevolmente il processo. Jōchō, come il maestro, ha fatto il lavoro di rifinitura. La tecnica ha anche portato a proporzioni sistematiche delle parti del corpo e semplici dettagli superficiali, poiché questi hanno accelerato la creazione delle parti costitutive e la formazione del pezzo finito.
Gli storici dell’arte citano spesso questo nuovo canone di proporzioni come prova del genio di Jōchō. Ha basato le misurazioni su un’unità pari alla distanza tra il mento e l’attaccatura dei capelli della figura scolpita. La distanza tra ogni ginocchio è uguale alla distanza dal fondo delle gambe ai capelli. Le ginocchia larghe e distanziate formano così la base di un disegno triangolare, trasmettendo una sensazione di stabilità e pace. L’effetto è ulteriormente accentuato dal contrasto di altri elementi nel design, in particolare gli aloni delle figure. Questi sono dettagliatamente dettagliati, con tennini danzanti, nuvole e fiamme. Le espressioni delle sculture di Jōchō trasmettono compassione ed eleganza, e la scultura dettagliata e precisa dei lineamenti del viso proietta una certa gentilezza.
Il metodo dell’officina di dividere il lavoro tra diversi artigiani è stato catturato, così come lo stile di Jōchō. La sua scuola fu imitata da scultori in tutto il Giappone per i successivi 150 anni, poiché la scultura giapponese si trasformò in un’ortodossia conformista prima di essere reinventata nel periodo Kamakura.
Con la crescente importanza delle sette della Terra Pura del Buddhismo giapponese nel decimo secolo, furono sviluppati nuovi tipi di immagine per soddisfare i bisogni devozionali di queste sette. Questi includono Raigozu (来 迎 図), che raffigurano il Buddha Amida insieme ai Bodhisattva Kannon e Seishi che arrivano per accogliere le anime dei fedeli defunti nel Paradiso Occidentale di Amida. Un famoso primo esempio risalente al 1053 è dipinto all’interno della Phoenix Hall del Byōdō-in, un tempio di Uji, a Kyoto. Questo è anche considerato un primo esempio del cosiddetto Yamato-e (大 和 絵), o “pittura in stile giapponese”, nella misura in cui include elementi del paesaggio come dolci colline che sembrano riflettere qualcosa dell’aspetto reale del paesaggio del Giappone occidentale. Stilisticamente, tuttavia, questo tipo di pittura continua ad essere informata dalle tradizioni della pittura di paesaggio cinese “blu e verde” della dinastia Tang. “Yamato-e” è un termine impreciso che continua a essere discusso tra gli storici dell’arte giapponese.
Esempio:
Oagida di Daigo-ji a Kyoto. Fu costruito nel 951.
Kongokai (vajra) mandala – Scuola buddista tantrica Shingon
Fugen enmei, il Bodhisattva della virtù universale che prolunga la vita, 12 ° secolo. Inchiostro, colore, oro e argento su seta.
Mandarado di Taima-dera in Katsuragi. Fu costruito nel 1161.
Pagoda di Ichijō-ji. Fu costruito nel 1171.
Nirvana del Buddha. Scorrimento appeso, 267,6 cmx 271,2 cm. Colore su seta. Situato a Kongōbu-ji, il monte. Kōya.
Pagoda a cinque piani al Murō-ji. Fu costruito nell’800.
Shaka che sale dalla bara d’oro. Late Heian, scroll sospeso.
Pittura murale sulla porta orientale di Byōdō-in, Detail
Pittura murale sulla porta sud di Byōdō-in
Achala Vidyaraja (Re della saggezza), 1100-1185.
Bodhisattva Samantabhadra.
Amitabha Buddha. Late Heian, colore su seta Yushihachimanko Juhachika-in Temple. Centrale di tre pergamene appese.
Periodo Kamakura (1185-1333)
Il Giappone subì una serie di guerre civili nel tardo 12 ° secolo tra diverse famiglie rivali, che alla fine portarono alla nascita dello shogunato feudale di Kamakura, così chiamato perché la famiglia vittoriosa, il clan Minamoto, stabilì la sua base politica a Kamakura. L’imperatore rimase a Kyoto come un prestanome, ma l’effettivo potere politico si basava sullo shōgun. Il periodo Kamakura vide il ristabilimento dei legami culturali con la Cina, così come la crescita del Buddismo Zen e del Buddismo della Terra Pura come i due rami principali del Buddhismo giapponese.
Questi nuovi mecenati Kamakura favorirono anche un’arte più realistica e naturalistica che è esemplificata dalla scultura della scuola Kei. La scuola Kei si sviluppò da quella guidata dal busshi (scultore buddista) Jōchō, dal suo successore Kakujō, e dal figlio di Kakujō Raijō, i principali scultori delle generazioni precedenti. A volte si dice che questi artisti abbiano fondato la scuola Kei; tuttavia, la scuola non sarebbe stata propria e sarebbe stata associata al nome “Kei” fino a quando Raijō gli succedette Kōkei e Unkei intorno all’anno 1200.
Tra gli scultori della scuola Kei, Unkei è il più famoso e considerato il più abile scultore del periodo. Tra le sue opere, un paio di grandi Nio (o Kongō Rikishi) in Tōdai-ji raffigurano guardiani muscolosi in una drammatica posizione di contrapposto. Le sculture di Unkei dei sacerdoti indiani Mujaku e Seshin in Kōfuku-ji dimostrano un nuovo realismo da ritratto. Entrambe le statue sfoggiano vesti sacerdotali che incorniciano realisticamente i loro corpi. Stanno a grandezza naturale e da soli e sono completamente scolpiti a tutto tondo come se fossero pensati per essere visti da qualsiasi angolazione. Mujaku è raffigurato come un uomo magro che manipola una sorta di santo oggetto avvolto in stoffa. Sembra riservato e riflessivo. Seshin, al contrario, è raffigurato in una conversazione a metà, gesticolando e parlando, un contrappeso estroverso al solenne Mujaku. Gli uomini vengono mostrati come persone specifiche, non semplicemente come membri di un tipo di azioni.
Unkei aveva sei figli scultori e il loro lavoro è anche intriso del nuovo umanesimo. Tankei, il figlio maggiore e un brillante scultore, divenne il capo dello studio. Kōshō, il 4o figlio ha prodotto una notevole scultura del maestro buddhista giapponese del X secolo Kuya (903-972). Kaikei fu un collaboratore di Unkei e lavorò con lui sulle statue della Nio nel 1203. Lavorò con il prete Chogen (1121-1206): il direttore del progetto di ricostruzione Tōdai-ji. Molte delle sue figure sono più idealizzate di Unkei e dei suoi figli e sono caratterizzate da una superficie splendidamente rifinita, riccamente decorata con pigmenti e oro. Le sue opere sono sopravvissute più di 40, molte delle quali sono firmate da lui stesso.
Gran parte delle città di Nara e Kyoto furono distrutte nella guerra di Genpei del 1180-1185. Alla scuola Kei fu concessa l’opportunità di restaurare i più grandi templi di Nara, il Tōdai-ji e il Kōfuku-ji, sostituendo le loro sculture buddiste. La figura principale in questo sforzo fu Shunjobo Chogen (1121-1206), che era noto per aver fatto tre viaggi in Cina per studiare scultura. Il progetto di restauro Tōdai-ji è durato parecchie generazioni, da circa 1180 a 1212, e ha attinto estesamente agli stili cinesi Tang e Song, introducendo nuovi elementi stilistici pur rimanendo fedele alla tradizione.
Alcuni dei dipinti più popolari del periodo Kamakura raffigurano un Amida Buddha in ascensione. Il principio principale del Buddhismo della Terra Pura è che recitare il nome di Amida potrebbe portare a una reincarnazione nella terra pura. Così, i rotoli di Amida sarebbero stati appesi nella stanza dei morenti che sarebbero stati salvati cantando il mantra Amida.
Nel periodo Kamakura nuove sette buddiste, come Kegon e Nichiren, emersero e crebbero in popolarità. Queste sette hanno prodotto diversi generi distinti di pittura, compresi i dipinti di Suijako, che hanno cercato di riconciliare le due principali fedi giapponesi descrivendo le divinità scintoiste come prime manifestazioni del Buddha. Funziona come il Kegon Engi Emaki, un libro illustrato per aiutare le persone a capire il complicato carattere cinese, diventato più popolare tra la gente comune. Emakimono, o pergamene a mano lunghe e illustrate, servivano anche a illustrare la vita del Buddha e la storia dei principali leader buddisti.
Esempio:
Jōdo-dō di Jōdo-ji in Ono. Fu costruito nel 1194.
Danjogaran Fudodo in Mt. Kōya. Fu costruito nel 1197.
Nio guardiano in Tōdai-ji, di Unkei
Mujaku (Asanga) in Kōfuku-ji, di Unkei
Ritratto del monaco Kūya (CE 930-972), in totale circa cm di altezza, in legno, colorato, CE 13o secolo di Kosho
Statua con policromo, oro e cristallo. Questa statua raffigura Zocho-ten, Guardian (shitenno) del sud.
Statua di Raijin in Sanjūsangen-dō, Kyoto, Giappone. Alto circa 1 metro, datato al 13 ° secolo
Amida che sorvola la Montagna dal Museo Nazionale di Kyoto risalente al XIII secolo. Scorrimento appeso, 120,6 cm x 80,3 cm. Colore su seta.
Kamakura Daibutsu (Amida Buddha) a Kōtoku-in.
Monju attraversa il mare. Scorrimento appeso, 143,0 cm × 106,4 cm. Colore su seta. Situato a Daigo-ji, Kyoto.
La biografia illustrata del sacerdote Hōnen. Parte del handscroll (Emakimono), biografie illustrate di famosi sacerdoti.
Biografia illustrata del Sacerdote Ippen, Volume 7, dettaglio delle mani. Colore su seta. Dimensione della pergamena completa: 37,8 cm x 802,0 cm.
Periodo Muromachi (1333-1573)
Durante il periodo Muromachi, chiamato anche periodo Ashikaga, un profondo cambiamento ha avuto luogo nella cultura giapponese. Il clan Ashikaga prese il controllo dello shogunato e spostò il suo quartier generale a Kyoto, nel distretto di Muromachi. Con il ritorno del governo nella capitale, le tendenze popolari del periodo Kamakura finirono e l’espressione culturale assunse un carattere più aristocratico ed elitario. Durante il periodo Muromachi, il Buddismo Zen divenne famoso soprattutto tra i sovietici della classe dei samurai, i quali abbracciarono i valori Zen della disciplina personale, della concentrazione e dell’autosviluppo.
Lo sviluppo dei grandi monasteri Zen di Kamakura e Kyoto ha avuto un grande impatto sulle arti visive. A causa delle avventure secolari e delle missioni commerciali in Cina organizzate dai templi Zen, molti dipinti cinesi e oggetti d’arte furono importati in Giappone e artisti giapponesi profondamente influenzati che lavoravano per i templi Zen e lo shogunato. Queste importazioni non solo hanno cambiato l’argomento della pittura, ma hanno anche modificato l’uso del colore; i colori vivaci di Yamato-e ceduto ai monocromi della pittura nel modo cinese di Sui-boku-ga (水墨画) o sumi-e (墨 絵), questo stile usava principalmente solo inchiostro nero – lo stesso usato nella calligrafia dell’Asia orientale .
Il più importante pittore del nuovo stile Sumi-e fu Sesshū Tōyō (1420-1506), un sacerdote Rinzai che viaggiò in Cina nel 1468-69 e studiò la pittura contemporanea di Ming. Alcune delle sue opere più drammatiche sono nello stile cinese degli schizzi d’inchiostro (Haboku). Al suo ritorno in Giappone, Sesshū si costruì uno studio e fondò un grande seguito, pittori che sono ora indicati come la scuola di Unkoku-rin o “School of Sesshū”. Per realizzare uno dei dipinti calligrafici e altamente stilizzati di Haboku, il pittore avrebbe visualizzato l’immagine e poi fatto dei rapidi e ampi tratti sul foglio, ottenendo una composizione astratta e schizzata, il tutto fatto con una concentrazione meditativa. Questo stile impressionistico di pittura avrebbe dovuto catturare la vera natura del soggetto. Lo stile Sumi-e è stato fortemente influenzato dalla calligrafia, utilizzando gli stessi strumenti e lo stesso stile e la sua filosofia zen. Per dipingere in questo stile il praticante doveva liberare la sua mente e applicare le pennellate senza pensarci troppo, definito mushin (no “stato di assenza di mente”) dal filosofo giapponese Nishida Kitaro. Il concetto di mushin è centrale in molte arti giapponesi, tra cui l’arte della spada, il tiro con l’arco e la cerimonia del tè.
Verso la fine del XIV secolo, i monocromatici dipinti di paesaggi (sansuiga) avevano trovato il patronato della famiglia dominante Ashikaga ed era il genere preferito tra i pittori Zen, gradualmente evolvendosi dalle sue radici cinesi a uno stile più giapponese. Un altro pittore importante in questo periodo è Tenshō Shūbun, un monaco del tempio di Kyoto di Shōkoku-ji che viaggiò in Corea e studiò sotto i pittori cinesi. Tornò in Giappone nel 1404 e si stabilì a Kyoto, allora la capitale. Divenne direttore dell’ufficio di pittura di corte, fondato dagli shogun Ashikaga, che erano influenti mecenati d’arte. Il più famoso dipinto paesaggistico di Shūbun, designato come tesoro nazionale in Giappone, è Reading in un boschetto di bambù, ora conservato nel Museo Nazionale di Tokyo.
Un altro stile sviluppato nel periodo Muromachi è Shigajiku (詩 画軸). Questo è di solito un dipinto accompagnato da poesia e ha le sue radici in Cina, dove pittura e poesia erano viste come intrinsecamente connesse. Questo stile nasce dai circoli letterari, a un artista di solito viene dato un soggetto da dipingere e i poeti scrivono versetti accompagnatori da scrivere sopra il lavoro. Un esempio famoso è il rotolo “Cattura un pesce gatto con una zucca” (Hyōnen-zu 瓢 鮎 図) situato a Taizō-in, Myōshin-ji, Kyoto. Creato dal sacerdote-pittore Josetsu (1386 circa – 1428), include 31 versi di molti sacerdoti Zen scritti sopra il dipinto. In primo piano del dipinto un uomo è raffigurato sulla sponda di un ruscello che regge una piccola zucca e osserva un grosso pesce gatto scivoloso. Nebbia riempie la terra di mezzo, e lo sfondo, le montagne sembrano essere molto lontane. Il dipinto fu commissionato dal 4 ° Shogun del periodo Muromachi, Ashikaga Yoshimochi (1386-1428) e si basava sull’enigma assurdo “Come si cattura un pesce gatto con una zucca?”. Un esempio di uno dei Koan illustra lo stile della poesia inscritta sopra il dipinto.
In bilico! Con la zucca
Cerca di inchiodare quel pesce scivoloso.
Un po ‘d’olio sulla zucca
Aggiungerebbe la scorza all’inseguimento.
(Shusu [1423] Trans. Matsushita, 1974)
La pittura e le poesie di accompagnamento catturano sia la giocosità che la natura perplessa dei koan buddisti zen che avrebbero dovuto aiutare il praticante Zen nella sua meditazione ed era una pratica centrale della scuola di Rinzai.
Nel tardo periodo Muromachi, la pittura a inchiostro era emigrata dai monasteri Zen nel mondo dell’arte in generale, come gli artisti della scuola Kano e della scuola Ami adottarono lo stile e i temi, ma introducendo un effetto più plastico e decorativo che avrebbe continuato in tempi moderni.
Esempio:
Pagoda di Myō-in a Fukuyama. Fu costruito nel 1348.
Sala principale di Kakurin-ji a Kakogawa. Fu costruito nel 1397.
Il padiglione d’argento di Ginkaku-ji a Kyoto. Fu costruito nel 1489 (arte di Wabi-sabi, Higashiyama Bunka).
Giardino di Kinkaku-ji a Kyoto (Arte di Miyabi, Kitayama Bunka).
Giardino secco Ryōanji a Kyoto.
Giardino di Saihō-ji a Kyoto.
Giardino di Tenryū-ji a Kyoto.
Pagoda di Negoro-ji in Iwade, Wakayama. Fu costruito nel 1547.
Paesaggi autunnali e invernali di Sesshū.
Huike offre il suo braccio a Bodhidharma (1496) di Sesshū
Paesaggio di Shubun, pergamena appesa, 108 cm x 32,7 cm. Inchiostro e colore chiaro su carta, 1445. Situato nel Museo Nazionale di Nara.
Prendi il Bue, una delle dieci foto di Oxherding di Shubun, copia del XVII secolo dell’originale del dodicesimo secolo perduto.
Kano Motonobu, Kannon dalla veste bianca, c. prima metà del 16 ° secolo. Scorrimento appeso. Inchiostro, colore e oro su seta. 157,2 x 76,4 cm.
Periodo Azuchi-Momoyama (1573-1603)
Questo periodo vide l’ascesa della scuola Kanō (狩 野 派 Kanō-ha?) Che è una delle più famose scuole di pittura giapponese. La scuola di pittura Kanō era lo stile dominante della pittura fino al periodo Meiji. Fu fondata da Kanō Masanobu (1434-1530), un contemporaneo di Sesshū e studente di Shūbun che divenne un pittore ufficiale nella corte dello Shogun. Gli artisti che lo seguirono, incluso suo figlio, migliorarono il suo stile e i suoi metodi. Suo figlio, Kanō Motonobu (1476-1559) stabilì lo stile Kano come la principale scuola di pittura giapponese durante il periodo Muromachi.
In netto contrasto con il precedente periodo Muromachi, il periodo Momoyama di Azuchi era caratterizzato da uno stile policromo grandioso, con ampio uso di lamine d’oro e d’argento, e da opere su una scala molto grande. I pittori della scuola di Kanō erano frequentati da Oda Nobunaga, Toyotomi Hideyoshi, Tokugawa Ieyasu e dai loro seguaci. Kanō Eitoku ha sviluppato una formula per la creazione di paesaggi monumentali sulle porte scorrevoli che racchiudono una stanza. Questi enormi schermi e pitture murali furono commissionati per decorare i castelli e i palazzi della nobiltà militare. Questo status continuò nel successivo periodo Edo, poiché il bakufu Tokugawa continuò a promuovere le opere della scuola Kanō come l’arte ufficialmente sancita per lo shōgun, il daimyōs e la corte imperiale. L’ascesa della scuola di Kanō vide un inizio di allontanamento dai temi buddisti, poiché i committenti scolastici di Kano commissionarono dipinti di natura più laica per decorare i loro palazzi.
Tuttavia alcuni pittori in questo periodo continuarono a guardare indietro ai pittori-sacerdoti buddisti che avevano inizialmente influenzato la scuola di Kano. Uno di questi pittori era Hasegawa Tōhaku, che fu influenzato dalle pitture a inchiostro monocromatiche del pittore Muromachi Sesshū e sviluppò il suo stile di Sumi-e che guardava al minimalismo dei suoi predecessori. Tōhaku era infatti tanto innamorato delle tecniche di Sesshū Tōyō che tentò di rivendicare diritti come suo quinto successore, anche se perse in una battaglia legale con Unkoku Togan. Tuttavia, l’influenza di Sesshū è evidente in molte delle opere di Tōhaku da metà a fine, come il suo famoso Shōrin-zu byōbu (松林 図 屏風) schermo di alberi di pino, che sono stati dichiarati un tesoro nazionale del Giappone sono considerati i primi dipinti di la loro scala per rappresentare solo gli alberi di pino come materia.
La scuola fondata da Hasegawa Tōhaku è conosciuta oggi come scuola Hasegawa. Questa scuola era piccola, composta principalmente da Tōhaku e dai suoi figli. Per quanto piccoli, i suoi membri conservarono l’estetica tranquilla e riservata di Tōhaku, che molti attribuiscono all’influenza di Sesshū e del suo contemporaneo e amico Sen no Rikyū. Si sospetta che queste semplici estetiche protestino l’uso dell’intimidazione e della ricchezza dilagante nella scuola Kanō.
Esempio:
Pagoda di Shoman-in a Osaka. Fu ricostruito nel 1597.
Golden Hall of Daigo-ji a Kyoto. Fu ricostruito nel 1600.
Kaizando e Nyoirindo di Daigo-ji a Kyoto. Furono ricostruiti nel 1606.
Pagoda di Kirihata-ji in Awa. Fu costruito nel 1607.
Arte Zen
Sotto la setta Zen del buddismo, che divenne molto popolare in Giappone nel 14 ° e 15 ° secolo, furono spesso prodotti ritratti di sacerdoti zen. Lo Zen era una setta del buddismo che promuoveva la semplicità e meno coinvolta nell’adorazione, quindi i dipinti religiosi non erano necessari per questo motivo. Invece, i sacerdoti Zen hanno spesso dipinto immagini di insegnanti e maestri Zen. A differenza del precedente periodo Heian, in cui era stato considerato “scortese in epoca Heian copiare la somiglianza di una persona” [attribuzione necessaria] (Stanley-Baker 2000, 115), i ritratti zen erano ritratti ravvicinati che mostravano caratteristiche e dettagli facciali. Un ritratto del maestro Zen Muso Kokushi dipinto dal suo allievo Muto Shui, mostra un ritratto dettagliato del viso, con l’intero quadro che è solo un ritratto di testa e spalle. Questo è diverso dalla precedente pittura giapponese che raffigurerebbe le persone come figure più piccole. Anche i sacerdoti Zen hanno dipinto paesaggi, come il suiboku-ga, o pittura ad acqua e inchiostro nero, ispirato alla dottrina Zen.
Architettura
Il buddismo esercitò una tremenda influenza sull’arte giapponese in una varietà di modi e attraverso molti periodi della storia giapponese. Templi buddisti con le loro sale e torri a cinque piani furono costruiti in tutto il Giappone, e per questi templi furono create enormi sculture di Buddha.